Un mes después del comienzo del gobierno de Abelardo de la Espriella, la ministra de las Culturas, Paola Holguín, se presentó a un debate de control político en la Comisión Sexta de la Cámara de Representantes.

Durante la sesión, la ministra fue llamada a responder a las preguntas que algunos representantes plantearon sobre la gestión de la cartera cultural en el último mes, los desafíos a los que se enfrenta el ministerio y las acciones que se han puesto en marcha tras el terremoto, entre otros temas.

El representante Mauricio Toro, del Partido Alianza Verde, cuestionó el recorte presupuestal propuesto del 29,6% frente a la promesa del nuevo gobierno de fortalecer el sector. Cabe recordar que el presupuesto radicado por el gobierno ante el Congreso para la cartera cultural será de COP 706.196 millones para el próximo año.

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Junto con Toro, otros representantes, como Hernán Muriel Pérez, mostraron preocupación por esta reducción, los programas que tendrían que ser recortados y en qué municipios sucedería esto.

Más allá de este tema, los representantes indagaron por los compromisos y pagos pendientes que heredó esta cartera del gobierno anterior, al igual que por los niveles de ejecución presupuestal del ministerio.

En su intervención, la ministra Paola Holguín se refirió a los cinco casos que se mencionaron en el “Libro de la verdad” que presentó el gobierno en agosto. De acuerdo con Holguín, estos fueron remitidos a la Fiscalía General de la Nación, la Contraloría y la Procuraduría.

Aunque Holguín reconoció que no se hizo un empalme con el ministerio liderado en ese momento por Yannai Kadamani, contó que se realizó una primera auditoría a través de información pública que resultó en los hallazgos publicados en el “Libro de la verdad”.

La ministra afirmó que entre las cuestiones que han causado preocupación entre su equipo ha sido el crecimiento de la planta y de personas contratadas por prestación de servicios. “La planta en los últimos 20 años, de 2003 a 2024, se mantuvo más o menos igual. Eso se establece a través de decretos. En 2003 eran 317 personas, en 2018: 314, en 2024: 312, pero a través de un decreto del 1591 de 2024, de golpe, crearon 323 empleos”, afirmó. También comentó que durante estas primeras semanas de trabajo en esta cartera hicieron una reducción de 19 cargos.

En ese sentido, aseguró que “vamos a alivianar la planta del ministerio. La plata de la cultura no puede ser para la burocracia, tiene que ser para el desarrollo misional del ministerio”.

Por otro lado, se refirió a los rezagos en el Programa Anual Mensualizado de Caja (PAC) y afirmó que están actualmente recibiendo reclamaciones por pagos no hechos. “Nosotros ya aprendimos una serie de alertas porque hay grandes problemas de gestión interna en el ministerio. Hay contratos vencidos sin liquidar, hay saldos sin conciliar, hay archivos de ejecución desactualizados y eso contribuye al rezago”, dijo.

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Según la ministra, actualmente manejan una deuda de COP 41 mil millones que heredaron del gobierno pasado y afirmó que pidieron al Ministerio de Hacienda casi COP 188 mil millones, de los que “el 35.4% corresponde a convocatorias y estímulos que no han pagado”.

Contó, además, que actualmente están en proceso de revisión de varios proyectos por posibles incumplimientos, para tres de ellos (el Teatro del Carmen de Viboral, el Museo Afro y el Teatro César Conto Ferrer de Quibdó) pidió el acompañamiento de la Contraloría. Más allá de esto, dijo que se está trabajando en un “plan de choque para tratar de destrabar proyectos suspendidos. Lo que vamos a mejorar son los sistemas de seguimiento y monitoreo”.

Con respecto a las preguntas que le hicieron los representantes a la Cámara sobre el patrimonio y los espacios culturales afectados por el terremoto, la ministra afirmó que, con corte a ayer en la noche, habían identificado 498 municipios afectados. Además de realizar el inventario sobre los bienes muebles e inmuebles y estructuras culturales dañadas, Holguín dijo que habían hecho visitas e inspecciones en 19 municipios con equipos de ingenieros estructurales del ministerio.

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Sin embargo, durante los días en los que esta cartea hizo público el inventario que levantaron, en redes sociales circularon comentarios sobre varios inmuebles afectados por el sismo que no aparecían en la lista.

Días después de la tragedia, el gobierno aprobó un decreto para autorizar intervenciones de emergencia a los Bienes de Interés Cultural dañados, como la Catedral de Manizales. Y Holguín afirmó que crearon el Protocolo de Actuación ante Ocurrencia de Sismos para la Atención de Bienes de Interés Cultural.

Por otro lado, en junio el sector cultural vio que se hundió la reforma a la Ley General de Cultura en el último debate en el Senado. Este proyecto de ley fue escrito durante el gobierno de Gustavo Petro y se redactó luego de múltiples encuentros con representantes de distintas áreas del sector cultural. La actual ministra de las Culturas afirmó que abrirá nuevos espacios de conversación. “Esto tiene que ser una construcción colectiva. Se va a retomar, pero la tenemos que hacer con todos los sectores”, afirmó.

Igualmente, reveló que su plan de desarrollo se estructurará alrededor de cinco pilares: salvaguardar el patrimonio y la memoria; dignificar y formalizar a artistas, artesanos y creadores; formar nuevas audiencias; llevar el talento colombiano al mundo; y fortalecer las industrias culturales y creativas de Colombia.

Ante las preguntas sobre los programas y leyes que fueron radicados durante el gobierno Petro, la ministra contó que antes de dar respuesta sobre los recursos que se asignarán a proyectos como los establecidos en la Ley Artes al Aula o la Ley de la Música, se enfocarán primero en desarrollar la reglamentación para estos.

“Muchos hablan de mercantilizar la cultura; no es esto, pero tampoco es negarse a entender que esto es una industria próspera que puede convertirse en un renglón importante de la economía”, aseguró la ministra.

La lideresa Manuela Gómez intervino en el debate y solicitó a la ministra que se realizaran reuniones con los diferentes sectores de la cultura, pues mencionó que ya diferentes representantes han enviado solicitudes de este tipo a la cartera.

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Una misión arqueológica conjunta hispano-egipcia, liderada por el egiptólogo español Josep Cervelló, ha revelado una “curiosa y preciosa” tumba de finales de la V dinastía del Imperio Antiguo de Egipto (2494-2345 a.C.) en la necrópolis de Saqqara, al suroeste de El Cairo.

El descubrimiento, que se realizó durante las excavaciones llevadas a cabo este verano por la misión arqueológica de la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB) y el Consejo de Antigüedades Egipcio, consta de una mastaba que cuenta atípicamente con dos capillas funerarias, ordenada construir por Yunmen, un alto funcionario bajo el reinado del faraón Djedkare Isesi, quien mandó enterrar ahí también a su padre, Iti, un funcionario provincial de menor rango.

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Según relató Cervelló, catedrático de Egiptología de la UAB, la tumba ha permitido revelar restos “de unos personajes curiosos, con un interés histórico y social y cultural muy grande”, mientras que para los arqueólogos la excavación ha supuesto además “la sorpresa de que es preciosa la tumba”.

“Tenemos un arquitrabe que es una maravilla, unos textos muy bonitos porque aun siendo fórmulas más o menos estereotipadas, pues están ajustadas un poco a la personalidad y a los cargos del propietario. Y luego, la decoración es preciosa, los relieves en algunos casos muy bien conservados, los colores bien conservados y algunos detalles deliciosos como los burritos y otros animales que pueden apreciarse”, indicó Cervelló durante una visita a la tumba antes de que se hiciera público el descubrimiento.

Cervelló apuntó en este sentido que además de ser “muy interesante y desde un punto de vista histórico y científico muy bonito”, la mastaba aporta también “la emoción de la belleza, una cosa que a veces parece que los arqueólogos y los historiadores tengamos que dejar de lado la cuestión estética”.

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La teoría de trabajo, y a falta de que se estudie a conciencia todo el material rescatado de la mastaba, es que la doble tumba refleja un proceso de ascenso social, el hijo de un funcionario provincial, convertido en alto funcionario y enterrado en una zona de gran prestigio social, que no se olvidó de traer a su padre para compartir su camino al más allá.

“Habrá que acabar de verlo, pero una posibilidad es que el funcionario fuera originario de esa provincia periférica que llegara a la corte y se quedara en Menfis, que era entonces la capital de Egipto, y su hijo, pues, fuera ya un funcionario de la administración central del Estado, que es quien construye la tumba”, añadió.

La zona de la excavación ya era conocida desde las excavaciones del arqueólogo francés Auguste Mariette en el siglo XIX, pero nunca antes había sido explorada y documentada de forma exhaustiva pese a que se conocía la existencia de un gran complejo de tumbas.

Parte de la idea de estudio que llevó al descubrimiento de la tumba era analizar la topografía de la zona y abordar el conocimiento de la necrópolis de Saqqara “como un lugar de vida”, al que los antiguos egipcios acudían a llevar ofrendas y donde se trabajaba de forma incesante en la construcción de monumentos funerarios.

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“Había una circulación de gente constante en los cementerios (...) Nos interesa el urbanismo del cementerio, la topografía del cementerio, las calles, las plazas, cómo se movía la gente, si hay culto en el exterior, por ejemplo, a veces en las capillas exteriores o en los nichos exteriores, pues cómo se producía ese culto. O sea, todo lo que es la vida”, apuntó Cervelló.

Así fue como, analizando mapas y reconstruyendo el trazado de la zona en busca de tumbas de sumos sacerdotes que los arqueólogos estimaban que se encontraban por ahí desde tiempos de Mariette, encontraron esta mastaba inédita e indicios de otras dos muy próximas que se espera excavar en futuras misiones.

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Hay quienes parecen tener la poesía en la esencia de su ser. Lucía Donadío es una de esas personas. Su pausa y tono al hablar dan la impresión de que todo el tiempo está declamando, de que su forma de comunicarse y de relacionarse con el mundo es a partir de palabras y de un ritmo que solo la poesía otorga.

El libro “Hacedme un duelo de labores y esperanzas”, que publicó el año pasado por los cinco años de la muerte de su hijo Camilo Duque Donadío, lo presentó en el marco de la Feria del Libro de Bucaramanga. Allí habló con Idania Ortíz sobre cómo fue escribir esa obra y sobre cómo la escritura hizo parte del duelo que sigue conviviendo con ella.

“El día de tu muerte / llegó como una tormenta de arena / que encegueció la casa / No habíamos probado aún / el pan amargo / de tu ausencia”, dice el poema Junio 28, que hace alusión a la fecha en la que murió Camilo Duque Donadío en un accidente mientras practicaba kayak.

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“Cada mañana despertamos / a otra vida”, dice en el mismo poema que leyó Lucía en su presentación, y que da cuenta de que, así como el amor perdurará, así mismo el duelo se queda para hacernos sentir que extrañar tiene tantas formas como la cotidianeidad y la vida misma nos permite. A veces un abrazo, otras veces un detalle, una llamada, o la sola posibilidad de poder pronunciar un nombre o un parentesco. Aquí, de pronto, extrañar puede adquirir la forma de las cosas que Camilo hallaba y guardaba en sus bolsillos cada vez que hacía una expedición y que por su ausencia ya no se acumulan en distintos lugares de la casa.

El libro, que halla su título en los versos de Antonio Machado, no solo tiene poemas y textos en prosa de Lucía Donadío, sino que incluye también de familiares y amigos de la autora como Diego Duque, Oreste y Alberto Donadío, Juan Mosquera, Jaime García Mafla, Juan José Hoyos, Regina Sepúlveda, Erica López, entre otras personas que la han rodeado y acompañado estos años en la esfera íntima de la familia y también en sus quehaceres como editora y líder de Sílaba, editorial que sostiene desde tierras antioqueñas.

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Además de tener poesía, elegiaca y un homenaje a su hijo, el libro es también un homenaje a la amistad y a los afectos, pues la presencia de cada amigo o familiar compone un tejido que define al amor de los seres queridos, o como dijo ella en su presentación: “el libro es como un árbol que se ha nutrido de todas las ramas, de todos los mensajes y poemas sobre Camilo”.

“Ya es costumbre que llueva como si fuera el fin del mundo. Y lo es. / Han estallado guerras en las que solo vence la indiferencia. / Hay países en llamas de los que no tendrás noticia. / La radio suena canciones que tus oídos no conocieron. / Han desaparecido glaciares, especies y esperanzas. / Ya son cinco / años / y en el calendario un mundo distinto / susurra tu presencia distante”, se lee, por ejemplo, en el poema Ya son cinco, de Juan Mosquera.

La naturaleza, la madera, las plantas, son elementos que Camilo en vida admiraba y con los cuales se relacionaba constantemente desde el arte o el deporte. En parte por eso, la casa de Lucía es una oda a los colores que la misma vegetación ofrece.

Su hijo cultivaba y eso hacía que desde antes de su partida su morada ya contara con varias plantas, pero desde que murió, Lucía ha cultivado cada vez más, al punto que sus amigos le dicen que “su casa ya no es una casa con jardín sino un jardín botánico con casa”.

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La paciencia del duelo, que muta, que a veces vuelve como un huracán y otras veces como apenas una ventisca, y también la paciencia de cuidar y ver crecer las plantas. El cuidado de lo segundo y la contemplación del paso del tiempo en el crecimiento de una flor convierten el duelo en una experiencia estética y en una experiencia con un sentido de belleza diferente. La vida que representa una planta y las formas que toma no se imponen a la ausencia, sino que la resignifican y le otorgan un propósito a todos esos amaneceres que escribió Donadío en los que parece que nuestra existencia es otra.

Domingo – Lucía Donadío

Cada domingo

Mueres en nosotros

Otra vez.

El río anega

Nuestros corazones

Sangrantes.

La llamada infame

Se repite

Como eco interminable.

Tu cuerpo

Recorre aún

Los afluentes del destino.

Donde un manantial de luz

Hasta el rápido

Que te devoró.

Sobrevives ahora

En las hojas

Del comino crespo.

La voz de tus ojos

No se cansa

De alabarlas.

En cada cuenco de

Madera

Tus manos son

El palpitar del árbol.

Y en nuestros ojos

Naúfragos

Renaces a cada instante

Como un pequeño sol.

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Recientemente se conoció la noticia de un nuevo atraco a un museo europeo. Esta vez, el asalto se dio en el Museo Renoir en Cagnes-sur-Mer, al sur de Francia. Los ladrones, que entraron a plena luz del día, intentaron llevarse cuatro pinturas del artista. Sin embargo, tras ser descubiertos y perseguidos por la policía, perdieron dos de los lienzos que fueron recuperados por las autoridades.

Este es el robo más reciente que se conoce en Europa, luego de que el pasado 27 de agosto se dieran dos atracos a museos en España y Austria.

Según informó el alcalde de la población francesa, Bryan Masson, los ladrones abrieron un hueco en la cerca del jardín. El alcalde detalló que los ladrones parecían estar “bien informados” sobre el museo que alberga obras del impresionista en la casa que habitó y que se encuentra a aproximadamente 16 kilómetros de Niza.

“Masson declaró a la emisora local Ici Azur que los dos ladrones cortaron la valla del jardín del museo con un cuchillo eléctrico o una sierra para metales, entraron al edificio por la planta baja y luego cortaron los clips que sujetaban los marcos de las obras de arte”, informó The Guardian.

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Los criminales entraron por el primer piso y las autoridades se desplazaron hacia el museo cuando se dispararon las alarmas a las 5:48 a. m. Tras la persecución por los jardines, los ladrones escaparon con dos piezas: “Mujer joven en el pozo” y “Retrato de Madame Colonna Romano”.

“Las sirenas del museo y de la policía hicieron que los ladrones se precipitaran y solo robaran cuatro obras del Museo Renoir de las doce que alberga el museo”, explicó el regidor ultraderechista.

Ambas obras pertenecían a la colección del Museo de Orsay y estaban en préstamo al Museo Renoir. La alcaldía estimó que las obras podrían avaluarse en USD 10,45 millones. Mientras que los recuperados son “Madame Pichon” y “Coco lisant”, célebre retrato del hijo de Renoir, con su larga cabellera rubia.

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La Fiscalía de Marsella asumió la investigación.

El Museo Renoir fue establecido en 1960 en la mansión donde el artista murió a los 78 años, en 1919. En esta institución se conservan aproximadamente 12 de sus pinturas y 40 de sus esculturas, además de fotografías, muebles y objetos como su silla de ruedas.

“Este incidente debe servir de advertencia sobre la protección de nuestros museos, que ahora se enfrentan a una nueva forma de delincuencia organizada que tiene como objetivo las obras de arte”, dijo el alcalde.

Este nuevo robo se da casi un año después del sonado atraco al Museo del Louvre y a pocas semanas de la publicación de un informe de Europol sobre los robos a estas instituciones y los nuevos modus operandi de los ladrones.

“Lamentablemente, sin más financiación para mejorar la seguridad de los museos, es probable que veamos un aumento en el número de robos”, afirmó James Rattcliffe, experto en robos de arte a la Associated Press. “Cada robo pone de manifiesto la percepción de que estos museos son objetivos relativamente fáciles. Esto solo puede alentar a algunos delincuentes a considerarlos lugares sencillos para robar”, declaró.

En un plan de 33 medidas presentado en julio, el Ministerio de Cultura francés recomendó retirar temporalmente algunas piezas de las vitrinas en los museos, a la espera de garantizar la “seguridad” de la exposición de estos “objetos más vulnerables”.

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En 2025 se estrenó el cortometraje “La Europa”, del director bumangués Jorge Pérez Aldana. Tras su paso por el FICCI, el filme que aborda la vida del líder campesino y compositor Andrés Narváez, quien, por su defensa del territorio de Los Montes de María, sufrió un atentado en 2014 y se exilió en España.

A un año del estreno del corto, el equipo de producción denunció a través de su cuenta oficial de Instagram que Narváez está siendo amenazado de muerte.

“Soy cineasta colombiano, director del documental La Europa, sobre la vida de Andrés Narváez, líder campesino de los Montes de María. Desde hace cinco años acompaño, con una cámara, su lucha por defender su tierra. Hay una guerra en Colombia que nunca se ha ido del todo. Cambia de nombre, cambia de siglas, cambia de gobierno, pero siempre vuelve a los mismos lugares y a la misma gente. Esta semana volvió a los Montes de María. Andrés y seis compañeros más —Argemiro Lara, Lácides Palme, Leder, Candelaria Barrios, José Marrugo y Osvaldo Contreras-recibieron un mensaje de texto que los declara objetivo militar. Lo firma alguien que se identifica como comandante de una estructura armada que se hace llamar EGC (Ejército Gaitanista de Colombia). Los acusa, junto al Comité Permanente por la Defensa de los Derechos Humanos (CPDH), de organizarse. Les dan 73 horas para dejar su propia tierra, o morir en ella”, se lee en el comunicado.

Además de denunciar las amenazas, Pérez Aldana pidió a las autoridades protección inmediata de la Unidad Nacional de Protección para los líderes, una investigación por parte de la Fiscalía para determinar el origen de las amenazas y “acompañamiento internacional ante un riesgo que se cuenta en horas, no en días”.

“La Europa es la historia de un hombre que decidió cantar en lugar de señalar. Hoy alguien quiere apagarle la voz para siempre, y con él, la de seis personas más. El cine que soñamos, el cine que construimos en un país como el nuestro, no puede quedarse solo en contar. Tiene que visibilizar, apoyar y proteger a quienes aparecen en nuestras películas”, escribió Pérez Aldana en el comunicado.

El corto documental cuenta la historia de Narváez y fue grabado entre 2021 y 2024 en Los Montes de María y Asturias, España. Además, relata la relación del líder campesino y compositor con la finca “La Europa” en Ovejas, Sucre. “La hacienda La Europa está compuesta por 1.321 hectáreas que, en 1969, fueron entregadas a 114 familias campesinas como parte de la reforma agraria. Décadas después, la violencia, los desplazamientos y las disputas por la propiedad convirtieron este territorio en un símbolo de las dificultades que enfrentan las comunidades rurales para permanecer y recuperar sus tierras”, reportó el diario La Vanguardia.

En años anteriores, situaciones similares ya habían ocurrido con el protagonista de la película “Los reyes del mundo”. El actor natural, Andrés Castañeda, interpretó a uno de los personajes principales de la película que se estrenó en 2022 y, en 2023, fue extorsionado y amenazado de muerte, tras no pagar las sumas elevadas de as extorsiones en la vereda antioqueña en la que vivía.

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Diego camina entre los escombros que dejó el terremoto del 10 de agosto en Pereira. Avanza por calles que hoy se han vuelto inhóspitas, donde el polvo se levanta desde los muros derrumbados, mientras recuerda que hace no mucho, en esos mismos lugares, él y su equipo grabaron un documental que rinde homenaje a esta ciudad. Pereira es hoy un símbolo de resistencia, solidaridad y reconstrucción, una ciudad que se levanta con el “recio empuje de sus titanes”. Es esa Pereira la que Diego ha querido capturar en su nueva obra cinematográfica: Un lugar de libertad, que se estrenará el 17 de septiembre.

Nos encontramos en una cafetería del barrio Cuba, uno de los rincones emblemáticos de Pereira. Diego Espinosa, director con más de 25 años de trayectoria, tiene esa mirada profunda que parece buscar respuestas a interrogantes sociales que pocos se atreven a explorar a través de la cámara. Al mismo tiempo, su trabajo es un intento constante por romper ese dicho de que “nadie es profeta en su tierra”.

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Después de varios años regresa con una trilogía que habla de ciudad y alma urbana. La primera entrega, Un lugar de libertad, muestra siete relatos que, a través de personajes y escenarios, buscan contar la historia de Pereira desde sus voces más diversas. Una obra de alta calidad que llegará a la ciudad para que, desde la pantalla, el público se reconozca en el otro.

“Aquí nacimos y aquí nos criamos”, dice mientras toma un sorbo del primer café de la mañana. “De mi infancia en Pereira recuerdo el colegio, los desayunos, la olla del café, las arepas. Dos televisores que teníamos. Todos esos recuerdos trato siempre de plasmarlos en mis películas”.

Desde muy pequeño tuvo claro su objetivo: a los 5 años ya sabía que quería ser director de cine, y a los 8, alquilaba películas en VHS para verlas hasta cinco veces al día.

La mirada que Espinosa ofrece sobre Pereira intenta captar esa idiosincrasia única de sus habitantes, una comunidad construida desde la asociatividad y el convite, pero también una ciudad que ha visto surgir personajes que la representan desde sus propios mundos.

Tras años de explorar esa visión, regresa con una trilogía documental sobre Pereira que abarca tres largometrajes: Un lugar de libertad, Soitamá y Postales borrosas del tiempo. Las dos primeras ya están terminadas, y pronto se estrenará la primera, Espinosa define este conjunto como su “trilogía arriera”.

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¿Cuáles fueron esos primeros registros audiovisuales que hiciste en Pereira como territorio, como imagen pensada?

Yo puedo hablar de que El Espanto fue ese primer trabajo, yo tenía la opción de entrar directo a televisión en Caracol, o hacer esa película que era totalmente mía, y tomé la decisión de hacer la película.

Esa determinación por aventurarse en el mundo del cine le llevó a ganar varios premios que a su vez le dieron la oportunidad de realizar su primera tetralogía llamada Seres. Que incluye, además de El Espanto: “El papa negro” que es la historia de Héctor Escobar Gutiérrez, y la Diva, persona de la comunidad LGBTI. Y un epílogo llamado Un lugar en el mundo.

¿Cómo nace Un lugar de libertad?

La idea como tal la escribí en el 2009, una idea que terminó convirtiéndose en la trilogía que te mencionaba, Un lugar de libertad, Soitamá y ahora Postales borrosas del tiempo. Yo decía que quería abordar esa idea de libertad que define muy bien Hugo Ángel Jaramillo, y es cómo contamos quiénes somos nosotros a través de la gente. Por ejemplo, en el documental se aborda el Deportivo Pereira, pero a través de las Aurirojas, el sector femenino de la hinchada. O con otro personaje, con un tema que me parece importante en la ciudad, como lo es la música de despecho, acá lo hacemos con un émulo de Darío Gómez, ¿Cómo contar la parte política? la contamos desde la historia de un líder comunitario, don Sinaí, que ayudó a fundar más de cinco barrios. Lamentablemente don Sinaí murió meses después de la grabación del documental.

¿Pereira ha sido contada erróneamente?

Yo creo más bien que ha sido poco contada y esa era una de mis intenciones con Un lugar de libertad.

¿Qué sensación genera estrenar un documental sobre Pereira días después del terremoto del 10 de agosto? ¿Cómo manejar la situación cuando las personas siguen sensibles y allí verán imágenes de una Pereira que ya no está?

Esta película la he tenido siempre en la cabeza como un homenaje a Pereira, a su gente. Ahora va a tener un elemento que tal vez podamos llamar de recuerdo, de memoria. Espero también que la gente de afuera pueda conocernos mejor, porque si bien es un documental sobre Pereira, es un trabajo que nos va a mostrar a nivel nacional, que vean en Pereira muchas cosas que de pronto no se han valorado lo suficiente y que ante todo quede como un registro para la memoria, para la historia. Este es un trabajo que se mostrará a nivel nacional e internacional.

*La premier de Un lugar de Libertad será de manera gratuita en albergues o sitios comunitarios de la ciudad de Pereira en los que actualmente se encuentran familias damnificadas por el terremoto del 10 de agosto, como una forma de honrar la historia, la memoria y la resiliencia de la sociedad Pereirana. Luego entrará a estreno nacional en salas de cine de todo el país.

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¿Desde “Historia del llanto” ya estaba pensada la trilogía? ¿Por qué quiso explorar, a partir de estas tres historias, la década del setenta en Argentina?

Fue para mí muy importante porque es la década en la que yo me formé. Tenía 11 años en 1970 y 21 en 1980, o sea que son los diez años, digamos, de mi formación personal, erótica, intelectual, social.

Y es una década que históricamente es muy crítica en la historia argentina, porque además está como partida en dos por el golpe militar. Entonces, la primera parte es como la década de los setenta del sueño revolucionario, digamos, y la segunda mitad es la década del horror, de la pesadilla del terrorismo de Estado.

¿Usted ha seguido explorando esa década del setenta? ¿Esas obsesiones que aparecen en estos libros las siguió abordando en otros, o cambiaron?

No, no la seguí trabajando de una manera explícita. La década nunca volvió al centro de mi trabajo, pero sí me parece que hay ciertas problemáticas que para mí se articulan un poco en esa década y que siguen siendo importantes y fértiles. Por ejemplo, la relación entre lenguaje y violencia, que es algo que yo creo que siempre me interesa, que aparece muy claramente en la literatura argentina y, en particular, en la literatura argentina de los años setenta. Creo que, aun cuando la experiencia histórica de la década pueda considerarse de algún modo cerrada, es una problemática que para mí sigue teniendo mucho que decir, sigue teniendo muchas aristas, muchos cabos sueltos. De hecho, en este momento, yo creo que vivimos en una época en la que la cuestión de la relación entre lenguaje y violencia es muy importante.

Empecemos con “Historia del llanto”. ¿Por qué empezar esta trilogía partiendo de ese concepto de lo emocional?

Bueno, es el tomo de la trilogía en el que el personaje es niño, digamos. Va de la niñez a una especie de adolescencia, aunque la novela va y viene del pasado al futuro y pasa por el presente. Para mí hay algo de la emoción que es muy importante para la formación de los sujetos políticos. Muy importante para el modo en que cierta experiencia política se transmite a gente que no está en edad todavía de tenerla, antes de leer o antes de ir a una manifestación o antes de militar en un partido político o en una agrupación.

O sea que, un poco, la idea que aparece en “Historia del llanto” es también la idea que se desarrolla en las otras dos novelas: que la política está siempre muy ligada a la intimidad, por lo menos la política que a mí me interesa como escritor.

Pasemos a “Historia del pelo”. ¿Por qué abordar esta historia desde esa estética y su relación con la política nacional? ¿Por qué tratarla desde algo tan poco ortodoxo como el pelo?

Ahí había como una especie de desafío que a mí me interesaba que las novelas plantearan. Es un elemento completamente insignificante a primera vista, es un elemento hasta frívolo, y a mí lo que me interesaba justamente era poner en contacto frivolidad y política, que se conectarían a partir del cuerpo, o sea, del pelo del cuerpo del protagonista. Y, en realidad, cuando empecé a escribir la novela, me di cuenta de que el pelo era un signo muy político en la época y que, en rigor, si uno lo piensa en términos históricos, el pelo siempre fue político. El pelo siempre fue un signo corporal que representaba algún tipo de sentido o de discurso o de postura política.

“Hay un momento en su vida en que piensa en el pelo como otros en la muerte”. ¿Cómo se trata en la literatura una obsesión y, en este caso, una como la del pelo, como muestra o manifiesto de una postura política?

Me parece que en todo lo que escribo siempre hay una obsesión que deja un rastro cuando no es directamente la célula, digamos, que protagoniza y que pone en movimiento la novela entera. Me gusta mucho la obsesión porque me parece que es, literariamente, un principio que organiza el mundo de una manera muy atractiva. Uno puede mirar el mundo a través de una obsesión perfectamente, es como la estructura de un delirio. Entonces, para un narrador, me parece que esa estructura es muy tentadora. Y me parece, además, que lo que tiene para mí la obsesión es que autoriza una especie de mirada completamente microscópica y exhaustiva sobre los elementos que la desencadenan.

Hablemos de “Historia del dinero”. Siguiendo la misma lógica, ¿por qué abordar la historia desde ese objeto de interés?

El dinero me interesaba a mí porque es un aspecto de la década del setenta del que se ha hablado muy poco, en realidad. Me refiero a la función del dinero en la situación política, en el contexto político.

El dinero marcaba algo muy clave en la política de los años setenta y, en particular, esa cosa que después los argentinos conocimos también de manera muy traumática, que es el costo de vida. Para mí, esa economía extraña, muy brutal, muy despiadada, que imponía de algún modo el proceder de los secuestros, planteaba una extraña relación entre el dinero y la política radicalizada.

Hay una afirmación dentro de la historia que dice que “vivir es arrepentirse”. Me llamó la atención esa relación entre el arrepentimiento y el transcurso de la vida.

Sí, no me acuerdo muy bien en qué contexto aparece la frase, pero supongo que lo que quería decir era más bien que vivir, digamos, implica básicamente equivocarse, tomar malas decisiones, cometer errores; que no hay manera de vivir sin cometer errores y que, por lo tanto, en cada paso que se da en esa vida que se vive siempre hay un porcentaje de “si hubiera hecho otra cosa”, ¿no? También es algo muy literario, en el sentido de que cuando uno cuenta una historia en un libro necesariamente tiene que tomar decisiones, elegir qué va a pasar.

Y al elegir qué va a pasar, forzosamente uno aniquila todas las alternativas que se presentaban en ese punto de la historia que está escribiendo.

Yo no soy un escritor muy de trama, pero me interesa que la trama aparezca de algún modo, aunque sea fantasmal, en lo que escribo. Me parece que todo escritor siempre tiene un poco esa sensación, como de que cada paso que da al escribir es de algún modo un avance en alguna dirección, pero también implica como liquidar, no vivir, no escribir opciones que muchas veces uno piensa retrospectivamente.

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La actriz estadounidense Susan Sarandon ha lamentado su exclusión de algunos proyectos por sus críticas a Israel aunque aprecia “un cambio en el relato”, dijo durante su paso por el Festival de Venecia por el estreno de la película ‘The Echo Chamber’, en la carrera por el León de Oro.

Le preguntaron a la actriz, durante la rueda de prensa en la Mostra, sobre el precio que ha pagado por su defensa pública de Palestina y sobre su regreso a un gran festival como el italiano.

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“Creo que el relato ha cambiado por completo en lo que respecta a la relevancia histórica de Palestina y a los vínculos del sionismo con Estados Unidos en nuestra política”, respondió Sarandon.

No obstante, aseguró ante los medios que algunos estudios han optado por no contratarla por sus opiniones.

“Aun así, recientemente me han quitado algunas películas porque hay agencias que siguen diciéndole a la gente que no me contrate, pero esa es la estructura de poder. Creo que, entre la gente, y especialmente a nivel internacional, me siento bienvenida”, afirmó.

Sarandon forma parte del reparto, junto al italiano Luca Marinelli y a la sueca Alicia Vikander, de la cinta ‘The Echo Chamber’, en la competición por el León de Oro de Venecia y rodada a partir del último guión realizado por el difunto Bernardo Bertolucci.

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Se trata de una íntima historia de amor en el apartamento de un músico en la que se entrelazan temas como los cuidados, las dependencias, el deseo o el control de los sentimientos.

La actriz estadounidense, Óscar por ‘Dead Man Walking’ (1995) y en los últimos tiempos fervorosa activista en favor de Palestina, agradeció públicamente al director de esta cinta, Andrea Pallaoro, por haber contado con ella para el proyecto.

“Agradezco a Andrea por no hacer caso de esas advertencias “, dijo, avisando deque “aún existen posturas muy arraigadas dentro de la industria” que le siguen siendo hostiles.

Sarandon también recordó su amistad con Bertolucci y su admiración hacia el maestro italiano desde que viera una de sus primeras obras, ‘Il conformista’ (1970).

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“Más tarde me hice muy amiga de él debido a mi relación con Louis Malle, y lo conocí como un tipo divertido”, rememoró.

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La ministra de las Culturas, Paola Holguín, posesionó hoy a los nuevos directores del Instituto Caro y Cuervo y del Archivo General de la Nación.

El Archivo General de la Nación será liderado por Andrés Rafael Ramos, jurista e historiador cordobés, mientras que el Instituto Caro y Cuervo será dirigido por Sergio Esteban Vélez, escritor y comunicador social.

“Con estos nombramientos, el Ministerio de Cultura fortalece la dirección de dos de las entidades más importantes para la memoria histórica, la investigación documental y el patrimonio lingüístico y literario del país”, mencionó la cartera en un comunicado.

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El nuevo director del Archivo General de la Nación, Andrés Rafael Ramos Cabrales es abogado de la Universidad del Rosario con estudios de posgrado en Derechos Humanos y Derecho Internacional Humanitario en la Universidad Externado de Colombia. Es magíster en historia por la Universidad del Norte y es miembro de la Academia de Historia de Córdoba, “desde donde ha participado en la reflexión sobre la memoria y el patrimonio documental de su región”, mencionó el comunicado.

Adicionalmente, se ha desempeñado como docente investigador de la Universidad del Sinú y en el sector público ejerció como defensor regional de la Defensoría del Pueblo en Córdoba. También es autor del libro El Sinú en la época de la madera: las actividades económicas y empresariales de George D. Emery & Co. (1883-1915), una investigación que examina cómo la región del Sinú se articuló a la economía mundial a través de la explotación maderera durante el periodo de expansión del capitalismo.

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Por su parte, Sergio Esteban Vélez, el nuevo director del Instituto Caro y Cuervo, es comunicador social de la Universidad de Antioquia. Estudió Lenguas Modernas y es magíster en Estudios Hispánicos (Literatura) por la Universidad de Montreal, con estudios adicionales en las universidades de Sherbrooke, Quebec y York.

Vélez ha tenido una trayectoria diplomática y política en la que se ha desempeñado como agregado cultural y encargado de negocios en la Embajada de Colombia en Suiza y Liechtenstein. Además, fue asesor senatorial en el Congreso de la República de Colombia y director de Cultura del Consejo de Cooperación Sur-Sur.

Por otro lado, ha sido columnista cultural y corresponsal de El Mundo de Medellín y analista cultural en Noticias Montreal. También es autos de varios poemarios y de libros de investigación como: El color en el arte moderno colombiano, Manzur en sus propias palabras y Olga Elena Mattei frente al canon de la poesía colombiana de su tiempo.

Fue ganador del Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar, el Premio Internacional José María Heredia y los Premios CIPA a la Excelencia Periodística.

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Antes de la Biblia, antes del púlpito y antes de los miles de feligreses que lo siguieron como el pastor que fundó la Casa Sobre la Roca, Darío Silva-Silva fue, ante todo, periodista. Hizo radio, prensa y televisión, y fue ahí, frente a los micrófonos y las cámaras, donde sintió que la vida se le vino abajo.

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En un video que compartió hace dos años el canal de su iglesia, Hechos y Crónicas TV, Silva-Silva aparece sentado en un sofá, vestido como tantas veces se le vio hasta el final: traje, corbata y un pañuelo asomando del bolsillo. Desde ahí habló de su historia, la que comenzó en Tarqui, Huila, donde nació el 27 de junio de 1938. También de uno de sus antepasados, Ignacio Silva Silva, quien fue médico, general del Ejército Conservador de los Mil Días, diputado y senador, y cuyo nombre llevaría años después el centro cultural de Tarqui.

A su manera, Darío Silva-Silva continuó la historia que vinculaba a su apellido con la vida cultural del departamento. En su juventud fue uno de los fundadores de “Los Papelípolas”, conocido como el primer grupo cultural y literario que reunió en el Huila.

Su vida en el periodismo

Al oficio que ejerció durante casi 30 años llegó por iniciativa de su hermana Leonor. Fue ella quien lo matriculó en la academia radial que dirigía el profesor Manuel Cabral Jiménez. Allí comenzó su formación como locutor y periodista, después de haber pasado por la Escuela de Artillería.

La radio lo llevó primero por el Huila. Fue director de Radio Sur, en Pitalito, y de ahí lo llamaron a la Radio Colosal, en Neiva. Después llegó a Bogotá, donde pasó por medios como el Telenoticiero Nacional, Radio Televisión Interamericana (RTI) —donde dirigió El Pulso de la Nación—, Cromos y RCN.

Durante esa trayectoria, cubrió la toma del Palacio de Justicia y la tragedia de Armero. En 1987, ganó el Premio Simón Bolívar por “La otra Colombia en Nueva York”, un trabajo de investigación, que realizó junto con Francisco Tulande.

Noticolor y la defensa de Turbay

Pero hubo un episodio que partió en dos su carrera periodística, y también su vida: Noticolor, el noticiero que dirigió y del que fue empresario entre 1979 y 1983.

Era la época de la presidencia Julio César Turbay y Silva-Silva había convertido ese noticiero en una de las voces que defendían al gobierno. Sus críticos encontraron una forma de resumir esa cercanía con el poder: “Lambicolor”.

“Noticolor fue una experiencia interesante por todos los aspectos, pero me trajo muchísimos inconvenientes porque yo era el que tenía que salir como pararrayo del gobierno a defender la obra oficial. Turbay no tenía prensa amiga. Los medios eran adversos. Entonces, yo aparecía como un tipo que va en contravía a la hora pico o la séptima; todos iban para el norte y yo iba para el sur. El Noticiero registraba toda la actualidad nacional como tal, plano, sin ninguna proclividad, sin ninguna inclinación. El problema era el punto focal era mi comentario. Porque yo siempre aprendí con don Alberto Galindo, que fue mi maestro de periodismo, que la información es sagrada, pero el comentario es libre”, contó Silva en el video que compartió Casa sobre la Roca.

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El fin de Noticolor llegó con las elecciones de 1982. Ganó Belisario Betancur y la publicidad oficial desapareció del noticiero.

Silva-Silva insistió en que no había sido el nuevo presidente quien había ordenado perseguirlo. Fueron, según su versión, funcionarios que creyeron que al hacerlo estaban ayudando al nuevo gobierno.

“Me convirtieron en una especie del hueso para el perro. La misma noche que Belisario ganó las elecciones, la gente recorría las calles y curiosamente las consignas eran: muera Darío Silva, abajo Lambicolor”, contó el pastor.

El noticiero intentó resistir. Silva señaló que entre mayo y diciembre de 1982, puso 800.000 pesos diarios para mantenerlo al aire sin los 30 segundos de publicidad. No alcanzó. Las deudas crecieron y llegaron los pagarés, las hipotecas, los cheques devueltos y tres embargos sobre sus bienes. Terminó por ceder a Darío Restrepo y a Cecilia Orozco.

“Mi profesión de toda la vida, el periodismo, me resultaba inservible como un arma sin municiones”, escribió Silva-Silva, según aparece en el video.

Preparó un testamento. Anotó lo que tenía y cómo debía repartirse para que sus acreedores quedaran satisfechos. Después llamó a su prima Cecilia Heriarte. Necesitaba un millón de pesos. Media hora después, Cecilia volvió a llamarlo: una mujer de su grupo de oración estaba dispuesta a prestarle el dinero.

La mujer llegó sin conocerlo. “Yo no conozco su vida, pero la palabra de Dios no miente: usted está en grave peligro de morir. La situación en la que usted se encuentra se debe a una sola razón: usted no tiene un contacto con Dios (...) Y yo dije, bueno, si he probado tantas cosas, voy a probar esta”, contó Silva.

Después vinieron los estudios de teología, una licenciatura y un doctorado en Divinidades en la Universidad St. James de Estados Unidos. El grupo de oración que había comenzado mientras trabajaba en RCN, con 72 personas, terminó convertido en una iglesia. Era el comienzo de Casa Sobre la Roca.

La transformación desconcertó a quienes lo habían conocido antes. El periodista de temperamento fuerte, el hombre al que sus críticos habían señalado de defender de forma acérrima una postura política, aparecía ahora como pastor.

En el mismo video que compartió la iglesia, aparece el periodista Juan Gossaín con una frase que describe lo que significó ese momento en la vida de Silva-Silva: “A mí me parece que Noticolor, la crisis, la vanidad humana (...) fue el camino de Damasco de Darío Silva y entonces hoy es un convencido que habla muy bien, pero que está espiritualmente lleno de lo que está haciendo, porque si no, por mucho que uno hable bien, por mucho que uno sea convincente, si no está espiritualmente convencido, no lograría lo que Darío ha logrado”.

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“Paz, amor y buen genio” fueron las palabras con las que Juan Guillermo Ríos cerró durante cuatro años las emisiones de su Noticiero de las 7, uno de los programas por los que es más recordado. El periodista murió el pasado 6 de septiembre en Medellín, rodeado de sus seres queridos.

Nació en la ciudad de la eterna primavera y fue el cuarto de once hermanos. Su rostro se convirtió en uno de los más conocidos del país durante la década de 1980 gracias al noticiero que conducía. En algún momento se refirieron a él como el periodista más “dateado” del país.

Durante más de cinco décadas desarrolló una carrera ligada a la radio, la televisión, la prensa, la asesoría en comunicaciones y la docencia. Su noticiero y su carisma hicieron que el país se paralizara con cada nueva emisión y que Ríos lograra uno de los ratings más altos del momento, con el 75 % de la audiencia sintonizando su programa.

Su carrera comenzó en 1970, luego de cursar estudios de periodismo en la Universidad de Antioquia y en la Universidad de Lovaina, en Bélgica. Caracol Radio fue el primer lugar donde ejerció su profesión, aunque antes había pasado por Radio 15. Alfonso Lizarazo le dio su primera oportunidad en los medios. En Medellín comenzó cubriendo policía y luego se trasladó a Bogotá para ejercer su labor, tras cubrir el secuestro del exministro Fernando Londoño Londoño. Después llegó a dirigir su primer programa, Telenoticias, y para 1975 se había convertido en jefe de prensa de Alfonso López Michelsen.

“Mi papá era de los que se paraba en Caracol, en el centro de Medellín, a pedirle oportunidad a Alfonso Lizarazo para que les diera un momento en micrófono y pudieran mostrar su talante”, afirmó Andrés Ríos, hijo del periodista.

Desde entonces, su carrera lo llevó a diferentes medios de comunicación, como Caracol Televisión, Televisión Notivisión y la revista Semana. Además, fue director de las emisiones de las emisoras de la Policía Nacional y director de Noticias de Radio Santa Fe.

En 1984 llegó el espacio que dejó huella en el imaginario colombiano: el Noticiero de las 7. Sin embargo, sus logros profesionales no estuvieron exentos de riesgos. En 1982 fue secuestrado por integrantes del M-19 y su labor periodística se vio amenazada en varias ocasiones. Ríos continuó desarrollando su oficio en medio de las tensiones políticas.

Uno de los momentos más recordados de su trayectoria fue la entrevista que le hizo a Jaime Bateman Cayón, uno de los líderes del M-19. Este episodio ayudó a consolidar su identidad como periodista en el país.

Ríos también fue objeto de censura durante su carrera y víctima de un atentado. Recibió disparos mientras se movilizaba en un vehículo en Bogotá y continuó recibiendo amenazas por su trabajo y sus investigaciones.

Juan Guillermo Ríos provenía de una familia humilde. Según relató hace tres años en el programa Los informantes, vivía con su familia en las comunas de Medellín. Su madre lavaba ropa de otros y su padre, quien falleció cuando el periodista tenía doce años, fue pintor de brocha gorda. “Yo sé lo que es el hambre, porque la he vivido y sé lo que es pedir limosna porque lo he hecho. Lo he tenido todo en la vida: la ausencia y la abundancia”, dijo en el programa.

De la radio, que lo enamoró de joven, pasó a la televisión. Así viajó por todo el mundo. En La Red contó cómo se originó el noticiero que lo llevó a la cima. Según su relato, por temas de licitaciones les asignaron el espacio de las 7:00 p. m. Para grabar el programa, contó, no utilizaba libreto.

Su reconocimiento como uno de los periodistas mejor informados de los medios del momento le dio acceso a personajes como el expresidente Belisario Betancur y Gabriel García Márquez, quienes, según relató, lo llamaban para conocer las noticias y la nueva información que pudiera tener.

Cubrió eventos como la toma de la Embajada de República Dominicana y entrevistó a múltiples personajes de la agenda nacional e internacional, entre ellos presidentes, Maradona y Yasser Arafat. Su trabajo lo llevó a ganar tres premios Simón Bolívar.

La carrera de Ríos no fue lo único que puso en riesgo su vida. Su salud también lo afectó. Según contó en Los informantes, tuvo peritonitis y, en 1998, cáncer de riñón. Tras una cirugía sufrió una perforación de colon. Como consecuencia de la peritonitis, tuvo una falla sistémica, varios paros cardiacos y permaneció en coma durante varios meses.

“Los médicos le dijeron a mis hijos: su papá no vuelve a caminar, ver, ni oír. Va a tener una vida muy limitada, es mejor que su papá se muera”, relató en el programa. “Empezaron a hacer varias consultas en la familia sobre si me desentubaban y me salvé por un voto: el de mi mamá”.

En 2022 publicó con su hijo, el también periodista Andrés Ríos, sus memorias en el libro Memorias con paz, amor y buen gusto. Allí contaron su trayectoria y recuerdos de su carrera, como la toma del Palacio de Justicia, además de anécdotas sobre sus orígenes en Medellín y reflexiones sobre su vida y la enfermedad que atravesó a finales de la década de 1990.

“Su salud venía deteriorándose y la situación que pasó hace 27 años le pasó factura. Pero durante este tiempo vivió plenamente, viajó por el mundo, fue feliz”, comentó su hijo a Noticias Caracol.

Juan Guillermo Ríos murió después de una carrera de varias décadas en el periodismo colombiano. Se convirtió en un rostro conocido por los colombianos y se destacó por su olfato periodístico y su carisma, dejando tras de sí las historias que reunió durante más de cinco décadas de oficio.

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El artista colombiano Christian Albarracín ha vendido más de 20 obras en Estados Unidos en lo que va de 2026, según cifras de Contemporary Art Gallery. Su trabajo, que inicialmente llegó a coleccionistas latinoamericanos en ese país, ahora también está siendo adquirido por compradores norteamericanos y hace parte de colecciones privadas en mercados como Boca Ratón y West Palm Beach, Florida, además de contar con coleccionistas residentes en Nueva York.

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En medio de ese crecimiento, Albarracín llegará este mes a uno de los circuitos artísticos de Nueva York. Del 16 al 21 de septiembre participará como invitado de Contemporary Art Gallery en Affordable Art Fair New York, que se realizará en Chelsea, uno de los principales distritos de galerías de la ciudad.

El colombiano llevará a la feria obras de su serie Personajes hacia el infinito. Contemporary Art Gallery, que lo representa en Estados Unidos, tiene previsto presentar entre siete y ocho piezas de aproximadamente 80 centímetros y entre tres y cuatro de 48 centímetros.

La expectativa de la galería es vender la totalidad de las obras y continuar ampliando la comunidad de coleccionistas del artista en Estados Unidos.

“Llegar de nuevo a Nueva York representa la oportunidad de seguir llevando mi obra a nuevos públicos y coleccionistas. Es un proceso que se ha venido construyendo con el tiempo y que hoy me permite ver cómo mi trabajo empieza a encontrar un lugar también entre coleccionistas norteamericanos”, afirmó Albarracín.

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Para el artista, la participación en Nueva York no representa un hecho aislado dentro de su carrera. “Más que una participación puntual, lo veo como parte de un camino para seguir haciendo que mi obra circule y llegue a nuevos espacios”, agregó.

El proceso de expansión de su trabajo en Estados Unidos se ha desarrollado junto a Contemporary Art Gallery, una galería con más de 15 años de trayectoria en ese mercado y presencia en Miami y Nueva York. Carlos Julio Pabón, director de eventos y mercadeo para ambas ciudades, está al frente del trabajo comercial y de posicionamiento de la obra, en articulación con la dirección de la galería.

“Para nosotros, el objetivo es llevar el arte de Christian a coleccionistas internacionales y domésticos y seguir dando a conocer su obra en el mercado americano. Venimos trabajando cada día para que su obra se posicione en Estados Unidos”, explicó Pabón.

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Según información suministrada por la galería, Affordable Art Fair New York reúne a más de 100 galerías y recibe entre 4.500 y 5.000 personas por día. Contemporary Art Gallery tendrá su espacio cerca de la entrada principal de la feria.

La llegada de Albarracín a esta edición se suma a otras participaciones dentro del circuito artístico estadounidense. A través de la misma galería, ha estado en Art Miami Context, durante la semana de Art Basel Miami, y en Art Expo New York.

Después de Nueva York, su siguiente cita será Art Miami, durante la semana de Art Basel Miami, en diciembre. Allí presentará una nueva serie en la que trabaja desde el año pasado y que incorpora el color. La galería proyecta esa presentación como el lanzamiento internacional de esta nueva etapa de su trabajo.

La participación en Affordable Art Fair New York ocurre, así, en un año en el que Albarracín ha superado las 20 obras vendidas en Estados Unidos y ha comenzado a ampliar su base de compradores hacia coleccionistas norteamericanos.

El mundo del libro y la edición atraviesa una crisis que ya no puede considerarse un fenómeno aislado. En los últimos meses, distintos países han visto desaparecer editoriales y librerías que durante décadas fueron parte fundamental de su entramado cultural.


Pero si el panorama del libro ya resultaba desalentador, el terremoto de magnitud 7,5 que afectó el occidente colombiano lo hizo aún más frágil para el país. El pasado 10 de agosto, el sismo golpeó espacios que durante años habían servido como lugares de encuentro alrededor de los libros. Libélula, en Manizales, anunció el cierre de su sede principal después de 25 años de actividad debido a los daños estructurales ocasionados por el terremoto.


Para una librería o editorial independiente, una circunstancia como esta puede convertirse en un golpe definitivo, pues suelen contar con recursos limitados para afrontar una emergencia, asumir reparaciones, trasladarse temporalmente o mantener sus gastos mientras permanecen cerrados. Así, a una crisis que ya venía de antes se suma un desastre natural capaz de acelerar cierres.


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El Eje Cafetero es hogar de numerosas editoriales independientes. Allí trabajan proyectos como Alto del Nudo, Ataraxia, Tres Cantos, Casa de Asterión, Homérica, Klepsidra, La Cebolla Azul, El Buitre, Pijao, Piélago Perpetuo, Jaravela, entre otras, algunas de ellas gravemente afectadas. Y concentra también una pequeña red de librerías (Savia, Livraria, Roma, Tintea, Lumbre, Casa del Libro, Libélula, Refugio...) que cumplen un papel fundamental en la circulación de libros en la región. Algunas han conseguido mantenerse abiertas; otras han tenido que cerrar temporalmente; otras funcionan de manera virtual mientras esperan saber qué ocurrirá con sus espacios físicos.

Dos de los casos más preocupantes dentro del sector son los de las editoriales Tres Cantos y Klepsidra. Tres Cantos sufrió importantes afectaciones en su sede. Por ahora, para su editora Adriana Forero, no existe certeza sobre cuándo retomarán actividades.

En el caso de Klepsidra, la situación es todavía más grave. El edificio donde funcionaba la editorial se derrumbó. Según su editor, John Jairo Carvajal, la pérdida de libros fue del 100 % y él, además, fue uno de los pocos sobrevivientes del edificio que colapsó.

A ellos se suma una larga lista de trabajadores del ecosistema del libro cuya situación también resulta difícil de dimensionar, por ejemplo, escritores que viven de dar clases y talleres de escritura o de vender sus propios libros, u otros proyectos independientes y autogestionados que dependen de una actividad cultural que, de un momento a otro, quedó interrumpida.

El panorama del sector revela una particular vulnerabilidad, pues el espacio de trabajo y la vivienda del editor o librero a menudo son el mismo lugar, y cuando ese espacio resulta inhabitable, no solamente se daña una oficina o una bodega, se paraliza todo un proyecto cultural y toda una vida.


Mientras las máquinas retiran escombros y los ingenieros evalúan edificios, queda una pregunta difícil de responder: ¿cómo se reconstruye la vida cultural de una ciudad? Es una reconstrucción que no se limita a levantar paredes. También tendrán que reconstruirse los espacios de encuentro y las comunidades que durante años hicieron posible que la cultura existiera.


Pero el golpe al sector del libro no afectó solo a comercios privados. La Biblioteca Nacional emitió un informe sobre las afectaciones registradas. La Red Nacional cuenta con un total de 223 bibliotecas en el Eje Cafetero, el Valle del Cauca y el Chocó. De las 99 bibliotecas que fueron censadas —alrededor del 40 % del total de la región—, 62 se encuentran cerradas al público y 10 están en riesgo o sufrieron algún tipo de colapso. En total son 72 bibliotecas afectadas, es decir, más del 70 % de las bibliotecas incluidas en la muestra.


Por su parte, en un boletín de prensa, el secretario de Cultura de Risaralda, Andrés García, informó sobre los “daños irreparables en la Sala de Patrimonio Bibliográfico y Documental” del departamento, con pérdidas críticas en sus colecciones. Se trata de un acervo estimado en unos 13.000 ejemplares que resguardaban la memoria bibliográfica de los catorce municipios. La valoración preliminar fue contundente: “enfrentamos una pérdida total”.


La afectación a las actividades culturales

Sin embargo, una de las mayores preocupaciones no está únicamente en los edificios y materiales afectados, sino en lo que ocurre con las actividades culturales que dependen de ellos. Adriana Villegas, periodista y fundadora del portal Barequeo, señala que, más allá de lo estructural, “la afectación más grave tiene que ver con la suspensión y cancelación de actividades culturales”. Entre ellas las ferias del libro de Manizales, Armenia (FILAQ) y Pereira, que tuvieron que modificar sus fechas. También quedaron aplazados otros dos acontecimientos importantes de la agenda cultural risaraldense: el Festival Internacional de Poesía Luna de Locos y la Muestra del Libro Autogestionado (MULA).


La interrupción de la programación cultural significa, además, la suspensión de circuitos económicos de los que dependen trabajadores de toda la cadena cultural.

Pero no todo ha sido catástrofe. En medio de la emergencia, han surgido iniciativas como la Bibliosilleta, así como el trabajo de distintos mediadores y promotores de lectura que, optando por llevar las bibliotecas a la calle, se han desplazado hasta albergues y comunidades para llevar cuentos y lecturas que permitan a los niños salir, aunque sea por un momento, del estupor, o que ayuden, a través de la conversación, a atravesar el duelo.


A pesar de estas iniciativas, el panorama cultural sigue siendo desalentador. Aunque todavía es demasiado pronto para calcular con precisión la magnitud de las pérdidas, estas podrían ser millonarias.


Los cierres, las restricciones de circulación para vehículos particulares, las dificultades de movilidad y los toques de queda, que estuvieron vigentes hasta la semana pasada, han hecho prácticamente imposible que muchos establecimientos retomen su actividad normal. A esto se suma que varias librerías quedaron sin techo, sin ventanas o con daños tan graves que muchos de sus espacios quedaron a la intemperie, y durante el primer fin de semana después del sismo Pereira soportó una lluvia de más de 30 horas que agravó las condiciones de algunos establecimientos y puso en riesgo libros y mobiliario, como en el caso de Savia.


Las pérdidas no se limitan a editoriales y librerías. También habrá que evaluar los daños en los cafés culturales, las imprentas y encuadernadoras de la ciudad y todos aquellos pequeños puestos callejeros de revistas que forman parte, aunque poco visible, de la circulación del libro.


Hay preocupación por la falta de respuesta institucional

Pese a la importancia que ha demostrado tener el sector cultural durante la emergencia, hasta el momento la comunicación institucional con sus trabajadores y espacios ha sido escasa. Un sector que ya se sentía olvidado corre ahora el riesgo de ser abandonado, y hasta el momento, el apoyo dirigido específicamente a las editoriales, librerías y demás actores del libro ha sido, según los testimonios recogidos, prácticamente nulo.

En muchos casos han sido los propios ciudadanos y voluntarios quienes han removido escombros, sacado libros de los establecimientos afectados, ayudado a trasladar inventarios y acompañado a los libreros en los primeros días de la emergencia.


Tampoco existe información suficientemente clara sobre posibles ayudas, auxilios o mecanismos de recuperación a los que puedan acceder los afectados y la respuesta administrativa se ha limitado, en buena medida, a formularios y enlaces que circulan por redes sociales para registrar daños.


Estos mecanismos pueden ser útiles para comenzar a levantar un diagnóstico, pero resultan insuficientes frente a la realidad de un sector que, en muchos casos, no puede simplemente esperar a que termine el proceso de evaluación para volver a trabajar; su subsistencia está en riesgo.


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La Cámara Colombiana del Libro no se ha pronunciado sobre lo sucedido. No hay una estimación de actores afectados ni tampoco un comunicado, y desde la Cámara Colombiana de la Edición Independiente comentan que aún es demasiado pronto para establecer la magnitud de los daños.

Leonardo Archila, integrante de la junta directiva, explica que esto se debe a que “primero, hay personas con las que no ha sido posible establecer contacto; segundo, porque algunos de los afectados no quieren hablar del asunto todavía”. Archila, sin embargo, reconoce que la situación dentro del sector es preocupante. “Estamos volcados en apoyar, ayudar y colaborar, no solo ahora con lo urgente y necesario, sino más adelante, cuando toque echar mano para reiniciar el trabajo de estas empresas culturales”, señala.


Por eso agrega que permanecen atentos a las medidas que se adopten y a las ayudas que puedan ofrecerse, aunque muchos colegas han comenzado sus propias acciones para ayudar a quienes más lo necesitan, apoyar iniciativas existentes o desarrollar proyectos propios de solidaridad. Hay, entonces, algunos indicios de esperanza. Pero también persiste la necesidad de hacer un llamado urgente a atender la crisis cultural.

Quienes se encuentran lejos de las zonas afectadas pueden observar las imágenes, leer las noticias y seguir las cifras, pero difícilmente pueden dimensionar la magnitud del desastre material y humano. Hay una distancia entre mirar la fotografía de una calle destruida y caminar por ella; entre leer que una biblioteca fue afectada y entrar al espacio donde los libros que durante años conservaron la memoria de una comunidad están cubiertos de polvo, agua o escombros. Quizá por eso resuenan las palabras de José Emilio Pacheco: “El lugar de lo que fue casa lo ocupa ahora un hoyo negro”.


“Necesitamos ser visibilizados”

La vida continúa con sus gastos, sus arriendos, sus deudas y sus responsabilidades. El duelo, por necesario que sea, no siempre puede ocupar el tiempo que necesitaría. Hay quienes tienen que reconstruir mientras todavía están intentando entender lo que perdieron. La librera de Livraria, Camila Reyes, sabe que el camino será largo. “Tendremos que reinventarnos y esperar meses para volver a conseguir lo que perdimos, y la afectación laboral y económica es bastante fuerte, la librería era el sustento de mi familia”, cuenta Reyes e insiste en algo fundamental: “Necesitamos ser visibilizados y que de alguna forma se nos ayude a promover nuestro ejercicio, que no solo es la venta de libros, sino de espacios culturales, sociales y reflexivos”.

Hasta ahora, la librería no ha recibido comunicación ni visitas de ninguna institución. La situación se complica todavía más por la crisis de vivienda provocada por el colapso de numerosos edificios y por las miles de personas que quedaron sin hogar. En una ciudad con una enorme demanda de viviendas y locales comerciales, conseguir un nuevo establecimiento para reabrir resulta, por ahora, casi imposible, sobre todo en medio de la crisis provocada por el aumento de los cánones de arrendamiento.

“Estamos en un limbo porque los libros no son objetos de ‘primera necesidad’, lo que vuelve más complicado reactivarse”, explica la librera.

No es una contradicción menor. Para quien está fuera del sector cultural, puede parecer razonable que una librería espere hasta que se hayan resuelto las necesidades más urgentes y aunque el arte puede no ser lo primero que se necesita cuando se está bajo los escombros, para muchos es precisamente aquello que les permite salir de ellos.

En La Casa de los Libros, la situación es algo distinta, aunque tampoco sencilla. La librería, fundada por Marianne Ponsford, no sufrió daños estructurales graves, pero sí resultaron afectados parte del mobiliario y algunos libros. El establecimiento permaneció cerrado mientras se realizaban las reparaciones y volvió a abrir esta semana. Pero abrir una puerta no significa necesariamente volver a la normalidad. “Es como una sensación de empezar todo de nuevo y es muy duro”, explica Ponsford. Durante los primeros días no acudió prácticamente nadie a la librería. “No hubo una sola persona”, cuenta, aunque inmediatamente matiza que entiende perfectamente el estado de desconcierto en el que se encuentra la ciudad. La librera prevé, por ello, pocas ventas y pocas visitas.

Quizá todavía estamos, como escribió Belli, intentando aprender de nuevo a confiar en nuestros pasos. Los primeros datos de ventas permiten, al menos, aproximarse a una de las consecuencias económicas del terremoto sobre el sector del libro. Según Nielsen BookScan, firma que realiza una medición semanal de los libros vendidos en el país, la semana del sismo —la semana 33 del año— registró una caída de las ventas del 16,1 % frente a la semana anterior: se pasó de 133.295 a 111.865 ejemplares vendidos.

La cifra es significativa, pero sería apresurado atribuirla directamente al terremoto. El mercado del libro ha registrado durante el año descensos incluso mayores en otras semanas, por lo que no es posible establecer, con los datos disponibles, una relación causal entre el sismo y esta caída. Será necesario esperar los datos de la semana 34 y 35, para observar si la disminución se mantiene o se profundiza.

Algunas formas de ayudar al ecosistema del libro

Las instituciones públicas tienen la mayor responsabilidad. El Ministerio de Cultura y la Biblioteca Nacional podrían contemplar la compra de libros de las editoriales afectadas para sus colecciones. No sería únicamente una ayuda económica inmediata, sería también una manera de garantizar que esos catálogos continúen circulando y formen parte de la memoria bibliográfica del país.

Pero si las instituciones tardan en reaccionar, quizá sea precisamente la sociedad civil la que pueda comenzar a construir algunas de las respuestas más inmediatas. Por eso, una de las formas concretas de ayudar al sector del libro podría estar en las librerías independientes de las regiones que no resultaron afectadas: comprar y poner a la venta libros de editoriales damnificadas, abrir sus espacios a sus catálogos y permitir que esos proyectos continúen teniendo circulación comercial mientras consiguen recuperarse.

Parece entonces que, una vez más, serán los ciudadanos anónimos —el “junte”—, quienes terminen sacando adelante todo el sector. Una solidaridad que parte de una conciencia sencilla, pero profunda, como la que expresaba José Emilio Pacheco cuando escribió en 1985 “el otro soy yo, yo soy el otro, y tu dolor, mi prójimo lejano, es mi más hondo sufrimiento”.

El esfuerzo debe ser colectivo. Por ejemplo, los bookstagramers, booktokers y creadores de contenido literario pueden desempeñar un papel importante: visibilizar editoriales y librerías nacionales afectadas, recomendar sus libros y ayudar a que sus lectores conozcan las diferentes formas de apoyarlas.

Las próximas ferias del libro nacionales e internacionales también podrían abrir espacios especiales para las editoriales y librerías damnificadas, convirtiéndose no solo en escenarios comerciales, sino en plataformas de recuperación para quienes hoy han perdido sus espacios de trabajo.

Y, para quienes puedan hacerlo, existen formas mucho más sencillas de ayudar: comprar un libro, participar en una rifa, hacer una donación, recomendar un librero o simplemente volver y hacer comunidad cuando abran sus puertas.

Se necesitará, entonces, de un sólido apoyo institucional para la reconstrucción, pero también de una comunidad que vuelva a ocupar y dar vida a estos espacios. Porque reconstruir la cultura no será únicamente reparar edificios, será recuperar los lugares donde una sociedad se encuentra y se reconoce.


Este es el momento de recoger las palabras de Elena Poniatowska tras el terremoto que devastó Ciudad de México en el 85. Frente al desastre, la ciudadanía “mostró una solidaridad que ni ellos imaginaban”. Quizá una sociedad se mida por aquello que decide salvar cuando todo parece perdido.

La crisis de las librerías y editoriales golpea a distintos países

La crisis del libro y la edición va mucho más allá del terremoto y se ha hecho visible en distintos países. Hace apenas unos días, la mítica editorial argentina Ediciones de la Flor anunció el cierre de sus puertas después de 60 años de actividad. En México, Ediciones Era también cesó actividades después de 66 años. En España, librerías emblemáticas como Tipos Infames e Hijos de Santiago Rodríguez, esta última con 176 años de historia, cerraron sus puertas a mitad del año.

El problema tampoco se limita a las grandes editoriales. Librerías independientes, editoriales pequeñas y establecimientos dedicados al libro usado sobreviven con márgenes cada vez más estrechos, mientras una parte importante del mercado se concentra en grandes conglomerados editoriales y plataformas de venta.

No se trata de un fenómeno nuevo. Paradójicamente, mientras el libro físico ha demostrado una mayor resistencia frente al avance del formato digital y las ventas de libros en Colombia superaron en 2025, por primera vez, el billón de pesos, la estructura que permite que esos libros lleguen a los lectores atraviesa enormes dificultades.

*Filósofo, traductor e investigador literario.

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En el fin, la humanidad persiste en los vínculos más sencillos para sobrevivir.

En los últimos años, el cine posapocalíptico se ha convertido en un tema recurrente bajo el lente de diferentes directores. El británico Ridley Scott, uno de los directores más reconocidos en la historia del cine, regresa con La guerra de los últimos (The Dog Stars), una obra que sorprende no tanto por su temática, sino por la forma de mostrar la devastación de un mundo tras una catástrofe.

Por la temática, se podría esperar que la cinta se desarrollara de manera frenética, pero el ritmo narrativo característico del director en buena parte de su filmografía, acostumbrado a un tempo pausado y contemplativo, donde la tensión se construye con silencios y atmósferas, sumerge al espectador en un flujo más reposado que por momentos sigue la serenidad de títulos como The Counselor (2013) o incluso la calma de Blade Runner (1982).

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En los últimos cuatro años, el género posapocalíptico ha ofrecido productos audiovisuales que dialogan con la propuesta de Scott. La serie de televisión basada en el videojuego The Last of Us (2023), Bird Box Barcelona (2023), de Netflix, o la secuela A Quiet Place Part II (2021) han explorado la fragilidad humana frente a un entorno hostil, pero con un ritmo más íntimo, donde el silencio y la espera se convierten en protagonistas.

Frente a ellas, La guerra de los últimos se atreve a romper con la expectativa alrededor del director, no mediante la contemplación prolongada, sino con un ritmo narrativo que empuja constantemente hacia adelante desde el desarrollo de sus personajes, jugando con la urgencia de una supervivencia que no permite detenerse a mirar el paisaje devastado.

En comparación con The Last of Us, que se sostiene en la construcción de vínculos emocionales y en la lenta revelación de un mundo corroído, gracias a que una serie dispone de más metraje para desarrollar a sus personajes, Scott opta por acciones que parecerían coherentes en un mundo tan hostil.

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La humanidad ocupa el centro del desarrollo de sus personajes. Hig (Jacob Elordi) se presenta como alguien que busca constantemente la esperanza en un mundo sin las construcciones sociales conocidas. Lo más notable de la película es la manera como Scott sigue poniendo la humanidad en el centro de la catástrofe.

No llega a ser brillante como Exterminio: el templo de huesos (2026), pero, desde su título original, The Dog Stars evoca la compañía animal como metáfora de la fidelidad y la esperanza en medio del derrumbe. En un mundo donde las estructuras sociales han colapsado, la relación entre humanos y animales se convierte en un recordatorio de que la empatía y la solidaridad son las últimas estrellas que iluminan la noche del desastre.

Aquí se percibe una reflexión: ¿qué queda de nosotros cuando el tiempo se acelera y la pausa desaparece? Scott parece sugerir que, incluso en la prisa, la humanidad se revela en los vínculos más sencillos, en la mirada compartida con un ser vivo que nos acompaña. Es un recordatorio de que la supervivencia no es solo biológica, sino también afectiva.

De igual manera, personajes como Cima (Margaret Qualley) hacen que Hig continúe esa búsqueda de humanidad allí donde parece desaparecer. Pops (Guy Pearce) parece mostrar lo poco que queda de las construcciones sociales con las que el mundo alguna vez convivió. Nada de eso parece ser útil en un mundo así. La cinta propone que el orden social es un espejismo de un modelo en el que prevalece la ley del más fuerte, encarnada por Bangley (Josh Brolin), quien reafirma esa idea con sangre y fuego.

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La propuesta visual de The Dog Stars se distancia de la solemnidad cromática que Scott había cultivado en obras como Prometheus (2012) o Blade Runner 2049 (2017), aunque esta última fue dirigida por Denis Villeneuve y Scott participó como productor.

Aquí, la cámara se mueve con mayor nervio e intensidad, con planos más cortos y una paleta que oscila entre los ocres de la tierra devastada y los azules metálicos de la tecnología residual.

La fotografía, lejos de la contemplación pictórica, transmite la sensación de un mundo que se desmorona en tiempo real bajo la mirada del director de fotografía estadounidense Erik Messerschmidt. La luz natural, áspera y sin filtros, refuerza la idea de que la belleza ya no es posible, porque lo que queda es la crudeza de la supervivencia.

The Dog Stars se inscribe entre las producciones del cine posapocalíptico reciente con un intento de ruptura que puede defraudar al espectador que espere enfrentamientos sin cesar, pues la cinta se enfoca más en el desarrollo de sus personajes y su relación con el entorno. Scott ofrece un relato que conserva su mirada humanista y recuerda que el fin del mundo no es solo un espectáculo visual, sino una oportunidad para preguntarnos qué significa seguir siendo humanos cuando todo lo demás se ha perdido. Juzguen ustedes.

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Bucaramanga cerró la edición 24 de la feria Ulibro. El pasado 6 de septiembre el evento culminó con la presentación de Claudio Narea, guitarrista de la banda “Los Prisioneros” de Chile. Los organizadores afirmaron que a esta edición asistieron más de 70.000 personas.

Durante los diez días de programación se desarrollaron 400 actividades, como conversatorios, encuentros con autores, lanzamientos de libros, conciertos, obras de teatro, talleres y tertulias, que contaron con la participación de 500 invitados entre escritores, poetas, músicos, artistas y editoriales.

Camila Botero Santos, directora de Unab Cultural, afirmó que más de 10.000 niños y niñas visitaron la feria y participaron en actividades de lectura, escritura y oralidad.Por su parte, desde la Universidad Autónoma de Bucaramanga, resaltaron que durante los diez días de programación, “se fortalecieron espacios para autores y editoriales independientes, con 62 escritores seleccionados para presentar sus obras y más de 20 editoriales participantes”.

El guitarrista de la banda chilena “Los prisioneros”, Claudio Narea, fue uno de los invitados al evento para presentar su libro “Los Prisioneros: Biografía de una amistad”. Además, fue el encargado de realizar el recital de clausura en el que la audiencia pudo escuchar canciones como “El baile de los que sobran”, “Por qué no se van”, “Tren al sur” y “Pa Pa Pa”.

Según informó la Unab, durante esta edición participaron varias editoriales independientes en más de 20 stands, entre las que se encontraban Mediapluma Editorial, Editorial Monarca, Editores del Manglar y Vericuetos.

Por otro lado, señalaron que el pabellón infantil y del cómic fueron los espacios más visitados. “En esta edición los amantes de la cultura geek encontraron de nuevo el espacio para comprar stickers, libretas, juguetes, botones y pines. Los emprendimientos se unieron a la venta de estos pequeños detalles que sirvieron para consolidar esta apuesta de Ulibro”, afirmó la universidad.

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El pastor Darío Silva-Silva murió este domingo 6 de septiembre a los 88 años. Así lo confirmó Casa Sobre la Roca, la iglesia cristiana que fundó en 1987 en Bogotá junto con su esposa, Esther Lucía Ángel.

“Con profunda tristeza, pero con gratitud a Dios por una vida que dejó huella, Casa Sobre la Roca informa con profundo pesar el fallecimiento de su fundador, el pastor Darío Silva-Silva, quien dedicó su vida al servicio de Dios, a la enseñanza de la Palabra y al acompañamiento espiritual de miles de familias en Colombia y en diferentes lugares del mundo”, señaló la iglesia en un comunicado.

Hasta el momento no se han revelado las causas de su muerte.

Una trayectoria entre la cultura, el periodismo y la religión

Silva-Silva nació en el Huila el 27 de junio de 1938 y desde joven estuvo vinculado a la actividad cultural de la región. En 1958 fue uno de los cofundadores de “Los Papelípolas”, conocido como el primer grupo cultural de ese departamento, que fue conformado por artistas y escritores, y que tuvo un papel importante en el desarrollo cultural y literario huilense.

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Su trayectoria también estuvo marcada por su rol como periodista durante al menos 30 años. Dirigió y presentó el noticiero NotiColor desde 1979 hasta 1983, que se transmitía por la cadena 1 de Inravisión, y cuya licencia no fue renovada durante el gobierno de Belisario Betancur.

Posteriormente pasó por medios tradicionales como RCN, desde donde cubrió algunos de los acontecimientos que marcaron la historia reciente de Colombia.

En 1985 hizo parte de la cobertura de la toma del Palacio de Justicia y de la tragedia de Armero para RCN. En 1987, recibió el Premio Simón Bolívar por “La otra Colombia en Nueva York”, un trabajo de investigación en radio, que realizó junto con Francisco Tulande y que fue emitido por RCN Radio.

Mientras trabajaba en ese medio de comunicación, se formó en el ámbito religioso y obtuvo el título de Licenciado en Teología y Ciencias Religiosas.

Desde su experiencia religiosa, escribió El hombre que escapó del infierno, un libro autobiográfico y de testimonio espiritual. También fue autor de otras obras como El reto de Dios: Claves para una Iglesia Integral, Las llaves del poder y El Dios de la historia.

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Tras conocerse la noticia de su muerte, el presidente Abelardo de la Espriella se pronunción a través de cuenta de X. “Despido con profundo respeto y admiración al pastor Darío Silva-Silva, un hombre de fe, líder espiritual y referente moral que dedicó su vida a servir a Dios, a orientar a miles de colombianos y a sembrar esperanza en nuestra patria”, escribió.

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La película brasileña ‘London’, de Victor Di Marco y Márcio Picoli, ha irrumpido en Venecia como un llamamiento en contra de una mirada limitante sobre la discapacidad, invitando a ver más allá de las etiquetas.

El protagonista, London (Di Marco), trabaja como dominante en un club de fetichismo. Cuando un médico le ofrece la posibilidad de someterse a más pruebas para recibir un diagnóstico preciso sobre su discapacidad, se enfrenta al dilema de aceptarlo o no, ante la posibilidad de que poner nombre a su situación borre la identidad que ha luchado por construirse.

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“Queremos crear una historia que sitúe la discapacidad y a un personaje con discapacidad desde una posición de poder, como un personaje muy atractivo y sexual. Queremos crear un lenguaje para esta discapacidad que nunca hemos encontrado en ninguna película”, explicó este domingo el protagonista en una entrevista con EFE.

Como actor “queer y con discapacidad”, según añadió, nunca se había visto reflejado en otras historias en la gran pantalla “porque cuando pensamos en la discapacidad y en las personas con discapacidad, siempre se muestran desde una mirada muy violenta”.

‘London’ compite en la Semana Internacional de la Crítica, sección paralela de la 83 edición de la Mostra de Venecia, que se celebra del 2 al 12 de septiembre.

Según su protagonista y codirector, “no es una película sobre la discapacidad, sino una película contada desde la perspectiva de una persona con discapacidad. Todo el mundo tiene un cuerpo, así que puede identificarse con London. La discapacidad no es el centro de la historia, es una característica de London, pero no define quién es”.

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Para Picoli, la mayor dificultad fue convencer a todo el sistema implicado de que retratar a gente con discapacidad como lo hacen “es importante”. Su protagonista, recalca, la “lucha contra esa etiqueta, contra ese diagnóstico. El reto está en cómo hacerlo en un momento y en una sociedad en que todo el mundo necesita una etiqueta. Es casi imposible vivir sin una”.

Los directores son conscientes de la visibilidad que la presencia de la cinta en Venecia da al colectivo, pero no se erigen como representantes únicos del mismo.

“De alguna manera estamos representando, pero al mismo tiempo las comunidades queer y con discapacidad son diversas. Por eso, preferimos decir que queremos representar una forma de ver la discapacidad. Como dice Victor, ver la discapacidad como algo que puede ser bueno, que puede ser exitoso, que no tiene por qué ser el final de nada”, apunta Picoli.

La realización de la película se alargó casi una década. El codirector reclama una apuesta pública para que la cinematografía brasileña pueda estar presente en el circuito internacional.

“Necesitamos estabilidad en nuestro país para poder seguir aquí y para que se hagan más películas”, concluyó. “Si llega determinado tipo de Gobierno, tu cultura está bien. Si llega otro Gobierno, esa cultura muere, así que no hay continuidad”.

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“Logré entonces una actitud que no tenía motivo alguno de abandonar; dije, resolví y me decidí a no ser político en ningún caso y, mucho menos todavía, negociante en ultramarinos, sino a poner un punto y a quedarme tal cual era: y así me quedé, con la misma talla y el mismo equipo durante muchos años”.Pr

El tambor de hojalata del alemán Günter Grass (1927-2015), ganador del Premio Nobel de literatura en 1999, es una novela publicada en 1959, que refleja una faceta del mundo controvertida y sugestiva: la formación de los individuos a partir de los sucesos políticos y bélicos. La historia de un niño que no se separa de su tambor de hojalata y que toma la decisión de no crecer, tal vez, por efectos de lo que los adultos dejaron después de la Segunda Guerra Mundial bajo el régimen del nazismo es el eje argumental de la novela. Y si bien se podría situar en varias de las categorías de esta sección de “La novela y el mundo”, como, por ejemplo, “La ruptura del orden: la guerra”, considero que la que más se adecua es la de “Economía y sociedad: formación social”, porque, precisamente, lo que nos muestra la novela es como la enseñanza se convierte en un mecanismo de socialización política. La trama explora la educación de los niños, niñas y jóvenes bajo el régimen nazi; la relación entre la niñez y el poder; la forma como los adultos construyen un mundo que la infancia recibe; la trasmisión del pasado y la culpa colectiva. En este sentido, una de las reflexiones que refleja la novela es cómo una sociedad que había educado a sus hijos en las tradiciones, pudo ser la causante del nazismo.

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Ahora bien, desde el punto de vista del estilo, Afirma Nelly Vélez lo siguiente: “El mismo autor la clasifica en el género cómico, en la tradición de los maestros de lo grotesco, como Rabelais, Fischart, Stern. Su marcado énfasis en el lenguaje dialectal, mentiras lingüísticas y los juegos de palabras le asigna, además, a la novela, un lugar en el género del realismo mágico” (Revista de pensamiento y cultura, 2000, Vol. 3 (1), p.207). En efecto, encontramos parodia, crítica, ironía, comicidad, expresiones grotescas, referencias sexuales burdas y directas.

El protagonista y narrador se llama Oscar Matzerath. Él escribe en primera persona, cuando tiene treinta años y está ingresado en un hospital psiquiátrico: “Pues sí: soy huésped de un sanatorio. Mi enfermero me observa, casi no me quita la vista de encima; porque en la puerta hay una mirilla; y el ojo de mi enfermero es de ese color castaño que no puede penetrar en mí de ojos azules”. El contexto espacial es Danzig (hoy Gdańsk) en el norte de Polonia que también se convierte en un escenario simbólico ya que se trata de una ciudad donde estalló el conflicto por el ataque alemán a la guarnición de Westerplatte. Oscar afirma que desde que nació cuenta con inteligencia de adulto. Explica que, cuando a los tres años recibió de regalo un tambor de hojalata, tomó la decisión de no crecer más. Es decir, mantendría el cuerpo de un niño, mientras que su conciencia y desarrollo sería la de un adulto. Este momento coincide con el ascenso del nazismo al poder. Los adultos deberían representar la razón y la responsabilidad y en cambio están siendo los artífices de la peor época de la historia de Alemania.

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La historia de la familia se proyecta en la de Europa. El nacimiento, la madre, incertidumbre sobre la paternidad y todo el entorno de Oscar representan las tensiones entre los alemanes y polacos y los hechos que marcaron las fracturas del siglo. El nazismo va afectando no solo al colectivo sino que se va instalando en la vida cotidiana. Poco a poco las familias adoptan los símbolos, los uniformes, las narrativas… el nazismo se instala en cada hogar. El narrador es ambiguo y manipulador: es al mismo tiempo víctima y victimario. Miente para poder expresar lo que él considera que es la verdad, da versiones diferentes de un mismo evento, se contradice… De esta forma expresa que la memoria es selectiva, contradictoria y por eso no existe una versión oficial de la historia. Su relato es una reconstrucción literaria de la memoria.

El tambor de hojalata es una de las alegorías más relevantes de la prosa: Oscar golpea su tambor para establecer la memoria. Los adultos son capaces de olvidar el pasado o incluso pueden cambiar la historia, en cambio Oscar mediante el golpeteo a su instrumento mantiene vivo el recuerdo vergonzoso de su país. Es también un reemplazo del lenguaje y un mecanismo de protesta: “Mi obra era, pues, de destrucción. Y lo que no lograba destruir con mi tambor, lo deshacía con mi voz”.

La obra de Grass es, pues, una de las grandes novelas del siglo XX, que parte de la culpa colectiva, la ambigüedad de la memoria, los discursos y las construcciones culturales. Es una mirada objetiva y crítica a la humanidad, donde no hay malos ni buenos. Cuando la historia es insoportable de aceptar es necesario deformarla y presentarla de manera grotesca: “Si algún día vamos al infierno, uno de los tormentos más refinados consistirá sin duda en encerrar juntos en una misma pieza al hombre tal cual y las fotos enmarcadas de su tiempo”.

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La película, que compite por el León de Oro, aborda los despidos masivos y la desigualdad social a través del encuentro entre dos parejas de clases sociales muy distintas.

Ocho años después de su última película, el surcoreano Lee Chang-dong vuelve con “Possible love”, en la carrera por el León de Oro del Festival Cine de Venecia, una sutil crítica social con los despidos masivos en las empresas como telón de fondo.

La película cuenta el encuentro improbable de dos parejas muy diferentes: una con pocos recursos, cuyo marido perdió su trabajo y no consigue superarlo, y otra de clase alta, formada por una documentalista y su rico esposo.

Cuando la realizadora, interesada en las personas desempleadas, decide filmar la vida de la otra familia, las diferencias entre las dos parejas empiezan a aflorar.

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Lee Chang-dong, cuyo último largometraje fue “Burning” (2018), empezó a pensar en el tema hace años, cuando una gran empresa surcoreana hizo una reestructuración masiva. Los trabajadores fueron a la huelga y las fuerzas de seguridad reprimieron la movilización.

“Ahora vivimos en una era en la que el trabajo en sí está a punto de desaparecer”, dice el cineasta, de 72 años, en un encuentro con la prensa en Venecia.

“No se trata sólo de la desaparición del obrero o del hombre trabajador, sino realmente de cómo los seres humanos [...] encontramos una forma de conectar con nuestro sentido del yo. Esa es la manera en que nos relacionamos con nuestra propia conciencia de nosotros mismos”, explica.

En aquel momento pensó que no podía contar los hechos en una ficción, pero encontró la solución años después utilizando el recurso de la realizadora y su documental sobre los despidos.

“Possible love”, una producción de Netflix, incluye una referencia al “Decálogo” sobre los diez mandamientos, del polaco Krzysztof Kieslowski, un cineasta que ha influido en su trabajo, dice Lee Chang-dong.

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De hecho, el director surcoreano tenía que participar en una serie en la que cada realizador abordaba un mandamiento. A él le tocaba “No codiciarás”, y aunque al final no participó, pensó que el concepto estaba conectado con “Possible love”.

“En esta sociedad capitalista en la que vivimos, en una época en la que el valor del trabajo puede ser tan fácilmente arrebatado, ¿es realmente posible que no codiciemos lo que tienen los demás?”, se pregunta.

La película tuvo problemas para encontrar financiación, en un momento en que la industria cinematográfica coreana estaba en dificultades, afirma Lee Chang-dong.

“Pero Netflix quiso trabajar con nosotros después de ver el guion desde el principio”, recuerda, insistiendo en que la plataforma “ha sido totalmente respetuosa y me ha brindado absoluta libertad o independencia creativa como cineasta”.

Entre las películas más destacadas de Lee Chang-dong figuran “Poesía” (2010) y “Secret Sunshine” (2007), premiadas en Cannes.

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Sobre una hoja de papel una escena de horror se desenvuelve entre los colores negro, blanco y arena. Un hombre con uniforme militar sujeta a una mujer con fuerza mientras ella intenta alejarse de él y, en el forcejeo, araña su rostro. Detrás, una anciana se apresura hacia las dos figuras con un puñal en su mano derecha y con la intención de herir al soldado. En la parte baja de la hoja se leen dos palabras escritas a mano: “No quieren”.

Esta escena es una de las 80 que actualmente habitan Fragmentos Espacio de Arte y Memoria como parte de la exhibición “Desastres de la guerra”, de Francisco de Goya. La serie de grabados, creados entre 1810 y 1812, es la protagonista en dos de las salas en un recorrido que va más allá del registro histórico. El artista español había viajado a Zaragoza, donde presenció las consecuencias de la guerra de independencia contra los franceses. Los resultados de esa visita fueron los grabados que ahora abarcan este espacio.

Ubicadas a la altura de los ojos, estas obras sostienen un diálogo ineludible con el contramonumento de Doris Salcedo, el piso irregular creado con las armas fundidas de las FARC y los acompañan poemas sobre la guerra de Ósip Mandelshtam, Warsan Shire, Miguel Hernández, Najwan Darwish, Paul Celan, Piedad Bonnett y Mahmud Darwish.

Salcedo afirmó a El Espectador que la primera vez que vio estos grabados fue hacia la década de 1980. “Para mí, como para muchos artistas que hemos tenido que vivir en épocas conflictivas, con mucha polarización y violencia, Goya se convirtió en un referente importantísimo. Desde temprano, creo que entendí que era el artista que analizaba la realidad con mayor lucidez, que tenía una habilidad absolutamente extraordinaria, era un adelantado para su tiempo, con unas ideas liberales maravillosas y era el artista que había que estudiar”, contó.

Esta muestra fue planeada durante aproximadamente dos años, y su apertura coincidió con la conmemoración de los 10 años de la firma del Acuerdo de Paz.

Andrés Suárez, coordinador general de Fragmentos, dijo que la exhibición, más allá de la voluntad del equipo por presentar a Goya, respondió a la pregunta de lo que como sociedad habíamos aprendido en esta década desde la firma del Acuerdo. “Nos hicimos la pregunta sobre cómo vivimos en relaciones de interdependencia que siguen de alguna manera promoviendo la guerra o la violencia en algunos espacios”, afirmó.

Caminar entre las salas que albergan los grabados no es fácil. Es enfrentarse a imágenes desgarradoras que, aunque fueron creadas hace más de dos siglos, son ecos de guerras más recientes. Goya dividió esta serie en tres partes: La Guerra, La Hambruna y Los Caprichos Enfáticos. Cada uno de ellos muestra personajes, actos y palabras capaces de hacer que el pecho se tense. Escenas de violencia sexual, asesinatos, desplazamientos forzados, saqueos, personas enfermas y al borde de la muerte por inanición, llenan los primeros 62 grabados. Los 18 restantes pertenecen a “Los caprichos enfáticos”, donde personajes y animales nocturnos cobran protagonismo en medio de una crítica a la Inquisición a través de imágenes en las que, en ocasiones, la sátira aparece como herramienta.

Salcedo comentó que “Goya fue el primer artista que representó la guerra como un acto de brutalidad, en vez de como algo heroico, como se solía mostrar. Además, introdujo un cambio, y es que hizo ver que ninguno de los dos bandos que ejercía violencia era bueno. Él veía la violencia como algo negativo, no importa de dónde viniera. En el caso de la llamada Guerra de Independencia de España, frente a la invasión de Bonaparte, tenemos algunos grabados en los que vemos cómo están haciendo ejecuciones extrajudiciales o violan a mujeres, y vemos que fuerzan a los hombres de la familia de la mujer a presenciar estos actos abyectos. Vemos todo el horror que infligen los franceses a los españoles, pero también vemos que la respuesta de los españoles es igualmente bárbara. Porque para él la violencia es brutalidad pura”.

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A pesar de que el tiempo ha seguido corriendo, para la artista es claro que las cosas no han cambiado y considera que esa es la razón por la que Goya continúa siendo un artista vigente.

Esta exhibición suscita reflexiones y preguntas sin respuestas que, en una era en la que el horror y los desastres de la guerra se transmiten en vivo y en directo hacia las pantallas de nuestros celulares, resultan urgentes. La sobresaturación de información ha derivado en la insensibilización frente al dolor.

La formación artística de Goya

“En los grabados, por ejemplo, en la serie de La hambruna que vivió España entre 1811 y 1812, en la que aproximadamente 15.000 personas murieron, hay una imagen preciosa en la que Goya muestra a una mujer que está muriendo de hambre, el esposo la está cargando y hay una niña huérfana detrás de él llorando. Esa imagen de la mujer muerta es muy parecida a una escultura de Bernini. Vemos que esto tiene un estudio detrás y un análisis cargado de muchísimos artistas. Todas las imágenes de Goya tienen una genealogía que podemos trazar de forma muy clara y tiene una carga estética y simbólica que sobrepasa cualquier foto de celular. Ese tipo de cansancio frente a la imagen repetitiva de las redes sociales jamás lo vas a tener frente a un artista magnífico como Goya. Tiene la capacidad de interpelar al espectador de una forma imposible para una foto de celular”, afirmó la artista.

La destreza de Goya como dibujante se complementa con los otros elementos que componen esta muestra: los poemas, el contramonumento y una programación de actividades que incluyen intervenciones sonoras de PRESENCIAS – Sonidos & Ecos. Salcedo aseguró que la idea de la inclusión de estos elementos en la exhibición nació del mismo artista. En una carta que escribió señaló que este no era su fuerte, ya que se dedicaba a las imágenes y no a la literatura. A partir de esto, desde Fragmentos pensaron en que no se podrían agregar textos que describieran las imágenes tan crudas que el espectador ya estaba viendo. “Pensábamos que era importante llevar estas imágenes al nivel que merecen. Es decir, a lo sublime”, dijo.

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Porque mientras el artista español muestra un cuerpo mutilado, también presenta su conocimiento artístico con formas que hacen referencia a otras obras de arte. “En medio del horror hay belleza, y queríamos continuar esa tendencia, esa mezcla del dolor que inflige la guerra con la belleza, y qué mejor que la poesía. Por eso escogimos una serie de poetas que habían tenido experiencia directa de guerra y que han sido capaces de sublimar esa experiencia y mostrarnos lo puramente humano, poético y bello que reconoce la inteligencia de un poeta. Por eso nos parecía que esa yuxtaposición podía ser muy afortunada, al igual que con la música”, aseveró.

Para ver “Desastres de la guerra”, Salcedo recomendó ir con una mente abierta, aunque advirtió que es una muestra difícil de recorrer. Sin embargo, hizo énfasis en lo que esta exposición puede dejar al espectador: una lección sobre los efectos de la guerra y las posibilidades que tenemos frente a nosotros. “Goya era un pensador ilustrado que detestaba la guerra y veía las diferentes fuentes de las que venía, no solo de la guerra, sino también de la Inquisición y los toros. Era infinitamente crítico, pero a la vez creaba unas imágenes muy bellas en las que transmitía compasión. Él teníala lucidez para no ser un militante de ninguna de las dos esquinas, sino que para ver quién sufría y quién estaba actuando mal”, afirmó.

La artista consideró que la gran lección que nos dejó Goya fue una representación visual del resultado de la polarización, como la que actualmente vive Colombia. “Creo que eso nos va a llevar a más violencia. La polarización que vivimos es absurda. Tenemos problemas, incendios, terremotos y un país muy sufrido y agobiado, con problemas de todo orden. Sería maravilloso que todos los colombianos nos uniéramos y trabajáramos por sacar adelante este país. Hay valores en todos los campos del pensamiento, en todas las ideologías. Todo el mundo tiene algo de razón y hay mucho que criticar en todos los bandos”, finalizó.

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