Gregorio Baquero Nariño y Alejandro Baquero Nariño, mis tíos, murieron con poco más de un mes de diferencia, lo cual es, lógicamente, muy triste para mí y toda mi familia. Y lo es porque fueron, y siguen siendo, una parte significativa de mi vida, siempre muy cercanos en diferentes momentos, a veces tristes y, afortunadamente, muchas veces felices. (Lea el perfil de la fallecida artista Totó La Momposina, escrito por Petrit Baquero).

Obviamente, al haber estado en este mundo antes que yo, los sentía eternos, como si siempre fueran a estar ahí en cualquier momento y lugar. Hoy, sin embargo, ya no están y duele mucho su desaparición física, así tuviera claro que eso ocurriría tarde o temprano. Eso sí, no deja de ser sorprendente (tristemente sorprendente) que partieran de forma tan cercana.

Mis tíos fueron amantes de la música y la buena conversación, además, ambos se graduaron como arquitectos. En su camino, siempre actuaron como luchadores, a su manera, de las causas que consideraban justas. Por ejemplo, Gregorio fue pionero en las campañas cívicas en varios lugares de Colombia, promoviendo la ecología y fomentando el reconocimiento, que hoy en día se sabe obvio, de poblaciones anteriormente oprimidas y perseguidas, como las indígenas en varios lugares del Meta, que lo ven como un referente fundamental para la supervivencia de sus pueblos. A su vez, Alejandro, que se las tiraba de comunista, fue un luchador incansable en contra del sistema de usura en que se había convertido el UPAC que hacía que, a pesar de que la gente, con mucho esfuerzo, pagara una deuda por una casa, la terminara perdiendo y con una deuda aún mayor. Miles de casas se salvaron gracias a la tenaz lucha de mi tío Alejandro, algo de lo que muchos no se acuerdan (incluso de los que no perdieron su vivienda), pero que fue completamente cierto.

Total es que ambos tuvieron una educación humanista que plasmaron en los proyectos en los que se involucraron, a veces quijotescos, pero también con los pies en la realidad, sobre todo en estos tiempos en que hace tanta falta ver más allá de lo evidente. Les gustaba también la política, lo cual fue una clara herencia de su padre –mi abuelo- José Gregorio, quien fuera alguna vez diputado como miembro del Partido Liberal y su madre –mi abuelita- Sofía, quien ya con nietos se metió a estudiar Ciencia Política a la universidad donde yo años después estudiaría lo mismo (¿y quién puede decir que tuvo los mismos profesores que su abuela?).

También, por supuesto, recibieron la influencia de Ricardo, su hermano mayor, quien partió mucho antes, y fuera congresista como un miembro disciplinado del liberalismo, cuando era el partido mayoritario y no tenía que acomodarse bajo el árbol que más sombra le diera. De hecho, recuerdo una vez en que uno se lanzó a la alcaldía de Villavicencio y otro a la gobernación del Meta, lo cual causó problemas entre ellos y, ante la derrota, uno de los dos (no diré cuál), como se estila hoy en día, denunció que había sido por fraude.

Eso sí, eran, a pesar de sus puntos en común, realmente muy diferentes, pues, por ejemplo, Alejandro proclamaba siempre su ateísmo y, más allá, su pensamiento anticlerical que le llevaba a tener una mirada, incluso, fundamentalista contra la Iglesia, aunque mucha razón no le faltaba en sus denuncias cuando, por ejemplo, mencionaba los numerosos casos de abuso sexual cometidos por sacerdotes que la jerarquía católica ocultó. Por el contrario, Gregorio manifestaba su búsqueda espiritual hacia miradas y sentires alternativos, a veces de lugares lejanos y en otras ocasiones cercanos, que nunca se veían como dogmas, sino como caminos, filosofías y procesos personales realmente poderosos.

A la vez tuvieron maneras marcadamente distintas de relacionarse con su familia y amigos, aunque siempre confluyendo en que habían luchas más importantes para defender, las cuales trascendían a su propia existencia, así el ego en ocasiones les traicionara. Es que, obviamente, no fueron perfectos y en algunas ocasiones resultaron siendo objetos de polémicas y cuestionamientos, a veces muy fuertes por parte de su gente más cercana, lo cual muchas veces ocurre justa o injustamente.

De todas formas, ambos, Gregorio y Alejandro, fueron seres significativos para mi vida. Esto me lleva a pensar que, a medida que pasan los años, van desapareciendo muchos de los referentes que se tienen, con lo cual se va acabando el mundo que conocía, haciéndome pensar -y corroborar- que cada vez estaré más solo y que, si la vida es larga, eso es lo que siempre termina pasando (“cuando yo me empiece a quedar solo”, dijo un gran maestro que algunos conocen).

También me da mucha vaina saber que mi papá perdió en cuarenta días a dos hermanos y que esos lugares a los que él siempre llegaba y encontraba cobijo ya no van a estar, pues no se trataba de espacios físicos sino, sobre todo, vivenciales, sentimentales y fraternales.

Con la partida de mis tíos extrañaré las muchas conversaciones, incluso polémicas que tenía en distintos momentos con ellos. También los chistes, las mamaderas de gallo, las recochas y los chismes que a veces les caracterizaban. Igualmente me harán falta las muchas historias de los viejos tiempos que contaban con tanta gracia y, por supuesto, extrañaré la música que les gustaba oír y, tantas veces, tocar. Sin embargo, lo que más extrañaré es que ambos, a su manera, tuvieron siempre sus casas abiertas para que yo, su sobrino, entrara con confianza a comer, dormir, usar el computador o, simplemente, encontrar un lugar al cual llegar y sentirme realmente como en mi propia casa.

Con ellos se va una parte grandísima de mi vida, porque cuando muere alguien cercano, sea un amigo, una figura reconocida y, sobre todo, un familiar, también se marcha algo significativo de uno mismo (ya lo había dicho, pero vale repetirlo). Y, claro, nadie es eterno en el mundo, eso lo sé desde hace mucho tiempo, pero también sé que, como dijo otro gran poeta popular, familia es familia y cariño es cariño. Por eso estoy muy triste, y así va un abrazo para mis primos que se quedaron sin papá.

Que descansen en paz mis queridos tíos Alejandro (1953-2026) y Gregorio (1942-2026). De pronto nos volveremos a encontrar, o de pronto no, aunque su camino, su historia, su vida, sus luchas y su afecto marcarán mi existencia y seguirán presentes, porque de verdad verdad nunca jamás los voy a olvidar...

*Petrit Baquero es historiador, politólogo, melómano y colaborador de El Espectador. Es autor de los libros El ABC de la Mafia. Radiografía del Cartel de Medellín (Planeta, 2012); La Nueva Guerra Verde (Planeta, 2017) y Las Guerras Esmeralderas en Colombia (Planeta, 2025).

La respuesta tiene matices y, lamentablemente, son diversas las barreras que los cantantes deben sortear. La distancia geográfica de los grandes centros operísticos —principalmente concentrados en Europa y Estados Unidos—, los elevados costos de los viajes y audiciones, y las dificultades para acceder a redes profesionales son algunas de las brechas.

La buena noticia es que gracias a la articulación y el trabajo colaborativo de teatros, fundaciones y otros actores del mundo público y privado, esta realidad está cambiando. Desde el año pasado, Colombia ha abierto nuevas oportunidades para los artistas gracias al trabajo del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo junto a Fundación Ibáñez Atkinson, organización chilena que selló una inédita alianza con la Laffont Competition de The Metropolitan Opera House, uno de los teatros de ópera más relevantes del mundo.

Este convenio permitió traer a Sudamérica por primera vez en 70 años la Laffont Competition, uno de los concursos de canto lírico más importantes del mundo, donde estrellas como Renée Fleming, Thomas Hampson y Nadine Sierra dieron sus primeros pasos. Colombia se convirtió así en una de las tres sedes estratégicas del concurso en la región, junto al Teatro Municipal de Santiago de Chile y el Teatro Colón de Buenos Aires.

Esta semana, 19 cantantes colombianos, venezolanos, cubanos y brasileños tuvieron la extraordinaria oportunidad de presentarse en el escenario del Teatro Mayor ante un exigente jurado que seleccionó a quienes se presentarán en la audición regional en Chile, ocasión en la que se definirán a los representantes de Sudamérica que avanzará de manera directa a la semifinal en Nueva York.

En un escenario de profundos cambios culturales, sociales y económicos, que cada vez exige una mayor cooperación transfronteriza entre instituciones, la edición sudamericana de este concurso demuestra que cuando articulamos visiones, recursos y voluntades, el ecosistema de la ópera regional puede fortalecerse estructuralmente y transformarse en un motor capaz de identificar, desarrollar e impulsar el talento hacia el mundo.

La excelencia y la igualdad de oportunidades pueden ir de la mano cuando los artistas reciben el apoyo y las oportunidades que necesitan para desarrollarse plenamente. Figuras colombianas como el bajo-barítono Valeriano Lanchas y el tenor Camilo Delgado Díaz ya lo han demostrado, conquistando la Met Opera y certificando que su trabajo compite al más alto nivel.

El lugar de nacimiento de un artista no debería determinar hasta dónde puede llegar su talento. De ahí la importancia de este tipo de oportunidades fruto del trabajo colaborativo, que democratizan el camino hacia los principales escenarios del mundo, convirtiendo a los artistas de Colombia y Sudamérica en verdaderos embajadores culturales.

Porque cada voz que vibra en un teatro europeo o estadounidense lleva consigo el aliento de su país de origen, de los maestros que la formaron y de las familias que creyeron en sus sueños.

América Latina canta hoy con pasión y gran profesionalismo. Nuestro compromiso es garantizar que siga escuchándose en el mundo entero.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

El presidente Abelardo De la Espriella anunció la revocatoria de la designación del abogado Camilo Noguera Pardo como director del Instituto Colombiano de Antropología e Historia (ICANH) y ordenó la salida inmediata de Javier Estrada, quien se desempeñaba como director encargado. Según el mandatario, ambos funcionarios adelantaron una modificación del manual de funciones de la entidad sin conocimiento de la ministra de Cultura.

"Aunque el ICANH es una entidad adscrita al Ministerio de Cultura y goza de autonomía administrativa, eso no significa que puedan adelantarse decisiones de esta naturaleza. Mi instrucción ha sido clara: ¡EN EL GOBIERNO DEL TIGRE NO SE MODIFICAN LOS MANUALES DE FUNCIONES PARA FAVORECER PERSONAS O ACOMODAR CARGOS!", escribió este martes 10 de noviembre a través de su cuenta de X.

La controversia tiene su origen en la Resolución 1589, expedida el 2 de octubre y firmada por Estrada, con la que se modificó el Manual Específico de Funciones y de Competencias Laborales del instituto y se amplió las opciones de formación académica para ocho puestos de nivel directivo. La medida cobijó a los asesores de la Dirección General y de los centros regionales Caribe, Pacífico y Amazonía/Orinoquía, al jefe de la Oficina Asesora de Planeación y a quienes encabezan las tres subdirecciones técnicas.

Con los cambios que planteó la resolución, profesionales del Derecho pudieron aspirar a esos cargos y, en seis de ellos, también quienes tuvieran formación en Administración o Economía. Antes de la modificación, los perfiles estaban orientados a disciplinas como antropología, arqueología, historia, sociología y comunicación social.

Uno de los nombramientos que permitió la modificación del manual fue el de José Hernán Muriel, abogado que llegó a la Subdirección de Investigación y Producción Científica. Se trata de una dependencia que tiene a su cargo la dirección, coordinación y evaluación de proyectos de investigación en campos como la antropología, la arqueología y la historia.

Sin embargo, en la resolución se justificó el cambio señalando que "aunque las disciplinas de Antropología, Arqueología e Historia conforman el núcleo sustantivo del ICANH, el Subdirector Técnico no solo investiga, sino que dirige, administra, protege jurídicamente y busca la sostenibilidad económica de la producción científica y del patrimonio cultural de la Nación".

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

El Ministerio de Cultura anunció que fueron aprobados 551.123 dólares en recursos de cooperación internacional durante los primeros tres meses del gobierno de Abelardo De La Espriella. El dinero se destinará a financiar cuatro proyectos relacionados con la recuperación y protección del patrimonio cultural afectado por el terremoto del pasado 10 de agosto.

"Durante los tres primeros meses del Gobierno de la Patria Milagro gestionamos más de 551 mil dólares a través de cooperación internacional para atender las afectaciones por el terremoto en el sector cultura", afirmó la ministra Paola Holguín. La funcionaria agregó que el monto representa "una cuarta parte de los recursos internacionales que logró para Cultura el gobierno anterior durante 48 meses".

Según el documento, entre 2022 y 2026, el Ministerio de Cultura gestionó 2.488.281 dólares en cooperación internacional, distribuidos en 17 proyectos con 12 cooperantes internacionales. Al comparar ambos periodos, el Ministerio afirma que "esta cifra representa un promedio mensual de USD 178.455, frente a los USD 51.839 que se registraban cada mes en el gobierno anterior (2022-2026)". El primer promedio corresponde a los tres meses iniciales de la actual administración. En ese lapso se aprobaron 551.123 dólares para cuatro proyectos, con aportes del British Council, la Embajada de Estados Unidos, la Unesco y la Alianza Internacional para la Protección del Patrimonio (ALIPH).

Sin embargo, otras afectaciones que siguen comprometiendo al sector y que no aparecen mencionadas en el balance del Ministerio continúan generando incertidumbre, como el caso de las 62 bibliotecas públicas del país que permanecen cerradas tras el terremoto.

En contexto: Al menos 62 bibliotecas públicas siguen cerradas tres meses después del terremoto

Además de la recuperación y protección del patrimonio cultural afectado por el terremoto, el proyecto respaldado por Estados Unidos también contempla acciones de formación para combatir el tráfico ilícito de bienes culturales.

Por otra parte, el Ministerio informó sobre la reactivación de las relaciones de cooperación cultural con Estados Unidos, Israel, Suiza y Reino Unido. Según la entidad, este acercamiento busca ampliar las posibilidades de intercambio, asistencia técnica y trabajo conjunto con nuevos aliados internacionales, además de diversificar las fuentes de cooperación para fortalecer el sector cultural colombiano.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

La obra maestra de Rembrandt "La ronda de noche", pintada hace casi cuatro siglos y conservada bajo estrictas condiciones en el Rijksmuseum de Ámsterdam, acoge a una comunidad de habitantes invisibles: bacterias presentes en la piel humana, microorganismos del suelo e incluso una especie identificada por primera vez en una refinería de azúcar de Japón.

Aunque a simple vista parezca solo pintura, el famoso lienzo esconde un pequeño universo microscópico cuyos habitantes han pasado inadvertidos durante siglos, según una investigación presentada este martes por Rijksmuseum y el ARTIS-Micropia, dedicado al mundo de los microorganismos.

“Cuando comenzamos este proyecto, no sabíamos muy bien qué esperar”, explica Eline van Bloois, microbióloga de ARTIS y una de las investigadoras del estudio.

Un mundo de bacterias

Entre los hallazgos están Staphylococcus epidermidis y Micrococcus luteus, bacterias habituales de la piel humana que pueden tener funciones beneficiosas para el organismo, así como especies presentes en el suelo, como Kocuria palustris y Kocuria rhizophila.

Sin embargo, la mayor sorpresa llegó con Microbacterium saccharophilum, una especie descrita científicamente por primera vez en 2013 a partir de una bacteria aislada del suelo localizada en una refinería de azúcar japonesa.

“Es un entorno bastante diferente al de 'La ronda de noche'. Eso inmediatamente nos planteó muchas preguntas, como cómo pudo llegar hasta allí”, señala la investigadora, que no comparte sus teorías porque, subraya, no cuentan todavía con respaldo científico.

Lea también: "Es una película profundamente actual": Mariana di Girolamo sobre "Caballo salvaje nueve"

La bacteria apareció precisamente en una zona de la pintura donde se había retirado la capa de barniz, aunque los investigadores desconocen si esto guarda relación con su presencia.

¿Cómo llegan estos microorganismos a una pintura tan protegida? La respuesta podría ser más sencilla de lo que parece: el aire. “Los microorganismos están prácticamente en todas partes. Existen muy pocos entornos en los que no se encuentren”, dice la científica. Su pequeño tamaño facilita que puedan desplazarse por el ambiente y llegar a diferentes superficies, incluidas las obras de arte.

Tampoco se puede determinar cuándo llegaron al cuadro, indica Van Bloois, que apunta que algunos podrían haberse incorporado recientemente, mientras que otros podrían llevar allí mucho más tiempo.“Me encantaría poder decir cuándo llegaron, pero podría haber sido en cualquier momento, desde que se pintó el cuadro hasta prácticamente hoy”, admite.

No son motivo de amenaza

La posibilidad de que estos habitantes microscópicos dañen el lienzo no parece, por ahora, motivo de alarma. “Compartimos todos nuestros hallazgos con el Rijksmuseum y, por el momento, no creemos que haya ningún motivo de preocupación”, asegura.

Para obtener las muestras sin dañar la pintura, los especialistas usaron filtros estériles de celulosa que colocaron suavemente sobre su superficie durante unos segundos. Después, los trasladaron al laboratorio de Microscopía, donde los microorganismos fueron cultivados en placas de Petri con nutrientes y temperaturas controladas, antes de enviarlos a un laboratorio externo para su identificación.

En total, el proyecto ha recogido muestras en unos sesenta puntos del cuadro durante seis meses.

Pintada en 1642, "La ronda de noche" representa a la compañía de arcabuceros del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburch en Ámsterdam y es una de las obras más importantes del pintor neerlandés.

Aunque Rembrandt trabajó décadas antes de que Anton van Leeuwenhoek describiera los microorganismos en 1676, el pintor ya parecía ser consciente de que las condiciones ambientales podían deteriorar sus pinturas.

Le sugerimos: Al menos 62 bibliotecas públicas siguen cerradas tres meses después del terremoto

Una investigación publicada en 2023 descubrió que el artista había aplicado una capa con plomo bajo la preparación del lienzo, posiblemente para protegerlo de la humedad y el moho, dado que iba a colgarse en una pared húmeda del cuartel general de la guardia cívica en Ámsterdam.

El nuevo estudio forma parte de la denominada Operación Ronda de Noche, iniciada en 2019 y considerada la mayor investigación y restauración realizada sobre esta pintura. “Hasta donde sabemos, nunca se habían estudiado ni identificado los microorganismos presentes en La ronda de noche. Es la primera vez que analizamos cuáles viven allí”, remarca Van Bloois.

Para explicar el descubrimiento al público general, ARTIS-Micropia ha preparado la instalación The Night Watch Lives, que podrá visitarse desde este miércoles y hasta finales de mayo próximo.

Los visitantes encontrarán una reproducción del cuadro a tamaño real, con indicaciones de los puntos donde se tomaron las muestras, y placas de Petri que contienen colonias cultivadas de los microorganismos identificados, así como vídeos explicativos y códigos QR para conocer las características de cada especie.

Por ahora, el hallazgo no permite reconstruir la historia de estos pequeños habitantes ni determinar cuánto tiempo llevan acompañando a los arcabuceros, pero la investigación vuelve a evidenciar que esta pintura de Rembrandt aún guarda secretos, casi cuatro siglos después.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

Los tres meses del terremoto del pasado 10 de agosto llegan marcados, entre otras cosas, por la preocupación sobre el estado de 62 bibliotecas públicas que continúan cerradas. La cifra proviene de un informe de la Biblioteca Nacional de Colombia y la Red Nacional de Bibliotecas Públicas que también indicó que al menos 99 presentaron reportes de afectaciones y que 10 tuvieron un colapso parcial o total por el sismo.

Según el documento, las más golpeadas fueron las bibliotecas municipales, que sumaron 81 de las 101 que componen la matriz de diagnóstico. Les siguieron 12 rurales, cuatro en resguardos indígenas, tres departamentales y una en un consejo comunitario.

El informe fue elaborado antes de que Julia Daza asumiera la dirección de la Biblioteca Nacional el pasado 1 de octubre. Sin embargo, una fuente que pidió no revelar su nombre señaló que "en el proceso de empalme, se le socializó y ella simplemente guardó silencio sobre la situación".

Lea también: La Biblioteca Nacional habría solicitado el desmontaje de la exposición "Nocturnos"

De las 95 bibliotecas con diagnóstico registrado, dos se vinieron abajo por completo, una en Chocó y otra en Quindío, mientras que ocho sufrieron colapsos parciales: tres en Valle del Cauca, tres en Chocó y dos en Risaralda.

El Valle del Cauca es el departamento más golpeado: de sus 38 bibliotecas con estado registrado, 30 permanecen cerradas. Le sigue Chocó, con 11 cerradas de 17; Caldas, con ocho de 12; Risaralda, con siete de 13; Antioquia, con tres de siete; Quindío, con dos de cuatro, y Cauca, con una de cinco.

"Detrás de cada cifra hay una comunidad que pierde un lugar para encontrarse, leer, aprender, crear y participar", escribió en redes sociales el colectivo Medio Pan y un Libro.

Tatiana Barajas, mediadora de lectura, escritura y oralidad, y parte de ese colectivo, señaló que "este año se tenía previsto justo acompañar a las bibliotecas públicas para crear un informe con el estado real y ver qué otras estaban afectadas".

Ante esta situación, el colectivo exigió a la Biblioteca Nacional y al Ministerio de las Culturas un diagnóstico público y actualizado del estado de funcionamiento de las bibliotecas públicas y las Bibliotecas Rurales Itinerantes (BRI), así como planes de recuperación para los espacios cerrados o afectados. También pidió acompañamiento técnico, formativo y financiero permanente, y garantías para que las infancias y las comunidades no pierdan sus espacios bibliotecarios. "No basta con abrir una sala infantil en Bogotá. ¡Necesitamos bibliotecas dignas en todo el país!", resumió en su pronunciamiento.

La incertidumbre por el futuro de estos espacios se profundizó tras la renuncia de Sandra Suescún como coordinadora de la Red Nacional de Bibliotecas Públicas de Colombia, cargo que ocupó durante 14 años. Se trata de una red que reúne a más de 1.540 bibliotecas públicas del país.

Suescún "se encuentra vinculada al sector de las bibliotecas y la lectura desde hace más de 20 años. Se ha desempeñado como bibliotecaria pública y escolar, así como coordinadora y asesora en diversos escenarios y ámbitos de gobierno en la formulación, implementación y evaluación de políticas y planes de lectura y bibliotecas, desde una perspectiva intersectorial, territorial y nacional", se lee en la reseña de su trayectoria publicada en la página de la Biblioteca Nacional.

La pérdida de esa experiencia para la Biblioteca es uno de los motivos por los que su salida genera preocupación, especialmente en una institución que, desde la llegada de Daza a la dirección, acumula cuestionamientos por su gestión y por la falta de experiencia de la funcionaria en el sector.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

Mariana di Girolamo nació 17 años después de que las Fuerzas Armadas de Chile derrocaran al presidente Salvador Allende, en un golpe de Estado encabezado por Augusto Pinochet, entonces general del Ejército. La actriz conoció las torturas, las detenciones masivas, los asesinatos y las desapariciones forzadas que derivaron de aquel quiebre como las conoce cualquiera que nace en un país que tiene una herida tan fresca.

"Yo siempre converso con mis papás de este periodo de la historia. Mi abuela Carmen trabajó en la Vicaría de la Solidaridad, que fue una organización que veló por los derechos humanos y que ayudó a madres a buscar a sus hijos. También prestaba asistencia judicial. La Iglesia católica estuvo muy involucrada en esa labor. Aunque no haya nacido en esa época ni lo haya vivido, siento que también puedo hablar de eso: es parte de nuestra historia", cuenta la actriz en entrevista para El Espectador.

Le sugerimos leer: La Biblioteca Nacional habría solicitado el desmontaje de la exposición "Nocturnos"

La oportunidad de interpretar lo que hasta entonces eran relatos le llegó cuando el director británico Martin McDonagh decidió llevar al cine una historia ambientada en los días previos al golpe de Estado de 1973. En la película Caballo salvaje nueve, Di Girolamo encarna a Mónica, una joven que, como tantos otros hace 53 años, tenía todas las probabilidades de encontrarse con un destino trágico por ser de izquierda, socialista, rebelde. Semanas antes del derrocamiento de Allende, su personaje conoce a dos agentes de la CIA (interpretados por John Malkovich y Sam Rockwell) que conspiran contra el gobierno del presidente socialista.

Ese encuentro de la película –que tuvo su estreno en el Festival de Cine de Venecia y que llegó a Colombia este mes– está atravesado por el humor tan característico de McDonagh. Al leer el guion, Di Girolamo se descubrió a sí misma riéndose en medio de episodios de una historia cuyo desenlace conocía bien. Con esa risa vino algo de culpa, y de esa culpa se fue hilvanando una pregunta que parece acompañarla desde entonces: “¿se puede hacer memoria y entretener al mismo tiempo?”.

Dice que ha pensado mucho en eso y que, en medio de las conversaciones que ha tenido desde que se estrenó la película en Venecia, ha llegado a la conclusión de que sí se puede. “Pueden convivir todas esas cosas juntas, sobre todo de la mano de alguien tan magistral como Martin y las personas que convoca para hacer esta película. En la experiencia que he tenido mostrándola, he visto que es una película que abre la conversación”, señala.

Para ella, ahí está justamente la grandeza de un realizador, de un escritor y de un director como McDonagh: lograr una película “chistosa, que te emociona, pero que te cala hondo y te haga reflexionar”.

Podría interesarle leer: “Queda la lectura como utopía. Allá van los misiles”: entrevista a Cynthia Rimsky

"Mónica es una mujer sorprendente"

Si como chilena Mariana di Girolamo se hubiera encontrado en la vida real con un agente de la CIA como Chris Carlisle (Malkovich), probablemente habría escogido el silencio, la indiferencia o la rabia. “Ellos se presentan al principio de una manera en la que yo, personalmente, habría dicho: 'Yo no quiero seguir interactuando con esta persona'”, comenta. Pero Caballo salvaje nueve no traza una línea divisoria entre buenos y malos. En los 118 minutos de película, McDonagh dibuja la historia en una escala de grises, y es eso lo que permite que Mónica –la compasiva Mónica– cree un vínculo con alguien responsable de tanto dolor.

"A mí me parece que Mónica es una mujer sorprendente y que su arco es muy interesante. Es una joven de izquierda, activista, optimista, llena de fe en el presente y en el futuro, con una creencia profunda en el poder del colectivo. Creo que eso le permite tener ese encuentro con el personaje de John Malkovich. Si hubiese sido otra mujer, otra persona, ese encuentro, esa historia y, por lo tanto, mi personaje no habría existido. También creo que necesita la fuerza que le va a dar ese encuentro y que él le diga lo que va a pasar para poder ser parte de la oposición y de la revolución", señala.

La relación entre ambos también tiene consecuencias para Carlisle. En la mirada de Di Girolamo, el encuentro con Mónica confronta al agente con una posibilidad de “redención, o tal vez ese último acto de humanidad que él tiene a través de ella. Eso me parece interesante”, afirma la actriz chilena.

Para Di Girolamo, ahí radica gran parte del alma de la película, algo que solo es capaz de lograr un director como Martin McDonagh, a quien describe como un maestro “que te hace reír, reír y reír para después hacerte llorar”. Eso, dice, se refleja en una de las escenas que más disfrutó rodar, la del automóvil.

Le sugerimos leer: Luis Miguel Rivas: “Tenemos los asesinos con las mejores dentaduras del mundo”

Un tema vigente para América Latina

Con el estreno de Caballo salvaje nueve en América Latina, Mariana espera que su pueblo, Chile, sienta orgullo. Sabe “que no es la típica película de aquella época” y eso le despierta interrogantes: “¿Qué va a pasar con ella? ¿Qué tipo de conversaciones va a crear?”. Esas mismas dudas se extienden a lo que puedan pensar en otros países que han vivido el fragor de las dictaduras, como Argentina.

Aunque la historia transcurre en 1973, asegura que es “una película profundamente actual. Creo que va a envejecer muy bien porque aborda temas vigentes, que no solo están presentes en América Latina, sino en el mundo entero”.

Por eso, espera que en Colombia la reciban “con el corazón abierto”. Tal vez ese viaje al pasado les recuerde a los espectadores una convicción que la actriz guarda sobre la dictadura en su país, que dejó más de 40.000 víctimas, según el Instituto Nacional de Derechos Humanos (INDH) de Chile: “En la medida que no haya reparación, que no haya justicia, es una herida que va a seguir abierta”.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

La exposición "Nocturnos. Archivo de la noche", de la Biblioteca Nacional de Colombia, podría tener un cierre anticipado. La posibilidad de su desmontaje fue advertida en redes sociales y confirmada a El Espectador por fuentes cercanas a la institución, que señalaron que desde la dirección, encabezada por Julia Cristina Daza Noguera, se solicitó al Ministerio de Cultura el retiro de la muestra, inaugurada el pasado 30 de julio y programada hasta marzo de 2027.

"A Nocturnos, la potente curaduría de (y en) la Biblioteca Nacional la quieren censurar con su retiro anticipado. Fue programada hasta MARZO 2027. La directora Daza ya solicitó al Ministerio de Cultura su desmonte, una forma de desaparición igual o más de violenta que la del Museo Nacional", escribió el profesor Lucas Ospina a través de cuenta de X.

La exposición reúne más de 230 piezas, entre fotografías, manuscritos, películas, periódicos, grabados, mapas y libros de las colecciones de la Biblioteca Nacional. Como explica el texto curatorial de Ximena Gama, es una muestra que "parte de la convicción de que el archivo nunca es un conjunto de documentos cerrado sobre sí mismo, sino, más bien, un espacio donde las imágenes continúan produciendo sentidos cada vez que una mirada distinta las reúne, las confronta y las obliga a dialogar".

Uno de los apartados que podría resultar incómodo para la dirección, según explicó a El Espectador una fuente que conoce de cerca lo que ocurre en la Biblioteca Nacional y que pidió reservar su identidad, se titula "La horrible noche". Allí hay una frase que dice “La horrible noche no es una abstracción histórica" y se reúnen documentos y obras relacionados con distintos episodios de la historia política y social colombiana, entre ellos el Acuerdo de Paz de 2016. Este último fue justamente uno de los asuntos cuya representación cuestionó el Gobierno en el Museo Nacional, donde ordenó el retiro de varias piezas relacionadas con el proceso de paz, que, al igual que el resto, tuvieron que ser devueltas.

En ese mismo apartado se encuentran el himno nacional, el libro La casa grande, de Álvaro Cepeda Samudio, sobre la masacre de las bananeras; el "Réquiem del silencio"sobre lo ocurrido en el Palacio de Justicia, y también una portada de El Espectador sobre ese episodio. También hay fotografías de Betty Elder sobre la tragedia de Armero y otros documentos que reconstruyen episodios de la historia colombiana a través de la literatura, el periodismo y la fotografía.

Otro de los espacios de la exposición, dedicado a la fiesta, la noche y la celebración, guarda similitudes con las piezas retiradas del Museo Nacional relacionadas con la diversidad sexual y de género. Allí se reúnen archivos y memorias de la población LGBTIQ+.

Desde la dirección, agregó la fuente, se ha hecho referencia a estos materiales como sensibles. "Pero es importante aclarar que en la entrada de esa sala hay un aviso que dice que la exposición tiene contenidos sensibles y que, si se visita con niños, hay que entrar con un adulto responsable", afirmó.

La noche como una forma de leer el archivo

El planteamiento curatorial de "Nocturnos. Archivo de la noche" parte de una reflexión sobre el papel de una biblioteca patrimonial y las posibilidades de volver sobre sus colecciones. La exposición estuvo guiada por Coro nocturno, un ensayo comisionado al escritor Giuseppe Caputo, y contó con la participación del equipo del Grupo de Colecciones de la Biblioteca Nacional, que investigó los fondos documentales para construir el recorrido.

En el texto curatorial, Gama explica que la noche no funciona simplemente como un tema, sino como "un método de lectura y de investigación. Una condición desde la cual las certezas se vuelven inestables y las imágenes dejan de responder a las clasificaciones que tradicionalmente las ordenan". Desde esa perspectiva, permite reunir elementos que en principio parecen opuestos o distantes, como el descanso y la fiesta, el duelo y la intimidad, la violencia, el deseo y el miedo.

A la investigación del equipo de la Biblioteca se sumaron cuatro artistas invitados: José Alejandro Restrepo, con El caballero de la fe; Miguel Ángel Rojas, con Corte en el ojo; Jesús Abad Colorado, con las fotografías Ritual de memoria (2002) y Granada, Antioquia (2008), y Radio TiTuta, una iniciativa que hace parte del archivo de memoria trans, queer y no binario.

También se incorporaron obras prestadas por el Museo Nacional, entre ellas trabajos de Débora Arango, Flor María Bouhot, Álvaro Barrios, Antonio Roda y María de la Paz Jaramillo.

El texto curatorial plantea que las piezas no buscan ilustrar un relato lineal, sino producir fricciones y abrir nuevas lecturas. "Reescribir el archivo no significa alterar sus órdenes y materiales: significa alterar las relaciones entre ellos", señala.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

En el sencillo pueblo de Parera un plomero experto se queja de cómo la vulgarización del trabajo plomeril le quitó la épica al oficio, y se junta con los de su gremio en el bar Platón para quejarse por los manejos irregulares y estafas de los Ventura (amos y señores del sindicato). Un centro cultural convierte la cultura en un show liviano, destinado a un público indiferente al arte. Una artista no es reconocida por sus pares ni por los críticos, y un día se cuelga ella misma de una pared como obra en exhibición. Clara y confusa (Anagrama) recorre los encuentros y desencuentros amorosos entre y la relegada Clara y Salvador, aquel experto en detectar filtraciones fantasmas (“tan reales como ustedes o como yo”). Los dos, tanto como las tuberías, necesitan reparación, mientras se dejan llevar por lo inhabitual de la vida como una experiencia deliciosamente nueva.

Desde su título, Clara y confusa representa las dualidades, lo contradictorios que somos (como "estar con la tradición y gritar por la libertad"). ¿Dónde nació esa idea?

Fue en un pueblo en la playa, salí a caminar, estábamos en el Mundial de fútbol anterior, el que ganó Argentina, y en la plaza del pueblo celebraban la fiesta de la tradición. En su discurso, la autoridad dijo que lo que estaba ocurriendo en la plaza era la tradición y no estar viendo el Mundial. Entonces, me puse a mirar qué era eso que él llamaba la tradición ¡y no lo podía creer! El discurso que aparece en la novela es un documento real y lo que vi ese día también está. Es cosa de desarmar, dudar.

Le sugerimos leer: Druk en el Teatro Nacional: una mirada al alcoholismo con humor y sin sermones

Uno de los asuntos que toca en la novela es la necesidad (creada, tal vez) de que la literatura tenga un mensaje, nos salve o nos sane.

Eso es tremendo: la forma en la que se lee está condenando a libros preciosos a no ser leídos porque no calzan con la forma literal de leer, o porque no tienen un mensaje que sirva como consejo para encarar o identificarse con los roles en la vida cotidiana. Justamente, la literatura te lleva a que no se pueda comprender, ordenar, simplificar. Es el relato estandarizado, su ordenamiento, lo que proporciona la ilusión de que la vida tiene comienzo, desarrollo, clímax y desenlace, y que avanza únicamente por medio de conflictos entre protagonistas y antagonistas, que se definen por su psicología. Existe una larga tradición de lectura que viene de la hermeneútica, que propone que no hay tal orden, que la confusión es parte ineludible de la claridad, y que convivimos con el caos.

En la novela también se habla sobre la necesidad de controlar la escritura y, con ello, la lectura (esto es, que la lectura sea lo que el mercado decide que es. Por ejemplo, leer un texto como poesía porque nos dicen que es poesía). ¿Cree que hoy se subestima al lector?

No sé si se lo subestima o si más bien se quiere construir un lector simplificado, un lector consumidor. Resulta que ya no hay revoluciones, ya no hay utopías… Bueno, queda la lectura como utopía.  Allá van los misiles.

En términos de forma, usted afirma que con Clara y confusa buscó "escribir una cosa lineal, una historia que contar, pero explotarla por dentro, que nada de eso sirviera para encontrarle un sentido o una interpretación".

Ja, ja, ja. Tantas tonterías que una dice cuando la entrevistan. En realidad, me pregunté cómo era escribir una novela, que tan difícil podía ser, así que me puse en ello. En el camino, como soy tan curiosa, rama que veía, me tiraba de un salto a explorarla y se me olvidaba de dónde había saltado, así que obligada a seguir saltando. Ahora, si es novela o no... quién sabe.

Podría interesarle leer: Luis Miguel Rivas: “Tenemos los asesinos con las mejores dentaduras del mundo”

¿Dónde nació la decisión narrativa por la primera persona?

Nada, voy probando y en algún momento siento que por ahí va. Creo que ni me di cuenta de que era en primera; lo que me preocupaba era encontrar el tono del plomero que se enamora de una artista visual. Ese era el desafío principal y pasaron meses hasta que en mi mente, de un día para otro, apareció la palabra sensibilidad. Tenía que ser un plomero sensible. ¿Cómo se me ocurrió? Ni idea.

Cuéntenos sobre las ideas alrededor del arte, la literatura y la cultura en general (por ejemplo, la cultura como show liviano; los centros culturales vacíos; las barreras para acceder a la cultura; el rescate del arte popular y su potencial, todavía subordinado; la importancia de aprender a mirar el arte y no a comprenderlo, y la pregunta de Salvador sobre si un artista debe tener una obra para ser considerado como tal).

Puedo decir que cuando escribo no pienso en ideas o en desarrollarlas. Voy armando escenas que me interesa explorar y que son como viajes a lugares incomprensibles a los que llego sin linterna y tengo que ver en la oscuridad. Imagínate lo incomprensible que es: escribo de una artista que no es reconocida en el mundo del arte, la novela sobre el no reconocimiento se gana un reconocimiento (el Herralde) y ahora, además, es reconocida con el Premio Nacional de literatura en Chile. Recién ahora me pongo a pensar que el reconocimiento es un chiste.

Le sugerimos: Así se afectaría la taquilla de cine con la reforma tributaria del Gobierno De la Espriella

Habla de la importancia de aprender a des-escuchar. ¿Qué podemos hacer para lograrlo?

Y... no sé. Dudar, dudar, dudar.

Esta novela, de alguna manera, honra los oficios.

En todo lo que escribo hay un homenaje permanente a los oficios o, más bien, a la relación de las personas con lo que hacen, rescatar esa experiencia, indagar, darle valor, rescatar la poética, los inventos, darle la palabra y proyectar esa experiencia mínima local en algo universal.

¿Cómo trabaja narrativamente con el humor como lenguaje y el valor de la ironía?

Desde niña me decían "Aguja". Mi padre también era irónico cuando observaba; lo heredé de él. No sé, tiendo a verle el lado irónico a las cosas. Está todo tan difícil, tan cuesta arriba, tan feo, que es una manera de seguir creyendo en lo que hago. También pienso que el tono de denuncia medio que fracasó. Eso de crear conciencia ya no funciona. En cambio el humor, no sé, la risa te hace vibrar y por ahí desacomoda algunas cosas.

Hace un tiempo usted participó en una mesa de conversación sobre literatura rebelde. ¿Existe tal cosa?

Me disgustan las etiquetas porque, en vez de ampliar y diseminar sentidos, los ahogan, los restringen, los ponen en un cajoncito. Yo hablaría de escritor o escritora que elabora una crítica de su tiempo. En un texto muy interesante, Narrathon, Juan José Saer dice que "el tercer gran enemigo de un narrador es, junto con la creencia en la nitidez del acontecimiento y del sentimiento, su propio tiempo. Es contra él que deberá trabajar para ser, paradójicamente, más tarde, su tiempo mismo... ".

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

Un poco en relación con eso, su narrador afirma que hoy se quiere domesticar la literatura.

No ocurre solo en la literatura; pasa en todos los espacios, incluido el producto comercial IA. Se nos busca adocenar, amansar, que dediquemos la energía a sobrevivir y, si queda tiempo, a consumir. Respecto a la literatura, me refiero a una que no pone nada en cuestión: su tiempo, las formas, el lenguaje, la moral; que reproduce lo que hay y no inventa, no corre los márgenes de los posible. Es igual a la vida: una literatura para consumir y no para hacer de la lectura una experiencia que cuestione la propia vida y el mundo; una literatura que sea una ventana para asomarse a experiencias que, por nuestro reducido lugar en e mundo, están lejos de nosotros.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

¿Qué puede hacer el teatro con la embriaguez de Druk que el cine no podía? Hace cinco años, Thomas Vinterberg logró consagrarse en los premios Óscar con esta película danesa que cuenta la historia de cuatro profesores de colegio, aburridos de sí mismos, que deciden comprobar la teoría según la cual el ser humano nace con un 0,5 de alcohol de menos en la sangre. Una reflexión profunda sobre el alcoholismo y la vida. Lo que no muchos saben es que antes de ir al cine, esta historia fue al teatro.

Vinterberg la escribió como obra mientras trabajaba en el Burgtheater de Viena, el gran teatro de la capital austriaca. Era, en sus palabras, una celebración del alcohol, construida sobre la idea de que la historia del mundo habría sido otra sin él. Es decir, no estuvo construida sobre un mensaje para advertir de los peligros del alcoholismo, aunque la audiencia se haya quedado con ese mensaje. Era, inicialmente, sobre el trago como motor de la historia, el combustible detrás de “grandes hombres” y “grandes decisiones”.

Fue la hija de Vinterberg, Ida, de 19 años, quien lo convenció de llevar la historia al cine. Ella le contaba cómo bebían los jóvenes daneses e incluso tenía un papel en la película: iba a ser la hija del personaje de Mads Mikkelsen (Martin en la película). Pero cuatro días después de empezar el rodaje, en 2019, Ida murió en un accidente de tránsito en Bélgica.

Le sugerimos: Luis Miguel Rivas: “Tenemos los asesinos con las mejores dentaduras del mundo”

Vinterberg decidió terminar la película, la grabó en parte en el colegio de Ida, con sus compañeros de clase, y se la dedicó. Así que lo que iba a ser una comedia sobre el alcohol terminó siendo una historia sobre volver a la vida tras una temporada de perderle sentido a vivir, encarnada esencialmente en el personaje de Mikkelsen. Desde entonces, y luego de los Óscar, la historia ha vuelto a los escenarios en Oslo, Estocolmo y Stavanger.

Ahora, la historia llegó a Bogotá de la mano de la Fundación Teatro Nacional, con dirección de Juan Bilis, dramaturgo y guionista de series como Manes y La sustituta. Los cuatro profesores son Miguel, el de sociales (Rafael Novoa), Tomás, el de educación física (César Álvarez), Pedro, el de música (Ramsés Ramos), y Nicolás (Rafael Zea).

Lo primero que hace esta versión, traducida por Joe Broderick, es colombianizar todo. El estudio que cita uno de los profesores es de un psicólogo de la Nacional. La esposa de Nicolás le encarga por teléfono “3 kg de trucha fresca”. Los amigos añoran los paseos al Sisga, la investigación “estuvo una chimba” y el estudiante al que salvan con dos roncitos saca 407 sobre 500 en el Icfes. Cada uno de estos gestos, más que guiños a nuestra cultura, le cambian por completo la temperatura a la obra: ya no son daneses tristes, sino los profes que uno tuvo en el colegio como colombiano.

Desde el inicio, el público hace de curso: los profesores se presentan ante nosotros con un abrebocas de sus vidas, y nos hacen preguntas a las que contestamos al unísono como en una clase. Es una experiencia mucho más inmersiva y cercana —incluso suben a dos espectadores a jugar fútbol— que la película danesa no puede entregar por su forma.

La embriaguez se actúa en vivo, sin cortes, y eso hace que en esta pequeña tarima no extrañemos las lógicas más amplias que nos ofrece la película. Al contrario, esta intimidad funciona, pues la risa de la sala aporta al eje de la historia, de los amigos que se celebran y se convocan en medio de las adversidades, y de la soledad que a su vez atraviesan.

Y esa complicidad nuestra es justo lo que la obra pone en cuestión y le da sentido a que se haga en teatro. ¿Qué hicimos nosotros, aun sabiendo que estos personajes se estaban adentrando en una odisea que terminaría mal, aun estando con ellos cara a cara? Reír. Ser espectadores.

Álvarez lo entiende y por eso entrega la mejor actuación de la noche: su Tomás es divertido, pero lleva una soledad que se va filtrando hasta reventar. Cuando le dice a Miguel, y cuando nos dice a nosotros, que seamos su “amigo para toda la vida”, nos anuncia una despedida dolorosa, con el sinsabor de saber que ni ellos ni nosotros hicimos algo más por él.

Ramos tiene su momento en el monólogo en el que habla de su propia soledad, y Zea se roba las risas mostrándose como el más cómplice de la aventura. Novoa cumple a cabalidad, pero carga con una comparación injusta e inevitable: la melancolía de Mads Mikkelsen, que en la gran pantalla entrega algo tan natural que uno olvida que está actuando.
El montaje es muy bueno, con un diseño de arte de Mateo Galvis que mezcla lo digital con lo físico. Los retratos de los cuatro profesores que van indicando qué tan borracho está cada uno fue de los detalles más finos. Gracias a eso no se siente que, al final, son solo cuatro tipos hablando en un sofá, sino algo más grande que eso.

El problema llega con la muerte de Tomás. El montaje le da la palabra para narrar su propio entierro, siendo uno de los momentos más bellos de la noche. Sin embargo, en la escena siguiente, las bendiciones llegan tan rápido para sus amigos que su muerte parece quedarse como el peaje para que los demás abran los ojos. La película, por supuesto, también salta del funeral a la fiesta, pero allí el duelo pesaba en el cuerpo de Mikkelsen, que en el baile final parece llorar y celebrar al mismo tiempo. Aquí apenas se alcanza a sentir.

Que no se lea como un reproche. La comedia acá es exquisita. Y si algo he aprendido como espectador, con casos como la serie BoJack Horseman como ejemplo, es que la risa alecciona cuando uno se reconoce en ella, y Druk lo logra durante casi toda la función. Solo le faltó quedarse un rato más en el silencio.

Por las actuaciones, el ambiente y el montaje, es una obra esencial para ir a ver. Pero también por nuestro contexto. En Colombia se consumen unos cuatro litros de alcohol puro al año por cada persona mayor de 15 años, el 95 % en cerveza, según Proesa. Cerca de 10.000 personas mueren al año por el trago, según datos de 2019, y los escolares empiezan a beber, en promedio, a los 13 años, según el Ministerio de Salud. Aun así, el tema sigue siendo un tabú en un país que lee “el exceso de alcohol es perjudicial para la salud” como letra pequeña.

Druk no los va a sermonear. Hace reír, pero es en el camino a casa cuando uno empieza a contar a sus amigos. Sobre todo a los que siempre piden otra ronda ante nuestra complicidad, sin saber cómo ayudarlos. Es una obra, a mi parecer, imperdible en este momento.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

Desde niño Luis Aniceto Egurrola Hinojosa logró hablar con sus dolores. Cada quejido que cubría su cuerpo, sin pensarlo era exorcizado a través de los pequeños versos que anotaba en su cuaderno de tareas, los mismos que para diferenciarlos, los anotaba con distintos colores. Fue tan preciso el invento, que con solo verlo salía de su voz infantil el texto con melodía, con una precisión desbordada. Así logró juntar varios trozos que después de ponerlos en distintos lugares de una hoja en blanco, decidió construir una imagen a la que llamó ‘mariposa de mil colores’. 

Sin darse cuenta, estaba construyendo los primeros cimientos de su casa musical, que muchos años después le serviría para pensar, escribir y narrar con música de una manera distinta a como lo venían haciendo los protagonistas de una generación anterior. Las narrativas vallenatas de ese pasado cercano le sirvieron para construir caminos propios, cuyos colores están presentes en cada verso, arropado por una rara y posmoderna melodía que lo llevó a convertirse, en poco tiempo, en un paradigma emergente para bien de nuestra música.

¿Cómo nació ese llamado musical?

Mi primer asomo en la música fue como a la edad de diez años. Cogí un papel y empecé a hacer una canción, a la que le puse melodía. Era para una niña que estudiaba conmigo. Era para una niña que estudiaba conmigo. Esa canción se perdió en mis recuerdos. De la que sí me acuerdo es de una que hice para un concurso de canciones dedicadas a la Virgen María, organizado por mi colegio en Los Pondores, un corregimiento cercano a mi pueblo. El concurso fue organizado por la hermana Aura Pérez, quien vivía preocupada porque aprendiéramos a tocar guitarra y a escribir y leer música, un proceso que se truncó debido a los constantes paros. llí fui acompañado por el acordeonero Javier Díaz. Ese evento me prendió la llama en la composición. Allí también participaron Hernán Urbina Joiro, Fabián Corrales Corrales, Moisés Parodi, Deimer Marín.

Luego de ese evento, ¿qué pasó con ese anhelo de ponerle a los versos una melodía? 

En el colegio el Carmelo se activó mi vocación de componer. Me dediqué a hacer canciones románticas, en donde prevalecía el amor. En la clase de literatura, fui un estudiante activo. Allí conocí a Juancho Rois, quien nos cubría con la bulla que producía con su acordeón. Un recuerdo que viaja en mi mente fue cuando, estando niño, vi a mi abuelo, quien era amigo de Escalona, tocar su guitarra acompañado de un violinista. Fue algo impresionante que marcó mi vida. Con la canción '¿Qué hay de ti?' participé en el Festival Nacional de Compositores de mi pueblo, la cual fue de gran aceptación y se convirtió en mi primera canción grabada por Alexander Oñate y el acordeón de Mauro Millian. Ese evento se convirtió en la cita obligada para los nacientes creadores. Fue una etapa de aprendizaje que me ayudó a moldear, a todo aquel que quería incursionar en el mundo de la composición. Cada vez que escuchaba una canción de Gustavo Gutiérrez, anhelaba que fuera de mi autoría y apareciera en ese LP mi nombre.

***

Ese tiempo esperado por Luis Aniceto Egurrola Hinojosa comenzó desde el momento en que grabaron su primera canción, el paseo "¿Qué hay de ti?", una obra que recoge, en esencia, su estado emocional frente al amor.

"Me extrañó que una tarde llorara/con mis cantos manchados de tiempo/vieja luna te espera la noche/como a mí me espero tu recuerdo/yo pensé ya dormido el dolor/que esa tarde volvió/tu recuerdo a cantar/la ilusión me quemó/te volví a recordar/yo que quise olvidarte por fin/no volver a sentir/en mi alma el dolor/y hoy solo pensé en ti/en tus tardes de amor/ese amor que ha cortado mis alas/recordé tus miradas/y hoy no deja que vuele/ese amor que hoy me deja que cante/y no deja que busque besos de otras mujeres/ese amor que me deja cansado/e inevitablemente me hace que te pregunte/cuando estoy alejado/qué hay de ti, que hay de ti corazón/qué hay de ti con ese nuevo amor".

Versos como estos están cubiertos por una sensación quejumbrosa, pero a la vez suplicante, que surge como una especie de interrogatorio amoroso. En ellos aparece una exaltación de la paciencia de los poetas, que lo dan todo por un amor imposible, sin medir las consecuencias del ego desbordado que todo creador tiene. Allí, un naciente buscador de ilusiones pone todos sus sentimientos, en los que manda la musa por mandato del creador de la obra, sin pensar cuántas heridas pueden surgir en esa propuesta. 

Mientras sus versos empezaban a circular con cierta timidez, la vida le daba paso al joven universitario que decidió no darle tiempo al pensamiento para que pusiera de figura central a la protagonista de unos amores frustrados o de alguna fémina que lo sacara de su compromiso estudiantil y lo hiciera quedar mal. Solo estaba dedicado a pensar en las materias que en cada semestre tenía la carrera de arquitectura que había decidido hacer en la Universidad Piloto de Bogotá. Con una estoica misión logró terminarla. Esa realidad lo hizo despertarse de inmediato y lo enfrentó con una verdad que escondió siempre: la música, era lo suyo. Esa verdad lo llevó a ordenar tantos versos que guardó por años. Al tenerlos de nuevo en sus manos, recordó las melodías que le había puesto. 

¿Quién es ese nuevo creador que tiene revolucionado al mundo de la música vallenata?

Nací en San Juan del Cesar, la Guajira, el 19 de Julio 1964 en el hogar de María Teresa Hinojosa Celedón y Jaime Enrique Egurrola Matos. Hice mis estudios de primaria en el Colegio Gabriela Mistral, el Bachillerato en el Carmelo, de mi tierra natal y arquitectura en Bogotá, en la Universidad Piloto de Colombia, con una maestría en gestión urbana. Me casé con Julieta Mendoza, tengo cuatro hijos: Marianny, David Santiago, Luis Carlos y Cristina. Tengo seis hermanos, María Angélica, Jaime Enrique, María Teresa, Claudia María, Ana María y Carlos Jaime.

***

La espera que le propició el estudio lo maduró tanto que, al salir con sus canciones, muchos no creían que todo ese mundo musical que nos regalaba a través de diversos artistas que lo interpretaban pudiera ser de alguien que había tenido tanta paciencia para demostrar a sí mismo que la esencia de su ser estaba en la creación musical. Esto, en medio de la eterna competencia que mantuvo con su yo poético, en la que no son las personas que aparecen en sus canciones las que sufren, sino el creador, quien pone a sus personajes a suplicar amor, a interrogar por sus ausencias y derrotas sentimentales. Mientras tanto, muchos creen, al escuchar esas obras, que quien las compuso no sufre, sino quienes destinó como personajes para relatar sus propias tragedias.

‘¿Dónde están esos amores?’ es un paseo de su autoría, grabado por los Diablitos con la voz de Jesús Manuel Estrada, en el que perfiló de inmediato la hoja de ruta que luego demostraría sus profusas creaciones que, sin proponérselo, evidenciaron que su obra era diferente en cada verso y melodía. Todas esas nuevas características empezaron a llamar la atención a diversos protagonistas de la música vallenata, quienes dieron a conocer en poco tiempo la grandeza de quien estaba gestando esa nueva expresión musical. Esta característica, sustentada en un primer canto, cuyos versos, como "Dónde están esos amores, que me hacen falta, que me hacen falta/solo quedan los recuerdos/de aquellos tiempos inolvidables/¿dónde estarás escondida?/que ya hace un tiempo no te puedo ver/vas por distintos caminos/¿serás feliz o triste como yo?/busco números prohibidos/entre papeles que algún día guardé/le pregunto a mis amigos/y nadie sabe ni me dan razón", dieron inicio al despertar de un nuevo poeta en una música llena de creadores populares, cuyas armas versísticas tienen algo de narrador y descriptor. Estos trozos narrativos hicieron que se volcaran las miradas de los críticos más enconados, que, por mucho que no quisieran reconocer la fortaleza poética de esas obras, terminarían por considerar que en buena parte de su obra vallenata hay elementos poéticos para resaltar.

Los sentimientos afectivos circundan el diario acontecer de un creador. Lo interno y lo externo son las formas que ayudan a construir ese mundo local o universal que rodea un canto. El entorno y sus contradicciones, en el que el arraigo o el desapego marcan la senda de la creación, y en el que el amor y el desamor crean ataduras que terminan marcando el dolor expresado en cada composición. Todos esos elementos están enmarcados en la obra de Egurrola Hinojosa.

¿Es el canto ‘Una aventura más’ la respuesta de un poeta triste?

La obra se parece al momento que se vive cuando llega la inspiración. No se puede ser alegre cuando es la tristeza o desesperanza la que habla. No quiero decir con ello que no sea feliz con lo que vivo. Crear una obra musical nos debe llenar de felicidad, solo que el creador debe ser honesto con lo que hace, porque si es la evocación de un recuerdo, lleno de alegría o tristeza, debe reflejar alguno de los dos. Mis canciones recogen lo que viví o estoy sintiendo; es por eso que si entramos a su mundo, no hay mentiras. El paseo grabado por Jorge Oñate y Álvaro López lo sustenta en sus versos: "Que te vas pues no quieres por mí, perder tu libertad/quien te ha dicho que quiero ponerte cadenas de amor/yo tan solo busqué en tu vivir/solamente un instante feliz/yo tan solo esperaba que tú/aliviaras si quisiera un instante/mi amargo existir/tú eres una persona de aquella que no olvidaré/imposible tener el encanto que no tengo yo/sabes bien que fue casualidad/ese día en que te pude encontrar/más no pienses que te ando buscando/solamente una aventura más". Eso fue así y así lo narré.  

***

La muerte es el paso final que arrasa con todo, pero el autor, compositor o intérprete vallenato tiene una ventaja frente al resto de los mortales que lo convierte en alguien difícil para que el olvido haga de las suyas: no faltará quien desempolve la obra dejada y la ponga en otro tiempo, para hacerla vital en la vida de otras personas. Así, más de uno se goza sus canciones, se pregunta quién es su autor y se aventura a analizar lo que está escuchando.

Sin lugar a duda, Egurrola Hinojosa fue un hombre buscador de nuevos caminos amorosos, que en su mayoría se chocaron con el eterno retorno a donde fue o pretendió ser feliz, en busca siempre de las manos delicadas de alguien que nunca tuvo rival. Creador de imágenes ilusorias, cuyos constantes llamados se perciben en sus cantos, en los que contó sus historias en primera persona. Muchas de ellas fueron desgarradoras semblanzas, unas veces llenas de libertad amorosa y otras de un sentimiento limitado por no tener lo anhelado. Lo cierto es que, con su visión poética, le dio brillo al dolor y a los amagos de alegría que nos hacía creer que tenía cada verso narrado.

Sus canciones pasaron por el examen crítico del Festival de su tierra. Unas no lograron vencer la resistencia de un jurado amarrado de pies y cabeza por la ortodoxia, ante sus distintas formas de componer. Estas obras luego evidenciaron la equivocación cometida, al lograr convertirse en sucesos musicales. Su primer intento lo hizo en 1990. 

¿Cómo fue ese paso por el Festival de Compositores?

No fue nada fácil. Los festivales tienen unas estructuras complicadas. Muchas veces niegan la posibilidad de dar el gran salto hacia una nueva forma de contar lo que uno vive o vivió. Se cuentan siempre los lugares comunes, que pocas veces es tratado bien. Se vuelven un monólogo de acciones ya conocidas que, en vez de avivar nuevas visiones, la mutilan. Con el paseo ‘Canción de lejanía’ quise aportar algo distinto, pero no se pudo. Como tampoco lo logré con ‘Ven conmigo’ y ‘Al final del sendero’, grabadas luego por Diomedes Díaz. Solo vine a conocer el triunfo con el paseo ‘Si decir adiós’, grabada esta por Los Betos’. 

Si todos los artistas vallenatos le grabaron, ¿con qué intérpretes y canciones se queda?

La misión del autor y compositor, creo yo, es que su obra sea bien grabada, en donde se le dé el sentido que su creador le puso al momento de hacerla. Tuve la fortuna que quien me grabó lo hizo con respeto, hecho que elevó la calidad de lo que compuse. Todos merecen un respeto porque son dos mundos e hilarlo no es tarea fácil. Todos merecen mi respeto y admiración. Esa cadena de buenos intérpretes que tiene el vallenato se sumó al de los creadores, que al final no pueden dar un resultado negativo. Vivo agradecido por la manera como mis obras fueron bien tratadas por los cantores y acordeoneros del vallenato.

***

Es importante destacar que, dentro de la fortaleza desarrollada al interior de sus creaciones, encontramos un delicado tratamiento a lo estético, donde la ternura tiene una preminencia elevada sin dejar que su mensaje termine dominado por la nostalgia, propiciada por lo que pudo ser y no fue, y donde el llamado al afecto es evidente. Sus obras son cuadros de vivos colores. Es evidente que supo pintar con finos trazos cada línea del verso para ponerle la melodía justa, sin parecerse a otras de su misma factura creativa. Es el poeta que logró llenar de una avanzada inusitada cada creación, habilidad creativa que le permitió construir un nuevo tiempo al interior del vallenato como música, obras que al llegar a las voces de los cantores nuestros se hizo más vallenata. 

Todo eso ayudó a mirar a Egurrola Hinojosa como una propuesta fresca que rompió viejos cánones al contar las historias amorosas o abrirse a hacerlo, con el dolor de un amor perdido. La nostalgia, esperanza, silencio, y la fe en un nuevo amanecer son elementos recurrentes en el leguaje del poeta, que a veces daba la imagen de ser un combativo gruñón, que todo lo discutía, pero que en el fondo algo de razón había en sus eternos diálogos. Muchos de ellos resueltos en su ingeniosa creatividad por tantos cantos, en los que decidió ponerle punto final a ciertas reyertas que los poetas como él suelen plantear. No solo habló de sus aciertos, también se castigó por sus decisiones tardías. 

Su partida, el 16 de septiembre de 2024, en el Instituto Cardiovascular de Valledupar, Cesar, después de resistir varias complicaciones de salud, nos privó de seguir escuchando esos versos heridos y corajudos de un poeta que llegó para inventar una nueva forma de ver el mundo amoroso, lleno de tragedias, golpes afectivos y todo eso que se vive solo en la vida. Además, nos remitió a viajar por ese sendero de canciones que dejó en las voces de Silvio Brito y Osmel Meriño, con 'En carne propia' y 'El amor de mi vida'; Iván Villazón y Saúl Lallemand, con 'Ven conmigo', 'Al final del sendero', 'Ilusiones', 'Sin saber qué me espera', 'Las verdades de mi vida', 'Amor de mi juventud', 'Se está pasando el tiempo' y 'Tal como soy'; Diomedes Díaz y el Binomio de Oro, con '¿Cómo te olvido?', 'No te quiero perder' y 'Realízame mis sueños'; Jorge Celedón y Jimmy Zambrano, con 'Por tu primer beso', 'El glu, glu, glu' y 'Loco paranoico'; Silvestre Dangond; Jorge Oñate, con 'Una aventura más' y 'Brillará otra esperanza'; Los Betos, con 'No me vuelvas a ilusionar', y Los Gigantes del Vallenato, con 'Después del adiós'.  A estas canciones se suman las de otros intérpretes que grabaron sus obras y le dijeron al mundo que "la poesía no está ausente en el vallenato mientras existan unas raras especies de poetas como Egurrola Hinojosa", quien vino para decirnos "aquí estoy con mi música en la mano y así no esté, sí estoy, porque mi música me defiende".

 *Escritor, Periodista, Compositor, Productor Musical y Gestor Cultural para que el Vallenato tenga una Categoría dentro del Premio Grammy Latino.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

“Es muy raro volver a un texto de hace 17 años, pero es una experiencia muy especial, porque es volver a conectarse con momentos de la vida que uno incluso ya había olvidado. Cuando uno habita una ciudad que no es la de uno durante mucho tiempo, termina domesticando esa ciudad. Al principio es la exaltación, la novedad, una nueva cultura, pero a medida que te vas instalando empieza a ser parte de tu cotidianidad y como que lo olvidas. Volver a mirar esos textos era como volver a mirar a una persona que ya no es uno, pero que también es uno. También es empezar a ver una manera de entrar a la escritura que de alguna manera uno ya no tiene o quiere recuperar, porque esas eran crónicas muy irresponsables, en el sentido de que fueron escritas inicialmente para publicar en un blog de WordPress que no tenía ningún público, pero que tenían esa doble frescura de la no obligación de ser escritor y de estar descubriendo un universo de otra cultura. A medida que pasan los años, uno convierte la escritura en un oficio y va pensando que tiene una responsabilidad con el próximo libro frente a unos lectores”, dijo Luis Miguel Rivas en entrevista para este diario.

Rivas reconoce que en los textos de este libro, que fueron publicados a finales de la década de 2000 y principios de la siguiente, hay textos “venenosos” que tienen nombres propios, y que incluso a alguno le cambió el nombre, pues considera que “ya uno, con los años, no tiene ganas de desquitarse con nadie”.

En varios relatos Medellín tiene una importancia particular. ¿Cómo ha cambiado su relación con esta ciudad y también con Buenos Aires, que son las ciudades que más aparecen en el libro?

Me fui de acá muy resentido, muy herido. Era una época muy fuerte. Cuando recién llegué a Buenos Aires no veía noticias de Colombia, me desentendí completamente del país, como si no existiera. Toda mi percepción del mundo estaba muy atenta a qué pasaba en Argentina. Cuando pasan los años, y ese país deja de ser novedoso, empezás a ver los entresijos. Tu vida real y tu drama personal ya están allá. En los últimos años dejé de ver noticias de Argentina y veía las de Colombia.

Ahora que estoy de regreso es una situación muy extraña, porque uno es como una especie de turista que es del lugar. Tenés la mirada del turista, la lejanía, porque tu drama directo todavía no está ahí. Empezás a percibir las cosas lindas que antes no veías cuando todo estaba cruzado por tu herida, pero, a la vez, uno no es un turista, porque uno es de acá. En algunas mitologías el héroe que vuelve a su tierra debe llegar con una especie de talismán. Ha superado los obstáculos, pero tiene que protegerse porque el sedimento de ese conflicto está ahí. Me siento de nuevo como si no me hubiera ido, pero a la vez siendo otro y siendo el mismo.

¿Y cómo quedó su relación con Buenos Aires después de regresar a Colombia?

Los últimos días, cuando fui consciente de que realmente me iba a venir, recorrí esas mismas calles y me di cuenta de que Buenos Aires no es solo una ciudad que se define por la cultura, la arquitectura o la culinaria, sino que Buenos Aires es un espíritu. Hay una cosa que está en el ambiente que uno no puede definir y que todavía me sigue pareciendo hermosa. Y bueno, obviamente volveré porque tengo un hijo allá, es argentino, tiene tres años. Toda la relación de uno con un país pasa por muchas cosas: una visión política y económica, un proyecto de país que para mí fue atroz y me golpea. Igual me vine para acá, que es un poco el mismo modelo, de Guatemala para Guatepeor, pero por lo menos uno está en su tierra, tiene su tribu, y estoy enamorado, eso también cambia mucho la percepción y la estancia en el país.

En uno de los relatos dice que cree en el espíritu de la solidaridad. ¿Eso sigue siendo así?

Creo que el único mérito que puede quedar de haber vivido en otras partes o haber viajado es la comprensión del ser humano en general. Donde vayas hay un ser humano. Hay hijos de puta en todas partes y hay seres sublimes en todas partes. En la idiosincrasia argentina está muy interiorizado el asunto de la solidaridad, de la comunidad. Hay una tradición de organización comunitaria y política que tiene que ver con su propia historia.

Te puedo hablar de casos concretos. Una vez iba por un parque y vi una persona aplaudiendo, después otras dos, después tres, y había un niño ahí, y me di cuenta de una costumbre: cuando hay un niño perdido en un lugar público, la persona que lo encuentra empieza a aplaudir. Entonces todo el mundo aplaude hasta que quien está buscando al niño encuentra el lugar. Esa cosa me pareció hermosa.

También vi un colectivo detenerse porque una señora se desmayó. Toda la gente estaba pendiente de ella y no de su propio afán. Hay un sector de la sociedad argentina que es muy racista, pero hay otro muy defensor del ser humano y de los derechos. Están siempre esas dos cosas. Y en uno mismo están las dos pulsiones: la de ayudar al otro y la de la oscuridad y el egoísmo.

En otro cuento habla de una rabia escondida que tenemos los colombianos. ¿Por qué le interesaba explorar o revisar este sentimiento?

La rabia es un instinto fundamental, básico. Está la pulsión de muerte, el Tánatos, y está la sombra junguiana, toda esa parte oscura que tenemos. Cada país y cada cultura, de acuerdo con su historia, va a tener una manifestación y una intensidad de esa rabia. En Colombia tenemos una rabia interiorizada desde la Colonia y desde antes. Nuestra violencia es mucho más naturalizada. Le pregunto a gente de otras culturas: “¿Vos has visto matar a alguien? ¿Has visto a alguien muerto o recién muerto?”. Y la mayoría me dice que no. Y crecí en un contexto en el que eso uno lo naturalizaba. Mataban a alguien y uno corría a ver al muerto. Eso, sumado a una cultura donde expresar las cosas es inadecuado, donde hay que ser fuerte, berraco, va creando un cúmulo de sentimientos y emociones reprimidas.

El pueblo argentino es muy rabioso, pero ha tramitado eso a través de la palabra. Buenos Aires es una sociedad muy psicoanalizada. Vos ves a dos personas insultándose en la calle, discuten, se van hasta la historia del siglo XIX y al otro día pueden encontrarse y saludarse. Veía esas peleas y esperaba que alguno volviera con un cuchillo o una pistola, pero no volvía. Uno también tiene esa violencia interiorizada, por eso digo que mientras un argentino porteño va al psicoanalista, un paisa va al odontólogo. Tenemos los asesinos con las mejores dentaduras del mundo.

En el libro cita a Antonio Skármeta y señala que una de las funciones del escritor es evitar que olvidemos lo importante. También dice que sus cuentos le ayudan a recordar el sentido de las cosas que va olvidando. Hablemos entonces de esa relación que plantea entre la literatura y la memoria.

Hay temas que hay que elaborarlos. Uno tiene que hablarlos, verbalizarlos, volver a ellos. Los gringos siguen haciendo películas sobre Vietnam, los argentinos siguen haciendo películas sobre la dictadura. La literatura, a diferencia del periodismo y de la historia, quiere ir, es como lo concibo yo, al símbolo de las cosas, no al dato.

Hubo una masacre muy fuerte que a mí me tocó, la masacre de Oporto. Llegaron a una discoteca, sacaron a los chicos y a las chicas, los tiraron al suelo y los mataron. Si voy a hablar de eso, no me importa exactamente cuántos muertos hubo o quiénes eran. Puedo hacer una ficción, inventarme otro número, otro lugar. Lo que importa es el símbolo: que alguien esté divirtiéndose y lleguen otros que se atribuyen la autoridad para imponer su voluntad sobre la vida de los demás.

El periodismo nos muestra los hechos y los datos, la historia nos muestra un contexto histórico, pero la literatura muestra lo que pasa en el espíritu humano para que haya esos retorcijones de crueldad y también, a veces, de belleza, porque, si no, sería simplemente un inventario de desastres. Yo percibo que en la base de la vida hay una vibración, siempre hay una luz, incluso en lo más atroz, y la literatura trata de ver esos matices, por eso no hay malos, malos ni buenos, buenos, sino seres humanos en toda su complejidad.

En "El daño que nos ha hecho tanta bondad" cuestiona a personas que, convencidas de esa virtud, también son capaces de promover ideas o actos asociados al mal. ¿Qué le interesaba explorar de esa contradicción?

Lo veo de dos maneras. Hay un contexto social que te impone una manera de pensar con unos valores, y seguir esos valores es lo que te hace sentir bueno. Por ejemplo, la disciplina. Yo me crié en una cultura donde la disciplina era un valor fundamental, la cosa paisa de intervenir el mundo, que requiere fuerza y disciplina. Pero con ese instrumento he visto cometer muchas atrocidades. Entonces, un valor que en sí mismo puede ser positivo puede utilizarse como instrumento para cometer atrocidades, y en ese texto me refería a un profesor que quise mucho, un gran profesor de periodismo, muy aplicado, pero que creía que su visión del mundo era la correcta. Apoyaba una propuesta política detrás de la cual hubo asesinatos y desapariciones. Creo que se hacía un poco de la vista gorda con eso. Pero él, como persona, era muy bueno. Es esa ambigüedad de los hombres buenos que logran el bien a través del mal.

En sus relatos conviven el humor, la ironía, la depresión y el absurdo. ¿Cómo entiende esa relación entre emociones aparentemente contrarias?

A mí me preguntan muy a menudo sobre el humor, pero en realidad el humor está hecho del absurdo. Del encuentro de dos cosas que aparentemente no tienen nada que ver, pero que juntas generan un tercer sentido, que despierta una carcajada, y el ejemplo que siempre encuentro es el humor inglés: una actitud erguida, formal, en la que se están diciendo cosas absurdas. Ese contraste entre la seriedad y una cosa tonta, liviana, es lo que dispara algo en la cabeza.

Yo observo mucho el absurdo, sin proponérmelo. Estoy atento a esas cosas que no combinan. Tengo un mafioso que se enamora perdidamente de una mujer que no se deja comprar porque no le interesa la plata. Él hace las cosas más cursis, más propias de un hombre frágil, siendo el tipo más poderoso. Esas circunstancias generan humor. Nuestra vida está muy cruzada por el absurdo, incluso las instituciones, cuando intentan canalizar la vida, entran en contraposición con su condición natural, que es la soltura, el fluir para los lados. Es también una manera de defensa. Si uno ve esta vida a palo seco, no tiene mucho sabor. Pero si ves lo que funciona detrás de los esquemas, en ese absurdo hay una risa, hay una distancia.

Para terminar, ¿qué representan para usted dos referencias del libro: Ernesto Sábato, con "Sobre héroes y tumbas", y Sandro?

A Sábato lo leí en la adolescencia, El túnel, cuando uno ve el mundo oscuro y quiere ser un artista maldito. Hay una identificación con ese personaje en esa época. Luego uno cambia. La obra me gusta, pero con Juan Pablo Castel ya no me identifico. Cuando llegué a Buenos Aires empecé a leer Sobre héroes y tumbas. Nosotros hemos estado muy mediados por el tango, el rock y la literatura argentina. Yo casi fui a Buenos Aires a ver cosas que ya estaban en mi cabeza, y ahora veo entrevistas de Sábato y me parece demasiado tieso, demasiado trascendental, se toma demasiado en serio a sí mismo. Pero Sobre héroes y tumbas me sigue pareciendo una obra maestra.

Él decía que un escritor es alguien que sueña por los demás. Sábato se tomó el trabajo de tener las pesadillas que todos tenemos, detenerse a desbaratarlas y ver qué hay debajo. Hay escritores que es muy bueno leerlos y que a mí no me gustaría conocerlos en persona.

Y Sandro... Yo crecí oyendo lo que hoy llaman música de plancha. Mi mamá y mis tías eran amantes de Sandro. Tenía cuatro o cinco años y eso queda en uno.

Era nuestro Elvis Presley, nuestra irreverencia en una época pacata sexualmente. Tenía esa sensualidad, esa locura y también ese sentimentalismo kitsch que a mí me gusta mucho. Yo tengo una sensibilidad de peluquera y me toca mucho ese tipo de manifestaciones de los afectos. Y bueno, eso coincidió con que llegué a Buenos Aires y me tocó la muerte de Sandro. Todavía oigo sus canciones, todavía lo busco, todavía me duele su partida.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

La librería de Londres designada como proveedora oficial de la reina británica, Camila, y anteriormente de Isabel II, ha lanzado este domingo su iniciativa 'Global Reading Census', que pretende recabar información sobre el estado de la lectura en el mundo a cambio de sortear, entre sus participantes, una suscripción gratuita y vitalicia de libros.

Situada desde 1936 en el céntrico barrio londinense de Mayfair, Heywood Hill se denomina a sí misma "la librería pequeña más grande del mundo", pues cuenta con una red de clientes que se extiende a más de 80 países, a los que envían cada mes sus recomendaciones personalizadas -exclusivamente en lengua inglesa- bajo distintos modelos de suscripción.

Para celebrar su 90 aniversario, la librería sorteará varios premios, entre ellos una suscripción para recibir libros gratis de por vida entre quienes respondan antes del 29 de noviembre al cuestionario habilitado en su página web, abierto a participantes de todo el mundo. Los ganadores se conocerán a principios de diciembre.

Con las respuestas a estas nueve preguntas, la librería Heywood Hill busca impulsar el que denomina como el primer censo global de lectura ('Global Reading Census'), con el objetivo de conocer más sobre el perfil actual de los lectores del planeta, los libros que han marcado sus vidas, o sus ideas para fomentar la lectura en la era de la inteligencia artificial.

"La lectura es una liberación y una importante vía de escape, real o figurada (...) Esa ha sido siempre su esencia, pero hoy en día hemos regalado a las máquinas ese tiempo de pensamiento libre que solíamos tener", afirmó el jefe de la librería, Nicky Dunne, en un encuentro con un grupo reducido de medios internacionales.

Lea aquí: Hoy presentan "Al otro lado del miedo": la memoria viva de Alejandro Reyes Posada

El librero de Heywood Hill dijo que pretende "dar un puñetazo en la mesa" con esta campaña y se muestra optimista, pues asegura que en la actualidad existen muchos movimientos positivos, como clubes de lectura entre jóvenes o eventos a los que la gente acude para leer en silencio.

"Creemos que hay un hambre real entre los amantes de los libros en todo el mundo por recuperar ese tiempo perdido. Por eso queremos movilizar a ese grupo y creemos que si les damos el incentivo de la posibilidad de ganar libros de por vida de nuestra tienda, responderán a nuestras preguntas", explicó Dunne.

Un proyecto cíclico

No es la primera vez que Heywood Hill sortea una suscripción vitalicia. Hace una década, por su 80 aniversario, también lo hizo, entre más de 50.000 participantes; pero esta vez, con la iniciativa del censo literario, quieren ir más allá.

Dunne lo visualiza como un proyecto cíclico, cada diez años. Confía en que para el centenario de la librería, en 2036, volverán a sortear libros y lanzarán un nuevo censo, que servirá para ver la evolución de la lectura en esta próxima década.

 "Esta es la descabellada idea que impulsamos en esta pequeña librería y con la que queremos empezar un movimiento", comentó el librero.

Pese a su tamaño, Heywood Hill puede presumir de aparecer en una escena de la novela 'El topo' de John le Carré, y de haber sido designada en dos ocasiones como suministradora oficial de la casa real británica, primero por la fallecida monarca Isabel II en 2011, y de nuevo en este 2026 por la reina Camila, esposa del rey Carlos III.

Camila, que dedica gran parte de su labor filantrópica a fomentar la lectura, visitó el establecimiento el pasado mes de julio, inauguró la 'sala de la reina', e incluso ayudó a empaquetar a mano uno de los envíos, en el que incluyó una dedicatoria firmada.

La exclusiva lista de clientes de Heywood Hill incluye también a la reina emérita Sofía de España, pues, según reveló Dunne, fue en su día compradora habitual de la librería londinense.

Nueve décadas después de su apertura, la librería ha sabido modernizarse sin renunciar a ese espíritu de atención personal que recuerda al de obras como '84, Charing Cross Road' (1970), con libreros dispuestos a encontrar los títulos que sus clientes les piden, por extravagantes que sean las solicitudes.

Entre las peticiones más insólitas, Dunne asegura que le han pedido que confeccione colecciones sobre memorias de aviación de combate, de expediciones polares o una biblioteca exclusivamente con libros sobre libélulas. "Es divertido, una especie de trabajo de detective", comenta.

Con este entrenado olfato literario, el equipo de Heywood Hill tendrá que evaluar todas las respuestas de su primer censo global de lectura y dará a conocer sus conclusiones el próximo año.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

La reforma tributaria que propone el Gobierno de Abelardo de la Espriella bajo el nombre de “Ley de rescate económico” afectaría, a partir de enero de 2028, el costo de las entradas de cine en el país, cuyo precio está entre los más bajos de América Latina.

El proyecto de ley “propone gravar a la tarifa general del 19 % una serie de bienes y servicios que actualmente se encuentran excluidos o exentos”, entre ellos, “bienes y servicios culturales y recreativos”. Para ello, se plantea retirar del artículo 476 del Estatuto Tributario la exclusión del IVA para las entradas a los espectáculos públicos de las artes escénicas, incluido el cine, así como para los servicios que se contratan para el montaje de estos espectáculos.

Gonzalo Castellanos, asesor de políticas y proyectos culturales en América Latina, quien ha trabajado en el diseño y la estructuración de los incentivos culturales a lo largo de este siglo, explica a este diario que, si bien considera necesaria una reforma, le preocupa particularmente el efecto que tendría el IVA sobre la taquilla. “Obviamente impacta en primer término a los consumidores, a los espectadores básicamente, porque tienen que asumir un 19 % más de costo para la adquirir cualquier boleta (...) Ponerle IVA va a hacer que inmediatamente la taquilla decrezca, pues se afecta las finanzas del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico”, dice.

La preocupación de Castellanos sobre el Fondo se explica porque este es “un instrumento de financiación que se alimenta de los dineros provenientes de la contribución parafiscal creada por la ley 814 de 2003 como una manera de lograr que los recursos generados por el cine se vuelvan al mismo sector”, de acuerdo a lo que se lee en la página del fondo. Con esos recursos se financia cada año, de forma no reembolsable, proyectos cinematográficos colombianos en distintas etapas, desde el desarrollo de guiones y proyectos hasta la producción, posproducción, promoción, distribución y exhibición.

Catalina Valencia, coordinadora de la Línea de Cultura de la Fundación Paz y Reconciliación (Pares) y exsecretaria de Cultura de Bogotá, también advierte sobre el efecto que tendría el aumento del precio de las entradas en la recuperación de público que el sector apenas empezaba a consolidar después de la pandemia. “Parte de los ingresos de la ley parafiscal con la que se financia la cultura proviene de las entradas (…) Tú le subes el costo a los eventos, la gente va a asistir menos. Es una matemática de primaria. Eso generaría menos sostenibilidad para el sector”.

El impacto, sin embargo, no se limitaría a la asistencia del público. Castellanos advierte que, en el caso de las artes escénicas, el impuesto también aumentaría los costos de producción de espectáculos de música, teatro y danza, pues los servicios contratados para sus montajes dejarían de estar excluidos del IVA. “Montar un espectáculo público de las artes escénicas en música, en teatro, en danza va a costar mucho más hacer el montaje del espectáculo porque hoy los servicios que se contratan están excluidos”, explica.

De acuerdo con Valora Analitik, las entradas tiene "un precio promedio cercano a $18.000 y un valor real pagado de aproximadamente $8.366 en 2025, lo que refleja un acceso relativamente asequible al entretenimiento en salas".

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

¿Qué puede contar la memoria de un hombre que ha recorrido el territorio colombiano y conocido de cerca los hilos de un conflicto armado que ha marcado al país durante más de cinco décadas? Esa es una de las preguntas que atraviesan Al otro lado del miedo (Mediapluma editorial), el libro en el que el periodista Miguel Ángel Estupiñán se acerca a la vida, las ideas y los recuerdos de uno de los pensadores colombianos que ha dedicado su trayectoria a comprender las dinámicas del territorio y la violencia.

Cuando Alejandro Reyes Posada se aproxima a los ochenta años, Estupiñán emprende junto a él un ejercicio de «arqueología de la memoria»: una búsqueda de pensamientos, experiencias e historias que contribuyen a reconstruir los caminos por los que ha transitado Colombia. El resultado es un relato cercano y directo, que busca preservar un testimonio vivo sobre los acontecimientos y las transformaciones que han definido buena parte de la historia nacional. Más que una evocación biográfica, el libro propone un encuentro con la memoria de un hombre que no ha sido un simple observador de los acontecimientos.

Su conocimiento de la geografía colombiana y su cercanía con distintos episodios del conflicto armado lo convierten en una voz desde la cual es posible explorar las complejidades del país y las huellas que la violencia ha dejado en su historia. Una conversación con la memoria de Colombia En estas páginas, Miguel Ángel Estupiñán plantea las preguntas necesarias para recuperar la experiencia de Reyes Posada sin idealizarla ni recurrir a la condescendencia.

La narración se concentra en sus recuerdos y reflexiones, y en la posibilidad de transmitir a nuevas generaciones una memoria que ayude a entender las circunstancias históricas, sociales y territoriales de Colombia. El libro adquiere una dimensión especial al recoger este testimonio en medio de la enfermedad final de Reyes Posada. Su memoria se convierte así en un legado: una oportunidad para escuchar a quien ha dedicado buena parte de su vida a interpretar el país y sus conflictos, y para reconocer el valor de preservar las voces que han acompañado su devenir.

“Este libro de memorias, escrito a manera de perfil periodístico por Miguel Ángel Estupiñán, cuenta bien los días en que Alejandro vivió al borde, por encima del miedo a morir. Como él se interpreta a sí mismo: un temerario. Al repasarlos, aparece una paradoja: el hombre que hoy está cerca de cumplir ochenta años, tranquilo, en una casa en el campo en Choachí, es el mismo que durante medio siglo hizo casi todo lo que se debe evitar para llegar a viejo en este país”. Gustavo Duncan en el prólogo del libro

En un contexto en el que la memoria resulta fundamental para comprender las raíces de la violencia y los desafíos de la paz, esta obra invita a mirar la historia desde la experiencia de quienes la han vivido y estudiado de cerca. También abre preguntas sobre lo que una sociedad decide recordar, las voces que conserva y el conocimiento que transmite a quienes vienen después.

Un periodista dedicado a investigar las relaciones entre religión, Estado y sociedad

El autor del lbro, Miguel Ángel Estupiñán (Bogotá, 1986), es licenciado en Teología por la Pontificia Universidad Javeriana y magíster en Estudios Literarios por la Universidad Nacional de Colombia. Durante quince años se ha dedicado al periodismo como reportero, corresponsal y editor, con especial atención al hecho religioso, las relaciones entre la Iglesia y el Estado y el trabajo de organizaciones sociales a favor de la paz. Su trayectoria incluye, además, la participación en proyectos de investigación al servicio de pueblos étnicos en distintas regiones del país. Es coautor de El archivo secreto (Planeta, 2023).

El Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo presentó su temporada 2027, que reunirá 152 funciones de “una oferta variada y diversa de espectáculos culturales con los que continúa fortaleciéndose como un epicentro artístico de Bogotá que amplía el acceso a la cultura de todos los ciudadanos”, según describieron desde el teatro. Entre las citas del año están dos conmemoraciones, los 200 años de la muerte de Ludwig van Beethoven y el centenario del nacimiento de Gabriel García Márquez.

El homenaje a Beethoven tendrá como eje el VIII Festival Internacional de Música Clásica de Bogotá, que se realizará del 24 al 27 de marzo bajo el título Bogotá es Beethoven 200. "Su legado es símbolo de libertad, no solo porque fue el primero en incluir el canto lírico en su 'Novena sinfonía', con la 'Oda a la alegría', sino porque a través de su universo sonoro los asistentes a esta edición podrán conocer su fragilidad, sus duelos, sus alegrías y sus esperanzas", señalaron desde el Teatro Mayor. A partir de esa mirada, el festival reunirá 18 conciertos en cuatro escenarios, dos de ellos gratuitos, con invitados como la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo, el Belcea Quartet, el violinista Leonidas Kavakos y los pianistas Enrico Pace y Gottlieb Wallisch.

Por su parte, el centenario de García Márquez llegará al escenario con tres propuestas. El Teatro Cenit abrirá el Festival Gabo con 'Gabo 100: in memoriam'; Teatro Tierra presentará 'Úrsula Iguarán, delirio sin fin', y el ensamble francés L'Itinéraire estrenará una obra dedicada al escritor colombiano.

Ópera, conciertos sinfónicos y danza

La programación lírica tendrá dos de sus apuestas principales en 'Fidelio', de Beethoven, y 'Rigoletto', de Verdi, producciones realizadas en coproducción con La Compañía Estable. La primera contará con la Gürzenich-Orchester Colonia y la dirección musical de Andrés Orozco-Estrada; la segunda, con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y Patrick Fournillier. 

"La franja se completará con 'La voz humana', ópera de cámara de Poulenc con libreto de Jean Cocteau; 'Cavalleria rusticana', de Pietro Mascagni, en una versión de concierto junto a la Orquesta Sinfónica y el Coro Nacional de Colombia; 'Tristana', una nueva ópera producida por la Ópera de Tenerife, la Comunidad de Madrid y el Teatro Xtremo, inspirada en la novela de Benito Pérez Galdós, y una Gala de Zarzuela, con la Orquesta Sinfónica y el Coro Nacional de Colombia", añade el comunicado del Teatro.

Entre los conciertos sinfónicos está la interpretación de la 'Octava Sinfonía de Mahler', conocida como la Sinfonía de los Mil, que reunirá a la Orquesta Filarmónica de Bogotá, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y tres agrupaciones corales. La temporada incluirá, además, conciertos con los que el Teatro Mayor se unirá a la celebración de los 60 años de la Filarmónica de Bogotá.

Incolballet presentará en danza 'Carmen', de Bizet; 'Zorba el griego' y 'El cascanueces', de Chaikovski. Desde España llegará Romance sonámbulo, de Antonio Najarro, inspirado en Federico García Lorca, y desde Argentina, el Ballet Folklórico Nacional con Enlazados.

Artistas colombianos y nuevas propuestas escénicas

Las Añez, Marta Gómez, María Cristina Plata, Piangua y el Grupo Musical Colombia Negra harán parte de la franja Colombia es Música. También se realizarán los lanzamientos del Festival de la Leyenda Vallenata, el Festival de Música Andina Colombiana Mono Núñez y el Festival de Música del Pacífico Petronio Álvarez. "El Teatro Mayor seguirá comprometido también con ser un escenario que refleje la diversidad cultural de nuestro país", señalaron desde el teatro.

Por otro lado, la oferta teatral incluirá producciones nacionales e internacionales como 'Tsunami', del argentino Hernán Gené; 'Vendrán los alienígenas y tendrán tus ojos', de María Velasco; 'Pulso', de Laura Villegas, y 'Bernarda Alba', con Teatro La Máscara y Señor M. Para el público infantil se presentará 'Conejo azul', ganadora del Concurso de Creación Escénica para la Infancia 2027 del Teatro Mayor.

La temporada conservará iniciativas como Teatro Digital, Cien Mil Niños al Mayor y Teatropedia, orientadas a ampliar el acceso a las artes y acercarlas a los procesos educativos. También tendrá 17 espectáculos relacionados con el cuidado ambiental a través de Teatro Verde.

La preventa de los eventos estelares tendrá descuentos hasta el 31 de diciembre de 2026.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

¿Qué significó para usted representar a uno de los desaparecidos del Palacio?

Significó una responsabilidad muy grande porque alrededor de las víctimas inocentes del Palacio de Justicia hay un dolor muy grande que todavía persiste en los corazones de sus familiares. En el caso de mi personaje, no solo fue una víctima fatal, sino que también fue una víctima de desaparición forzosa. Eso trae consigo una incertidumbre y una ansiedad que se mantiene por muchos años, hasta que se encuentren los restos o se sepa realmente qué pasó con esa persona. Es volver a revisar y a tocar una herida.

La búsqueda de la serie y de nosotros, los actores, siempre fue hacerlo desde el lugar más respetuoso y que se sintiera como una honra, que no fuese a rozar nunca con una revictimización o una caricatura.

Los familiares que conocí de mi personaje fueron muy generosos conmigo y me brindaron un montón de información. Para mí fue muy importante sentir la aprobación de esas personas para interpretar a Jimmy. Mi objetivo era que cuando vieran esta interpretación pudiesen sentir: “Ahí está la esencia de Jimmy. Jimmy hacía sentir así a la gente”.

¿Qué representó a su vez hacer parte de una producción que retrata un episodio tan difícil para el país?

Para mí, ser parte de Palacio significó un orgullo y un honor muy grande. Creo que es una serie que aporta mucho a la conversación de cómo podemos seguir en búsqueda de la paz por medio de un acto de memoria, que es contar esta historia.
También creo que la serie plantea un cuestionamiento a nuestras creencias, a cómo hemos creído en las historias que nos han contado, a cómo nos acercamos hoy en día de una manera tan superficial a todos los sucesos y nos quedamos solo con los titulares de las noticias.

La historia nos recuerda que todo es mucho más profundo y mucho más complejo, y tiene muchos más puntos grises de los que estamos dispuestos a ver hoy en día, en donde queremos que todo sea blanco o negro.

¿Qué anécdota y qué reflexión le deja su participación en esta producción?

Fue un rodaje de cuatro meses más un mes de ensayos. Todos sabíamos y éramos conscientes del peso de la historia que estábamos contando, y eso hacía que el rigor y el compromiso de cada uno de los integrantes del equipo, que llegamos a ser más de 400 personas, fueran al máximo.

El palacio se construyó y se quemó de verdad. Cuando empezamos a grabar con el palacio quemado, estábamos en un edificio que tenía carbón en el piso todo el tiempo. Eso se volvía muy tosco para la respiración.

Recuerdo que cuando grabamos en la Plaza de Bolívar se sintió para todo el equipo una energía muy fuerte, muy potente. No estábamos haciendo cualquier cosa, estábamos yendo a activar la energía que existe en ese lugar y de la cual fue testigo hace 40 años. Creo que ese día fue el más especial, pero a la misma vez el más sensible de haber grabado Palacio.

¿Cree que es importante que este tipo de producciones sigan realizándose?

Sí, es bastante importante que se sigan contando las historias de nuestro país, incluso las que son dolorosas. Es importante que sigamos alimentando la valentía de mirarnos, de entendernos, de saber por qué han pasado las cosas que han pasado y qué podemos hacer para que las cosas dolorosas no vuelvan a suceder.

Creo que es importante que las historias se cuenten y que nos confronten y nos hagan mirarnos en el espejo.

¿Por qué decidió dedicarse a la actuación y qué es lo que más disfruta?

Mi papá siempre ha trabajado en televisión y desde muy chiquito me maravillé con la forma en la que se hacía el cine y la televisión.

Quería estudiar dirección y, antes de irme a Argentina, decidí hacer un taller de actuación. Ahí me enamoré de la actuación muy rápido y se me volvió una obsesión.

Lo más difícil me parece la inestabilidad económica. Y lo que más disfruto es estar en un set o en un escenario de teatro. Cuando dicen “acción”, realmente me siento como un niño jugando.

¿Cómo define en este momento su carrera actoral?

Siento que estoy en un muy buen momento. Llevo ya 12 años actuando y desde hace unos tres o cuatro años he logrado una constancia que me ha permitido estar presente en varias producciones de cine, televisión y teatro. Creo que estoy en un camino de ascenso, en donde cada vez logro tener participaciones más importantes, personajes con mayor peso.

¿Qué valores cree que son esenciales para dedicarse a la actuación?

El autoconocimiento, la empatía y la curiosidad son claves para poder ser actor. Y la observación. Uno tiene que entender sin prejuicios qué es lo que está dentro de ese cóctel que se llama ser humano y por qué termina siendo o haciendo las cosas que hace.

¿Qué opina de la fama?

Es un arma de doble filo. Bien usada, puede darte una voz que ayude a expresar tus ideas. Por otro lado, para los que buscan fama solo por ser famosos y llenar unos vacíos que tienen en sus vidas, se vuelve un arma que te puede herir incluso más.
Yo siempre voy a querer que la mayor cantidad de personas vean mi trabajo porque lo hago con mucha rigurosidad, disciplina y pasión. Si el reconocimiento viene porque mi trabajo les hace sentir cosas a los espectadores, siempre será bienvenido.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

“Esta es la felicidad, lo que buscaste durante toda tu juventud. Esta es la mujer que aparecía al final de todos tus sueños”.

“El gran Meaulnes” es una novela publicada en 1913 por Henri-Alban Fournier bajo el seudónimo Alain Fournier, justo un año antes de que su autor muriera en la guerra con tan solo veintisiete años. Se trata de una prosa poética o un “poema narrativo” como sugiere Carmen Martín Gaite: “Un poema narrativo es efectivamente ‘El gran Meaulnes’, y uno de los más bellos que he leído jamás sobre la adolescencia. Precisamente por referirse a esa edad en cuyos umbrales todo parece posible y se viven los descubrimientos de otra manera (…) la lectura de ‘El gran Meaulnes’, me invadía una especie de nostalgia retrospectiva (…)”. (‘La odisea del crecimiento’. ‘El gran Meaulnes’, Diario 16, 2 de julio de 1979 en Tirando del hilo, artículos 1949-2000, Siruela, 2015). La novela despierta, en efecto, una devoción íntima, una añoranza por el pasado inocente de la juventud.

En la primera parte de la novela, François Sorel recuerda la llegada a su casa de un pensionista, un joven de diecisiete años llamado Agustín Meaulnes. El narrador da a entender que se trata de un joven autoritario, que pronto se convierte en el héroe que los otros alumnos llamarán el “gran Meaulnes”. En algún momento este conoce —en la boda de un tal Frantz, a la que llegó estando perdido en el bosque, donde la novia había desaparecido y la gente parece de otro tiempo— a una muchacha llamada Yvonne de Galais de la que se enamora perdidamente.

Lea también: Anne Carson y el porvenir de los clásicos

En la segunda parte, Meaulnes se dedica a buscar a la mujer y trata de reconstruir el camino pero cada vez que parece acercarse se pierde de nuevo. Más adelante, llegan a la escuela unos hombres, entre los que está Frantz. Meaulnes le promete que encontrará a la novia perdida. En la tercera y última parte, después de viajar a París y vivir con otra mujer, el protagonista regresa al pueblo. Su amigo François Sorel había logrado encontrar a Yvonne. Meaulnes la había idealizado tanto que se desencanta, pero en todo caso se casa con ella. Sin embargo, pronto la deja con la disculpa de tener que ayudar a su amigo Frantz. Yvonne estaba embarazada y muere sola al dar a luz a una niña. Meaulnes regresa, encuentra a su hija, pero también la abandona porque nunca logra estar satisfecho; cada vez que cree encontrar algo que le recuerda sus años de adolescente y la imagen de la mujer idealizada, lo rechaza porque la felicidad nunca es perfecta. El tiempo pasa y el futuro no se puede alcanzar: “Mientras pasan las horas y el día está por morir, y yo lo quisiera ya muerto, hay hombres que han cifrado en él todas sus esperanzas, todo su amor, sus últimas fuerzas. Hay hombres moribundos; otros que esperan un vencimiento y no querrían que nunca llegara mañana. Hay otros para quienes mañana asomará como un remordimiento. Otros, en cambio, se sienten fatigados, y esta noche no será nunca lo bastante larga como para proporcionarles el descanso que necesitan. Y yo, yo que he desperdiciado el día; ¿con qué derecho me atrevo a invocar el día de mañana?”.

La novela presenta temas universales de la esfera privada de los individuos como la adolescencia, el amor imposible, el dolor de crecer, la búsqueda de la felicidad absoluta, la amistad, la culpa, la muerte y el abandono. Todas estas ideas que parecen íntimas y privadas están condicionadas por la imagen que la sociedad proyecta sobre el amor perfecto como presupuesto para la felicidad absoluta. La prosa presenta numerosos símbolos: “El dominio desconocido” es una parte del libro que da a entender que hay un lugar en la adolescencia y en la infancia que equivale a un paraíso, a una felicidad perfecta a la que no se puede regresar; Yvonne es el símbolo de la mujer pura, hermosa, inalcanzable, perfecta; el mismo Agustín Meaulnes simboliza el adolescente inconforme que no se detiene en su búsqueda; Frantz y los amigos que llegan a la escuela representan la pérdida de la niñez, el dolor y la culpa. Asimismo, la elección de la voz narrativa en cabeza de François Seurel es acertada, ya que se trata de un testigo que le permite al lector una perspectiva ambivalente y juzgadora.

Le sugerimos: Así fue como Yamid Amat transformó la radio informativa con R@dionet

Es decir, “El gran Meaulnes” es una novela que evoca una época en la que creemos que todo es posible, incluso el amor perfecto y la felicidad eterna. Evoca la nostalgia y la admiración por un ideal. Ha sido traducida a varios idiomas, se ha adaptado al cine y al teatro y sigue siendo objeto de análisis literario, sociológico y sicológico. Se trata de una obra que puede ser leída en diferentes épocas de la vida y dependiendo del momento causará impactos contradictorios. Afirma José María Valverde en la introducción de la edición de Penguin: “Ante esta extraña maravilla que es ‘El gran Meaulnes’, puede ser lícito, y aun inevitable, presentarla en términos personales, como una experiencia emotiva que, a través del tiempo, se revela aún más romántica en el reencuentro”.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

El libro La piel de los reptiles del poeta bogotano Nicolás Peña Posada obtuvo el galardón de la octava edición del Premio de Poesía Hispanoamericana Francisco Ruiz Udiel, que convoca la editorial española Valparaíso Ediciones en memoria del poeta nicaragüense.

"El jurado, integrado por Alí Calderón, Fernando Valverde y Nieves García Prados, ha destacado su capacidad para 'abordar el sufrimiento sin concesiones al sentimentalismo' y transformar 'la memoria íntima en una reflexión sobre la vulnerabilidad y el cuidado'", se lee en la publicación realizada por Valparaíso.

Peña ganó esta edición con un libro "arriesgado" que será publicado en 2027 por la editorial dentro de una colección de poesía de la que forman parte autores que ganaron el Nobel de literatura, como Derek Walcott o Gabriela Mistral, y premios Pulitzer de Poesía, como Jericho Brown, Rita Dove, Charles Simic, Mary Oliver, Natasha Trethewey o Yusef Komunyakaa.

El Premio de Poesía Hispanoamericana Francisco Ruiz Udiel está abierto a autores de hasta 35 años originarios de cualquiera país americano. Con este premio, la editorial Valparaíso tiene el objetivo de honrar la memoria del poeta nicaragüense Francisco Ruiz Udiel, que falleció a los 33 años, en 2010, y que pese a su corta trayectoria destacó como la voz más prometedora de su generación en Centroamérica.

El ganador de esta edición es docente universitario y tallerista de escritura creativa, co-dirige la editorial y proyecto cultural Danielito Bang y cuenta con varios reconocimientos por sus libros de poesía, como el premio Reverso.

También ha publicado Los bordes del agua​​ (2025),​​ No sabía que teníamos en común pisar hojas secas​​ (2024),​​ El marrano​​ (2022),​​Tardes de domingo​​ (2022) y​​ La abuela nunca llora cuando corta las cebollas​​ (2020). "Obtuvo mención de honor en el Concurso de Poesía Tomás Vargas Osorio con el libro​​ Los desiertos del hambre,​​ y ha sido finalista de otros certámenes nacionales e internacionales", señala la página del Círculo de poesía.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖