Andrés Ruiz Zuluaga se tomó 14 años para rodar un documental. El resultado fue “El juego de la vida”, una producción audiovisual que rastrea a cuatro familias en situación de pobreza durante casi 15 años de rodaje y que actualmente está en cartelera. Cada tres años el equipo iba a visitar a cada uno de los protagonistas en lugares como Boyacá, Norte de Santander, Cundinamarca, Antioquia, Córdoba y Bogotá.

El proyecto con el que Ruiz exploró las dinámicas sociales y económicas en las que diferentes personas nacen en Colombia y cómo esto afecta el desarrollo de su vida partió de un estudio en el que se embarcó con la Universidad de Los Andes en 2009. Con el proyecto se realizaron encuestas a 10.000 familias en diferentes regiones del país y el director y periodista tuvo la idea de grabar a algunas de ellas para generar un documental. Las grabaciones comenzaron en 2010 con 50 familias que fueron seleccionadas para esta iniciativa. Cada tres años Ruiz registró los cambios.

Sin embargo, la magnitud del proyecto y el crecimiento de las familias hicieron que tuviera que reducir la cantidad de protagonistas a 30 y luego a 20 núcleos familiares. Para finales de 2023 culminaron las grabaciones y en 2024 se decidió convertir el material en un documental que “no mostrara la visión de los economistas, sino la del periodista que vivió esas experiencias y estuvo en el territorio”, dijo a El Espectador.

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Como “El juego de la vida”, existen otros documentales, como “El príncipe de Nanawa”, que componen el género conocido como “documentales longitudinales”, en los que las grabaciones toman años y, en ocasiones, décadas para retratar la realidad cambiante de una o varias personas.

Uno de los ejemplos más reconocidos internacionalmente es el de la serie inglesa “Up”, la cual comenzó en 1964 retratando las vidas de diez niños y cuatro niñas de diez años, quienes continuaron siendo los protagonistas de nuevas entregas del documental a lo largo del tiempo.Según escribió Richard Kilborn para el estudio de la Universidad de Manchester titulado “Taking the long view”: “los productores de documentales de larga duración se centran en seguir y narrar discretamente la vida de otros, de una manera que busca provocar una respuesta más reflexiva e incluso, en ocasiones, filosófica en el público”.

Los equipos que trabajan en este tipo de proyectos se enfrentan a diferentes cuestiones sobre el papel de la cámara en la vida de las personas que están siendo grabadas, además del consentimiento de los protagonistas para relatar sus historias y que sean vistas por cientos de espectadores. La confianza entre el equipo del documental y los entrevistados es un elemento clave para realizar este trabajo. Según relató Ruiz, para poder generar esos lazos, el primer día de visita a cada familia las cámaras no aparecían.

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“Ese día llegaba solo y conversaba con ellos. Les proponía la idea de estar en el documental. Así escogimos a las 50 familias al principio. De ahí en adelante, cada tres años íbamos, pero les mostrábamos las grabaciones de antes para que ellos vieran lo que iba a pasar en cámara y lo que estaba quedando archivado. Así fue siempre la conversación. Durante los 14 años de grabación generamos muchos lazos de confianza y amistad. Mildred, una de las protagonistas, nos ha acompañado a muchas de las charlas. Donny, su hijo, incluso es nuestro vocero en Medellín”, aseguró.

Para Óscar Molina, director del documental “La casa de mamá Icha”, algo fundamental en estos casos es tener la claridad de lo que se va a hacer y la intención del documental. Esto con el objetivo de que haya una base sólida para una relación real. Para él es importante que la conexión no esté únicamente mediada por la cámara, sino que vaya hacia lo entrañable: la amistad, la solidaridad y el apoyo. “Ahí es donde se revela quién es uno, qué le está pasando y las otras personas también participan de alguna manera de lo que es uno, de lo que está viviendo y pensando. No es una relación unilateral, ni solamente con o para la cámara”, dijo.

Esta es apenas una de las aristas a las que los documentalistas se enfrentan al momento de embarcarse en un proyecto de largo aliento. No es solo la confianza lo que entra en juego, sino también el impacto que ellos, como equipo de producción, pueden tener sobre las personas que participan en sus filmes. Ruiz Zuluaga lo vio de primera mano: llegó a los territorios con el conocimiento de que su presencia allí alteraría el entorno.

Los protagonistas de su documental le han dicho que esta película y su rodaje fueron “una forma de repensar su propia historia. Angie y Daniela me contaban que siempre que yo volvía esperaban para verse y analizarse. Para algunas la cámara fue difícil: sintieron que se convertía en un juez. Y claro, es que la cámara genera algo. Cuando tú pones la cámara, ya estás cambiando el entorno. Y yo fui muy consciente de eso desde el día uno”, afirmó. Uno de los ejemplos de esto es Donny, quien, al principio del rodaje, no sabía qué quería hacer cuando creciera. Con la presencia de las cámaras y el equipo, se fue interesando por lo audiovisual y, según relató el director, el equipo del documental fue enseñándole sobre este trabajo y las herramientas que usaban.

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Molina habló de cómo la energía y el tiempo que un equipo de documental dedicaba a una única temática solía hacer que los protagonistas de estas producciones vieran con ojos diferentes los fenómenos que abordaba la pieza. “Esto les exigió pensar por qué uno como cinematógrafo se fijaba en lo que se fijaba. La presencia del equipo de grabación, las preguntas, la insistencia en decir algo, empezaban a generar una pregunta colectiva y común sobre la que ellos también reflexionaban y trabajaban”, afirmó. Esa duda que planteó “El juego de la vida” a sus protagonistas estuvo relacionada con la noción del éxito en algunos casos y, en otros, con los sueños y el futuro.

Ruiz terminó respondiendo esa pregunta sobre el éxito para sí mismo. Su propia percepción de la vida y el mundo hizo parte de los cambios que atravesó el documental, pues, según contó, no fue del todo consciente de su propio proceso de movilidad social. Con la revisión periódica del material grabado, su visión fue cambiando. “Sentía que era una resiliencia individual, uno se cree estos discursos de éxito de los libros de superación personal, y no. Lo que me ayudó a cambiar de percepción tuvo que ver con que yo empecé a darme cuenta de que, a pesar de que yo había arrancado en pobreza, tenía muchos privilegios de los cuales no era consciente y eso me cambió la mirada”, dijo.

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En una reciente alianza entre el Parque Arqueológico de Pompeya y la Universidad de Padua se detalló con inteligencia artificial el rostro de un hombre que falleció en la erupción del Monte Vesubio en el 79 d.C.

“El proyecto abre un debate más amplio sobre el uso de la IA en arqueología”, consideró el profesor Jacopo Bonetto, de la Universidad de Padua. “Es una tecnología que puede contribuir a la creación de modelos interpretativos y a la mejora de las herramientas de comunicación, pero requiere un uso controlado y riguroso”, concluyó.

Según lo encontrado, el hombre fue uno de los primeros en huir e intentó proteger su cabeza con un mortero de terracota. Por primera vez, se usó la inteligencia artificial para recrear la cara de una víctima de la tragedia. Además del mortero, el hombre llevaba una lámpara de mano, un anillo de hierro en el meñique izquierdo y diez monedas de bronce. El hombre murió mientras intentaba huir hacia las costas y sus restos fueron encontrados en la necrópolis de Porta Sabia.

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El retrato digital reconstruido con IA es la primera vez que se usa esta tecnología para realizar avances en la investigación arqueológica en las ruinas de esta ciudad.

“La inmensidad de los datos arqueológicos es tal que solo con la ayuda de la inteligencia artificial podremos protegerlos y mejorarlos adecuadamente. Si se utiliza correctamente, la IA puede contribuir a la renovación de los estudios clásicos”, aseguró Gabriel Zuchtriegel, director del parque.

Según el Ministerio de Cultura italiano, la imagen obtenida del estudio muestra al hombre sorprendido mientras intentaba escapar del desastre durante las primeras horas de la erupción. Estaba acompañado de otra persona y los investigadores estiman que falleció al inicio del desastre, mientras caían escombros volcánicos (lapilli).

Se estima que su acompañante más joven falleció unas horas más tarde, por una corriente piroclástica (una nube abrasadora de gases y ceniza).

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Se cree que el mortero de terracota fue utilizado por el hombre como una protección improvisada para evitar que los escombros le fracturaran el cráneo mientras corría hacia la costa. Según los expertos, esta teoría encaja con las descripciones antiguas de Plinio el Joven, quien vio el desastre desde la costa de Nápoles, y contó que las personas protegían sus cabezas con objetos y telas.

“Pompeya es quizás el yacimiento arqueológico más prestigioso del mundo”, apuntó el ministro de Cultura, Alessandro Giuli, “donde cada nuevo descubrimiento arroja luz sobre la estructura de la vida antigua”. “Las metodologías innovadoras, aplicadas con rigor, pueden brindarnos nuevas perspectivas históricas”, añadió.

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Los elementos con los que fue encontrado el hombre, dan pistas de la vida cotidiana en Pompeya antes del desastre. Según la revista National Geographic: “La reconstrucción es una visualización creada con herramientas de inteligencia artificial y edición fotográfica, diseñada para traducir datos esqueléticos y arqueológicos en una semblanza humana realista, según informaron responsables del parque italiano. El propio Parque Arqueológico de Pompeya insiste en que se trata de un prototipo experimental para hacer la investigación más accesible y también más emocionalmente comprensible, sin renunciar a una base científica”.

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Katie Kitamura, una de las voces norteamericanas más interesantes a seguir en la literatura contemporánea, ha tenido un año de lo más emocionante, el mismo que refleja la madurez de su trabajo y el ascenso meteórico de sus novelas que, aunque cortas y milimétricamente separadas entre sí por un cuatrienio, están consolidándose entre las favoritas de la crítica especializada. Una progresiva evolución que de a poco la ha ido posicionando como una de las plumas más internacionales de su generación, junto a otras fuertes contendientes como Otessa Moshfegh, R.F. Kuang y Ling Ma, al punto de convertirla en cabeza de cartel de la última Feria del Libro de Madrid y del Brooklyn Book Festival del año pasado.

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Y es que su más reciente obra “Audición” acaba de marcarse un doble casi tras quedarse a las puertas de la gloria tanto en el Premio Booker como en el Pulitzer. En el primero, anunciado el anterior noviembre, Kitamura era de lejos la autora más reconocida del grupo de finalistas, seguida de cerca por Kiran Desai con “La Soledad de Sonia y Sunny” (Booker 2006), aunque tal vez dicha popularidad sería la razón por la cual en las casas de apuestas británicas era quien tenía menos probabilidades de ganar. Así es el Booker, donde, salvo por el caso de “Los Testamentos” de Margaret Atwood en 2019, sus fallos suelen privilegiar a autores de bajo perfil, como David Szalay con “Flesh” (Booker 2025), en detrimento de nombres con gran tracción que convierten todo lo que publican en superventas inmediatas.

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El otro jarro de agua fría acaba de caerle esta semana con su, para nada indigno, segundo lugar en el Premio Pulitzer, tras ser superada por “Angel Down” de Daniel Kraus. Un texto bélico que aún no ha sido traducido al español, pero que estuvo en todos los grandes listados de libros más relevantes de fin de año. Sin embargo, a pesar de irse con las manos vacías, como premio de consolación, Kitamura ha conseguido entrar en el selecto club de escritores que han llegado a lo más alto en ambas competiciones con el mismo texto, un honor reservado sólo para “James” de Percival Everett (Pulitzer 2025), “Fortuna” de Hernán Díaz (Pulitzer 2023) y “El Clamor de los Bosques” (Pulitzer 2019).

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En lo personal, tanto con “Audición” como con “Intimidades”, su elogiada obra anterior, mi problema con Kitamura es que encuentro infinitamente más interesante lo que sus personajes piensan que lo que hacen. Su literatura es sublime allí donde sus creaciones simplemente divagan sobre dilemas como las máscaras que utilizamos en sociedad o los distintos roles que jugamos en nuestro día a día, planteándote auténticas reflexiones que vuelven a ti cada tanto para hacerte cavilar nuevamente, pero salen a deber cuando tienen que ejecutar sus conceptos en el flujo narrativo del relato.

“Audición” es un gran paso adelante que corrige los baches vistos en “Intimidades”, pero queda en el aire la sensación de que la gran novela de Kitamura es la próxima por escribirse y no la que estás leyendo. Está por verse.

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Durante el cierre del Congreso Artes para la Paz, que se realizó entre el 11 y el 15 de mayo, se anunció que Colombia presidirá durante un año la Iberoamericana de Educación Artística y Cultural - RedArtes. En el evento también se presentó la Declaración de Bogotá, una hoja de ruta para la formación en estas áreas.

La plataforma de educación artística estará integrada por ministerios de Cultura de Iberoamérica y tendrá como objetivo fortalecer las políticas públicas de formación cultural.

El evento, que reunió a delegaciones de 20 países, se centró en paneles y talleres para nutrir la discusión y presentar los documentos en la clausura. En el acto de cierre estuvieron presentes el presidente de Colombia, Gustavo Petro, y la ministra de las Culturas, Yannai Kadamani.

“Iberoamérica se quiere contar de otra manera y le quiere proponer una conversación al mundo, una que tenga que ver con una cultura de paz, de diversidad cultural, de lenguas, de formas y de sistemas de conocimiento que tiene toda la región. Iberoamérica le quiere proponer a la conversación global que es muchísimo más urgente formar seres humanos más sensibles y no consumidores eficientes. Le queremos enseñar al mundo que la cultura se tiene que defender en los sistemas estatales”, afirmó la jefa de la cartera cultural.

La iniciativa de RedArtes busca que a través del intercambio de experiencias entre los países que la conforman, se fortalezca la cooperación interinstitucional para la creación de políticas públicas con las que se promueva la educación artística como un derecho.

Raphael Callou, director cultural de la Organización de Estados Iberoamericanos (OEI), y Alberto Fernández, secretario de Estado de Cultura de Portugal, también participaron en el evento.

“Celebramos los consensos que hemos logrado durante este congreso, en tiempos de alta polarización que vive el mundo. Así, hemos establecido esta Red Iberoamericana de Educación y Formación Artística y Cultural inspirados en muchas de las prácticas que tenemos en Iberoamérica, pero especialmente, en el marco de este Congreso, a partir de la experiencia que tenemos en Colombia con el programa Artes para la Paz”, afirmó Callou.

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La actriz y realizadora Judith Godrèche, quien en 2024 se convirtió en la gran embajadora del ‘Me Too’ francés al denunciar abusos de los directores Benoît Jacquot y Jacques Doillon cuando era adolescente, presentó este sábado en Cannes ‘Mémoire de fille’, la adaptación de una obra de la Premio Nobel Annie Ernaux.

Con su hija, la actriz Tess Barthélemy, en el papel protagonista del que es el primer largometraje dirigido por Godrèche, la película se basa en la obra homónima ‘Memoria de chica’ (‘Mémoire de fille’, 2016) de Ernaux, en la que, como es característico, queda retratado un episodio de la propia vida de la autora.

En la ópera prima de Godrèche (París, 1972), que en Cannes compite en la sección ‘Una cierta mirada’, el personaje de Ernaux acude a la ciudad de Ruán (noroeste de Francia) para dar un discurso y eso hace que sus recuerdos vuelvan a 1958, a sus primeras y traumáticas experiencias en la cama con un hombre.

Llegada de un ambiente rural, la joven Ernaux, libre de la mirada de sus padres por primera vez, sufre un choque al confrontarse con las experiencias de otros jóvenes que trabajan con ella, como monitores en una colonia de verano.

“Annie (Ernaux) pone su vivencia íntima al servicio de desvelar mecanismos colectivos y, gracias a ello, permite reencontrarse con uno mismo. Ella considera lo que le ocurre como algo susceptible de ser emplazado de una manera sociológica, histórica, partiendo de lo íntimo”, expresó Godrèche en un texto sobre la película publicado este sábado por el festival.

Antes de empezar a preparar este proyecto, Godrèche ya había leído a la Premio Nobel de Literatura de 2022, pero no este texto concreto, admitió, y de él le llamó la atención en particular la mirada de Ernaux, de 85 años, sobre el mundo, sobre la “dominación masculina” y sobre “el deseo de pertenecer a un grupo”.

“Annie Ernaux me ha hecho el honor de darme los derechos de su libro. Me ha regalado su confianza. Es un regalo. Era necesario que lo hiciera bien. No he parado de pensarlo. Pusimos una foto de ella en el rodaje. Ella velaba por nosotros y viceversa, mientras nosotros contábamos su historia”, destacó la cineasta y actriz francesa en su mensaje.

Godrèche ya había presentado una obra suya detrás de la cámara en Cannes, el cortometraje ‘Moi Aussi’ (‘Yo también’) en 2024, poco después de haber hecho públicos los abusos sexuales a los que los directores Benoît Jacquot y Jacques Doillon la habían sometido en los rodajes cuando era una actriz adolescente.

La ruptura de ese silencio, que había mantenido durante décadas, la convirtió en el símbolo de un nuevo impulso del movimiento ‘Me Too’ en Francia, con una cascada de nuevos casos que se fueron revelando durante meses.

Leer a Irving es adentrarnos en universos misteriosos y oscuros de los cuales no salimos ilesos. Al internarnos siempre palpita la zozobra. La erudición del norteamericano nos pone a dialogar con la antigüedad hasta lograr vincularla con nuestro presente.

Panamericana Editorial publicó una nueva edición de esta obra literaria del romántico norteamericano Washington Irving, que viene, además, con las ilustraciones de Iván Pérez, que hacen que tinta e imagen congenien en medio de hojas negras. Aquí no solo nos enfrentamos a la tinta y su poder de imaginación, sino también al paisaje en esta edición de tapa dura.

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¿Sabían de dónde procede el día miércoles? Es el día de Odín. ¿Sabían que el crepúsculo es la franja del día propicia para los amantes? ¿Sabían quién es Emanuel Swedenborg? Balzac lo llamaba “El Buda de los países nórdicos” ¿Sabían que Ichei es una voz que significa transformación, una pequeña siesta de varios años? ¿Sabían que es un deseo común entre maridos agobiados tomar cerveza de la jarra de Van Winkle y jugar a los bolos con la tripulación de Hudson? ¿Sabían que los hombres y las potencias que han empezado jugando a la guerra han asumido el riesgo de terminar perdiéndola? En sus cuentos de terror, Irving es interdisciplinar; el norteamericano es un interesado en la historia y la cultura europeas. La voz narrativa de Irving es muy hermana de la de Poe, su contemporáneo y compatriota. Los hombres y mujeres de ciertos lugares y culturas, en ocasiones, crean algunos de los mejores libros. Sus historias fascinantes, su vida y su experiencia también son páginas de temas mágicos; aquí reina el gótico, sí, pero también la vida y la historia del mundo y de los hombres, quizá por eso es tan fascinante acercarse a la obra de Irving.

Cuidado con los que aparentan la mansedumbre en estos cuentos; las voces narrativas aquí concentradas son excelentes contadoras de sucesos de terror, al igual que sus personajes. Si se le suman los oxímoron de Irving y la galería de figuras retóricas adicionales al interior de la prosa, lo que hacen es, desde temas formales, engrandecer las historias del norteamericano. Símiles, metáforas, personificaciones e hipérboles hacen de sus textos universos descriptivos que deambulan entre sus páginas.

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Destaco las descripciones espaciales que hace el autor estadounidense. Suele confundirme porque es sobrio, un contador de relatos oscuros y profundos, mantiene el ritmo y genera expectativa, pero no es un narrador poético como los de su época; no aflora un fragmento que destaque en su prosa más allá de sus excepcionales tramas. Buenas historias, sí, pero nada de fragmentos líricos. Abundan los renglones tristes y románticos. Sus personajes, aun estando muertos, siguen amando a las causantes de sus fallecimientos, y algunos de ellos vienen muertos a conocerlas, vaya poder el del amor.

Pueblos de demoras, etimologías tremendas, triunfos del amor, pero sobre todo de la lealtad para con nuestros muertos, explicación, humor, tranquilidad, aletargamiento, la mujer como poseedora de encantos que desarman y asesinan, magia natural, historias bien terminadas, castillos, paisajes naturales, fortalezas, iglesias, reinos, etc., son algunos de los elementos del texto.

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Hay un leitmotiv en Irving: los aparecidos. En sus cuentos es la figura del terror que más se erige y el amor, el amor siempre teniendo cabida en estas narraciones, apareciendo de fondo, pero constituyéndose en la medida que se avanza en la lectura en lo más importante dentro del andamiaje de sus relatos, no por nada es uno de los máximos exponentes del romanticismo norteamericano.

La famosa leyenda del jinete sin cabeza, fundada y refundada en muchos contextos, es presentada con nicho Irvingniano incuestionable. La descripción del autor en el desarrollo de lo que es en sí la leyenda, su origen y el cómo se produce, junto con la de su protagonista Ichabod Crane, resalta en el relato. Además, la exaltación de la labor docente desde su personaje principal, los registros del lenguaje, los narradores de este relato que juegan con nuestra imaginación al omitir información de lo ocurrido, pero dejándonos su inferencia; la narración de un caballo soñador no puede ser más que literaria. Sientes como lector que vas atravesando el camino; te sientes como Ichabod. Irving lo logra al ser enteramente descriptivo.

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Su narrativa alcanza a engañarnos porque Irving parece ir más allá de la literatura misma; tiene una potencia hipnótica para narrar. Sus descripciones son lóbregas y violentas; producen tensión, como cuando sabes que todo es irreal, pero estás en la escena como si todo fuera verdad; eso es leer a este autor.

La tradición oral aflora en la literatura del escritor estadounidense. Irving sabe llamar la atención de sus lectores en la medida en que va narrando; conoce todos los trucos del oficio y uno no puede sentir más que precioso ese habitar entre supersticiones y leyendas. Jugar con la realidad debería ser siempre nuestra afición.

Leer a Irving es adentrarnos en universos misteriosos y oscuros de los cuales no salimos ilesos. Al internarnos siempre palpita la zozobra. La erudición del norteamericano nos pone a dialogar con la antigüedad hasta lograr vincularla con nuestro presente. Ichabod no ha aparecido; aún lo seguimos buscando en cada hondonada o en cada descenso geográfico de cualquiera de nuestros paisajes nocturnos. Habitemos para siempre la superstición, uno de los mejores universos.

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Potosí fue alguna vez la mina de plata más rica del planeta. Tanto así, que en español se convirtió en la evocación de una riqueza incalculable. De allí fue que el artista colombiano Miguel Mesa Posada sacó la inspiración de su primera exposición en solitario, inaugurada en Casas Reigner el pasado 19 de marzo y que culminará el próximo jueves 21 de mayo.

Ese mismo día, a las 6:00 p. m., Mesa Posada estará presente en la galería (calle 70a#7-41) hablando sobre esta muestra que se pregunta por la riqueza, el colonialismo y la extracción.

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“Potosí” se articula en tres ejes que albergan distintos tipos de obras y técnicas, pero que interrogan conceptos similares. Hay mapas, vajillas y otros objetos que se sienten familiares y a la vez fuera de lugar. Y es a través de esa extrañeza que el artista invita a cuestionar nuestra mirada de la historia.

El primer eje se centra en la transmisión del conocimiento a través de los primeros mapas que los europeos hicieron de América. A través de la unión de diferentes facsímiles de mapas despedazados y recompuestos con hilos de algodón, el artista contrasta las ideas de estos dos mundos que para ese momento apenas estaban entrando en contacto.

El segundo eje gira lleva este punto un paso más allá, invitando a los espectadores a ver “el otro lado” de la historia. Mesa Posada intervino una una vajilla del siglo pasado con sellos de su autoría que mezclan iconografía precolombina con símbolos de manufacturas europeas de porcelana y loza.

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Finalmente, el tercer eje explora el encuentro de lo que el artista llama dos “civilizaciones del brillo”, Europa y América. En esta parte de la muestra, Mesa Posada utilizó petos inspirados en la platería sudamericana, exvotos en forma de mangas y un tabernáculo como pieza central de la sala para hablar sobre cómo lo metálico siempre ha estado asociado no solo a lo material, sino también a lo espiritual y trascendental. Esta parte de la exposición está acompañada por una composición sonora de Nicolas Leau (Francia, 1983).

Si bien “Potosí” es su primera muestra en solitario, Mesa Posada cuenta con una amplia carrera en la que ha combinado el arte, la moda y la antropología constantemente. Anteriormente ha participado en exposiciones colectivas que han llevado sus obras a países como Inglaterra, España, Francia, Suecia y México. E incluso en 2025 hizo parte de otra exposición en Casas Reigner cuando su obra “Nuevas cosmografías: certificado de nacimiento de América” hizo parte de la exposición colectiva “Lemuria”.

La galería invita a disfrutar de esta exposición de lunes a viernes de 10:00 a. m. a 6:00 p. m. y los sábados de 11:00 a. m. a 4:00 p. m. Aunque, durante los fines de semana con lunes festivo la galería permanece cerrada.

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¡México vive!

Fecha: 16 y 17 de mayo.

Lugar: Teatro Julio Mario Santo Domingo.

Entrada: desde COP 30.000.

Detalles del evento: el Ballet Folclórico de la Universidad Guadalajara se presentará junto al Mariachi Colombia Nueva Era con el espectáculo “¡México vive”, un viaje escénico que reunirá a más de 50 artistas en el escenario. El montaje incluye coreografías inspiradas en las tradiciones del norte, centro y sur de México, pasando por paisajes como los desiertos, las zonas rurales y las regiones selváticas.

Carrera de observación Día Internacional de Museos

Fecha: 17 de mayo.

Lugar: Museo Nacional de Colombia.

Entrada: libre.

Detalles del evento: para celebrar el Día Internacional de los Museos, el Museo Santa Clara, Museo Nacional, Museo del Oro, Museos del Banco de la República, Museo de la Independencia, Museo de la Salle, la Quinta de Bolívar y el Museo Colonial presentarán una carrera de observación, en la que los asistentes deberán visitar los ocho museos y recolectar stickers, terminando el recorrido en el Museo Colonial. Las primeras 50 personas en presentar los ocho stickers y tres selfies del recorrido ganarán un premio.

Conmemoración de Atatürk, la Juventud y el Deporte

Fecha: 18 de mayo.

Lugar: calle 100 # 9A-75.

Entrada: libre.

Detalles del evento: en alianza con la Embajada de Türkiye se realizará una caminata a las 10:00 a. m. para conmemorar la fecha en la que mustafá Kemal Atatürk, considerado el padre fundador de la República de Türkiye, dio el primer paso hacia la fundación de la nación. La caminata irá hasta la parroquia Santa Mónica (calle 79B # 7-52). Se sugiere asistir con prendas rojas y blancas.

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Yoga feliz

Fecha: 16 de mayo.

Lugar: CEFE Chapinero (calle 82 #10-69).

Entrada: libre.

Detalles del evento: a las 9:00 a. m. se realizará una clase de yoga para todas las edades, enfocada en el bienestar físico y emocional. Las prácticas de yoga que se harán durante la sesión integran respiración, movimiento y autoconciencia, y sitúan al cuerpo consciente como eje de la transformación cultural.

Inmersivo Sonoro: Chicas pop

Fecha: 16 de mayo.

Lugar: Planetario de Bogotá.

Entrada: entradas desde COP 36.000.

Detalles del evento: con visuales en 360° se presentará una lista de reproducción curada especialmente para el domo del Planetario, que rinde homenaje a las grandes voces femeninas del pop, desde los años 80 hasta 2010. El evento fue descrito como un recorrido sonoro creado con una narrativa emocional basada en el tempo, el tono y la energía de cada canción.

Tortazo afrocolombianidad

Fecha: 16 de mayo.

Lugar: La Media Torta.

Entrada: libre.

Detalles del evento: como parte de la conmemoración del Día de la Afrocolombianidad, se realizará este encuentro en el que se propone un recorrido sonoro y simbólico por las raíces afrodescendientes del país. En el evento participarán artistas del Pacífico y el Caribe colombiano, quienes presentarán diferentes ritmos y fusiones musicales, desde lo ancestral hasta lo contemporáneo.

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Pacífico Maravilla Sinfónico junto a Nidia Góngora

Fecha: 16 de mayo.

Lugar: Teatro Colón.

Entrada: libre con inscripción previa.

Detalles del evento: la cantante y compositora presentará su más reciente producción titulada “Pacífico Maravilla Sinfónico”, en colaboración con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. El álbum reúne 13 piezas que recorren el universo musical de la artista. El lanzamiento coincidirá con el III Encuentro Afro del Centro Nacional de las Artes.

Mambo Filarmónico

Fecha: 17 de mayo.

Lugar: Museo de Arte Moderno de Bogotá.

Entrada: libre.

Detalles del evento: la Orquesta Filarmónica de Bogotá realizará un concierto en el interior de la institución para conmemorar el Día Internacional de los Museos. El recital presentará el Proyecto Texturas Colombianas, con Guillermo Alberto Marín Rodríguez en el clarinete y Miyer Garvin en el piano.

Colombia al Parque llega a tu barrio

Fecha: 16 de mayo.

Lugar: Plaza Fundacional de Fontibón.

Entrada: libre.

Detalles del evento: desde las 3:00 p. m. se presentarán Macuira, el Grupo Artístico Institucional de Chirimía, el Conjunto de marimba - Universidad Nacional y Micorriza, artistas del cartel oficial del festival Colombia al Parque, como parte de los escenarios móviles del evento.

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Apenas si reconocemos argumentos erróneos a pesar del enorme poder que tienen en nuestras vidas. Un argumento que es al tiempo inválido, pero convincente se le llama “falacia”. Se trata de errores tan frecuentes y engañosos que tienen nombres propios. Desde tiempos de Aristóteles comenzamos identificado una veintena de ellas; hoy reconocemos más de 250.

Una falacia muy común, que tiene un lugar destacado en los regímenes de facto y entre los que venden “misterios” es la falacia de la ignorancia o Ad Ignorantiam según su denominación medieval. Ocurre cuando de algo que no sabemos extraemos una conclusión. Los ufólogos la aman: ¿Alguien ha demostrado que los extraterrestres no hayan venido a la Tierra? ¿No, cierto? ¡Por lo tanto están acá! Del hecho de que no se tengan pruebas de su “no visita” (algo por cierto imposible, uno no puede demostrar un “hecho negativo”), no se sigue lo contrario, que estén acá. Simplemente no sabemos si han venido, no hasta tener una prueba positiva y contundente.

Los corruptos aman igualmente esta falacia; está hecha para engañar bajo la forma de una “prueba”. Cuando hace años al Ñoño Elías se le acusó de tener vínculos con Odebrecht nos regaló un ejemplar hermoso, puro de una Ad Ignorantiam: ¿Acaso existen fotos mías con personas de Odebrecht? ¿No, cierto?, por lo tanto no tengo nada qué ver con ellos.

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Las instituciones que han incurrido en prácticas autoritarias la aman también porque permite enjuiciar sin pruebas. En la era Duque, cuando en medio de las protestas pre-pandemia proliferaron las marchas y en ellas los desaparecidos, la Fiscalía nos entregó una falacia de la ignorancia de manual de argumentación: un desaparecido del cual no se sabía cómo había desaparecido debía tratarse como un caso de desaparición no forzada. ¿Acaso había evidencia para decir que fue forzada la desaparición?

Más que la política misma o la institucionalidad, quizá sea el discurso de los políticos un caldo de cultivo de las falacias. Algunas son increíblemente comunes, pero no las reconocemos como falacias. Se le pregunta al ministro de educación, demos por caso, por qué ha bajado el presupuesto para ese sector y responde que el gobierno está muy interesado en la vivienda, en el bienestar general de la población, que la defensa de la patria es primordial. No respondió la pregunta y se fue por las ramas. Se llama la Falacia de la Pista Falsa, también conocida como Arenque Rojo o Cortina de Humo. Esta falacia pelechó durante la pandemia, cuando las administraciones intentaban minimizar el peligro del virus: ¿no mueren acaso más personas de la gripe común, de indigestiones? Comer mucho es por tanto más peligroso que el Coronavirus.

Pero no es la única falacia de los políticos. La política radical, para no mencionar los movimientos ideológicos radicales, son afectos a las falacias. Una de sus predilectas se llama el Falso Dilema, un intento de encasillarnos en una de dos opciones cuando en realidad hay mucho más que dos elecciones. ¿Eres de Millonarios de Santafe? Si no estás con la causa de las feministas estás contra ellas. Es perfectamente posible que ni lo uno ni lo otro, que me sea indiferente el tema o que yo asuma una posición ecléctica. Pero en los regímenes de facto, la gente muere por esta falacia.

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Una falacia que aman los políticos es la de El Hombre de Paja. Esta a mi modo de ver es una variante de otra muy común llamada Ad Hominem, o contra la persona: cuando ataco al individuo y no su argumento. El Hombre de Paja se da cuando yo construyo una caricatura de un individuo, un hombre de paja, y quemo esa representación junto con su argumento: Juan es que tu eres un mamerto, y los mamertos no hacen más que decir burradas romanticonas sobre defender el medio ambiente. Maria Fernanda Cabal y Polo Polo la han llevado a un siguiente nivel con su premio al “mamerto del año”.

Pero no todo es política. La publicidad nada a gusto en las aguas turbias de la falacia. La más común tal vez sea la Ad Populum: si algo o alguien tiene una gran aprobación o ha durado años, es porque ese algo o alguien ha de ser bueno, conveniente o al menos no tan malo como tú te lo imaginas. Es “el pueblo” ejerciendo el control de calidad. Pero la aprobación pública y popular de algo o alguien no dice nada de su sabiduría, idoneidad o conveniencia: todo el mundo está usando el Shampoo X…¡úsalo tú también!

No sólo el pueblo vende, las figuras que el pueblo ama venden: Mariana Pajón anuncia analgésicos, un corredor de autos canta la canción de BonFlan para Alpina, y jugadores de fútbol visten la camiseta dichosos por Bancolombia. Esta falacia se llama Ad Verecundiam o la de la autoridad inadecuada porque no es que a Mariana le duela más la cabeza que a nosotros o que Juan Pablo Montoya sea una autoridad en flanes.

Hasta en las relaciones de pareja abundan las falacias, a menudo usadas como trucos socios. Ella le pregunta a él: ¿es cierto que la noche que saliste temprano de mi casa te fuiste a ver con la vieja esa que te fascina? Al responder él que no, ella replica: ¡pero entonces admites que esa vieja te fascina! Diga lo que diga el infausto individuo, la pregunta está planteada de tal manera que siempre se incriminará de un “delito” o del otro. Esta falacia se llama Pregunta Compleja y solemos caer en ella más de lo que creemos porque no parece haber una forma de escapar de sus tenazas más que indicando que se trata de una falacia. Las parejas aman hostigarse también con una vieja falacia que los romanos conocían muy bien: Tu Quoque, o “tú también”: Fernando, tu eres un perro que se acuesta con todo el mundo. Y el responde tú también Mary, con lo cual Fernando no ha limpiado su nombre, sólo ha ensuciado el de ella. Pero quizá la que más usan los amantes es la que todos conocemos o hemos usado, el intento de establecer una conclusión causando pesar, o la falacia Ad Misericordiam: Si tu me dejas, me suicido. La cual, suele ser una de las pocas falacias que delata su naturaleza falaz ya que casi nunca funciona. Al menos no en mi caso.

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Brian Epstein, mánager de The Beatles al comienzo de su carrera, pudo haber sido asesinado por órdenes de la mafia estadounidense, según sostiene un nuevo libro sobre el cuarteto de Liverpool del que da este viernes detalles el diario ‘The Telegraph’.

Considerado como una de las figuras clave en el ascenso a la fama de la banda, Epstein fue hallado muerto en 1967 en su casa de Londres a causa de una sobredosis accidental de barbitúricos, tal y como certificaron los informes médicos oficiales.

No obstante, un nuevo trabajo del escritor y biógrafo de The Beatles, Philip Norman, recuperó una entrevista hasta ahora inédita concedida por el conocido gángster inglés Reggie Kray (1933-2000), quien desvió el tiro hacia el crimen organizado estadounidense.

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A su juicio, Epstein podría haber sido víctima de un sicario contratado por la mafia después de que no prosperara un acuerdo encaminado a distribuir productos del grupo en Estados Unidos, lo que provocó pérdidas económicas entre partes interesadas.

“Es fácil matar a alguien y que parezca que ha sido una sobredosis”, dijo Kray en la citada entrevista, recuperada en el libro ‘Mr Moonlight: Brian Epstein and the Making of the Beatles’, que saldrá al venta el próximo 18 de junio.

En sus páginas también se incluyen declaraciones de uno de los socios de Epstein en EE. UU., quien aseguró haber recibido una llamada anónima semanas antes de la muerte del mánager en la que le dijeron: “Pronto oirás que Brian Epstein ha tenido un accidente”.

El propio Norman ha explicado que siempre tuvo sospechas sobre la versión oficial, aunque solo comenzó a indagar a fondo tras conocer la existencia de la entrevista concedida por Kray en 1995 al periodista del diario ‘Liverpool Echo’ Peter Trollope.

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Trollope visitó a Kray en la prisión de Parkhurst porque el gángster quería hablar sobre la creación de un gimnasio de boxeo para niños en zonas deprimidas Liverpool, pero al saber del interés del entrevistador en la música viró la conversación hacia el asunto de Epstein.

“Íbamos a chantajearlo”, le contó Reggie, quien junto a su hermano Ronnie también organizaban fiestas en Londres en la década de los 60 y, al parecer, tenían fotos comprometedoras de Epstein con otro hombre, cuando la homosexualidad era ilegal en el Reino Unido.

“Nosotros controlábamos Londres, pero buscábamos formas de expandirnos. Habíamos oído que Epstein estaba en problemas. Ronnie tuvo la idea de que, si conseguíamos que nos cediera a los Beatles, eso habría sido un pasaporte a la fama mundial”, expuso Kray en la entrevista.

Y añadió: “Íbamos a chantajear a Epstein con las fotografías, pero entonces resulta que muere”.

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Natalia Lafourcade es una de las voces más importantes de la música en español. Ha ganado quince Grammy Latinos, llena estadios y lleva más de veinte años componiendo canciones que la gente siente como propias. Pero lo que más me interesa de ella no es el tamaño de su carrera, sino lo que hace con el silencio: la forma en que se detiene, se escucha y convierte eso en música.

Vino a El refugio de los tocados a presentarnos “Cancionera”, su álbum más reciente. Y llegó siendo otra. A la Natalia de hace tres años ya le hizo un duelo. Esta trae consigo los viajes, los conciertos, un hijo, y una claridad sobre la muerte y el presente que se nota en cada canción.

Hablamos de la poesía que vive en sus composiciones, de sus alter egos, de lo que significa escucharse cuando el mundo exige tanto, y de por qué para ella las canciones no son producto: son compañeras.

Esto es El refugio de los tocados. Bienvenidos.

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Ya está abierta la convocatoria de CoCrea 2026, un programa que impulsa la financiación de proyectos creativos en el país. El proyecto, que está celebrando su séptima edición, es el resultado de alianzas público-privadas en las que participan el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes, el Ministerio de Comercio, Industria y Turismo, la Cámara de Comercio de Bogotá, Comfama, la Universidad Jorge Tadeo Lozano y la Universidad del Valle con el fin de fortalecer la sostenibilidad del sector cultural.

En sus primeras 24 horas tras la apertura oficial, el pasado 6 de mayo, se registraron 240 proyectos interesados en hacer parte de esta iniciativa y, desde entonces, el número ha seguido subiendo.

“Esta convocatoria representa un trabajo colectivo que ha permitido que cientos de proyectos se hagan realidad en el país. Esperamos al lado de todo el ecosistema cultural, seguir fortaleciendo este canal de inversión en cultura que día a día demuestra sus bondades en nuestras comunidades”, afirmó María del Pilar Ordóñez, directora general de CoCrea.

Las fechas de cierre varían según el tipo de proyecto e incluso algunas están sujetas a los cupos disponibles para este año, por lo que ese recomendable no esperar hasta el último momento para empezar el proceso. Esto es todo lo que necesita saber si quiere participar.

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¿Cómo aplicar a CoCrea?

La convocatoria 2026 contempla tres modalidades de participación: Proyectos sin Aportante Identificado (PAI), Proyectos con Aportes de Terceros (PAT) y Proyectos con Aportes Propios (PAP). Para el primero, la convocatoria irá hasta el próximo 30 de junio de 2026, a las 5:00 p. m. Para los otros dos, hasta el 30 de julio, aunque para el caso de los PAP se asignó un cupo limitado, por lo que es posible que se dejen de aceptar propuestas antes de esa fecha.

Ahora, los proyectos podrán postularse en uno de los 16 sectores definidos por la convocatoria: artes escénicas, artes plásticas y visuales, editorial, audiovisual, periodismo y prensa, música, software y medios digitales, diseño, publicidad, turismo cultural, patrimonio material, patrimonio inmaterial, espectáculos en vivo de artes escénicas, educación cultural y artística, servicios digitales para la cultura y eventos culturales y programación permanente.

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Además, esta edición mantiene la iniciativa “Ciudadanos del Río: Comunidades Creadoras”, dedicada a orientar el uso de los recursos asignados en proyectos enfocados en salvaguardar saberes ancestrales, conocimientos tradicionales, sistemas de conocimiento propio y prácticas culturales asociadas a la conservación del agua.

Para todo esto, el Consejo Superior de Política Fiscal (CONFIS), organismo encargado de asignar el presupuesto de este proyecto cada año, confirmó que se contará con un cupo COP 346.320 millones, destinado tanto a compromisos de vigencias anteriores como a la financiación de nuevos proyectos en todo el país.

En todas las modalidades, el monto mínimo es de COP 78 millones. Para proyectos PAI, el monto máximo será de hasta COP 500 millones, mientras que para las modalidades PAT y PAP podrá alcanzar hasta COP 3.000 millones, para una misma obra.

Además, en consonancia con su propósito de promover la financiación de estos proyectos en el país, CoCrea también funciona como un canalizador de inversiones hechas por personas naturales o jurídicas que quieran sumarse al proyecto. En retorno, los aportantes podrán acceder, conforme al cumplimiento de los requisitos aplicables, a una deducción del 165 % del valor invertido o donado en la base gravable del impuesto sobre la renta.

Para conocer los términos de referencia completos para este año, puede ingresar en este enlace. Y si está interesado en comenzar su postulación, puede hacerlo haciendo click aquí.

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El escritor francolibanés Amin Maalouf, miembro de la Academia Francesa y Premio Príncipe de Asturias (2010), dijo este viernes que la convivencia “es esencial” en la sociedad actual, además de pedir “mucha inteligencia” para solucionar los conflictos.

Nacido en Beirut (1949) y afincado en París desde hace muchos años, agregó que la convivencia es “indispensable hoy en día, en unos tiempos difíciles de organizar y donde hace falta mucha sabiduría, paciencia y visión global, además de tener inteligencia”.

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“No se pueden hacer predicciones, pero la crisis abierta en Irán es mucho más complicada de lo que los principales protagonistas creían en un principio. Hay un temor de un mañana con muchas incógnitas y es una de las numerosas crisis que hacen que el mundo de hoy viva con incertidumbre y lleno de inquietudes”, afirmó.

El escritor recibió el jueves el Premio Internacional de Convivencia de la ciudad norteafricana española de Ceuta por su “capacidad para tender puentes entre Oriente y Occidente”, así como por la defensa de “identidades abiertas” y su “análisis de desafíos globales como las migraciones, los populismos o la globalización”.

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El autor valoró la convivencia que, a su juicio, existe en Ceuta entre cristianos, musulmanes, hebreos e hindúes: “Es extremadamente reconfortante ver cómo personas de diferentes credos son capaces de convivir tranquilamente en unos tiempos difíciles, por lo que verlo en directo es algo fantástico que me llevo de esta ciudad”.

También se mostró “muy satisfecho” con el premio, “sobre todo en un ambiente tan fraternal, cálido y auténtico”, en referencia al acto de entrega en el teatro del Revellín.

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Hoy Natalia Lafourcade tiene concierto en Bogotá. Vino a presentarnos su más reciente álbum llamado “Cancionera”. Y regresó siendo otra, porque a la Natalia del pasado, la que escuchamos hace tres años con “De todas las flores”, ya le hizo un duelo: esa mujer que se veía casi igual no cargaba los viajes, los conciertos, todas las canciones que ahora existen, ni un hijo. Ahora viaja con un bebé que le está extendiendo la vida, un proceso que ya había comenzado a través de las letras que componía sola.

“Cancionera” tiene doce canciones, entre las que se encuentra “Mascaritas de cristal”, una confrontación con el espejo. Allí insiste en que, a pesar de la plata, los títulos y los adornos, a ese reflejo le importan poco los artilugios, y que llegará el día de enfrentarse a la propia cara. “Hay algo paradójico: si te enfocas adentro, lo de afuera se llena de flores. Pero siempre llega de tu enfoque interno. Es mágico, pero la potencia siempre tiene que nacer en ti”, dijo Lafourcade para este diario.

Disfruta de la neblina de las montañas, de las flores que rodean su jardín de Veracruz, de los amores intensos, comprometidos, clandestinos o pasajeros, y de la parranda: de las noches en las que se va soltando con un mezcal y va picoteando travesuras que después convierte en canciones. Por eso en sus últimas letras, las de “Cancionera”, hay espacio para sirenas, brujas, amorcitos canoeros y hasta incendios de llantos. Personajes y momentos que se dividen entre sus cantos de esperanza y algunos lamentos que evocan el mundo raro de Chavela Vargas.

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“La vida se trata de que te expongas y de que no dejes de sorprenderte. Y eso fue lo que ese alter ego, esa Cancionera, me dijo a mí, Natalia, en la canción. Hoy ya puedo verbalizar que soy muchas Natalias en un mismo cuerpo y que quiero jugar con todas las versiones de mí. Por ejemplo, soy bastante solemne y al mismo tiempo juguetona: me gusta mucho la picardía de los latinos. Ese picoteo me fascina, pero para mí la música es sanación. Las canciones son compañeras, así que me las tomo en serio”, dijo Lafourcade durante la grabación de “El refugio de los tocados”, el pódcast de conversaciones de El Espectador.

Con la Cancionera, Natalia juega. Se inventa que es otra, se sale de sí misma, se ríe, se aconseja. Que no importa lo que se le exija afuera, que lo que cuenta es lo que ya ha decidido por convicción. Para encontrarse, se llama con los versos: “cántame la Luna / canta nuestro mar / canta los dolores de la soledad”.

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Hace tres años, en el Movistar Arena siguió el orden de “De todas las flores”, un álbum que nos devolvió su voz inédita. Escribiendo canciones fue que atravesó momentos solitarios, amargos, y solo aceptando esas sensaciones las letras aparecieron. Llegaron con paciencia y hablaron de momentos precisos. Pudo sentirse atrevido que publicara información tan suya, tan propia. Se expondría, pensó. Después de cantarlas entre sus sábanas o al lavar sus platos, decidió que la Natalia Lafourcade que estaba naciendo ya podía atreverse a compartir esos dolores tan hondos, pero tan musicales. Ya tenía obra.

Esta vez, habló de un “maestro interior”, una presencia que solo se manifiesta cuando se logra acallar el ruido del mundo. Para ella, el silencio no es un vacío, sino un escenario donde ese guía aparece para decirle verdades que, a veces, preferiría no escuchar.

Hoy, Lafourcade tiene un cabello largo que cae en ondas naturales que parecen acompañar el ritmo pausado de su respiración. Es, en esencia, una persona de pocas palabras, por lo que estar en su mismo espacio termina siendo una oportunidad para la calma. Habla sin trucos.

Recibió a los periodistas de este diario en un lugar en el que todos parecían ser conscientes de la magnitud de su figura, excepto ella. Como si sus premios, su rótulo de estrella internacional, nos importaran más a nosotros, mucho menos interesados en lo que ella realmente valora: el sueño de su hijo, la salud de sus padres, el florecimiento de su jardín, su guitarra y las letras de las canciones que recibe su público.

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Y también habría que hablar de su comprensión del tiempo. En su canción “El lugar correcto”, parece haber encontrado un mantra para sobrevivir a la velocidad de la industria y las expectativas externas: “y el lugar correcto es el ahora / para caminar / no hace falta más”. Para ella, la verdad no reside en los grandes hitos, sino en la capacidad de observar los atardeceres o en el acto mecánico y milagroso de respirar. Durante la charla, recuerda colaboraciones con maestros que han marcado su camino, y se ríe. Y también le van llegando las palabras de su familia, y se ríe. “¿Qué vas a hacer con los otros 40 años que vienen para tu vida?”, nos cuenta que le dijo su papá el día de su cumpleaños. Y ella vive prendida de esas palabras.

Lafourcade ha tenido que transitar territorios oscuros y ha decidido contarlos y cantarlos. Durante la grabación del pódcast, abordó la soledad no como una carencia, sino como una herramienta de supervivencia. Para ella, la búsqueda de coherencia implica abrirle la puerta al “maestro interior”. Y callarse. Después del silencio viene el escenario de revelaciones, como el que le llegó con la maternidad.

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El parto fue un rito que implicó la muerte literal de la mujer que conocía hasta entonces. “Todas las que somos madres podemos entender el concepto de lo que es morirse y renacer”. Tal vez esa metamorfosis es la que le permite hablar de la muerte y del dolor con una calma inusual.

“Hoy mi día Uno quiero comenzar / un nuevo ciclo, una oportunidad”, cantó en otra canción de hace muchos más años, como la declaración de quien ha entendido que el bienestar personal es una decisión diaria y que su enfoque es lo que permite que su mundo exterior florezca, pues Lafourcade no solo ofrece canciones, sino herramientas para la construcción de un refugio propio.

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Treinta años de trabajo en la industria audiovisual le han dado a Dago García la autoridad y la experiencia suficientes para escribir “Creatividad y escritura”, un libro en el que abre su caja de herramientas de narración para compartirlas con el mundo. Tras haber logrado un reconocimiento internacional por producciones como “Pedro el escamoso”, “La primera vez” y la saga de películas de “El Paseo”, el director y productor colombiano quiso enseñarle a sus lectores qué puede hacer que una serie o película se instale en el imaginario colectivo.

Se trata de un libro multifacético en el que García, a través de anécdotas, reflexiones, experiencias personales y ajenas y referencias cinematográficas, muestra algunas estrategias que se utilizan para narrar en la industria audiovisual. Aborda conceptos como la catarsis, la adaptación, el ritmo narrativo y las dinámicas actuales del consumo audiovisual, todos elementos que se deben considerar a la hora de crear una nueva historia.

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Además, “Creatividad y escritura” también habla de cómo él ha tenido que adaptarse a las nuevas realidades del mundo del cine y la televisión. Según cuenta en el libro, la llegada de plataformas de streaming y los cambios en los patrones de consumo también afectan cómo se debe contar una historia y cuáles son las licencias que se puede permitir. Pero, más allá de ser una guía técnica sobre cómo escribir un guion, García se enfocó en crear un texto que bebe de su experiencia para guiar a nuevos creadores que quieran incursionar en este campo.

Sobre todo teniendo en cuenta que, para él, no existe algo así como la inspiración divina del creador. No existe un poeta que simplemente se deje golpear por una idea brillante que materializa inmediatamente, sino que se trata de un proceso que requiere de trabajo y tiempo. En ese sentido, el libro se construyó bajo la idea de que cualquiera puede aprender a escribir a través de la práctica, la disciplina y ojalá un guía, que es donde entra él.

Tras haber participado en la dirección y producción de numerosas películas, series, obras de teatro, contenidos digitales y hasta pódcasts, Dago García hace un repaso por su trayectoria para hablar sobre cómo se puede lograr una conexión emocional con la audiencia, cómo la cultura popular afecta cómo se recibe una de estas producciones y cómo hacer que una historia logre salir de la cabeza de su creador y llegar a la pantalla de la mejor manera posible.

García presentó su libro en la edición más reciente de la Feria Internacional del Libro (FILBo 2026) y ya está disponible en librerías a nivel nacional.

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Joseph Casañas y Jessica Angulo, ambos periodistas del diario EL ESPECTADOR, recibieron en la noche de ayer, 13 de mayo, el Premio de Periodismo Ernest McCausland por el episodio del pódcast “Usted no sabe quién soy yo”. Este premio, que ya cuenta con 13 años de historia, es otorgado por el Carnaval de Barranquilla y Triple A a las historias más destacadas que se cuenten sobre este evento y que exalten su aporte como parte del patrimonio cultural del país.

En el capítulo titulado “El instinto animal del Carnaval de Barranquilla”, los periodistas ahondan en la historia de algunas especies animales que han inspirado danzas del Carnaval de Barranquilla. Pero además de haber explicado cómo burros, aves, reptiles y muchos otros animales llevaron a la creación de algunos de los personajes más representativos del evento, expertos consultados para el episodio hablaron sobre su conservación y la función que cumplen en los ecosistemas del Caribe colombiano.

Por todo esto, los periodistas fueron galardonados con este premio en la categoría de “Sostenibilidad”.

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“Estos bailes y estas tradiciones fueron creados a partir de un ejercicio de observación e imitación. Y esto nos devuelve al origen de lo que hacemos los periodistas. Lo que hicimos fue observar y narrar de la manera más creativa posible lo que veíamos”, expresó Casañas en su discurso de agradecimiento.

Esta historia, fue reconocida entre las 70 que participaron este año en los premios, provenientes de medios regionales y nacionales. Además, durante el evento, se hicieron otros importantes reconocimientos, como a Josefina Villarreal, reportera gráfica y editora de fotografía de El Heraldo, quien recibió el reconocimiento Vida y Obra.

Con este premio, el diario EL ESPECTADOR reafirma su compromiso con las historias de calidad y la preservación de la memoria cultural de Colombia.

Aquí puede escuchar el capítulo completo:

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A pocos días de que se conozcan los ganadores de la décima edición del International Booker Prize, uno de los galardones literarios más prestigiosos de libros publicados en inglés, Dua Lipa fue invitada a hablar durante el evento de inauguración. La cantante británica, que ha ganado también reconocimiento mundial por tener uno de los clubes de lectura más populares que existen llamado Service95, dio un discurso en el que resaltó la importancia que la traducción literaria ha tenido en su camino como lectora.

“El año pasado, me presenté en 33 ciudades de 20 países y canté en 9 idiomas distintos. Resulta que mis hábitos de lectura han seguido un patrón similar. Desde el lanzamiento del club de lectura Service95, hace tres años, ocho de los 33 libros mensuales que he leído han sido ficciones traducidas. No menos importante, todos estos libros cuentan historias que abarcan a Japón, Corea, Nigeria, Colombia, EE. UU., México, Noruega, Hungría, Afganistán, Polinia, Irlanda, España, Reino Unido, Francia, Vietnam y Australia”, afirmó.

En ese sentido, Dua Lipa quiso dedicar en este espacio la importancia de la labor de los traductores que son capaces de llevar ficciones de todas partes del mundo a lectores que, de otra manera, no tendrían forma de conocerlas. Y ese contacto, según continuó la cantante en su discurso, parece ser la clave para ser mejores seres humanos.

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Por ejemplo, Dua Lipa contó la historia de un encuentro que tuvo con una reclusa del centro penitenciario de Downview, en Sutton, Inglaterra, el lugar donde hizo el lanzamiento de su club de lectura. Allí, después de la discusión sobre el libro, una mujer intervino y afirmó que probablemente, de haber leído más libros de niña, no estaría ahí en ese momento. Dua Lipa recordó esta historia para hacer énfasis en el poder que tiene el encuentro con la ficción, que va mucho más allá del simple entretenimiento.

“He espiado una conversación entre unos rescatistas franceses que decidieron no enviar ayuda a 30 buscadores de asilo que estaban ahogándose y esperaban encontrar refugio en suelo británico. He sentido el dolor de un amor particularmente solitario en Checoslovaquia. Me han partido el corazón en el Tokio de los 60. E incluso he visto mi vida pasar frente a mis ojos mientras miraba a un pelotón de fusilamiento en Colombia”, narró Dua Lipa haciendo referencia a algunas de las lecturas que la han acompañado estos años.

Como conclusión, la cantante agradeció al Booker Prize por la invitación y, sobre todo, por impulsar a estas historias para que lleguen a nuevos lectores. “Qué placer es leer. Qué placer es leer el mundo”, cerró Dua Lipa.

A continuación, puede ver el discurso completo de la inauguración de este premio que dará a conocer sus ganadores el próximo martes 19 de mayo.

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Este año, compiten por el galardón cinco libros: “She Who Remains”, de Rene Karabash; “The Witch”, Marie NDiaye; “On Earth As It Is Beneath”, de Ana Paula Maia; “The Nights Are Quiet In Tehran”, de Shida Bazyar, y “El director”, de Daniel Kehlmann.

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La exposición ‘The Mystery Man: El hombre de la sábana santa’, una representación hiperrealista del cuerpo de Cristo basada en estudios sobre el Sudario de Turín, llega a Estados Unidos para presentarse a partir del próximo 21 de mayo en Miami, en la Universidad Internacional de Florida (FIU).

La exposición, que permanecerá abierta por casi tres meses hasta el 15 de agosto, propone a los visitantes una experiencia inmersiva que busca dar respuesta a uno de los mayores enigmas de la historia: ¿quién era el hombre de la Sábana Santa?

La muestra consta de cinco salas pensadas para ser visitadas durante unos 60 minutos, que van de ‘La historia de Jesús’ a ‘The Mystery Man’, pasando por ‘Precedentes y estudios forenses’, ‘Videomapping’ y la ‘Sala inmersiva’.

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El recorrido histórico, artístico y científico está inspirado en los estudios realizados sobre la Sudario, el lienzo con el que, según la tradición cristiana, fue sepultado Jesús y que actualmente se conserva en la Catedral de Turín, en Italia, indicaron los organizadores.

A lo largo de la visita, los asistentes podrán descubrir piezas arqueológicas vinculadas a los últimos días de Jesús, reproducciones históricas de las 30 monedas de Judas, investigaciones forenses, materiales audiovisuales y recursos tecnológicos de última generación.

El paseo culmina con una escultura hiperrealista a tamaño real del cuerpo de quien pudo ser Jesús tras su muerte, “basada en análisis anatómicos y estudios científicos de la Sábana Santa”, según los organizadores.

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“La escultura reproduce con exactitud cada herida y rasgo anatómico: las marcas de la flagelación, los orificios de los clavos, la herida en el costado, las señales de caídas y las huellas de tierra”, detalla la presentación de la exposición.

El proyecto ha sido desarrollado por el artista Álvaro Blanco, quien ha dedicado más de 15 años a la investigación histórica, científica y tecnológica sobre la Sudario de Turín, considerada una de las reliquias más estudiadas y debatidas del cristianismo.

A través de esta iniciativa, se plantean interrogantes que han sido objeto de análisis durante siglos, como “¿cómo apareció la imagen de un hombre sobre el lienzo? y ¿qué relación existe entre los estudios forenses y los relatos evangélicos?”, indica una nota.

‘The Mystery Man’ ha sido presentado previamente en diversas ciudades europeas y en México y llega por primera vez a Miami con una propuesta que integra arte, ciencia, historia y espiritualidad.

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La FILBo 2026 cerró sus puertas el 4 de mayo tras dos semanas en las que India figuró como país invitado de honor. Entre novedades y presentaciones de libros, la feria identificó algunas de las tendencias de venta y los libros más vendidos de algunas editoriales presentes en el evento.

Las antologías poéticas, libros motivacionales, biografías de grandes personajes, entre otros, fueron algunas de las temáticas preferidas por los asistentes, según reportaron en un comunicado.

Editoriales como Babel, Calixta, Ediciones Urano, Galaxia, Planeta, Laguna, entre otras, compartieron tres de los libros que más vendieron durante la feria.

De acuerdo con lo reportado, los lectores buscaron a autores reconocidos como Mario Mendoza e Isabel Allende y emergentes como Fabián Buelvas y Laura Ortíz. Además, en el listado aparecen títulos como: “El principito“, de Antoine de Saint-Exupéry, “El diablo viste a la moda”, de Lauren Weisberger, “La vorágine”, de José Eustacio Rivera, “Hamnet”, de Maggie O’Farrell, y “La hora de los lobos”, de Mario Mendoza, entre otros.

Clásicos como “1984”, de George Orwell, y “La casa de los espíritus“, de Isabel Allende, aparecieron entre los más solicitados. Por otro lado, libros de literatura juvenil como”Los siete maridos de Evelyn Hugo”, de Taylor Jenkins Reid, y “El duque y yo”, de Julia Quinn, fueron dos de los más vendidos en Ediciones Urano.

En el pabellón del país invitado de honor, India, los autores de los libros más vendidos fueron Kiran Desai con “La soledad de Sonia y Sunny”, y Arundhati Roy con “El dios de las pequeñas cosas” y “Mi refugio, mi tormenta”.

Por el lado del departamento invitado de honor, Boyacá, los libros más vendidos fueron: “La revelación de los estúpidos”, de Nicolás Sastoque, ”Dinosaurios y otros animales extintos de Colombia“, de Lizardo Carvajal, y “Pedro y el lobo”, de Lizardo Carvajal.

En cuanto a libros sobre bienestar y tecnología, algunos de los títulos más vendidos fueron: “Neuroabundancia”, “Hackeando tu metabolismo”, “Declara tu bienestar financiero“ y “Jack Jack Chipití manual de uso para ChatGPTiarse”.

Por su parte, las editoriales universitarias reportaron más ventas de textos relacionados con herramientas como Excel y Power BI, además de temáticas como filosofía del ejercicio, matemáticas para niños y gastronomía.

A continuación conozca la lista completa de los tres libros más vendidos en algunas de las editoriales y distribuidores participantes en la edición 38 de la FILBo:

Alfinlibros

● El principito, de Antoine de Saint-Exupéry.

● Las leyendas del fútbol, de Panini.

● Atlas ilustrados anatomía, de Adriana Rigutti.

Asociación Colombiana de Libreros Independientes

● Romperlo todo: antología de literatura rebelde.

● El Japón fantasmal, de Lafcadio Hearn.

● Luna de arena, de Fernando Rodríguez-Izquierdo y Gavala.

Babel

● Amazonas, de Javiera Bianchi; ilustraciones de Elizabeth Builes.

● Abrazoo, de Pato Mena.

● Historias de Eusebio, de Ivar Da Coll.

Boyacá (departamento invitado)

● La revelación de los estúpidos, de Nicolás Sastoque.

● Dinosaurios y otros animales extintos de Colombia, de Lizardo Carvajal.

● Pedro y el lobo, de Lizardo Carvajal.

Caldas (Pabellón Colombia)

● El visitador, de Martha Patricia Mesa.

● El bestiario de la vorágine, de Gloria Beatriz Salazar de la Cuesta.

● Cesó la horrible noche, de Jhoana Parra.

Calixta Editores

● El Galeno I y II, de Orlando Llath.

● ⁠Aprana, la sombra del emperador y Aprana, los ojos de la criatura, de Hernando M. Peschken.

● El arca del Zodíaco, de Nicolás Guevara.

Cangrejo Editores

● THE ORCHID: el código secreto de las Diosas modernas, Rocío Aquino y Ángel Orengo.

● La vorágine, José Eustasio Rivera.

● Había una vez un zombi, Billy Phillips y Jenny Nissenson.

Cohete Cómics

● Treinta, de Eri Kamarón.

● Lo que queda, de Camilo Aguirre.

● Cassette, de Pável Molano.

Colectivo Huracán

● Consideraciones accidentales sobre la burocracia, el tiempo y todo lo demás, de Pamela Loaiza.

● Temporada de ballenas, de Tamara Silva Bernaschina.

● Yo no sé cuál estrella me vio, de Fabián Buelvas.

Colegio de Estudios Superiores de Administración

● Estrategias sin diseños, de Robert Chía y Robin Holt.

● Jack Jack Chipití manual de uso para ChatGPTiarse, de Javier H. Murillo.

● Colección trenes y puertos, de Juan Santiago Correa.

Confederación Internacional del Libro

● Declara tu bienestar financiero, de Yadi Yate.

● Mis finanzas, mi tranquilidad, de Jorge Rincón.

● El parto de la primeriza, de Clarildo Mena.

Ecoe Ediciones

● Neuroabundancia, de Andrés Cisneros y Gina Babativa.

● Cartilla laboral 2026, de Juan Fernando Martínez.

● Ciencia de datos con Python, de Francisco Toro López.

Ediciones de la U

● Cóctel de Excel y Power Bi, de Francisco José Carrasco.

● Ideas que pegan, de Chip Heath & Dan Heath.

● Estamos en guerra digital, de Juan Pablo Salazar H.

Ediciones Urano

● El duque y yo, de Julia Quinn.

● El diablo viste a la moda, de Lauren Weisberger.

● Los siete maridos de Evelyn Hugo, de Taylor Jenkins Reid.

Editorial 531

● Todos estamos enfermos de algo que no sabemos qué es, de Harold Trompetero.

● Todo se transforma, de Nia Mont.

● Luna negra en escorpio, de Nina Cabra.

Editorial Centro de literatura cristiana de Colombia - CLC

· La dosis diaria de William Arana

· Batallas Silenciosas de David Scarpetta

· Encontrando el camino de Edyah Barragán

Editorial ITM

● Los años del miedo: Medellín 1980-1990, de Luis Alirio Calle.

● La rebelión de la nada, de Juan Manuel Zuluaga, Juan Andrés Álzate, Gloria Nivia y Oliveri Emilio.

● Cuerpo, vestido, nación: imágenes de la comisión corográfica (1850-1859), de Leifer Hoyos.

Editorial Monarca

● Manual de primeros auxilios para el alma, de Lucia Villamizar.

● Es de atrevidos, de Diana Sepúlveda.

● Escritura con propósito, de Jenny Linares.

Escarabajo Editorial

● Cianuro para ratones, de Camilo Pineda.

● Marionetas de Praga, de Eduardo Bechara.

● Yo era el camino y marchaba hacia el viaje, de Saúl Munevar.

Fondo de Cultura Económica

● Dónde esconder una estrella, de Oliver Jeffers.

● Animalario universal del profesor Revillod, de Javier Sáez y Miguel Murugarren.

● Nuestros dones, de Juliana Gómez Nieto.

Galaxia Ediciones

● Antología de terror, de Edgar Allan Poe.

● Cadáver exquisito, de Agustina Bazterrica.

● 1984, de George Orwell.

Grupo Contexto

● Comerás flores, de Lucía Solla Sobral.

● Hamnet, de Maggie O’Farrell.

● Física de la tristeza, de Gueorgui Gospodínov.

Grupo Penta

● Los golpistas, de Jaime Bayly.

● La panadería de medianoche, de Noriko Onuma.

● Cartas del diablo a su sobrino, de C.S. Lewis

Grupo Planeta

● La hora de los lobos, de Mario Mendoza.

● Me dijeron que amara con la boca llena de barro y sal, de Virginia P. de León.

● Satanás, de Mario Mendoza.

Himpar Editores

● Yo no se cual estrella me vio, de Fabián Buelvas.

● Lotremón, de Legna Rodríguez.

● Contracriatura, de Camila Echeverry.

Hipertexto

● La salsa en tiempos de nieve, de Alejandro Ulloa Sanmiguel.

● Realismo atroz, de Alberto Valencia Gutiérrez.

● Cali, salsa forever, de Rafael Quintero.

Huila (Pabellón Colombia)

● El labriego triunfador, de Albeiro Giraldo.

● Narraciones folclóricas del Huila, de Andrés Felipe Roa.

● Tierra de promisión, José Eustasio Rivera.

Instituto Caro y Cuervo

● Diccionario de Colombia, Instituto Caro y Cuervo.

● Dignum est, traducción de Jorge Páramo Pomareda.

● Vocabulario tipográfico, Juan José Morato.

Intermedio Editores

● Cómo se llama eso que sientes, de Rebeca Macedo.

● De la reconquista de América al derrumbe del Imperio, de Pablo Victoria.

● Hackeando tu metabolismo, de William Arias.

La Diligencia

● Sofoco, de Laura Ortiz.

● Treinta, de Eri Kamarón.

● Cuerpos para odiar, de Claudia Rodríguez.

La Jaula Publicaciones

● Consideraciones accidentales sobre la burocracia, el tiempo y todo lo demás, de Pamela Loaiza Pérez.

● ⁠Me da un morbo una delicia, fanzine de poesía.

● ⁠Un oficio preci(o)so: el periodismo gráfico deportivo de Ramiro Corrales Lugo, de Gabriela Morgan Corrales, Santiago Rivas, Nicolás Samper Camargo y Juan Pablo Conto.

Laguna Libros

● De ternura estoy hecha por dentro, de Alejandra Rincón.

● Cuerpos para odiar, de Claudia Rodríguez.

● Cuarto de materiales, de Angélica Ávila.

Lazo

● Colombia de arriba abajo, de Cristina Romero Ríos, Luis Kamil Buitrago y Verónica Álvarez Cadavid.

● Tucusito, de Jhon Moreno Riaño y Paula Ortiz.

● El vuelo de las jorobadas, de Juliana Muñoz Toro y Dipacho.

Lectores Secretos

● ¿Qué ruido hace un beso?, de Sebastián Giraldo.

● ⁠Buhardilla sudaca, de Chano Castaño.

● ⁠Del porno y las babosas, de Fátima Vélez y Powerpaola.

Librería Celsus

● Anatomía para colorear, de Frank H. Netter.

● Atlas de anatomía humana, Frank H. Netter.

● Cuaderno neuro-ciencia para colorear, David L. Felten y Mary Summo Maida.

Librería Pabellón Colombia

● Todos quieren oírlo alguna vez, de Jorge Peña.

● Romperlo todo: antología de literatura rebelde.

● Azabache crónicas de Antonio, de Rosmery A. H.

Mediapluma editorial

· Felicidad imperfecta. Cómo levantarse cuando la vida se rompe, de María Carolina Hoyos

· Quién manda en Colombia, de Jenny Pearce - Juan David Velasco

· De clientes a fans, de Carlos Laguna

Norma

● Los siete mejores cuentos indios, de Héctor Hoyos.

● Choco encuentra una mamá, de Keiko Kasza.

● Mi día de suerte, de Keiko Kasza.

Pabellón País Invitado (Librería Lerner)

● El dios de las pequeñas cosas, de Arundhati Roy.

● La soledad de Sonia y Sunny, de Kiran Desai.

● Mi refugio, mi tormenta, de Arundhati Roy.

Páginas de Agua

● La tierra del sinsentido, de Julián Beltrán.

● Nuevos vuelos, de Pablo Emilio Beltrán.

● Memorias de Abril y otros cuentos, de Martha Ibarra.

País de Libros (librería)

● Desde el principio, de Humberto Dorado Miranda.

● La casa horripilosa y sus extraños, de Zulay Pinto.

● Romperlo todo: antología de literatura rebelde.

Panamericana

● La Biblia de los Caídos, de Fernando Trujillo.

● Noches blancas/El jugador, de Fiódor Dostoievski.

● Amiga, date cuenta y limpia tu mierd*, de Katherine Hoyer.

Raya Editorial

● Shen, de Emilo Aparecio Rodríguez.

● El precio de la tierra, de Alessandro Cinque.

● Mamá coca, de Nadège Mazars.

Random House

● Himno a la vida, de Gisèle Pelicot.

● ⁠Cadáver exquisito, de Agustina Bazterrica.

● ⁠La casa de los espíritus, de Isabel Allende.

Rey Naranjo

● Frutas asombrosas, de Gian Paolo Dáguer.

● ⁠Aquella guerra eterna, de Luis Guillermo Vélez Cabrera.

● ⁠Medea me cantó un corrido, de Dahlia de la Cerda.

Santillana

● Máquinas mestizas, de Luis Carlos Barragán.

● Nieve y el misterio del abuelo, de María Alejandra Bernal.

● Luka y el pasajero oscuro, de Giovanna Zuluaga.

Sial Pigmalión

● Bogocine. La revolución hecha cultura, de Jhonatan Rojas

● Juan Luis Guerra. Compromiso y poesía, de Euri Cabrales.

● Las vidas im(posibles), de Basilio Rodríguez.

Siglo, las formas del pensamiento

● Bogotá encubierta: cartofonías bogotanas, de Umberto Pérez y Luis Daniel Vega.

● Noches blancas, de Fiódor Dostoyevski.

● Pensar desde tierras indígenas, de Juan Chindoy.

Sílaba Editores

● Los niños de la Picai, de Camilo Castañeda Arboleda.

● Escalpelo, de Daniela Pérez Taborda.

● El vientre de todas las guerras, de Armando Romero.

Sin Fronteras

● Sobrevivientes, de Planeta Juan.

● La sabiduría de los gatos, de Sin Fronteras.

● AirFryer a la carta, de Jorge Rausch.

Universidad de la Sabana

● Fisiología del ejercicio, de Henry Humberto León Ariza.

● Sancocho de mico, de Felipe Castilla Corzo.

● Arepas colombianas, de Carlos Gaviria Arbeláez.

Universidad de los Andes

● Gestión moderna de portafolio, de Bernardo León Camacho y Carlos Andrés Zapata.

● Colombia un drama, de Abelardo Forero.

● Inteligencia artificial, de Juan David Gutiérrez y Rubén Manrique.

Universidad del Rosario

● Interrupción voluntaria del embarazo, de Boris Julián Pinto Bustamante.

● Monstruos marinos, de Chet van Duzer.

● Libro blanco de salud digital, de Ana Isabel Gómez.

Universidad La Gran Colombia

● El agua como memoria del universo, de Misael Tirado Acero.

● MathemaKIDS, de Carlos León Salinas.

● Detrás de la persiana, de Jesús María Stapper.

Universidad Nacional de Colombia

● Colección Camilo Torres: la importancia de ser inconforme, editores: Ramón Fayad, María Elvira Naranjo y Angélica Chaparro.

● Pereza para todos, de Hadrien Klein.

● Medicina tradicional en Colombia, de Virginia Gutiérrez de Pineda.

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Con representantes de 19 países se inauguró el Congreso Artes para la Paz, en el cual la educación artística y cultural es el centro de atención. El pasado 11 de mayo comenzaron las actividades en diferentes ciudades del país como Bucaramanga, Medellín, Tunja, Manizales y Santa Marta. Entre el 13 y el 15 de mayo, Bogotá será la sede de una serie de conversaciones, paneles y talleres en los que se discutirán y compartirán perspectivas internacionales frente a la educación en artes y cultura, y la manera de convertirlas en un derecho.

El encuentro reúne a expertos y ministros de cultura de la región iberoamericana en torno a temáticas como la inversión y las alianzas para la educación artística, la formación de instructores para una agenda regional, la formación de sistemas educativos para el arte, entre otros.

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Con perspectivas desde Brasil, Cuba, Bolivia, España, Chile, República Dominicana, por mencionar algunos, se espera que el viernes, para el cierre del congreso, se emita la Declaración de Bogotá, un acuerdo para posicionar la educación artística como derecho, se introduzca una Hoja de Ruta 2026-2028 para la implementación de acciones en los distintos países, y se presente la REDARTES, una red iberoamericana para la educación artística y cultural.

“Le va a permitir a artistas, estudiantes, practicantes, profesores y sabedores circular por toda Iberoamérica y reconocer nuestros saberes, formas de entender el mundo y sistemas de conocimiento a través de la red”, aseguró la ministra de las Culturas, Yannai Kadamani, en la inauguración del congreso.

Carolina Ethel Martínez, coordinadora de cooperación y asuntos internacionales del Ministerio de las Culturas, contó para El Espectador que este congreso fue impulsado por la cartera con el apoyo de la Organización de Estados Iberoamericanos (OEI), Unesco, SEGIB y CAF. “La experiencia de Colombia ha sido reconocida por toda la región iberoamericana y por eso la OEI escogió a Bogotá como el lugar para celebrar este congreso”, comentó. Agregó que REDARTES tendrá la secretaría técnica de la OEI, con 16 países que ya han mostrado su interés en formar parte de ella. Colombia está buscando la presidencia de esta red.

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De acuerdo con la coordinadora de cooperación, este evento comenzó a gestarse en 2025 tras el encuentro mundial de ministros de Cultura del mundo (MONDIACULT) en Barcelona y la reunión de jefes iberoamericanos de la cartera cultural. Colombia estuvo presente en ambos eventos, representada por la ministra Kadamani, “en donde una de las grandes conclusiones de estos dos encuentros fue que la educación artística y cultural era un derrotero que como región teníamos que perseguir”, aseguró Ethel.

Para alcanzar los objetivos de este congreso se realizarán diferentes acciones que culminarán el próximo 15 de mayo. De acuerdo con Olga Olaya, líder de planes, políticas y programas de educación y formación artística del Ministerio de las Culturas, cada uno de los eventos en la programación, entre paneles, talleres y mesas de experiencia, están diseñados para generar productos que serán utilizados en la sesión a puerta cerrada del 15 de mayo en la que se definirán las acciones y acuerdos para la Declaración de Bogotá y la Hoja de Ruta 2026-2028.

Las conversaciones girarán en torno a cuatro ejes: los modelos de operación de la educación y la formación artística en cada uno de los países, cómo se están financiando y cómo se plantea el desafío de la sostenibilidad, la medición del impacto real de esos programas y proyectos, la educación para toda la vida y la formación de formadores.

Para Ethel, una de las experiencias que más genera interés es la de Portugal, con su programa de formación artística y cultural a través del comisario del Plan Nacional de Artes, Paulo Pires do Vale. Por otro lado, también resaltó a Cuba, “que ha sido tradicionalmente un gran exportador de artistas y de formadores de artistas. “La directora de educación y formación artística y cultural, Ariadna Padrón vendrá al Congreso y será muy interesante escucharla y ver qué tipo de cooperaciones podemos fortalecer desde ahí”. Además, Brasil, que tendrá una delegación de diez personas, hablará de la manera en la que abordan este tipo de educación en el extenso territorio de esa nación.

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La educación artística no es un tema nuevo en la conversación. De acuerdo con Ethel y Olaya, es algo de lo que el mundo ha hablado durante décadas. Ha formado parte de la agenda internacional en reuniones en Seúl en 2002, luego en Abu Dabi y en 2025 en Barcelona.

Colombia tampoco ha sido ajena a este tema. Aunque el programa Artes para la Paz es relativamente joven, la educación artística y cultural en el país es una temática de vieja data. Olaya comentó que el liderazgo de Colombia en esta área se ha ido consolidando desde hace más de 32 años.

“Fue en ese momento cuando se posicionó la educación artística y cultural como área obligatoria de conocimiento en la Ley 115 de Educación de 1994. Cuando se hizo esa aproximación, se transitaba dentro de la visión de que este tipo de formación era de manualidades o artesanía, o se veía como un ejercicio que se hacía en colegios de filiación religiosa. Ese era el enfoque que se le daba a la formación artísitca en ese momento. Se logró una voz de todo el territorio nacional en el que el arte y la cultura se posicionaron como área obligatoria de conocimiento y había que explicarles a los maestros, rectores, colegios y artistas, que esta no era un área para entretener o superar el estés de la clase de matemáticas, sino un área de conocimiento que portaba una estructura de pensamiento crítico, reflexivo, de activación de la imaginación, de reconocimiento de la identidad y la impronta del tejido social”, aseguró.

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Olaya también recordó que la internacionalización de la educación artística comenzó en la década de 1950 con la creación de la Asociación Mundial de la Educación a través del Arte, con la que se comenzaron a articular redes de oportunidades y trabajo entre educación y cultura.

La experiencia de Colombia en esta área, con Artes para la Paz y la Ley Artes al Aula, será llevada a otras naciones como Grecia y Brasil, según comentó Ethel. La sostenibilidad de este tipo de proyectos depende de la financiación y por eso una de las temáticas del congreso es el involucramiento de actores privados. Además, en términos regionales, la diversidad en cuanto a lenguas indígenas también constituye un reto para los objetivos del congreso con respecto a la inclusión de diferentes identidades. Por lo pronto, Ethel comentó que, frente a los cambios de gobiernos, son este tipo de acuerdos los que blindan las iniciativas de formación artística y cultural.

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