¿De dónde surge la historia que vemos relatada en “Siembra”?
Surgió de un proceso de reflexión que iniciamos con dos amigos, Carlos Hoyos y Juan David Velásquez, sobre el concepto del desplazamiento. En este proceso nos interesaba, en primer lugar, el término mismo de desplazado, pensando en qué momento se deja de serlo, cuando más que un evento específico es una experiencia que lleva siempre la persona. En segundo lugar, veíamos las migraciones como una forma en la que se confirman y transforman las sociedades; sin embargo, en el caso del desplazamiento, la movilidad forzada genera un sentimiento de desarraigo, pues lo que se dejó no es sólo un espacio físico sino también un espacio cultural y social. De este proceso de investigación empezamos a construir una historia que, a través de Turco, nos presentara una forma de confrontar el desarraigo, de hacer duelo y cerrar heridas para volver a sembrar en otro lugar.
¿Cómo transformaron una investigación académica en un guion de ficción?
El proceso de investigación previo nos ayudó a concretar un punto de vista sobre el tema. Después de este ejercicio, el guion fue un proceso de transformar este punto de vista al lenguaje cinematográfico, haciendo uso de dispositivos, narrativa y dramática que lograran comunicar a través de la película ese punto de vista que teníamos sobre el fenómeno del desplazamiento, el desarraigo y el duelo.
¿Qué los llevó a tomar la decisión de utilizar actores naturales?
En la búsqueda de los actores priorizamos encontrar personas con experiencia artística en cine, teatro y/o música. Turco es interpretado por Diego Balanta, a quien conocemos desde hace más de 10 años como músico y cantautor. Celina es interpretada por Inés Granja, otra autora de música tradicional del Pacífico. En términos generales, dimos mucha prioridad a su experiencia en los procesos artísticos, a la confianza mutua, para desarrollar los personajes.
¿Cómo lograron que Diego Balanta se acercara al papel del Turco?
A Diego Balanta lo conocimos cuando realizamos un documental sobre la música del Pacífico colombiano. En una versión avanzada del guion buscamos darle rostro al personaje de Turco y pensamos en él por su capacidad de transformar la música en un discurso. En la preproducción realizamos casting, pero nos dimos cuenta de que Diego era la persona indicada para estar en Siembra, pues no sólo daba un rostro a ese personaje escrito en el guion, sino también un carácter a través del cuerpo y de las acciones. El trabajo desarrollado con Diego fue fundamentalmente desde el lenguaje de dirección, basado en la confianza que ya previamente teníamos con él y en la construcción de entornos dramáticos para cada escena que ayudaran a generar la emotividad y la reacción de ese personaje en cada escena.
¿Cómo fue su acercamiento a José Luis Preciado, Carol Hurtado y Jota Ramos, bailarines y músicos, y cómo llegaron a ser parte del elenco de “Siembra”?
José Luis fue el último actor que concretamos. Lo conocimos en un evento de bailes urbanos, y de su relación con lo artístico nos llamó mucho la atención su arraigo con la ciudad. También su aspecto físico y su carácter. Con el desarrollamos un ejercicio de compartir y conocer su mundo para integrarlo a la película, haciendo de nuevo esto que se había convertido en una máxima, como en la interpretación artística, y era no solamente que los actores dieran rostro sino que también dieran carácter a los personajes. A Jota Ramos lo conocíamos por un proyecto previo de intervención en el norte del Cauca. Nos gustaba mucho la coincidencia que tenía con el personaje de la película, en tanto una persona digamos emprendedora y con un alto sentido de lo social y lo colaborativo. Carol comparte con Jota la pasión por la música y tienen un grupo que se llama Haga Que Pase. Cuando hicimos el casting nos gustó mucho que había química entre esos dos personajes, en especial nos gustó mucho cómo Carol, siendo una actriz de profesión y de teatro, lograba tener esa frescura para interactuar y esa sensibilidad para conectarse con los otros personajes.
¿Por qué optaron por el blanco y negro para traer al cine esta historia del desarraigo?
El blanco y negro en la película es una estrategia retórica. Intentamos que de alguna manera nos hiciera sentir que nos están quietando algo, en este caso el color, para reflexionar acerca del desarraigo. La fortaleza reflexiva que tiene la imagen cinematográfica no está dada exclusivamente en recortar la realidad, sino en la pertinencia del desarrollo de un lenguaje que logre comunicar eso que unos autores están viendo sobre esa temática. Al suprimir el color notamos que se hacían relevantes otros elementos, además de lo reflexivo se hacían relevantes las texturas, se hacía relevante pensar que el mundo no está en blanco y negro sino en escala de grises.
¿Cuál es la importancia que tienen la música y el baile en la historia?
“Siembra” es una película sobre el duelo, y es importante entender el duelo no solamente como un canto a la muerte sino también un baile para la vida. El duelo es también un ritual, y en los rituales tanto la música como el baile son muy relevantes para la evolución corporal y emocional.
¿Por qué “Siembra” es un duelo que cuesta la vida?
Siembra es un duelo que cuesta la vida porque nos presenta un rito que permite ver que los duelos no solamente son una despedida ante un muerto sino un llamado para continuar viviendo. Es una doble dimensión del duelo, que puede implicar enterrar a alguien en un lugar y no verlo con vida nunca más, pero también plantar una semilla para poder crecer de nuevo en otro espacio. Cantar a la muerte para despedir a alguien, pero también puede ser un baile entre dos personas para confrontarse.