El pasado fin de semana tuve el honor de recibir la visita de mi amigo Pablus, acompañado de su querida esposa. Aquí en el campo, en mi sencilla y apacible estancia en medio del gorgojeo de los pájaros y la melodía del agua: en el sonido del silencio “santuario del colibrí”; en una montañita cercana a San Francisco de Sales, el pintoresco pero pujante pueblecito que hace parte de la provincia del Gualivá.

La paz y tranquilidad que trasmite la encantadora pareja -Pablus y Tita-, supimos conjugarlas con el aire puro que se respira en esta apartada comarca. Conversamos de lo divino y humano sin afanes, con los puntos suspensivos que se requieren cuando evocamos el pasado que no es otro que el eterno e impávido presente que nos ve pasar.

En las horas, que parecieron segundos, agotamos poesía rindiéndole homenaje a la bella vida, pensando en ella libres de ideologías y religiones. Destinamos la mayor parte del encuentro a filosofar de humanidades: sobre la libertad, la conciencia, la compasión, la paz, los amores, las ilusiones, la amistad; en fin, viajamos explorando los sentimientos del ser humano y los de nosotros mismos.

Los petros, uribes, maduros, putines, trumpines, netanyahus, ayatolás -líderes éstos que en su mayoría andan fuera de sí y son los artífices del barullo caótico que se vive en este mundo- fueron olvidados por completo de nuestras charlas: los desaparecimos durante tres días de la faz de la tierra.

Rodeados de libros y de mis adorables perros –las más fieles compañías- hablamos de los astros, de la bella luna, del resplandeciente sol, del aire y el agua. De las teorías científicas y de sus sabiondos autores (Lemaitre, Planck, Einstein, Penrose, Hawkins), de los Agujeros Negros, del Big Bang. De estos científicos y filósofos que, si bien tuvieron otros grandes aciertos, al final de sus vidas, ya cansados y jorobados de lidiar con tan complejos pensamientos y fórmulas físicas, terminaron cediendo a regañadientes -antes de levar anclas- el crédito de la creación y los orígenes del universo a Dios omnipotente. Paradójico pero cierto.

También Hubo tiempo para ver las entrevistas y revisar algunas epístolas del genial Hugo Mantilla (q.e.p.d.), con quien a pesar de estar los dos –Pablus y Hugo- en orillas distintas, los unió la dialéctica y se profesaron enorme estimación. Hicimos el eterno paralelo entre Borges y Neruda y hojeamos a Zweig. Pablus habló de sus apreciados amigos, los nadaistas, en particular de los que ya se fueron -quedan muy pocos en esta vida-; entre otros recordó, su memoria es íntegra, a Fernando Gonzalez, el papá de todos (q.e.p.d.); Gonzalo Arango, fundador y líder del movimiento (q.e.p.d.); a Eduardo Escobar, tal vez el más brillante escritor y columnista de ese grupo, quien se despidió recientemente (q.e.p.d.); de Jaime Jaramillo (X - 504) (q.e.p.d.); Amílcar Osorio (q.e.p.d.); Elmo Valencia (q.e.p.d.).

Los que, a raíz del elogio que le hizo Gonzalo Arango a Pablus, por la novela La Pequeña Hermana, con la que ganó el primer premio del concurso nadaista, asumieron que el autor hacía parte de ese movimiento provocador y vanguardista de la contra cultura literaria de los años sesenta. De la causa que terminó al morir Gonzalo, pero que aún hoy algunos quieren mantener viva con los vestigios de los obsoletos manifiestos de “El Profeta”. Pablus ha declarado una y otra vez de forma simpática que no hizo parte de ese rebaño de jóvenes subversivos que todo lo querían cambiar a punta de irreverencia y nihilismo. “¡Lo mío ha sido y seguirá siendo la canción protesta!“. Lo dice con firme convicción. Y sigue: “Aunque les tengo inmenso afecto y consideración; prueba de ello es mi valiosa y perdurable amistad con Jota Mario; nunca me consideré un nadaista y hoy mucho menos”.

Amaneció, es lunes, y salimos de la casa suspirando por la partida que ya se acerca. Vamos lentamente hacia el pueblo con la suave brisa que acaricia, en busca del bus que los llevará a encontrarse con sus guitarras para seguir cantándole a la vida.

Con un café, una flor para mascar y un fuerte abrazo nos decimos hasta pronto.

Buen camino, Pablus, Dios les cuide.

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¿Cómo fue su primer acercamiento a la escritura?

Desde que tenía 15 o 16 años solía escribir sobre momentos que me enseñaban algo en la vida y los complementaba con otras experiencias empíricas o con conocimientos que adquiría en los libros. En ese entonces era algo muy personal, pero ya en la universidad pasé esos escritos al computador y desde ahí comencé a escribir crítica social. Me gusta estudiar la conducta humana, la psicología, el derecho, y también tengo interés en la economía y la filosofía. Esta es la primera vez que escribo sobre desarrollo emocional y decidí mezclarlo con este tema de la crítica social.

¿Cómo surgió la idea de escribir “Cartas para mi hijo”?

No iba a ser un libro, sino escritos por separado. La idea era explicarle a mi hijo, a través de diferentes textos, el sistema en el que vivimos, cómo nos relacionamos con los demás y la importancia de tener una mente fuerte, serena y feliz. Cuando le mostré estos escritos a familiares y amigos, me dijeron que no solo debía leerlos mi hijo, sino también muchas otras personas. Entonces, poco a poco, fui dándole forma de libro.

¿Por qué decidió hacerlo con cartas?

Porque fue la única manera en que sentí que podía transmitir estos mensajes. La idea es que puedan ser comprendidas por jóvenes desde los 12 años, por padres o por cualquier persona que necesite un consejo o una reflexión en determinado momento. Decidí estructurarlas como cartas que, aunque tienen un hilo conductor, también funcionan de manera independiente y atemporal. Así, el lector puede acudir a ellas según el consejo o la reflexión que necesite. De ahí nace la idea de dejarle un legado a mi hijo.

¿Cuál fue la carta o enseñanza más difícil de plasmar en este libro?

Creo que fue el tema de la sociedad: hacerle ver que no somos seres individuales y mostrarle que somos parte de un tejido social y que los actos individuales afectan a las demás personas. También transmitir la importancia del respeto mutuo, la empatía y la necesidad de vivir en armonía dentro de una comunidad. Y explicar que una mente fuerte crea una persona fuerte; una persona fuerte forma una familia fuerte; una familia fuerte construye una sociedad fuerte, y una sociedad fuerte da lugar a instituciones sólidas.

¿De qué manera su experiencia como padre ha influido en su escritura, y cómo su escritura ha impactado en su forma de ejercer la paternidad?

Creo que una cosa es adquirir el conocimiento y otra muy distinta es plasmarlo en un papel. Cuando lo escribes, organizas mejor la idea y la centras. Eso es algo muy bonito porque además de darle claridad a lo que piensas, con tu rol de padre lo llevas más hacia la práctica. Entonces tienes la idea en tu cabeza, la pones en el papel y, al mismo tiempo, estás con tu hijo reforzando todo eso.

¿Qué le gustaría que su hijo comprendiera al leer estas cartas que le ha dedicado?

Mi objetivo principal es que él entienda que debe ser feliz. Siento que lo más importante es que tenga una mente serena y sana. También me gustaría que comprenda que hay cosas que puede controlar y otras que no. Entre las que puede controlar están sus decisiones y pensamientos. Cuando una persona se enfoca en lo que puede controlar y deja de lado lo que no, puede encontrar estabilidad mental. Por ejemplo, en el sistema educativo actual hay mucha competitividad, con reconocimientos como los cuadros de honor o izar bandera, y eso me parece problemático. Son cosas que un niño no puede controlar. Él puede controlar sus hábitos y su estudio, pero no necesariamente estar en un cuadro de honor. Cuando se le exige eso, pueden surgir sentimientos como la frustración, que a esa edad aún son difíciles de manejar.

¿Cuál cree que es la principal problemática a la que se enfrentan los jóvenes hoy en día?

La principal problemática son las mentes débiles, pero esto parte de una sociedad débil. Muchas familias en Colombia son disfuncionales, lamentablemente, y a eso se suma una problemática actual como las redes sociales. Los jóvenes ven a influenciadores que tienen carros último modelo o apartamentos, y cuando intentan alcanzar esas cosas, se dan cuenta de que no es fácil, lo que genera frustración. Esa frustración produce debilidad mental y emociones que, considero, los jóvenes y los niños no deberían experimentar a tan temprana edad. Todo esto termina generando ansiedad y depresión, que son problemáticas que como sociedad debemos cambiar.

Si pudiera volver a su juventud, ¿cuál de estas cartas le habría ayudado y por qué?

La carta que más me habría ayudado es la de no dejarme afectar por las cosas que están fuera de mi alcance. Creo que esa habría sido fundamental. Antes era una persona que se dejaba afectar mucho; si no me iba bien en la universidad, estudiaba en exceso y de una manera poco saludable. Me exigía demasiado y me castigaba a mí mismo cuando las cosas no salían como esperaba.

Si hubiera entendido eso desde el principio habría tenido una mente más tranquila. Muy posiblemente, incluso, no habría desarrollado lupus, ya que surgió a partir de un ataque de ansiedad provocado por la presión que estaba viviendo en ese momento de mi vida, una presión que yo mismo me impuse.

¿Cómo ha impactado el lupus en su forma de entender la vida y hasta qué punto la escritura ha sido una herramienta para transitar la enfermedad?

Cuando tienes una enfermedad crónica, la vida cambia bastante. Sientes que las cosas deben hacerse en el momento, en el ahora. Te das cuenta de que la vida es muy corta, que hay que disfrutarla, ser feliz y actuar en el presente. Por eso quiero transmitirle a las personas más jóvenes que es inútil preocuparse por lo que no pueden controlar. El ejercicio de escribir fue muy importante: me permitió organizar las ideas, centrarme y enfocar mejor estas prácticas. Actualmente siento que me ha servido mucho. Manejo bastante estrés y carga laboral, pero mantengo una mente serena. Al final, lo más importante es la mente, el cuerpo y la salud.

¿Cómo fue su primer acercamiento al mundo del arte?

No era una niña que veía televisión. En vez de eso, hacía pequeños objetos con las manos y con mucha frecuencia, así que, al crecer, estudié arte en la Universidad de los Andes. Desde entonces me he dedicado de manera continua a la práctica artística.

Además de esta experiencia, usted cuenta con estudios en Construcción de Paz. ¿Cree que esta formación ha influido en su mirada artística?

Cuando ganó el “no” en el plebiscito de 2016, yo iba a realizar una maestría en Estudios Culturales. Sin embargo, tras ese resultado decidí cambiar la inscripción por la maestría en Construcción de Paz, porque quería entender mejor por qué había ganado el “no”. Sentía que no comprendía del todo el país y que valía la pena hacerme preguntas, desde el arte, sobre la construcción de paz.

Gracias a esa formación y al trabajo con un colega, desarrollamos la obra Objetos de Paz. Esta pieza recoge objetos de excombatientes de las FARC y de militares que ucharon contra la guerrilla, ele mentos que para ellos y ellas representan la paz. Este archivo forma parte de la colección permanente del Museo Nacional de Colombia.

A partir de esta experiencia, ¿cómo ha evolucionado su estilo artístico?

Hoy siento que Objetos de Paz es como un hijo que ya nació, creció y logró sostenerse por sí mismo; ya no necesita más de mí. En este momento estoy muy enfocada en desarrollar un trabajo relacionado con los objetos desechados de la tecnología, específicamente la basura electrónica. Estos objetos ya fueron considerados basura por alguien, y mi interés está en tomar esos materiales, desarmarlos y observar sus atributos plásticos: las formas, los colores, el peso. A partir de ese análisis, los transformo en obras de arte.

Precisamente ese es el tema de Paisajes de lo invisible, su exposición que será inaugurada este 12 de febrero en el Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU). ¿Cómo surgió este proyecto?

Mi mamá tiene una empresa de reciclaje de aparatos eléctricos y electrónicos. Ella no vive en Colombia, por lo que en muchas ocasiones he tenido que estar muy pendiente del funcionamiento de la empresa.

A partir de esto entendí que estos materiales, considerados basura, pueden reingresar al sistema. El proyecto nace justamente de ese acceso directo a los materiales y de un interés muy genuino por ellos. Empecé a reflexionar sobre la *basura de la basura", es decir, aquellos elementos que ya no pueden volver a entrar al reciclaje. Mi trabajo se centra en esos materiales: en los desechos que quedan fuera del sistema.

¿Cómo llegó al MAMU? ¿Cuáles son las posibilidades de este espacio?

Gané la convocatoria de IDARTES para realizar una exposición en el espacio de El Parqueadero del MAMU. Conté con el apoyo de Claudia Giraldo, una antropóloga que me ayudó a comprender estos objetos desde esa disciplina. Fue un proceso muy bonito: aprendí sobre los materiales y sobre la manera en que, por ejemplo, conocemos las culturas prehispánicas gracias a los basureros y a las piezas cerámicas que se encontraban en ellos.

También me interesa pensar cómo podrían leerse, en el futuro, los basureros del presente. Qué diría alguien más adelante sobre toda esta basura electrónica que estamos desechando hoy. Con respecto al Museo de Arte Miguel Urrutia, me siento muy feliz de poder exponer allí. Me parece una plataforma magnífica. Primero, por su enorme alcance, ya que va muchísima gente, y segundo, porque es una institución muy importante, con una colección realmente admirable.

¿Qué reflexiones quiere provocar en los espectadores que se acerquen a su obra?

Como ocurre con cualquier obra de arte, siento que esta solo se completa cuando alguien más la mira. Lo que más me interesa que muchos ojos se posen sobre aquello en lo que he trabajado durante tantos años. Esta exposición, además de presentar las obras, funciona como un espacio abierto en el que el público puede participar de muchas maneras. Están programadas charlas, talleres y visitas guiadas.

¿Cuáles considera que son los principales retos para posicionarse como artista en Colombia?

Los retos son infinitos. Sin embargo, como artistas, no hay muchas otras opciones: nos toca intentarlo de todas las maneras posibles. Es un camino complicado, pero también inevitable. El arte es algo que uno lleva consigo.

No hay realmente otra cosa que hacer; se trata de seguir creando y de buscar constantemente las formas de mostrarse y de encontrar espacios. Por eso digo que los desafíos son innumerables.Cuando uno siente que esto es lo que tiene que hacer, porque nada más tiene sentido, no queda otra opción que ser terco y continuar.

¿Cómo seguir haciendo arte en una era tecnológica como la nuestra?

La inteligencia artificial puede percibirse como una amenaza, así como ocurrió en su momento con la aparición de nuevas tecnologías, como la fotografía, por ejemplo. Sin embargo, el arte es, al final, una expresión humana básica. Mientras existan los seres humanos, seguirá existiendo el arte.

La tecnología no nos va a quitar a los artistas la posibilidad de seguir creando. Tal vez nos lleve por otros caminos y pueda convertirse en una herramienta útil. Pienso que el ser humano aún tiene mucho por decir. reflexiones mucho más profundas e interesantes que no provienen sólo del conocimiento, sino también de la emocionalidad, de la sensibilidad y de la cercanía con otros seres humanos. Por eso, la tecnología no me preocupa realmente.

Usted es médico de profesión, pero decidió publicar su primera novela. ¿De dónde nació ese interés por la literatura?

Fui cuentero en la universidad. Esa experiencia me llevó a dirigir la sección Cuéntame el Cuento de El Espectador y a participar en una página llamada Agenda Universitaria. Con el tiempo uno se da cuenta de que puede estar menos preparado que otros, y en mi caso fue necesario un proceso de maduración de toda una vida para sentir que ya estaba listo para escribir una novela. Sin embargo, el gusto por la literatura viene desde muy pequeño.

Esta novela tiene un origen que está muy ligado a su padre, quien lo acompañó y lo apoyó en el proceso de investigación. Háblenos un poco acerca de ese momento en el que ambos deciden emprender este proyecto juntos.

Cuando mi papá cumplió 78 años pensé que debía comprarle un regalo. Un amigo que estaba conmigo me dijo que mejor le regalara tiempo. Su mamá ya no lo reconocía por el Alzheimer y, cuando iba a visitarla, ella no sabía quién era. Entonces fui y le propuse a mi papá que me ayudara a escribir el libro y a participar en la investigación. Leímos mucho y viajamos juntos. Eso nos dio una experiencia compartida muy hermosa y, tal vez, fue el gran regalo que nos dio la vida: poder desarrollar este proyecto juntos.

En un evento al que nos invitaron, mi papá respondió que, cuando uno tiene 80 años, es como un viejo guardado en una mesa, al que solo saludan el día del cumpleaños o algún domingo de visita. Dijo que esta experiencia le devolvió un hijo y lo llenó la vida. Esa respuesta nos hizo llorar a todos. Tener a alguien de otra edad, con una perspectiva diferente, analizando conmigo las fuentes, me llevó a reflexiones a las que no habría llegado solo.

¿Qué posibilidades narrativas le ha ofrecido Cartagena y qué hace este lugar tan especial para usted?

Cartagena ofrece todas las posibilidades narrativas imaginables. Uno puede hablar de manera sencilla de la bahía, del mar, de la calma de los atardeceres y de todo el romanticismo que encierra ese paisaje. Desde lo militar, la estructura defensiva de Cartagena es la más sólida del Caribe y una de las mejor conservadas. Pero Cartagena no son solo sus murallas: son, sobre todo, sus baluartes y sus fuertes.

Cada mirada sobre Cartagena es como abrir una puerta a un universo distinto. Es una ciudad absolutamente maravillosa, no solo por su belleza sino por sus contrastes, por la convivencia de riqueza y pobreza, por la herencia de la esclavitud y por todas sus capas históricas. Todas esas vertientes le dan a Cartagena una riqueza narrativa inmensa.

La novela parte de la voz de Tomás de Mendoza, un cristiano que es perseguido y que se gana la vida como falso médico y comerciante de esclavos. ¿Por qué escogió esta perspectiva narrativa para contar estos hechos?

Porque ese médico fue una figura muy famosa en Cartagena y su casa aún existe. El médico original se llamaba Blas Benito de Paz Pinto. Hay una anécdota muy conocida: en 1985 alguien tocó a la puerta de esa casa, abrió la mujer que la cuidaba y quien estaba afuera era Gabriel García Márquez. Gabo le dijo: “Señora, déjeme entrar, porque aquí va a vivir Fermina Daza”. Allí comienza “El amor en los tiempos del cólera”.

Como soy médico, esa historia me despertó una enorme curiosidad. Fui a buscar a este personaje en los registros históricos y lo encontré, junto con los archivos de la Inquisición donde aparece documentada su vida. Al encontrar su historia pensé que esa era la forma adecuada de contar, al mismo tiempo, la historia de un médico y la historia de Cartagena. Desde su mirada se desarrolla también una historia de amor con una mujer mulata, que es el hilo emocional que sostiene la novela y mantiene al lector atento. Detrás de ese relato íntimo, lo que se despliega es la evolución y el crecimiento de Cartagena.

¿Ha encontrado puntos de encuentro entre su formación como médico y su oficio como escritor?

Para ser médico es necesario tener una mirada humanista. Hay que comprender al ser humano, el dolor, la vida y sus procesos. Creo que si uno quiere escribir novela o poesía tiene que hablar de las pasiones, de los amores y las emociones, y la medicina abre una veta importante de sensibilidad. Ese sería el primer punto de encuentro.

Desde un plano más práctico, también me resultó muy interesante explorar cómo era la medicina en el siglo XVII. Normalmente no se piensa en esos detalles, y para mí fue revelador entender cómo se ejercía la práctica médica en 1600 y poder narrarla. Todo eso se incorporó al personaje: cómo ejercía la práctica clínica, qué tratamientos aplicaba y qué recetas utilizaba.

Esta novela marca el inicio de una trilogía. ¿De qué maneras quiere seguir narrando a Cartagena y cómo los relatos que ya ha escrito contribuyen a la ciudad de hoy en día?

En primer lugar, me siento muy agradecido. “Cartagena 1600” ha sido un éxito; “Cartagena 1700” ya está escrita y “Cartagena 1800”, que abordará la independencia vista desde esta ciudad, es el siguiente paso. Hay un tema cultural que me interesa profundamente: no entiendo por qué seguimos anclados a un patrón europeo que se asocia con lo valioso, y lo propio con lo popular. Creo que es fundamental rescatar que lo que somos como colombianos es una mezcla: de inmigrantes, de culturas, de comidas.

Contar la historia de Cartagena es contar la historia de la Nueva Granada y reconocer que todos somos, en mayor o menor medida, una combinación de raíces. Esa mezcla es la que nos hace distintos y esa es nuestra verdadera riqueza. Sin embargo, todavía arrastramos códigos sociales muy marcados por el color de la piel y la herencia colonial. Si lo miramos al revés, esa diversidad es precisamente lo que nos define. Por eso me siento tan satisfecho de que mis novelas destaquen esa mezcla gastronómica, religiosa y cultural. Creo que es una nueva manera de mirar la historia del país.

¿Cómo fue su primer acercamiento al ballet?

Comencé a bailarlo porque sufría de obesidad. Mis padres intentaron inscribirme en muchas actividades, como karate, patinaje y escalada, pero nada me llamaba realmente la atención. Un día llegó a mi colegio un grupo de danza folclórica, entonces le dije a mi mamá que me había encantado y que si podía hablar con la profesora para inscribirme. Empecé a tomar clases, me gustó muchísimo y entré a bailar con la agrupación.

Después mi mamá me dijo que, si quería mejorar, tenía que intentar hacer ballet, por que este es la base de todo y la técnica principal, sin importar si haces jazz, contemporá neo, hip hop o cualquier otro estilo. Así que comencé a tomar clases de ballet en la Casa de la Cultura de Chía. Me llamó muchísimo la atención, y le comenté a mi mamá que eso era lo que quería hacer con mi vida. Actualmente bailo con el Tulsa Ballet. Fue con esta compañía que vine a competir al Prix de Lausanne.

En los inicios de su formación, ¿cuáles fueron los principales retos a los que se enfrentó?

Podría decir que uno de los principales retos fue la percepción del ballet, sobre todo en Latinoamérica, donde aún no está muy bien visto, especialmente en los hombres. Existe la idea errónea de que es una actividad femenina, cuando en realidad un bailarín masculino tiene una fuerza increíble. En el colegio recibí comentarios, pero la verdad no me afectaron, porque tenía una meta muy clara y sabía exactamente lo que quería hacer.

Otro reto importante fue la obesidad. En el ballet existe una estética muy marcada, más orientada hacia cuerpos delgados, aunque también fuertes. Al principio fue muy duro, porque tenía que hacer mucho ejercicio y trabajar el triple para poder bajar de peso mientras continuaba con mis estudios de ballet.

¿Qué tipo de exigencias implica dedicarse profesionalmente al ballet?

Cuando entras al escenario tienes una sola oportunidad para hacer las cosas bien, y no es algo que puedas repetir. Además, estar rodeado de tantos bailarines talentosos exige una fortaleza mental enorme. Una mente débil podría pensar que no está hecha para esto, que los demás son increíbles o preguntarse qué va a decir la gente. Todo eso pasa por la cabeza, y hay que saber manejarlo. Por eso, entre más lo haces y entre más experiencias acumulas, más fuerte se vuelve tanto el cuerpo como la mente. Ese proceso es fundamental en esta profesión y es, finalmente, lo que forma a un bailarín profesional.

¿Qué características cree que debe tener un buen bailarín?

Primero que todo, pasión. Este es un arte que tienes que amar profundamente, porque es una disciplina muy exigente. Para mí, es una de las actividades más difíciles que existen: el ballet, incluso desde muy pequeño, exige una gran disciplina y una dedicación constante. Bailamos entre seis y ocho horas al día, seis veces a la semana, y muchas veces ni siquiera descansamos los domingos, porque tenemos funciones o ensayos. Es un ritmo muy duro y demandante. Por eso, además de la pasión, se requieren disciplina y un compromiso total con lo que se hace.

Acaba de participar en el Prix de Lausanne, uno de los concursos internacionales de ballet más relevantes del mundo, ¿cómo fue el proceso de preparación?

Fue un proceso bastante difícil y exigente. Tienes en la cabeza que estás representando a tu país en una competencia tan importante, y eso te obliga a dar lo mejor de ti. Además, el año pasado, presenté síntomas de dolor en la rodilla izquierda. Nací con una condición llamada meniscos discoides, lo que signi fica que es más fácil que se lesione. Anterior mente ya me operaron de la rodilla derecha, y el doctor me advirtió que probablemente lo mismo podría pasar en la izquierda y que debía hacer mucha terapia y fortalecimiento para evitarlo.

Sin embargo, el ballet es extremadamente exigente, casi antinatural, porque el cuerpo no está diseñado para hacer muchas de las cosas que se requieren, por lo que terminé rompiéndome el menisco. Eso generó mucho nerviosismo pensando en si iba a poder ir, pero lo logré. Hice muchísima terapia antes de venir, fortalecí mucho la rodilla y pude competir de la mejor manera posible. Ahora, cuando regrese a Colombia, me voy a operar. Cuando termine la recuperación podré volver a bailar y comenzar con nuevas oportunidades.

¿Cómo vivió la experiencia durante este evento y qué aprendizaje le dejó a nivel artístico y personal?

El Prix de Lausanne son básicamente las “olimpiadas del ballet”. Es una de las com petencias más prestigiosas del mundo de la danza. Este año audicionaron alrededor de 500 personas, y solo 81 fueron seleccionadas, así que tan solo ingresar a la competencia ya es un logro enorme.

La experiencia fue increíble: di todo en el escenario y la gente quedó muy contenta con mi presentación. El mayor aprendizaje que me llevo es que la pasión siempre va por encima de la técnica. Creo firmemente que el público elige a un bailarín que pueda mostrar su artisticidad y su amor por la danza, más allá de quien solo ejecuta mejor los pasos. El público quiere ver a un artista integral en el escenario, alguien que exprese emociones y que haga sentir de corazón el personaje que está interpretando.

¿Qué significado tiene la danza hoy en día para usted?

Podría decir que lo significa todo, porque el ballet es mi vida. No me imagino una vida sin el ballet y no sé qué estaría haciendo en este momento si no fuera por la danza. Incluso cuando, por alguna razón, alguien deja de bailar o ya no le gusta como antes, la danza nunca se va del cuerpo. Siempre permanece en la sangre. Para mí, la danza lo es todo, y espero que Dios me dé la fuerza para seguir haciéndolo durante muchos años más.

¿Qué consejo les daría a los jóvenes que deseen iniciar una carrera en el mundo del ballet?

Que primero sepan muy bien a qué se están comprometiendo, porque van a tener que dejar de hacer muchas cosas y son muchos sacrificios que hay que asumir. Sin embargo, al final es algo de lo que no te vas a arrepentir. Hay que seguir adelante y esforzarse muchísimo, porque hay mucho talento en el mundo y, si realmente quieres sobresalir, tienes que darlo todo y trabajar al máximo.

Mirando hacia el futuro, ¿qué metas o sueños aspira alcanzar con su carrera a partir de todo esto?

Aspiro llegar a una compañía de gran renombre y presentarme en los mejores escenarios del mundo. Quiero viajar mucho. Siento que esto es solo el inicio. También uno de mis mayores sueños es llegar al corazón de muchas personas. Todo lo que he vivido ha sido una gran experiencia, y el apoyo que recibí de tanta gente, especialmente en Colombia, es algo que voy a llevar siempre en el corazón. Quiero que admiren lo que hago, porque me he esforzado muchísimo para llegar hasta aquí. Para eso trabajo todos los días: para que el público pueda disfrutar de mi arte.

¿Cómo empezó a interesarse por los temas de liderazgo y la resolución de conflictos?

En mi país de origen, Italia, a comienzos de los años noventa se vivía una crisis muy profunda, muy similar a la que ha atravesado Colombia, marcada especialmente por el auge de la mafia siciliana. En ese contexto surgió un líder disruptivo y visionario: Leoluca Orlando, el alcalde antimafia de Palermo. Su ejemplo me inspiró profundamente y me permitió comprender el valor del liderazgo para impulsar un cambio sistémico y una transformación cultural de actitudes.

Usted ha acompañado procesos de negociación de paz con el ELN en Colombia. ¿Cuáles fueron las principales dificultades de abordar ese trabajo en un contexto como este?

Participé específicamente en procesos con el ELN entre 2005 y 2008, durante el gobierno de Álvaro Uribe. El principal desafío para mí, como extranjero, fue comprender un contexto muy complejo. También fue clave entender que los comportamientos, tanto de las organizaciones al margen de la ley como del propio gobierno y de la sociedad, eran el resultado de historias, heridas y narrativas que se habían perpetuado en el tiempo. En ese sentido, comprendí que la paz no iba a llegar simplemente mediante la firma de un cese al fuego, un proceso o un acuerdo de paz, ni a través de un cambio en el equilibrio de poderes, sino a partir de una transformación cultural profunda.

Ante los momentos críticos que ha atravesado en su trayectoria, ¿cómo ha logrado gestionarlos tanto a nivel personal como profesional?

Sin duda, ha habido grandes momentos de presión y de miedo. Incluso atravesé un periodo en el que estuve bajo amenazas de muerte. Estos fueron momentos difíciles que también me llevaron a cuestionarme profundamente. Sin embargo, he encontrado la manera de mantener la calma, la serenidad y la lucidez. En algunos casos, también de sostener cierta valentía aferrándome a mi propósito, al para qué y al por qué de lo que estaba haciendo. Eso ha sido lo que, especialmente en los momentos de mayor dificultad y crisis, siempre me ha guiado.

¿Cómo definiría ese propósito?

Desde niño, el propósito que más me ha movido en la vida ha sido la posibilidad, o si se quiere la utopía, de contribuir a la creación de un mundo más unido. Esto implica reconocer los conflictos, las diversidades que chocan y las identidades que no logran convivir juntas no como un problema que deba resolverse, sino más bien como una oportunidad para trascender una realidad existente. Esa mirada siempre ha despertado en mí una gran curiosidad, porque la mayoría de las veces no existen soluciones evidentes, claras o sencillas, sino que se trata de una exploración, de un camino.

Hablemos de su llegada a Colombia, ¿qué oportunidades o retos ha encontrado para adaptar este propósito en un contexto distinto?

Viajé a Colombia por primera vez en 2001. La oportunidad surgió a partir de una invitación de una universidad de Medellín para realizar un taller de resolución de conflictos. En esos años el contexto aún era muy complejo y trabajamos durante varios días con líderes sociales. Me impactaron profundamente la valentía, la creatividad y la esperanza de estas personas, a pesar de enfrentar situaciones extremadamente difíciles. En ese proceso reconocí varios de los patrones que ya había observado en mi propio país, especialmente en Sicilia. Ese reconocimiento fue lo que dio inicio a una relación con Colombia que ya cumple 25 años.

Desde su rol como docente, ¿cuáles cree que son las competencias esenciales que se le deben impartir a un buen líder?

Pienso que esto hoy está cambiando con respecto a cuando yo inicié mi trayectoria profesional. Estábamos en otro mundo, en el que el énfasis estaba puesto en la inteligencia emocional, en un contexto que se abría, tras la caída del Muro de Berlín, hacia una mayor interdependencia. Hoy vivimos en un mundo muy disruptivo y generador de mucha inseguridad y ansiedad.

Frente a este escenario, considero que un líder debe desarrollar la contemplación. Se trata de una práctica antigua en gran medida olvidada, que remite a los padres y madres del desierto, y que nos ayuda a despertar otra cualidad esencial: la intuición. Me gusta pensarla y nombrarla como “inteligencia espiritual”. Vivimos rodeados de ruido, y un buen líder necesita tener la habilidad de retirarse de ese ruido cuando es necesario, hacer silencio y conectarse con una fuente de intuición que le permita navegar la complejidad del presente.

Usted fue reconocido recientemente en el listado de Global Gurus como uno de los principales referentes mundiales en liderazgo. ¿Qué significó esto para usted?

Sin duda, encabezar este listado junto a Simon Sinek es una fuente de gran satisfacción y de profunda gratitud. Al mismo tiempo, lo vivo como un llamado a actuar con la mayor coherencia posible frente a los temas que promuevo, a servir más y a acompañar con mayor compromiso. Siento que este reconocimiento no es tanto por algo que yo haga o por la manera en que lo hago, sino el resultado de un camino que recorro, al final, de la mano, hombro a hombro, con los líderes alrededor del mundo a quienes acompaño. Me gusta pensar en mis clientes no como clientes sino como mentores, porque aprendo enormemente de ellos.

¿Qué recomendaciones le daría a los líderes del futuro?

Les recomendaría profundizar en el autoconocimiento. No limitarse únicamente a observar la realidad externa, sino atender a la realidad que habita en su interior. Es fundamental pensar en el desarrollo del propio ser, porque al final lo que hacemos, el impacto que generamos y las acciones que tomamos son un reflejo directo de quiénes somos. Por eso esa es, en última instancia, la pregunta más importante y la exploración más valiosa: comenzar por un proceso de autoconocimiento honesto y auténtico.

¿Su gusto por los perros viene desde la infancia o es algo que se fue construyendo con el tiempo?

Se fue construyendo a medida que prestaba mi servicio militar. Allí empecé a tomarles cariño y, con el tiempo, estudié bastante sobre su comportamiento. La experiencia en la Fuerza Aérea fue muy significativa; me gustó mucho y poco a poco me fui formando en ese tema para poder brindar un mejor servicio y ayudar a los perros.

Mi primer perro fue un pastor belga llamado Samara. Cuando me la entregaron tenía casi dos años y me acompañó durante prácticamente todo mi servicio militar.

¿Y cómo se volcó completamente a este oficio?

Cuando tuve una mascota llamada Luna, una perrita adoptada que fue encontrada en el río Bogotá. Ella era muy nerviosa, ansiosa y se escapaba con frecuencia, así que tuve que buscar la manera de solucionar esos problemas. El proceso me gustó mucho, porque al ver los avances y poder ayudarla, me di cuenta de que quería seguir trabajando con perros. A partir de ahí nació la idea de convertirlo en mi oficio.

¿Cuáles son los principales aprendizajes que ha tenido en el proceso de entender y gestionar el comportamiento canino?

Llevo prácticamente ocho años dedicándome a esto. En todo ese tiempo, lo más importante ha sido la paciencia. También he comprendido la importancia de entender el lenguaje corporal y, sobre todo, de estudiar cada raza, ya que eso permite saber cómo ayudarlos mejor y responder de manera adecuada a sus necesidades.

¿Qué habilidades cree que debería tener un buen entrenador o paseador?

Más que todo, considero fundamental que realicen el curso para ser adiestrador, ya que no todos los paseadores cuentan con ese conocimiento. También es importante que tenga un curso de primeros auxilios y que no se limite solo a lo básico, sino que continúe con estudios más extensos y constantes.

¿Cuáles considera que son los mayores retos a la hora de entrenar a un perro?

La confianza y el vínculo son los principales retos. Muchos perros no confían fácilmente en una persona extraña, y crear ese lazo puede ser complicado, especialmente en aquellos que tienen ciertas dificultades. El vínculo se construye principalmente durante el paseo y en los momentos de entrenamiento.

En una ciudad como Bogotá, ¿qué dificultades ha encontrado durante los paseos con los perros?

Una de las más importantes ha sido la contaminación auditiva. Muchos perros son adoptados, provienen de fundaciones o del campo, y al llegar a la ciudad se enfrentan a ruidos fuertes de los vehículos, las motos o las construcciones. Estos sonidos afectan mucho su sensibilidad auditiva, lo que provoca que se pongan nerviosos, ansiosos o intenten escaparse. Sin duda, este es uno de los mayores desafíos al momento de pasearlos.

Hablemos de ese momento: salir a pasear con varios perros a la vez...

Básicamente me enfoco en los perros más nerviosos, procurando que vayan cerca de mí para poder gestionarlos y ayudarlos. También trabajo con perros agresivos; de hecho, me gusta mucho manejar tanto a los nerviosos como a los agresivos para que aprendan a autocontrolarse y sepan cómo actuar en momentos difíciles. Realizo los paseos de forma grupal con un máximo de seis perros. Además, siempre intento crear un balance: algunos perros pueden ser tranquilos y otros tener ciertas dificultades. Todo depende de cuáles salgan ese día, para así poder equilibrar el grupo.

Tiene un grupo de paseadores que le ayudan en su negocio Canine Secret, ¿cómo les ha enseñado sobre este oficio?

Llevo aproximadamente un año con el negocio y actualmente cuento con cuatro personas que me apoyan. A cada una la ayudo y la capacito para que entienda el trabajo del paseo y el comportamiento de los perros. El proceso de formación se basa principalmente en enseñarles el manejo adecuado, ya que es fundamental, así como la importancia de la paciencia.

También les explico cómo corregir a los perros: qué hacer en el momento de una corrección, cómo actuar cuando se portan bien y de qué manera reforzar positivamente una conducta. Busco que siempre me hagan preguntas para poder resolver sus dudas. En aproximadamente un mes y medio les enseño lo esencial y, a partir de ahí, voy observando su progreso antes de asignarles más perros.

¿Recuerda el caso de algún perro que haya sido particularmente difícil o que lo haya marcado por los avances logrados en su comportamiento?

Sí, está el caso de Brook, un perrito agresivo que aún sigue en proceso: aunque se ha calmado, continúa siendo potencialmente peligroso. En este caso le he hecho varias recomendaciones a su dueña, como la castración y la realización de exámenes médicos, porque no está castrado y además es un perro muy consentido. Estas condiciones han influido en que presente conductas agresivas. También hay muchos otros casos que me han marcado, ya que llevo ocho años trabajando en este ámbito. Otro ejemplo es Menta, una perrita muy nerviosa a la que no le gustaba estar con muchos perros. Actualmente camina de manera más tranquila, mantiene la calma durante los paseos y ha aprendido a acercarse de forma más constante a otros perros.

Cuando realiza sesiones de entrenamiento, ¿qué recomendaciones le da a los dueños?

Siempre les digo a los dueños de los perritos que paseo que, si necesitan una asesoría de mi parte, se las brindo con total disposición para poder ayudarlos, ya que la idea es que los perros también se comporten bien con sus propietarios. Principalmente les recomiendo tener confianza y seguridad, además de mucha paciencia al momento de sacarlos a pasear, observando siempre su comportamiento para poder transmitirles tranquilidad. También les explico que, al tomar la decisión de tener un perro, es fundamental dedicarles tiempo. El tiempo y la constancia son claves para que el perro pueda cambiar sus conductas; si no se les dedica el tiempo necesario, no habrá muchos cambios.

¿Qué es lo que más disfruta de trabajar diariamente con perros?

El momento en el que puedo soltarlos para que socialicen con otros perros y jueguen entre ellos. También disfruto mucho la caminata. Verlos interactuar y desenvolverse en esos espacios es algo que me gusta mucho. Además, cuando un perro presenta avances en su comportamiento, siento una gran felicidad y emoción. Eso me llena profundamente y me da un impulso adicional para seguir trabajando y ayudando a los perritos cada día.

¿Cuándo nació su gusto por la fotografía?

Cuando tenía 15 años. Empecé a trabajar en un estudio familiar y me enamoré de la fotografía desde sus procesos análogos y químicos, las películas y todo lo que eso implicaba. Los procesos de antes de la fotografía, como el cuarto oscuro, eran algo muy romántico para mí.

¿Qué hizo que se interesara por la fotografía de bodas?

Es uno de los oficios que más exigencia demanda. En ella se puede hacer fotografía editorial, de producto y de retrato, convirtiéndola en una práctica muy integral. La fotografía, de una u otra forma, mezcla la poesía, el romanticismo y la parte documental. Todo eso lo encontré en las bodas.

¿Cómo fue su experiencia en la primera boda a la que asistió como fotógrafo?

Existen ciertos elementos de protocolo en una boda, como los anillos, el ramo o el vestido colgado, y en ese momento no los comprendía. Después, el cliente me comentó que habían faltado muchas fotografías. Yo, en cambio, me enfoqué en capturar lo que consideraba más representativo: los momentos. Con el tiempo, y hasta el día de hoy, recalco que lo más importante es buscar imágenes que tengan simbolismo. Abrazos, madres, instantes que permanecen para siempre. De esa experiencia aprendí que, aunque exista un protocolo, es mejor centrarse en capturar fotografías que sean importantes para las personas a lo largo de toda su vida.

¿Cuáles considera que son los principales retos de fotografiar en un evento como este?

El principal reto es entender que un abrazo, una lágrima o una mirada ocurren en instantes, y que como fotógrafos debemos lograr que se congelen y se inmortalicen. El desafío está en lograr imágenes que, cuando la gente las vea, conecten con la emoción y les permitan revivir lo que estaban sintiendo. Va mucho más allá de disparar una cámara: se trata de congelar emociones, instantes y momentos.

¿Ha vivido alguna situación incómoda con alguna pareja? ¿Cómo logró gestionar eso?

Se piensa que todo es perfecto, como si todos los clientes fueran un cuento de hadas, pero no siempre es así. La fotografía también es una profesión que requiere parámetros que en ocasiones el cliente no comprende del todo. El fotógrafo, como artista, tiene ciertas necesidades para poder lograr las imágenes. Sus principales recursos son el tiempo y la puntualidad de las personas. Muchas parejas se casan pensando que tendrán un día infinito, cuando en realidad el tiempo es corto y debe organizarse bien. Sin embargo, en general, todo suele desarrollarse de buena manera.

Binario es un proyecto educativo de fotografía fundado por usted. ¿Cómo surge y cuáles son las principales enseñanzas que imparte a través de él?

Binario nace con la idea de que los fotógrafos puedan aprender fotografía de una manera más sencilla. En los talleres se les enseña temas como el mercadeo y las ventas, porque no se trata solo de disparar una cámara, sino también de entender la estructura de un negocio. También se trabaja la experiencia como parte esencial del aprendizaje: es un retiro en el que los participantes comparten con otros colegas, observan cómo fotografían y crean lazos.

Actualmente, el proyecto está enfocando en el formato de congresos, como el Congreso Binario 2026, que es un evento de fotografía de bodas que se realizará este 17 y 18 de febrero, con mi participación, la de Daniel Aguilar, Christian Cardona y Jars Maya. Espero que Binario se convierta en un legado por muchos años, para que varios fotógrafos sigan aprendiendo y continúen fortaleciendo esta noble profesión que ha cambiado con el paso del tiempo.

¿Qué significa actualmente la fotografía para usted?

La fotografía ha salvado mi vida. Cuando quedé huérfano a los 15 años y me enamoré de la fotografía, ella se convirtió en mi madre. Me llevaba a trabajar, a ocuparme, a no morir de depresión. Me sumergí por completo en la fotografía y empecé desde muy joven. Gracias a la fotografía conocí a mi esposa; hoy en día tenemos dos hijas y una en camino, que se llamará Gabriela. Por eso la fotografía es mi salvavidas. Es una de esas profesiones que te ayudan a mirar la vida de otra forma: a observarla, a capturarla y a comprenderla.

¿Cómo ha evolucionado la industria de las bodas en Colombia? ¿Cómo ve el futuro de la fotografía de bodas en el país?

Antes, las personas contrataban a un fotógrafo únicamente por referencia; no existían portafolios, páginas web ni redes sociales. Hoy en día, todo el mundo tiene una cámara en el bolsillo y, de alguna manera, todos somos fotógrafos. Aun así, la industria sigue vigente y sigue siendo necesaria la presencia de un profesional. Creo que la fotografía será cada vez más tecnológica y que las personas tendrán mayor acceso a hacer mejores fotografías. Lo único que realmente puede diferenciar un fotógrafo de una persona es que se convierta en un artista. Lo que nos mantiene vigentes es la realidad: el deseo de lo auténtico, de saber que esa imagen es real y que esa foto no fue recreada por la inteligencia artificial. Ahí es donde la industria continúa, en ofrecer una experiencia y un diferencial humano que ninguna tecnología puede reproducir.

¿Cuándo apareció la literatura en su vida? ¿Fue algo que siempre estuvo ahí o es algo que fue creciendo con el tiempo?

Fue creciendo con el tiempo. Siempre me ha gustado leer y es algo que he vivido en casa, ya que mi madre era una lectora empedernida. Desde pequeña tuve muy inculcado ese amor por la lectura y por los libros, pero nunca me había planteado ser escritora. Eso cambió cuando conocí a Mariana, la protagonista de este libro, que me inspiró profundamente con su historia de vida, de superación y de valentía. Cuando nos contó todo lo que había vivido, las personas que estábamos alrededor terminamos llorando, y entonces le dije que algún día escribiría un libro sobre lo que me acababa de contar. Y ese día, por fin, ha llegado.

¿Cómo fue el proceso de tomar ese relato y construir el personaje?

Mantuve a Mariana tal y como es. Tras muchas conversaciones, intercambiar audios y videos desde su infancia, conocer a su familia y todo lo que la rodeaba, el personaje se fue quedando así. Para mí, la persona es mucho más importante que el personaje. Por eso, Mariana se mantuvo con las cualidades que la definen, teniendo siempre muy clara la línea que quería seguir: contar su historia.

¿Cómo conoció a Mariana?

La conocí en un parque, aquí en Los Ángeles. Ella estaba con unas amigas y yo estaba sola. Escuché que hablaban en español y me acerqué a ellas. Desde ese primer momento sentimos una conexión muy especial. Empezamos a coincidir todos los días en el mismo parque, hablábamos, casi todas teníamos la misma edad, y así nació una amistad muy bonita. Poco a poco fue tomando confianza conmigo, se fue abriendo más y me contó la historia de su vida. Todo surgió de la forma más casual del mundo.

¿Cómo escribir desde la mente de una adolescente que atraviesa un contexto como el que aborda en su novela?

La adolescencia es una etapa en la que se tienen muchos sueños y muchas creencias que no siempre son las más acertadas. Por eso es importante no dejarse llevar únicamente por las emociones, aunque sé que es algo difícil de conseguir. Sobre el papel suena muy bien, pero luego cada persona actúa como puede y como necesita. Aun así, creo que es fundamental intentar pensar las cosas con más calma, sobre todo cuando las decisiones tienen consecuencias tan grandes como las que toma Mariana.

“Mis 16 en el desierto” es su primera novela. ¿Qué fue lo más retador de enfrentarse a su escritura?

Lo más fuerte fue verme frente a la primera página en blanco. Pensaba: “Guau, igual no voy a llegar ni a diez páginas escritas”. Y al final fueron más de 347. Cuando te sientas ante el papel en blanco con la intención de contar una historia con verdad, las palabras acaban saliendo solas. Creo que el mayor desafío ha sido mantener siempre el respeto por todo lo que se cuenta y lograr que Mariana, al leer el libro, se sintiera orgullosa de lo que estaba leyendo.

¿Sigue en contacto con Mariana? ¿Sabe si ya leyó el libro? En caso de que sí, ¿cómo lo recibió?

Sí. Hace unos días le entregué el libro. Siempre lo mantuve un poco en secreto para toda la gente alrededor, incluida ella, así que fue la primera en enterarse de que ya estaba publicado. Se lo di en persona y se emocionó muchísimo. Está muy ilusionada con todo esto y encantada. Siempre me dice: “¿Cómo te acuerdas de todos los detalles? ¿Cómo has plasmado en la portada todos los pequeños elementos que te fui contando?”. Está muy, muy feliz. Toda su familia también está muy contenta; ya lo han leído y están encantados. Y yo, feliz de ello.

La migración ha sido ampliamente representada tanto en el periodismo como en la literatura, ¿por qué sintió la necesidad de abordarlo en su novela?

Porque me parece muy importante que el mundo conozca las historias que cada persona lleva detrás. A veces tendemos a juzgar a la gente cuando la vemos en un determinado lugar o haciendo ciertas cosas, sin saber todo lo que hay detrás. Me resulta muy interesante que, cuando ves a una persona vulnerable, sensible, que se emociona con los pequeños detalles, entiendas que es porque existe una historia previa, y todas las historias merecen ser escuchadas. Eso fue lo que me llevó a querer contar esta vida de Mariana.

¿De qué manera cree que lo aprendido en el mundo del periodismo le ayudó a escribir esta historia?

Me ayudó a escribirla desde el respeto, manteniendo siempre muy clara la regla principal del periodismo, que para mí es la rigurosidad y la claridad. Tenía muy claro lo que quería contar y quise evitar llenar el texto de cosas que no llevaban a ningún lado. Preferí ser fiel a los datos veraces y, por supuesto, mantener siempre el respeto y el profesionalismo.

Después de la novela, ¿ha cambiado su forma de ver y entender la migración?

Todo este proceso me ha enseñado, sobre todo, que no hay que juzgar. Siempre hay que darle a la persona que tenemos enfrente la oportunidad de contarnos lo que está viviendo, lo que ha vivido, los pensamientos que tiene y las situaciones que atraviesa en su casa. Me ha ayudado a ser más empática, que es algo muy importante en la vida.

Teniendo en cuenta los temas que trata en su novela, ¿qué le gustaría que los lectores se lleven de su libro?

Que empaticen, que se acerquen a la historia sin juicios y que aborden el tema desde el respeto con el que está contado. Sobre todo, que no se centren en lo banal, sino que vayan al detalle. Me gustaría que lean la historia de Mariana y que comprendan todo lo que atraviesa una persona hasta tomar la decisión de irse de su país. Que no se queden en lo superficial de pensar que en otro lugar la vida siempre es mejor. Porque ¿y si no lo es?

¿Cómo surgió su interés por la arquitectura?

Desde muy pequeño siempre tuve afinidad por el arte. En el bachillerato me identificaba mucho con lo artístico y con lo manual, y eso incluía jugar con legos cuando era niño. Recuerdo que me llamaba, me fascinaba la Ópera de Sídney. A partir de ahí empecé a sentir una afinidad muy fuerte por la arquitectura.

Una de las experiencias que más me ha marcado dentro de este arte fue lo que ocurrió durante la pandemia. En ese contexto surgieron oportunidades para arquitectos jóvenes, especialmente para proponer ideas más especulativas orientadas a la reactivación del espacio público. Además, ni los clientes ni las entidades públicas tenían fondos para invertir en espacios permanentes, entonces había que encontrar una metodología que permitiera una arquitectura liviana, muchas veces a través del préstamo de materiales, para reactivar servicios y actividades. Aunque también realizo proyectos más tradicionales, la arquitectura efímera con enfoque social me atrajo especialmente.

“La memoria del río” es una obra arquitectónica itinerante diseñada por usted. ¿Cómo fue el proceso de creación de este proyecto?

La obra surgió a partir de una iniciativa del secretario de Cultura, Santiago Trujillo, del director de Arte, Cultura y Patrimonio, Diego Parra y de la subdirección de Infraestructura y Patrimonio Cultural de la Secretaría encabezado por Edgar Figueroa y con el equipo compuesto por Edgar Bernal, Emmanuel Guerra, Juliana Mendoza, Diego Rodríguez y Juan Sebastián Robayo. Ellos fueron quienes estructuraron la parte más conceptual de la propuesta. La intención era que Bogotá contara con un conjunto de estructuras efímeras destinadas a eventos culturales.

Desde este espacio se buscaba hacer un homenaje a la memoria de los ríos de la capital, intentando devolverles su condición de ejes de activación cultural dentro de la ciudad. El diseño también tomó mucha inspiración de los ríos en cuanto a su carácter flexible y adaptable a distintos lugares. La cubierta se basa en un sistema altamente modular que puede trasladarse a diferentes espacios. Otro valor de este tipo de arquitectura es ser oportuna para intervenir espacios patrimoniales, ya que siempre respeta el sitio. Este proyecto estará en el parque Bicentenario hasta marzo y luego se trasladará al parque Tercer Milenio.

¿Qué oportunidades y retos se dieron a partir del diseño de esta instalación?

En términos de oportunidades, me parece muy positivo que las ciudades empiecen a pensar en invertir recursos en estructuras efímeras y es interesante que esté surgiendo un mayor interés por este tipo de arquitectura, que se cuestione la idea de que la permanencia debe ser siempre una condición obligatoria, especialmente en infraestructuras públicas.

En cuanto a los retos, el principal fue el tiempo, que era muy corto tanto para la fabricación como para la implementación. Afortunadamente se logró cumplir. El sitio de implantación presentaba muchas dificultades porque está rodeado de patrimonio y no cuenta con vías de acceso. Todo el ensamblaje tuvo que hacerse de manera muy manual. Esto demuestra la lógica efímera de las estructuras, que pueden montarse sin necesidad de maquinaria pesada o camiones.

Desde un ángulo más personal, ¿cómo ha sido su acercamiento al río y cómo influyó eso en la construcción de esta obra?

Vivimos en una ciudad donde los cerros orientales nutren a la ciudad a través de los ríos, y gracias a eso tenemos agua. A diferencia de otras ciudades en las que he vivido, aquí la relación con el agua es mucho más directa y cotidiana. En Bogotá el tema del agua suele estar asociado al exceso o a la escasez, o a problemáticas derivadas de la canalización de los ríos. Desde la universidad este ha sido un tema muy presente para mí. He desarrollado otros proyectos que lidian directamente con el agua, y esa es parte de mi relación personal con ella.

En el caso de esta instalación, las cubiertas son en arco, buscando comunicar una geometría que dialogue con el paisaje de los cerros de Bogotá y con una forma intercalada que remite a un boquerón que resume la idea del río. Por eso la instalación es de color azul: era importante generar una iconografía clara. Se utilizaron aproximadamente 15.000 piezas de tela de seda de poliéster, todas del mismo color azul. Estas telas, al moverse con el viento, comunican de forma muy clara la idea del movimiento del agua. Siento que esta obra es una reflexión más escultórica sobre el agua.

¿Qué valor encuentra en la arquitectura efímera en contraste con la arquitectura más “tradicional”?

Creo que, en el fondo, la permanencia no existe realmente. Para mí, este entendimiento fue principalmente un aprendizaje que adquirí en contextos más internacionales. Siento que la educación en Colombia tiende a gravitar hacia una visión más occidental de la arquitectura. No critico esa postura, porque los edificios, al ser inversiones tan altas para la sociedad, deben ser durables. Sin embargo, no siempre se abren espacios para hablar de arquitecturas que se salen un poco de ese marco tradicional.

Cuando hablo de arquitectura efímera, no me refiero únicamente a algo de corta duración que aparece y desaparece, sino a un sistema cambiante. De hecho, estoy escribiendo un libro que se llama “Las arquitecturas del realismo mágico”. En mi reflexión, la pandemia fue un momento global en el que lo fantástico y lo surreal se volvieron parte de la cotidianidad en cuestión de meses.

Por eso considero que este tipo de sistemas funcionan muy bien en barrios de autoconstrucción, que están en constante transformación y enfrentan problemáticas estructurales, como el acceso a alimentos, agua, electricidad o educación. En esos escenarios las arquitecturas de desarrollo pueden tener un impacto muy positivo.

¿Cómo entiende la relación entre el arte y la arquitectura, especialmente en este tipo de proyectos que habitan e intervienen el espacio público?

En este caso voy a citar mucho al arquitecto Giancarlo Mazzanti. Él tiene una mirada muy provocativa sobre la arquitectura, y siempre habla de ella como una composición que se genera a través del juego. Esa mirada hace que la arquitectura se vuelva mucho más pública y accesible para todos. Considera los edificios casi como esculturas dentro del espacio público. En lo personal, si no fuera arquitecto, creo que me interesaría mucho ser escultor a gran escala. Al final, se trata de esculturas habitables. En el texto que escribimos junto con la Secretaría de Cultura, para la divulgación internacional del proyecto, definimos esta obra como un proyecto que se sitúa entre las disciplinas del arte público y la arquitectura efímera.

“La memoria del río” es uno de los legados que la Bienal Internacional de Arte y Ciudad (BOG25) le dejó a Bogotá. ¿Qué considera que es lo más valioso de un espacio como este?

Viví los últimos cinco años en Estados Unidos y regresé a Bogotá en mayo de 2025. Volver a una ciudad en la que no había vivido activamente durante un tiempo fue una experiencia que me impactó. Ver todas estas esculturas a gran escala en la BOG25 fue muy significativo para mí, y también me pareció muy valioso que las obras fueran fácilmente transitables a pie. Bogotá es una ciudad que se puede recorrer caminando en muchos sentidos, y aprovechar esa condición, ese carácter peatonal, me pareció fundamental. La experiencia de la construcción la viví muy de cerca y, al final, este espacio quedó como una sede cultural destinada a acoger eventos futuros de la ciudad. Ese, para mí, fue uno de los mayores valores de haber participado en un contexto como la Bienal.

Desde su experiencia, ¿qué posibilidades ve hoy para el desarrollo de la arquitectura en una ciudad como Bogotá?

Siento que en Colombia todavía existe una cultura relativamente conservadora cuando se habla de la disciplina arquitectónica. Generalmente seguimos refiriéndonos al canon de la arquitectura como el objeto permanente que conquista el paisaje urbano y se convierte en un hito que perdura en el tiempo. No digo que eso sea algo negativo, simplemente no creo que deba ser la única mirada que tengamos como sociedad ni como gremio.

Soy docente, y actualmente se están explorando metodologías alternativas de emprendimiento en arquitectura. Siento que esta puede ser una señal de cambio. Siempre les digo a mis estudiantes que la metodología que he seguido combina la práctica profesional con la docencia y con un componente teórico. Esa mezcla me ha permitido, afortunadamente, empezar a trabajar con instituciones públicas y generar suficiente interés para que estas empiecen a considerar desarrollos de arquitectura no convencional dentro de sus proyectos.

¿Cuál fue su primera aproximación con el italiano?

Cuando estudiaba en la universidad en Colombia, existía un programa de doble titulación para estudiantes de ingeniería. En ese momento yo cursaba esa carrera y el programa incluía una beca para ir a Italia y terminar el pregrado en una universidad italiana, con la posibilidad de obtener ambos títulos. Fue entonces cuando empecé a tomar clases de italiano, porque tenía ese objetivo muy específico, y esa fue mi primera aproximación al idioma.

¿Qué fue lo que le llamó la atención del italiano? ¿El idioma o el país?

En ese primer momento no fue tanto una decisión por preferencia, sino por lo que el contexto estaba marcando. Es decir, si la beca hubiera sido en Alemania, seguramente habría aprendido alemán; si hubiera sido en Portugal, habría aprendido portugués. No fue porque me gustara particularmente el italiano ni porque me atrajera Italia como país, sino porque ese era el programa que ofrecía la universidad, a partir del convenio que tenía con las universidades en Italia.

¿Qué lo motivó a enseñar el idioma en Colombia?

Cuando terminé mis estudios en Italia, me gradué y permanecí allí seis meses después del grado. Pero, comenzó la pandemia. Yo tenía un negocio de viajes personalizados por Europa y el sudeste asiático, y esa época fue un golpe muy fuerte a nivel profesional, porque se cerraron los países, las aerolíneas dejaron de operar y todo se detuvo. Por esa situación laboral decidí regresar a Colombia. Aquí hablé con un par de amigos que también tenían como meta profesional ir a Italia. Ellos sabían que yo había vivido allá y que conocía muy bien el idioma, entonces surgió la idea de hacer clases de italiano, sin ningún compromiso económico, más como una forma de pasar el tiempo y entretenernos en ese periodo. Esas fueron mis primeras experiencias como profesor de italiano y fue algo que disfruté mucho. Además, me di cuenta de que era un trabajo que hacía bien, que me gustaba y que las personas lo valoraban.

¿Qué cree que es lo más fácil y lo más difícil para un colombiano que quiere aprender este idioma?

Es una muy buena pregunta, porque curiosamente la respuesta es la misma para ambos casos. Lo más fácil es que, cuando uno ya sabe español, el italiano tiene muchas similitudes con este idioma. Eso le da al estudiante una ventaja inicial, porque no resulta tan difícil entender el italiano cuando se habla despacio y se usan palabras similares al español. Pero esas mismas similitudes, que en principio son una ventaja, también pueden convertirse en lo más difícil. Porque cuando el estudiante ya viene con unos códigos mentales establecidos sobre el funcionamiento del español, cuesta mucho trabajo romper esos paradigmas y aceptar que también existen diferencias. Entonces, apoyarse en el español es una buena estrategia, porque son lenguas evidentemente muy parecidas, pero no se puede tener una mentalidad rígida pensando que, si algo se dice de cierta manera en español, necesariamente debe decirse igual en italiano, porque no funciona así. Si no se aborda el aprendizaje con esa apertura a la diferencia, puede ser muy complicado para el estudiante.

¿Cómo llegó a esa conclusión? ¿Fue durante sus estudios o viendo a los estudiantes de la academia? Mejor dicho, ¿cómo se dio cuenta de que era un arma de doble filo?

Creo que es a partir de la experiencia que he ido acumulando, tanto en mi rol de estudiante como, en su momento, en mi papel de residente en Italia siendo extranjero, y ahora, mucho más, como director académico de Parliamo y como profesor. En estos roles tengo contacto directo con los procesos de aprendizaje. Es una conclusión a la que llegué después de sumar todas esas experiencias y poder analizarlas en conjunto.

¿Qué es lo más retador de llevar este proyecto desde la virtualidad?

Dificultades ha habido, pero yo creo que la virtualidad no es una de ellas. De hecho, la virtualidad es lo que permite que la academia funcione como funciona, porque tiene una gran cantidad de ventajas, empezando por el hecho de que los estudiantes no deben trasladarse físicamente a un lugar para recibir la clase. Además, los profesores que tenemos viven en distintos países, por lo que sería imposible mantener ese mismo formato si fuera presencial.

¿No ve ninguna desventaja entonces?

Si hablamos de las dificultades, una de las principales ha sido generar confianza, sobre todo frente a quienes no nos conocen. Es lógico que cuando una persona ve un edificio, entra a una sede física con el nombre de la academia y habla cara a cara con otras personas, se rompan muchas prevenciones o barreras que pueden existir en un escenario virtual. En lo virtual todo se maneja a través de plataformas en internet y, desafortunadamente, hay quienes se aprovechan de eso para estafar. Por eso, la gente suele estar mucho más prevenida a la hora de adquirir un servicio en línea. Esa es una barrera que nosotros nos esforzamos mucho por derribar: darles a las personas la confianza y la seguridad de que somos una empresa seria, absolutamente profesional y que hace su trabajo de la mejor manera.

¿Por qué cree que hay tantos colombianos interesados en aprender italiano?

Es una muy buena pregunta. Nosotros hemos identificado que existen, en general, cuatro motivaciones principales detrás de la inscripción a un curso de italiano. La primera, y probablemente la más común, tiene que ver con motivos turísticos o de ocio. Son personas que planean viajar a Italia en algún momento o a quienes simplemente les atrae el país y quieren tener un mayor contacto con su cultura. En segundo lugar, están quienes buscan realizar experiencias académicas en Italia, ya sea de manera temporal o con la intención de quedarse más tiempo, pero a través del estudio. El tercer elemento es el laboral. Están las personas que quieren ir a Italia a buscar trabajo para ampliar sus horizontes profesionales, y también quienes desean aprender italiano para enriquecer su hoja de vida. Y, finalmente, el cuarto motivo, que cada vez está cobrando más fuerza según lo que percibimos, es la solicitud de la ciudadanía italiana. Para obtenerla es necesario presentar un examen de certificación internacional que demuestre el dominio del idioma, y uno de los pasos fundamentales dentro de ese proceso es, justamente, el aprendizaje de la lengua.

Estudió una ingeniería, para luego tener una empresa de viajes y después empezar con la academia. ¿Cómo fue el proceso de adaptarse a ese nuevo rol de profesor y director académico?

Pues mira que no fue tan difícil. Siempre he sido muy proactivo en la búsqueda de maneras de generar ingresos que estén en sintonía con quién soy y con lo que me gusta. En todos los trabajos que realicé siempre estuvo presente el acto de enseñar algo a otras personas. mientras vivía en Italia, encontré un equipo de fútbol, donde empecé vinculado como jugador y, en un momento dado, me ofrecieron ser entrenador de las categorías infantiles de esa misma sociedad. Incluso en la universidad fui tutor. Por eso, el paso de ingeniero a profesor no fue tan complejo, precisamente porque a lo largo de toda mi vida ya había tenido múltiples experiencias relacionadas con la docencia.

Por el lado de las habilidades, ¿cuáles cree que son absolutamente necesarias para poder transmitir y enseñar un idioma como el italiano?

Yo creo que la habilidad fundamental para ser un buen profesor es la empatía. Es decir, la capacidad de, aun teniendo todo el conocimiento en la cabeza, bajar al nivel de la persona que no lo tiene e intentar explicarle las cosas de la manera más clara posible, sin asumir que el otro sabe lo que tú sabes.

En Parliamo Academia solo hay dos características indispensables para ser profesor. La primera es que sean italianos, porque trabajamos únicamente con profesores nativos. La segunda es que sean personas simpáticas. Eso es todo. Todo lo demás se puede enseñar. Nosotros podemos transmitir conocimientos, guiarlos, darles pautas para que mejoren cada vez más, para que sus clases y explicaciones sean mejores. Lo único que no puedo enseñar es a ser buena persona, y tampoco puedo enseñar a ser italiano.

¿Qué cree que ha aprendido de sus estudiantes en estos años de enseñanza?

He aprendido que el factor motivación es clave para aprender cualquier cosa. Te pongo un ejemplo. Hace un par de años tuve un estudiante venezolano que había migrado a Colombia por la situación social y política de su país. En ese momento, él consideró que debía buscar un camino en Europa aprovechando la posibilidad de solicitar la ciudadanía, y para eso empezó a aprender italiano. En cuestión de cuatro o cinco meses logró lo que, según los programas de Parliamo Academia, normalmente se alcanza en nueve. Eso me enseñó que muchas veces los límites que las personas creen que existen se superan con una motivación muy alta, que conduce a la disciplina y a la constancia necesarias para alcanzar un objetivo.

En el caso de los estudiantes, ¿cuáles cree que son las habilidades, motivaciones o características más importantes para aprender un idioma?

La apertura a aceptar que un nuevo idioma puede funcionar de manera distinta a lo que ya conocen y a lo que están acostumbrados. Cuando existe resistencia a aceptar que puede haber estructuras diferentes a las del español, o incluso pronunciaciones distintas, resulta más difícil avanzar. La curiosidad también es muy importante. Que los estudiantes sean curiosos y proactivos en la búsqueda de material que los acerque al italiano. Si el contacto con el idioma se limita únicamente a las clases de la academia —y a veces ni siquiera a todas, porque en ocasiones no se puede asistir—, el aprendizaje se da, pero la velocidad del proceso no será la misma que la de alguien que, además de seguir el programa y asistir a las clases, también se rodea de italiano en su día a día.

¿Qué es lo que más te gusta del italiano como lengua?

Como todos los idiomas que conozco, el italiano tiene ventajas y desventajas. Considero que es una lengua muy bien estructurada, con directrices claras, lo cual nos facilita a nosotros, como academia, construir un curso y poder explicarlo. La pronunciación es uno de esos puntos fuertes. Es linda, armoniosa y, además, está respaldada por reglas muy claras que casi no tienen excepciones. Esa claridad no se da en otros idiomas. Por ejemplo, en el inglés la pronunciación es mucho más compleja, porque hay combinaciones de letras que, dependiendo de la palabra, suenan distinto. Eso, para el profesor o para quien está explicando, complica el proceso. Por eso, diría que lo que más me gusta del italiano es la estructura tan clara y coherente con la que está formado, así como las reglas claras y consistentes que lo organizan.

Durante los años que vivió en Italia, ¿podría contar alguna anécdota o un momento en el que haya tenido un contacto especial con el idioma o con la cultura italiana?

En Italia existe la costumbre de saludar no solo con un beso en la mejilla, sino con dos besos y se da hacia el lado contrario al que estamos acostumbrados en Colombia. Además, en algunas ocasiones los hombres también se saludan de esa manera, con dos besos, empezando por el lado contrario al nuestro. Cuando iba a saludar a mitad del movimiento tenía que corregir y acordarme de que era hacia el otro lado. Esa diferencia cultural, aunque puede parecer superficial, al inicio te hace sentir un poco distante, como si no encajaras del todo. Era una situación que se repetía con bastante frecuencia.

A nivel lingüístico, pienso que lo que más fricción genera son los llamados falsos amigos, palabras que existen tanto en español como en italiano, pero con significados distintos. Uno comete el error de usarlas igual en ambos idiomas cuando en realidad no significan lo mismo.

Después de más de dos décadas en el escenario, ¿todavía siente nervios antes de cada presentación?

Siempre hay nervios antes de la acción. Esa frase la dijo Fontanarrosa en un cómic de Boogie el Aceitoso, cuando el personaje recordaba que, incluso antes de subir al helicóptero rumbo a Vietnam, sentía nervios. A mí eso me marcó mucho, porque es exactamente así: uno está a la expectativa de todo. Se pueden planear muchas cosas, pero siempre hay contingencias, siempre pasan cosas nuevas. Nunca un show es igual a otro, ni un público igual a otro, y uno tiene que estar dispuesto a todas las posibilidades: desde que no se rían o no te entiendan hasta un éxito rotundo, con la sala llena.

Yo me hago cargo de lo que escribí, dije y expresé, pero se siente como mandar un mensaje en una botella. Es como ser un náufrago que la lanza al mar para ver a quién le llega, como en la canción “Message in a Bottle” de The Police. Además, muchas veces uno viene de un vuelo larguísimo, de madrugar, o llega al final de la noche con todo lo que ha pasado durante el día. Empezar una obra es durísimo: los primeros segundos son brutales.

Se lo pregunto porque con esa frase arranca “La pelota de letras”. ¿No han bajado ni un poco esos nervios?

No. Si uno se calma o se confía, pierde. Esta es una actividad muy intensa. Llevo 35 años parándome en los escenarios y siempre hay algo que puede pasar, así que uno no puede entrar confiado. Siempre existe esa posibilidad de que algo ocurra.

¿Cómo encuentra la comedia en la vida cotidiana?

Todo es susceptible de verse con los ojos de la comedia. La risa es una terapia fundamental que rompe la realidad en sus bases mínimas. Suelo decir que la comedia es como un acelerador de partículas: toma dos partículas y las choca con tanta intensidad, que permite ver los pequeños corpúsculos que contiene el universo de la comedia. Así es la realidad. Para buscar comedia, por ejemplo, hablo con la gente. La comedia vive en cada cosa: en la calle, en los restaurantes, en las familias. Me encanta el tema familiar, la pareja, la pareja que se gusta, los planes que hace la gente. Me interesan mucho las diferentes regiones, cómo cambian las vivencias de una región a otra, de un país a otro. Me gusta expresarme más allá de los límites lingüísticos: usar el cuerpo, la expresión, la onomatopeya, los sonidos. Todo eso me apasiona porque, en el fondo, se trata de romper la realidad en sus partículas mínimas.

¿Diría que es la misma persona arriba y abajo del escenario?

Claro. Esa es la referencia de lo que tiene que ser el actor. Soy tal cual soy. Hay una frase de Agustín Jiménez, un comediante español y gran amigo mío, que dice: “Interprete al personaje que sea, el que lo debe hacer es mi mejor yo”. Eso es lo que ocurre conmigo. En la calle sigo siendo el mismo que se para en el escenario. Siempre hay una búsqueda de que ese personaje que está frente al público sea igual al de la realidad, y eso no tiene ningún problema. Al contrario, es un acercamiento para conocerse y ser uno mismo.

¿Ha vuelto a ver la versión original de “La pelota de letras”?

Sí, a veces veo fragmentos. Trato de ver cómo ha evolucionado. Nunca hay dos “Pelotas de letras” iguales. El DVD que se grabó en 2005 es la fotografía de un momento específico de “La pelota de letras”. Siempre quise que hubiera cosas nuevas para decir, porque las generaciones van creciendo. He catalogado muchas generaciones; hasta ahora van como seis o siete. Cuando cayó el último edificio de las Torres Gemelas del World Trade Center, que fue como a las cinco de la tarde, ahí dije que empezó a nacer una gente nueva. Y hasta ahora no he visto un quiebre generacional claro, algo que diga que marque un antes y un después.

Pues, hubo una pandemia…

No, eso todavía no. A mí me parece que, en el fondo, sigue siendo lo mismo. Yo catalogo a las nuevas generaciones como generaciones jabón: uno afirma algo de ellos y enseguida saltan para otro lado. No se les puede fijar fácilmente una definición. Eso ya hacía parte de la descripción que yo daba de las nuevas generaciones desde la generación Y. Los cambios realmente radiantes, esos que permiten decir “esta generación es así”, yo no los he visto. Creo que la generación actual va a durar hasta más allá del 2050 o 2055. Siento que va a ser una generación de largo alcance, dividida como en tres frentes. Los AA son los W del siglo XXI, y eso se repite. Eso lo predijo un filósofo e historiador alemán del siglo XIX y comienzos del XX, Oswald Spengler, quien hablaba de los bucles de la historia, de cómo la historia rima y tiene un comportamiento orgánico. Pienso que la pandemia no fue tan intensa en el sentido de que nos hubiera cambiado el modo de vivir o de ser. Los comportamientos de la última generación, la AA, se podían involucrar fácilmente con lo que ocurrió durante la pandemia. Fue como un paréntesis historiográfico. Eso ya había pasado en Colombia a comienzos del siglo XX con la epidemia de influenza: fue durísima y hoy nadie se acuerda, y al final no representó una crisis cultural ni social profunda a nivel de pensamiento.

A pesar de que hable con ligereza de temas como estos, ¿qué cree que podemos aprender de la vida a través de la comedia?

La comedia, cuando es comedia, pone al público a observar ciertas cosas de tal manera que pueda examinarlas. No se trata de destruirlas, sino de mirarlas con atención. Y si hay algo que haya que destruir, que sea lo malo, lo que no ayuda. Eso es Molière básico.

¿La pelota de letras es Molière básico?

Es Molière básico. O bueno, no: Aristófanes básico. Molière decía que la comedia es la manera de decir la verdad sin que lo maten a uno. Eso hoy no es tan aplicable, pero la idea sigue ahí. La comedia bien dicha crea cierto blindaje para el comediante. Recordemos que El Tartufo de Molière que conocemos es una versión censurada; el verdadero Tartufo quién sabe dónde quedó. Aristófanes es, en realidad, lo que más ha sobrevivido de la historia. Él no ponía el dedo en la llaga, sino el dedo en la verdad: en lo que nos está pasando, en lo que somos, y en cómo examinamos eso de una manera que nos permita una dialéctica, confrontar la realidad con una sonrisa en la boca. Esa es la gran invitación de la comedia: no olvidar los problemas, sino enfrentarlos con una sonrisa.

Hay otra frase que me gusta mucho: dime de qué te ríes y te diré quién eres. Hay risa destructiva y risa constructiva. A mí me interesa que la familia se encuentre, que la comedia que hago genere una esperanza de familia, una esperanza de constructividad, de que podemos reír y que hay esperanza en el reír. Ese es mi estilo. Por eso la gente va en familia a mi show, a pasarla bien, y se lleva mensajes de familia, que es lo que nos une.

¿Cómo nació el Festival Centro?

Fue hace 17 años, como una iniciativa de la Fundación Gilberto Álzate Avendaño y varios referentes del ecosistema musical bogotano. Las primeras ediciones se trabajaron como un espacio musical, en el cual se buscaba pluriculturalidad y diversidad de espacios y géneros musicales que abrieran la agenda del año. Al principio no era un festival muy grande en términos de aforo, pero sí en apuestas musicales que se basaban en la diversidad y el ecosistema musical para el impulso de artistas que seguramente estaban transitando su carrera en diferentes estados de reconocimiento. Además, se pensó para hacer un homenaje a la vida y la obra de los grandes actores musicales que han aportado al desarrollo del ecosistema en nuestro país.

¿Por qué la entrada a este evento es gratuita?

Por fortuna, creo que Bogotá ha desarrollado y garantizado el derecho a la cultura que está establecido en el artículo 70 de la Constitución. Durante varias administraciones, la capital le ha apostado a garantizar este derecho con este tipo de eventos que se desarrollan con entrada libre, pero que son de calidad y de gran formato. Con la administración distrital actual se ha trabajado para que la capital sea reconocida como una entidad que realiza grandes eventos culturales, más allá del entretenimiento. Es fundamental tener este tipo de espacios que recojan muestras culturales de todas las regiones del país, porque adicionalmente comprendemos Bogotá como una ciudad construida sobre las migraciones. Bogotá no es de bogotanos, es una ciudad para todos. Por eso es tan importante que esta oferta sea diversa y gratuita.

¿Cómo llegó a la dirección de la fundación?

Acompañé el proyecto de nuestro alcalde Carlos Fernando Galán durante varios años. Por otro lado, la vida me ha permitido estar en diferentes escenarios, en los cuales entender las dinámicas culturales de nuestras poblaciones ha sido fundamental. Estuve trabajando durante cuatro años en la Alta Consejería para los Derechos de las Víctimas, la Paz y la Reconciliación, y para trabajar con la población víctima es fundamental entender los contextos culturales. Pasó lo mismo cuando estuve en la presidencia de la Cruz Roja como asesora jurídica y directora de comunicaciones. Cuando se trabaja con poblaciones o comunidades con dinámicas tan complejas como la trata o la migración, se encuentran valores fundamentales en el relacionamiento y la construcción de confianza con ellas, en los que utilizar los canales que nos dan los desarrollos culturales y artísticos para afianzar esas relaciones es fundamental. También estuve en el Ministerio del Deporte y el Instituto Nacional para Sordos, y aprendí que esos principios se aplicaban a todo.

¿Cómo ha sido su acercamiento a la cultura?

Soy abogada administrativa y constitucionalista de profesión, pero tengo una gran debilidad por las comunicaciones. Mi acercamiento a la cultura nació un poco de ese gusto por la comunicación, porque si tú quieres procesos efectivos de comunicación, o trabajar procesos puntuales de política pública y construir procesos sociales, una de las maneras más efectivas de conocer, analizar contextos, acercarte a las poblaciones es comprender cómo funcionan sus contextos culturales. Eso hace parte del análisis y de un contexto cultural que, al entenderlo, hace que sea más fácil para los gestores públicos hacer el trabajo.

¿Qué la llevó a estudiar derecho?

Creo que cuando uno es joven, no dimensiona mucho las cosas. Cuando me decidí por esta carrera, era la personera de mi colegio y la líder de juventudes de la localidad Antonio Nariño. Quería transformar el mundo, como todo buen adolescente. Pensaba que trabajar en el Estado me iba a permitir cambiar realidades; eso fue cierto, pero, en ese momento, quería hacerlo desde las herramientas jurídicas. Esta formación como abogada me ha aportado mucho en estos 17 años de servicio y gerencia pública.

¿Qué lección le ha dejado su trayectoria y que ha aplicado más allá de su vida laboral?

Creo que haber trabajado en la Alta Consejería para Víctimas fue un aprendizaje y una reflexión de vida fundamental, porque cuando hablamos de población de víctimas, nos encontramos con la interseccionalidad. Esto implica entender que hay poblaciones que tienen características diversas que hacen del desarrollo de sus proyectos de vida algo complejo, pero que además en una sola persona confluyen varios elementos. En el trabajo con poblaciones vulnerables se unen una serie de escenarios, contextos y condiciones que requieren una mayor sensibilidad social y un mayor desarrollo de conciencia de servicio público. Por otro lado, desde lo más humano, con las personas que sufren hipoacusia, se habla de la cultura sorda, en cuanto al desarrollo de la personalidad de quienes viven atravesados por esta condición. Esta cultura aborda la forma de comunicarse, compartir, entender la vida, entre otras cosas. Uno aprende mucho de la forma de ver nuestra existencia y de la necesidad de aportar a construir desde las diferencias, sociedades un poco más equitativas y pacíficas.

¿Qué cree que nos hace falta como sociedad para lograr ese objetivo?

Diría que ser un poco más conscientes de nuestros procesos de memoria. Si nosotros tuviéramos procesos de construcción de memoria más sólidos y fuertes, seguramente nos sería más fácil también prevenir que se repitan situaciones que ya hemos vivido en el pasado y que siguen generando brechas sociales. También priorizar procesos educativos desde nuestras pequeñas y primeras infancias, y los procesos formativos y académicos que nos convoquen a valorar la diferencia, porque así es como nos construimos, y eso hace parte de nuestro ADN como colombianos.

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¿Cómo empezó en la fotografía de naturaleza?

Llevo 10 años en esto. Comencé estudiando biología, una cosa llevó a la otra y me terminé volviendo fotógrafo profesional de animales. Empecé a hacer fotos con el teléfono en las salidas que hacía en la universidad, y cuando volvía a Bogotá les mostraba las fotos a mis amigos, que muchos de ellos no eran biólogos, y les gustaban. En ese momento pensé que la fotografía podía ser una herramienta de conservación. Por eso comencé a esforzarme más y, una vez que me metí de cabeza en esto, me encantó.

Como biólogo, ¿cómo cree que la fotografía puede convertirse en una herramienta de conservación?

Creo que a veces el público se aburre mucho si uno solo le da datos de cóctel o fiesta de té. Si uno puede mostrar las cosas con fotos, creo que el mensaje permanece más tiempo en la mente de las personas. Por eso creo que la fotografía es tan efectiva para enviar esos mensajes; es más fácil que lo vean a que les dé una cátedra de una hora.

¿Cómo describiría hoy las primeras fotos que tomó hace 10 años?

Pobres. Tenía los conceptos de composición, técnica e historia natural, pero no tenía la parte artística de la foto. Pasaron cinco años antes de que empezara a hacer un esfuerzo real por componer y tener elementos artísticos más marcados.

¿Cuál cree que es su sello como fotógrafo?

Uno con los años desarrolla un estilo que los demás fotógrafos identifican, pero siento que en el mundo, por lo menos en Colombia, he sido un fotógrafo que muestra muchos aspectos de historia natural. Diría que esa es mi marca; la mayoría de mis fotos son retratos, pero intento mostrar elementos de historia natural que puedan enseñar algo.

¿Cómo se puede identificar la historia natural en una foto?

Aquí hay otras preguntas que se pueden hacer, como ¿qué es la historia natural en una foto? ¿Qué hace que una foto de naturaleza sea buena? La respuesta podría estar en la forma en la que se retratan las cosas, sea por una técnica de composición o ejecución artística. Sin embargo, la historia natural se muestra a través del comportamiento y es una de las mejores cosas que se puede mostrar en una foto porque es lo que más le enseña a la gente. Últimamente me he enfocado en el oso de anteojos. Me interesa mostrar lo que hacen, comiendo puya, rascándose en un árbol, nadando o con sus cachorros.

¿Por qué le interesó el oso de anteojos?

Hubo un momento en mi carrera en el que quería buscar algo que pudiera apropiar como mío. Si me hubiera dedicado a las aves, ya hay muchos fotógrafos de este tipo y creo que siempre habría vivido en su sombra. Cuando encontré algo en lo que podía trabajar y que no había sido explorado por otros, pensé que podría darme más oportunidades. Me dediqué a los osos de anteojos porque no había nadie en Colombia que hubiera hecho un portafolio dedicado exclusivamente a estos animales. Además, es cerca de casa, a dos horas de Bogotá, por lo que logísticamente también era sencillo.

¿Qué es lo que más le gusta de ellos?

Me encanta lo tranquilos que son, que es algo que la gente no reconoce mucho. Los osos de anteojos no son como los grizzlies, los osos negros o el oso polar. Son más apacibles que sus parientes norteamericanos; uno puede disfrutar de una experiencia sin que sea particularmente peligrosa. Es algo que agradezco bastante.

¿Cuál ha sido una experiencia particularmente especial para usted?

Hay muchas. Soy biólogo especializado en serpientes, ranas y lagartos; luego me dediqué a los osos. Al principio, lo que me motivaba era llenar mi “pokédex” con las culebras que quería ver. Me sentía como un maestro Pokémon. Hoy en día son momentos que tengo con jaguares u osos que me marcan porque uno puede sentir una conexión con el animal, te mira a los ojos y es un momento bellísimo.

¿Qué cree que la observación de estos animales puede enseñar a la sociedad?

Creo que esto puede ser polémico, pero considero que todos deberíamos ir a buscar animales al menos una vez al mes. Hay algo muy bonito en tener encuentros con fauna que uno no se esperaba. Creo que si todos tuvieran encuentros así, que les marcaran la vida, cuidarían más el medio ambiente.

¿Cómo es su rutina cuando está en una salida fotográfica?

Depende mucho del animal, todo lo dictan ellos. Por ejemplo, con el oso de anteojos, para buscarlo en Colombia, hay que ir al páramo. Me visto de una forma cómoda para el entorno al que voy y con binoculares intento buscarlo en los horarios en los que está más activo. Hay que levantarse temprano y estar horas buscando un punto negro en la montaña. Sin embargo, en el caso del jaguar, las cosas cambian mucho. Hay que acoplarse al animal que uno está buscando. Cuando vivía de anfibios y reptiles, tocaba buscarlos de noche, por lo que me convertí en un ser noctuno, solía volver al hotel a las 2:00 a.m.

¿Cuál cree que es la virtud más importante para un fotógrafo de naturaleza?

Aprender a manejar la frustración. La paciencia viene con eso. Si uno está en el campo y el animal que uno está buscando no sale, uno se frustra. Hay que aprender a gestionar esas emociones. Por ejemplo, puede pasar que uno estuvo una semana en la selva matándose y al subir la foto a redes no tiene el impacto que uno esperaba... eso también es frustrante. O si uno estuvo planeando un viaje durante un año y al final algo sale mal. Una de las herramientas más valiosas para un fotógrafo es justamente saber maniobrar con la frustración.

¿Qué encuentro con un animal recuerda especialmente?

Llevaba 10 años buscando al jaguar, lo intenté varias veces en Colombia y Ecuador, pero nunca lo logré. Siempre estuve cerca, pero nunca pude hacerlo. El año pasado me fui al mejor lugar del mundo para verlos: Brasil. En un día pude ver ocho y recuerdo que en uno de esos encuentros tuve a uno de ellos a menos de 10 metros, y nos miramos a los ojos. Fue algo que había esperado durante muchos años. Ese fue un gran momento.

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Hablemos del corto “Los afectos” y cómo llegó el proyecto a Francia.

Es una historia de amor entre adultos mayores. Tenemos a dos hermanas que viven como si fueran una pareja, y una de ellas conoce a un señor y deja de convivir con su hermana, para fijarse en su nueva pareja, con la que termina viviendo una especie de amor adolescente. El corto estuvo en Bogoshorts y concursamos contra otros que están en desarrollo, pero nuestro “pitch” fue elegido.

¿Cuál es su objetivo en Francia?

Estamos buscando socios estratégicos de posproducción que le den visibilidad a nuestra trayectoria. Lo más importante es completar los fondos que ya tenemos.

¿Cómo llegaron con Paola Ochoa a la idea central de este corto?

Con Paola hicimos el año pasado un documental llamado “Hermanas”, que estuvo en cine. Tuvo una muy buena acogida, la gente adoró a estas mujeres que eran las tías de Paola. De ahí decidimos tomar a dos de ellas y hacer una ficción.

¿Por qué una historia de amor entre adultos mayores?

“Hermanas” cuenta la historia de cuatro mujeres que encuentran amor entre ellas: les fue mal en su vida adulta con los esposos, las traicionaron y hubo muchos fracasos en ese sentido. Queríamos pensar: ¿qué pasaría si, desde la ficción, una de ellas encontrara el amor a los 70 años? Esto fue pasar del amor fraternal al romántico.

¿Por qué resaltar este tema en el corto?

Hemos venido trabajando sobre el cuerpo femenino y la presencia de la mujer adulta en el cine, porque casi nunca ves a una heroína que sea adulta, real y colombiana. Ahora imagínate lo que pasa con la sexualidad en la edad adulta. La idea de traer a mujeres de cierta edad al cine es lo que nos llevó a explorar estos temas. Es algo muy extraño de ver en el cine nacional, y por eso queremos seguir indagando.

¿Cómo comenzó su relación con el cine?

Llevo ya un buen tiempo trabajando en esto. Estudié cine en la Universidad Nacional y luego hice una maestría en dirección de cine en el New York Film Academy. Hace unos años volví y fundé una productora que se llama Extranjero, con la que hemos hecho cuatro cortos que han estado en Bogoshorts y en recorridos en festivales. También hicimos dos películas largas, una de ficción y el documental con Paola.

¿Por qué le interesó el cine?

Desde siempre tuve un impulso creativo, pero sentía que no me podía relacionar con ninguna de las artes. Es decir, nunca fui buen músico, ni tuve éxito pintando. Creo que se me daba un poco la escritura, pero continuaba con esa inquietud para expresar la creatividad. En el cine vi la posibilidad de crear algo a través de una cámara, eso me enamoró, y ahí me quedé.

¿Qué influencias han sido determinantes para su trayectoria?

Veo muchas películas. Al principio las de Bergman fueron muy importantes. Después empecé a ver varias de Stanley Kubrick, y eso fue guiándome. Ahora estoy viendo varias de Joachim Trier.

¿Qué implica su labor como productor?

Hay muchos tipos de productores. En mi caso, entro en dos partes: la primera es tratar de conseguir los recursos para hacer la película. Por otro lado, acompaño todo el tiempo el proceso para que esos recursos se distribuyan de buena manera y, además, salgo a distribuirla. El productor es casi que el mejor amigo del director, en el sentido de que el director tiene una idea muy clara de lo que quiere hacer, y el productor la aterriza.

¿Qué es lo más retador de ese trabajo?

Además de productor, soy director. Estoy en ambos frentes, y lo más difícil es saber que estamos en un momento en el que se siente como si todas las historias ya fueron contadas. Escoger algo que de verdad importe y que valga la pena contar es duro. Uno puede tener una idea y querer volverlo un producto audiovisual, pero hay que convivir con esa idea entre cinco y siete años si se quiere una película, o tres años si es un corto.

¿Cree que el cine actual es original?

Lo más original que hay es uno mismo y su contexto. Viviendo en Colombia, nuestras historias siguen siendo sorprendentes. Lo que hemos tratado de rescatar son los relatos locales en una forma en que cualquiera pueda entrar a verlos y acercarse a ellos.

¿Cuál es el valor de los cortometrajes?

El corto es un espacio de experimentación libre. Este formato ha sido el puente de muchos para pasar a las películas largas, y ese es el gran valor de los cortos.

¿A qué riesgos se refiere?

En un largometraje hay mucho más dinero comprometido, y desde la producción se necesita que la película conecte con la audiencia y que tenga un retorno en la inversión. Con los cortos esto no pasa tanto. Un cortometraje tiene unos caminos y unas vidas muy distintas, porque hay festivales alternativos, muestras pequeñas y muchos medios para mostrarlo.

Cuéntenos un poco sobre el premio que ganó y lo que representa en su campo.

Estos son los premios de locución más importantes del mundo. Hay representantes de todos los continentes y de diferentes idiomas. Uno postula sus trabajos, un jurado experto en la industria con mucha trayectoria los evalúa, da una puntuación y sobre eso se otorga el galardón al mejor puntuado. Para un locutor, ganar uno de estos premios es como ganar un Óscar; es la máxima distinción que hay en el mundo de la locución.

¿Cuál fue el trabajo que postuló?

Era un compendio de diferentes trabajos. La categoría se llama Mejor Demo Reel Comercial. Había dos opciones: hacer un demo, que es grabar piezas inexistentes y se escribe el guion, para mostrar tus capacidades como locutor, o hacer una recopilación de tus trabajos. Hice una selección de trabajos de diferentes marcas nacionales e internacionales y este fue el que presenté y que estuvo en competencia.

¿Cómo fue la gala? ¿Ya había postulado antes?

No fue la primera vez que postulé, pero sí fue mi primera nominación. Fue la primera vez que asistí a la ceremonia. Es algo muy grande, este año hizo parte de la temporada de premios de Hollywood. Fue en el Beverly Hilton, que es el mismo hotel donde hicieron los Golden Globes. Fue muy bonito participar porque tiene toda esa mística de esos premios tipo Hollywood y conocer personas de los demás continentes también fue muy lindo porque se presentan las categorías, pero interactuamos absolutamente todos los locutores.

¿Cómo describiría la comunidad o el gremio de la locución?

Hay diferentes áreas en las que uno puede trabajar. En la que yo participé en los premios era locución comercial, que es la identificación de marcas para hacer los spots para radio y televisión, pero también premian doblaje, audiolibros, locuciones institucionales, de servicios públicos, de podcast... En el gremio se hace una comunidad, en la que, a diferencia de otros, podemos integrarnos como profesionales y compartir en este tipo de escenario. Esto también nos ayuda a visibilizar nuestro trabajo. Podemos ser competencia, pero tenemos un “networking” de colaboración permanente y más con el reto que tiene hoy día la locución que es el tema de inteligencia artificial. Las voces artificiales lamentablemente han ido abarcando un poco de terreno, pero algunos clientes y la industria se han resistido, por la conexión emocional que seguimos transmitiendo los humanos.

¿Cómo ven el panorama con la inteligencia artificial?

La inmersión de este tipo de tecnologías en la locución sucedió hace muchos años, solo que se conocía como Text-To-Speech y no como inteligencia artificial. En ese momento se digitalizaba la voz para cajeros automáticos, para anunciadores de aeropuertos o servicios que no necesariamente requerían a una persona. Durante los últimos tres o cuatro años, esto se ha ido masificando y se ha consolidado mucho más como herramientas de clonación de voces. En ese entonces simplemente era digitalización de voz para un servicio específico, hoy se hace clonación de voz para muchos usos. Es un reto muy grande competir con este tipo de herramientas porque han ido avanzando mucho. Pero la conexión emocional, la interpretación como base primordial de la comunicación, es lo que nos ha mantenido y espero nos siga manteniendo en el tiempo.

¿Cuáles son sus orígenes en este campo?

En el colegio grababa algunas cosas y trabajé en radio deportiva hace 20 años más o menos, pero la locución comercial apareció en mi vida hace 10 años y empecé a hacer entrenamientos. La locución no tiene una formación profesional en el país, no es un campo académico que se pueda abordar. Uno se forma a partir de talleres, congresos y capacitaciones individuales. Así uno se va entrenando y entendiendo cómo es el mercado. He sido afortunado en términos de tiempo, porque he vivido la transición de lo que la publicidad ha hecho en locución. Anteriormente los locutores siempre tenían voces muy profundas y elegantes, de unas ciertas características, pero la publicidad poco a poco fue pidiendo voces más naturales, que conecten realmente, y creo que ahí está la principal herramienta que nos permite seguir vigentes: la naturalidad, las emociones y la interpretación.

¿Qué cree que es necesario para ser un locutor?

Antes de tener buena voz, los locutores deben tener muy buen oído, ser autocríticos y tener la capacidad de identificar qué es lo que requiere el mensaje, la tonalidad, la intención, la velocidad y el ritmo; ahí uno puede empezar a locutar. Además, hay que estar atento a las indicaciones de los creativos que, en la locución comercial, tienen una idea en su cabeza y quieren generar una determinada emoción. Hay que entrenarse para identificar las señales, interpretarlas y saber escuchar. Mi trabajo es identificar qué se necesita para eso. Hoy en día se podría decir que cualquiera puede ser locutor, pero se requiere justamente ese entrenamiento para poder identificar, transmitir y conectar a partir de la voz.

¿Con qué clientes ha trabajado?

La primera vez que hice un comercial para televisión fue para Alquería. Fue muy bonito porque ya había hecho trabajos para otras marcas más pequeñas, pero esa fue la primera vez que me vi en televisión con un personaje que hablaba de por qué tomar esa leche. Nuestro trabajo todos los días es hacer castings y presentar audiciones para quedar en proyectos. Tuve la fortuna de trabajar para Davivienda, fui una de sus voces institucionales durante tres años. Esa es una de las oportunidades que uno anhela mucho, porque son muy reconocidas en el ámbito publicitario por la creatividad, el humor y el lenguaje que utilizan. Otra de las marcas soñadas era Coca-Cola. He podido trabajar con KFC, Terpel, Netflix y Prime Video. Se van sumando marcas muy importantes que van dando ese recorrido y entrenamiento permanente de saber qué es lo que quieren y cómo se quieren comunicar, porque los locutores comerciales somos la voz de una marca que quiere conectar con su audiencia.

¿Cómo creó el nuevo ciclo expositivo de la galería?

Hace poco más de un año invitamos al artista estadounidense de ascendencia china Charlie Mai para hacer una exhibición individual. La muestra se llama “Bureau of Osseous Investigation”, en la que, entre archivos e instalaciones, se cuenta la historia de los trabajadores chinos en la construcción del ferrocarril transcontinental de Estados Unidos. La exposición habla de la historia, pero desde la imaginación y los imaginarios raciales.

¿Cuál es la segunda muestra que inaugurarán?

Es de Jorge Alonso Zapata, un artista autodidacta mayor. Él es de Medellín y su exhibición, principalmente de pintura y escultura, se llama “Barriología”. Zapata empezó su carrera artística hacia los 45 años; ya debe estar en sus 60 y ha estudiado la vida del barrio La Candelaria, en el centro de Medellín, donde tiene su taller. Este es un vecindario importante de la ciudad, y el artista retrató la degradación del entorno y las nuevas dinámicas sociales y culturales que se han dado en él. Esta exposición la estamos haciendo con el apoyo de Notas al Futuro, un colectivo curatorial, y se mostrará en la sala de proyectos.

Hablemos sobre la historia de la galería...

La abrí en 2013. De la mano de varios colegas, decidimos establecernos en la localidad de Barrios Unidos, en el barrio San Felipe, con la idea de abrir un distrito de arte y permitirle al público tener una oferta cultural en un barrio pequeño y generar unas dinámicas comunitarias, de asociación y apoyo entre galeristas, curadores y artistas. Además, la ubicación fue estratégica para temas de producción, ya que hay infinitos proveedores de varios materiales. La galería se construyó pensando en trabajar efectivamente con arte contemporáneo, con artistas emergentes y de mediana trayectoria, y enfocarnos un poco en el dibujo, por eso el nombre. Me parecía importante explorar las posibilidades expandidas del dibujo.

¿A qué se refiere con eso?

Es algo muy simple. Era una excusa para poder darle forma a Sketch. Todos los artistas de alguna manera rayan un papel y, a partir de ese boceto, de ese dibujo, algo bidimensional puede tomar una forma tridimensional. Empecé a mostrar mucha escultura, instalación y video.

¿Cómo se transformó esa idea inicial?

Sabía que quería trabajar con arte contemporáneo y, si podía traer a artistas internacionales para exposiciones que tuvieran que ver con la idea del dibujo y lo tridimensional, genial. Sin embargo, la galería fue creciendo, y desde la pandemia empezamos a mostrar más pintura, algo que antes no hacíamos. También es importante tener en cuenta que los artistas cambian, y no los puedo limitar a un único medio.

La galería tiene 13 años, ¿a qué desafíos se ha enfrentado en el camino?

Al principio fue posicionar a San Felipe Distrito Creativo para que la gente se animara a bajar la Caracas y que se diera la oportunidad de descubrir estos espacios y, además, hacer que Sketch fuera parte de ese posicionamiento. Fue difícil, porque estaba regresando al país luego de haber estado una década en Europa estudiando. De cierta forma, era una desconocida aquí que decidió abrir una galería y, aunque tenía contactos por mis prácticas en casas de subastas y mi tesis, seguía siendo muy nueva en este entorno. El reto más grande era crear reputación y confianza en el mundo del arte cuando no te conocen, eso toma tiempo.

¿Qué retos ha identificado en cuanto al arte en Colombia?

Siento que nuestro país sigue siendo una economía en desarrollo. Creo que tenemos muy pocos museos, poco apoyo institucional real y poco coleccionismo, aunque creo que ahí la tendencia está cambiando con los jóvenes. Considero que todavía no hay un coleccionismo serio, que crea en la filantropía y que entienda que el arte genera conocimiento y es un espacio de reflexión que nos permite activar nuestra creatividad. Uno de los grandes desafíos en este campo es tener el apoyo de la empresa privada, así como del Estado e instituciones. No es fácil vivir del arte en este tipo de economía. El gran reto es que las galerías no cierren, que los artistas no dejen de ser artistas y que los pensadores sigan escribiendo; en general, la sostenibilidad de los proyectos es el mayor desafío.

¿Cuál es su relación con el arte? ¿Cuándo decidió dedicarle su vida?

Lo supe en la adolescencia. Tuve la oportunidad de tener acceso a escritura creativa, a talleres de cerámica y fotografía, justo cuando estaba entrando a ese período de mi vida. Ahí decidí trabajar en el arte. Estudié fotografía y quise entrar en el mundo de la moda, pero también me interesó ser artista. Luego pude hacer unas prácticas en casas de subastas, lo que me abrió el panorama a algo más grande. Conocí a varios expertos y tuve acceso a mucha información. Ahí me enamoré del mercado del arte. En un momento de mi vida trabajé para un dealer de pintura de los siglos XIV al XVII, principalmente española, italiana y francesa. Eso me abrió el mundo a los museos. Quise salir de ahí porque sentía que era un entorno muy machista y, preguntándome, “¿en qué espacio las mujeres tienen libertad y voz?”, llegué al arte contemporáneo. Volví a Colombia y trabajé con algunas galerías y en unos proyectos antes de decidir abrir mi propio espacio.

¿Cómo llegó a dirigir el Santuario de La Popa?

Fue por el nombramiento de un padre superior, que se maneja dentro de la comunidad de la Orden de Agustinos Recoletos. Esto se hace por unos períodos de cuatro años, más o menos, por lo que llegué en 2022 al servicio en este convento.

¿Cómo es su día de trabajo en el convento?

Hacia las 5:00 a. m. tenemos la oración, luego viene la celebración de la Eucaristía a las 7:00 a. m. con los empleados del convento, aunque el santuario está abierto a las personas que deseen subir. Después viene el desayuno y luego atiendo diferentes cuestiones de mantenimiento, atención a turistas, entre otras. Llega la hora del almuerzo a las 12:30 p. m. y en la tarde sigo con las labores propias del convento. A las 6:00 p. m. tenemos los rezos de la tarde, que corresponden al sacerdote, y a las 7:00 p. m. tenemos la cena. Después de eso veo televisión un rato y mi descanso comienza a las 9:00 p. m.

¿Qué implica dirigir un santuario como este?

Tenemos una serie de empleados, con quienes debo estar al tanto de todo lo que es necesario para el convento, en toda la estructura, su mantenimiento y estar atento a los religiosos que viven aquí, que en total somos tres. Nos mantenemos a través de las entradas que obtenemos del turismo. Eso se dispone para este mantenimiento, para el sostenimiento de todo, de las personas, el pago a los empleados y demás.

¿Cuál es el reto más grande de esa dirección?

El mantenimiento. Al ser una estructura tan antigua, construida en 1607, y por la ubicación, es difícil conservarla. Aquí interviene mucho el salitre, una salina que crece en los muros y deteriora la pintura y el hierro. Son materiales que se dañan fácilmente. Hay que estar siempre pendiente de ellos y de la madera y su pintura, también de la limpieza y organización. Es una labor costosa que se debe hacer constantemente.

¿Qué es lo que más le gusta de este santuario?

El ambiente religioso. Aquí se vive en un entorno espiritual de mucho silencio y recogimiento. A pesar de que llegue tanta gente, se experimenta paz, tranquilidad y una fuerte devoción a la Virgen de la Candelaria.

¿En cuáles santuarios ha ejercido a lo largo de su vida?

Llevo casi 32 años de sacerdocio. En un momento pasé por las misiones de Casanare, hacia finales de los 80 y principios de los 90. Para el inicio de la década de 2000 me enviaron a Chile, ahí pasé cinco años en una labor misionera. Regresé y me fui a Italia un corto tiempo, para estudiar formación de seminaristas. Después volví a misiones en Casanare, también estuve en Cali y Antioquia. En la Diócesis de Caldas fui formador en seminario y, al terminar, me nombraron para el santuario en Cartagena.

¿Cómo fue el proceso para llegar a su vocación?

Inicié mi formación de seminario a los 13 años en Santa Rosa de Osos. Luego ingresé a la Orden de los Agustinos Recoletos a estudiar filosofía y hacer el postulantado, que es una etapa de experiencia. Después pasé a Ráquira, Boyacá, a hacer un año de noviciado, que es un internado más fuerte, de más discernimiento y análisis, para saber si era la vocación o no y, al final, hice cuatro años de teología, que es la formación sacerdotal específica. Es una vocación que nace en un ambiente de la vida religiosa de la familia y del pueblo en el que nací.

¿Por qué eligió la Orden de los Agustinos Recoletos?

Por la vida comunitaria, más fraterna, de más colaboración, apoyo, espiritualidad, estudio, trabajo y demás.

¿Qué cree que la sociedad puede aprender de la filosofía de los Agustinos?

San Agustín fue un gran filósofo y hombre de estudio de la Edad Media. Vivió del año 354 al 430. De hecho, en su época hizo toda una síntesis tanto de la filosofía como de la teología. La filosofía es la búsqueda de Dios, de la verdad, y él empezó esa búsqueda por distintas áreas. Tenía esa inquietud, además de que fue un gran orador.

Hablemos de los momentos que lo han marcado durante su tiempo como sacerdote...

El inicio de mi vida sacerdotal en Casanare. Allí había mucha violencia durante los años 90, pero también fue un momento muy fecundo en el apostolado, porque la gente buscaba mucho a Dios y participaba en las actividades de la iglesia. Fue difícil, porque se vivía con un gran sufrimiento y la pérdida de muchas personas. Fue una experiencia bastante extrema y con muchas estrechezas, pero, al mismo tiempo, era una vida muy solidaria, fraterna, cercana y trabajada. En medio del dolor también había esperanza.

¿Qué características son imprescindibles al momento de emprender un camino en la Iglesia?

Ante todo, experimentar y sentir el llamado, esto son las actitudes y disposiciones que se tienen para una vocación. Cada vocación tiene sus especificaciones y cada uno sabe cuáles son sus cualidades, inclinaciones y deseos. Hay que ponerse en perspectiva de oración y diálogo con Dios. Si no hay búsqueda de Dios, otro puede ser el camino y el interés. La vida espiritual conlleva una profundización de la lectura de la palabra, recogerse y encontrarse. Hay que tener una vocación de servicio, amor y buena disposición para el encuentro con las demás personas.

¿Se ha sentido retado?

Fue en un viaje que estaba haciendo de Casanare a Boyacá con un grupo de jóvenes aspirantes a la vida sacerdotal. En el camino nos abordó un tipo con una metralleta en una curva y no sabíamos quién era. Fue un momento bastante difícil, porque estaba solo con ellos, con un grupo de jóvenes indefensos del cual era responsable. En ese momento tuve como una iluminación y le dije al hombre que los muchachos eran seminaristas. Desde ahí se portó bien con nosotros. Fue muy tensionante, pues pudo habernos apresado, secuestrado o algo peor. Pero, gracias a Dios, no pasó a mayores.

¿Cómo nació Tuarisba?

Empezó en pandemia, cuando nos dimos cuenta de que teníamos demasiado tiempo para el ocio y comenzamos a familiarizarnos más con nuestro entorno. Sabíamos del mangle, pero no le dábamos la importancia que merecía, lo veíamos como un arbusto o árbol más. Con la llegada de la pandemia, un grupo de mujeres y hombres empezamos a caminar por nuestros playones de Coquito y vimos que se estaban degradando, que el mangle estaba muriendo. Así comenzó esta iniciativa de contribuir al medio ambiente.

¿Cuáles fueron las primeras acciones que realizaron?

Cuando vimos el mangle en malas condiciones, lo primero que hicimos fue buscar las plantas para hacer la primera siembra. En la ciénaga de Coquito quitamos todo lo que estaba muerto y sembramos las nuevas plantas. Ahí nos dimos cuenta de que el mangle sí se restauraba. Vimos que de 1.000 que podíamos plantar, 100 morían y las demás sobrevivían. Con el tiempo, algunas empresas decidieron apoyar nuestro proyecto.

¿Cómo recuerda la primera siembra?

Esa vez invitamos a pescadores y niños, a quienes denominamos guardianes de los manglares. Para nosotros ha sido importante que los más jóvenes se unan y conozcan lo que estamos haciendo y cuiden lo que tenemos. Si no lo hacemos, podrían destruirlo. En ese momento también involucramos a mujeres de nuestra comunidad de Araca. Las invitamos a capacitarse, a hacer la siembra de manglares. Se juntaron unas ocho mujeres, seis pescadores y 15 niños, a los que les enseñamos sobre la semilla, cómo se sembraba y en qué zonas se podía esparcir.

¿Qué caracteriza a una persona de Araca?

La humildad, somos unas personas trabajadoras que cuidamos y conservamos lo que tenemos. Además, somos una población muy unida, una familia y un pueblo afro.

¿Qué la motivó a trabajar en este proyecto?

Antes de ser parte de esto era líder de la Asociación de Pescadores de Araca. Siempre me ha gustado ejercer liderazgo; por eso, en primer lugar, me metí con emprendimientos y las mujeres arcoíris. Luego, Juan Carlos Cuadro, quien también lidera este proyecto, me propuso trabajar en esto, y le dije que sí. Me di cuenta de que me gustaba mucho aprender sobre los manglares y enseñarles a los niños y a los turistas que llegan aquí.

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¿Cómo llegó al saxofón?

Mi padre tocaba ese instrumento y, además, los importaba de una empresa francesa, la Selmer. Como estaba retirado de la banda del ejército, se pasaba todo el día practicando. Era natural para mí ser músico. Después, cuando tenía como cuatro años, él vio mi interés en tocarlo y me mandó a buscar uno pequeñito y me enseñó. Desde eso han pasado más de 70 años.

¿Cómo cree que la música teje conexiones entre comunidades y familias?

Cuando se está haciendo música es difícil pelear, la gente no tiene tiempo para pelear. La música es un elemento unificante, por eso es que me gustó venir a Cartagena a hacer eso con mi presentación. Además, fue emocionante venir con mi quinteto y tocar junto a una orquesta de jóvenes que están tratando de refugiarse en la música y salir de cosas negativas. La música siempre une, a menos de que sea terrible, que a veces pasa, pero con un cambio de emisora tenemos.

¿Cómo describiría las piezas que eligieron para el concierto?

Es una combinación de muchas cosas. Lo que hago con mi grupo, y con cualquier grupo de artistas que me reúno, es una combinación de compositores de Europa y, sobre todo, del continente americano. Por eso traje algunas cosas de Piazzolla y otras composiciones mías, así como piezas que grabó Charlie Parker. Es una mezcolanza de cosas, que es lo que soy. Cuando voy al escenario es un resumen de todo lo que viví durante estos años.

¿Qué cosas cree que son una mezcolanza, entre la música y experiencias vividas?

De toda esa música de Piazzolla con Charlie Parker, y el resultado que ha dado todo ese aprendizaje en mí. La música de Mozart, por ejemplo, me gusta, pero siempre fui un loco por Igor Stravinsky. Toda esa mezcolanza produce lo que he sido y lo que soy hoy. Soy un ávido lector. Uno de mis autores favoritos es un colombiano que se llama Germán Castro Caycedo, que escribió “Mi alma se la dejo al diablo”. Uno de mis grandes terrores es subirme a un avión sin un libro bueno para leer.

¿Cuáles son las influencias culturales que han marcado su vida?

La música, en general. Como soy tan ecléctico en mi gusto, me han influido tanto el jazz como los ritmos de mi país. Sin embargo, también me encantan los conocedores franceses, y la combinación de todo eso con mi gusto por la literatura, de forma muy natural, ha influido en mi vida diaria y en mi forma de escuchar. Hay días que me levanto y no quiero escuchar absolutamente nada.

¿Con qué pieza musical se conecta más?

No tengo una obra favorita. No creo que pueda mencionar ninguna que me guste particularmente. Me gusta tanto la música, que no puedo nombrar una sola. Me encanta “Claro de luna”, de Debussy, por ejemplo, pero también me fascina Antonio Carlos.

¿Cuáles son las emociones que tiene al tocar el saxofón o al estar en el escenario?

Es muy abstracto. Nunca me siento igual cuando estoy en el escenario. Siempre me siento bien. Recuerdo una vez, sobre todo ahora en este tiempo que viajar es problemático por muchas razones, que Bebo Valdés decía: “No cobro por tocar, cobro por viajar”. Pero también decía: “La pesadilla comienza cuando termina la música”.

Mencione uno de los mejores recuerdos de su carrera...

Quizá la primera vez que subí al escenario con Dizzy Gillespie, por ejemplo, eso fue una cosa memorable, no podía creer que estuviera allí con quien fuera uno de mis favoritos.

¿Cuál ha sido la lección más valiosa que le han dejado sus años en la música?

Son tantas cosas. Le estaré agradecido toda mi vida a mi padre por haberme dado un saxofón, por haberme enseñado el camino de la música y de la literatura. Mi padre solamente fue hasta el sexto grado, pero se culturizó porque tuvo que trabajar para mantener a su mamá, porque estaba divorciada. Él siempre mantuvo en mi casa una biblioteca y me enseñó el camino de la música y el de la literatura. Uno de los primeros escritores que leí fue un colombiano que a mi papá no le gustaba que leyera, pero él lo leía mucho, que era José Vargas Vila. No me acuerdo qué fue lo que leí de él, pero mi papá decía que hablaba mal de las mujeres, y que eso no se debía hacer. Lo mejor que me pudo haber pasado en la vida fue haber tropezado con el mundo de las artes, en general.

Ha trabajado por varios años con un quinteto, ¿qué cree que ha sido importante para mantener al grupo unido?

Esa gente anda conmigo y hemos trabajado juntos desde hace muchos años. Estoy feliz porque hemos desarrollado una amistad, pero para esta ocasión vine con algo muy especial, porque tuve a un vibracionista colombiano, llamado Sebastián. Además de amistad, he buscado calidad artística y conocimiento. Pero creo que la música es un arte de pandillas, tienen que llevarse bien unos con los otros y tener pensamientos similares. No tienen que pensar exactamente igual, porque debe ser una empresa democrática, pero vale la pena andar con la gente que trabaja conmigo.

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