Daniela Valencia tenía 15 años cuando comenzó a pintar camisetas a mano y a venderlas en el colegio a través de Facebook. En 2012 decidió que ese sería su proyecto de vida.

“Empecé con 15.000 pesos. Compré una camiseta, pintura para tela, la pinté, la vendí, con esa plata compré otra y, luego otra, y así sucesivamente fue que empecé True”, contó Valencia desde el backstage de su pasarela en Bogotá.

La marca de streetwear creada en Medellín participó, por primera vez, en Bogotá Fashion Week con una propuesta inspirada en el blockecore para el año de la Copa Mundial de Fútbol, que comenzará el próximo 11 de junio y contará con la participación de la selección Colombia, un evento que vuelve a poner en el centro símbolos, colores y estilos que hoy inspiran las tendencias de moda.

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El blockecore de True

El blokecore es una tendencia que mezcla de la estética deportiva con la moda urbana e involucra a dos elementos importantes del fútbol. Por un lado, las camisetas, especialmente las vintage o con diseños, estilos y colores novedosos. Por el otro, los tenis en ediciones especiales, que antes de estar en el Street style y viralizarse en las redes sociales, nacieron como zapatillas deportivas para el fútbol sala.

El “blockecore” es una estética que nació en los ochenta y noventa para describir al fanático tradicional del fútbol británico y cómo llevaba esa pasión a los looks del día a día, se ha convertido en un referente para las nuevas generaciones que quieren unir el amor por ese deporte y la estética “vintage”.

Este 2026 la unión entre moda y deporte está en su mejor momento gracias al Mundial de Fútbol. Un negocio que resulta ser muy lucrativo para marcas y comercio, así como para casas de lujo y torneos deportivos.

En Colombia esos estilos los hemos visto representados en momentos puntuales, como cuando la modelo Keny Salgado lució la camiseta del Junior de Barranquilla en una editorial para la revista Vogue Japón en agosto de 2024. Y cuando la marca de “streetwear” True puso a desfilar al exfutbolista René Higuita.

En esa línea, Valencia presentó “The True Spirit”, una colección que explora la relación entre deporte, cultura y actitud desde una perspectiva elevada y contemporánea.

Lea: Tendencias de moda en 2026 inspiradas en el fútbol: así son el “blockecore” y el “fanwear”

“Este año todas las marcas estamos hablando del Mundial, pero cuando me imaginé la colección que iba a presentar en Bogotá Fashion Week, pensé mucho en cómo se iría a un partido una persona elevando su look, un artista o una celebridad. De esa pregunta partió la creación de la colección", dijo la también directora creativa de la marca.

La colección, según Valencia, tiene dos prendas muy especiales: dos camisetas de Colombia. La prenda causó polémica en redes sociales por su valor, que incluso supera el de la oficial. Sin embargo, se agotó en poco tiempo.

“Vuelvo y digo, todas las marcas están haciendo su versión y nosotros queríamos hacer la nuestra, tomamos como inspiración unos elementos muy icónicos de la marca e hicimos nuestra nuestra propia interpretación de la camiseta de la Selección Colombia”, dice al respecto.

Aunque la marca ha tenido siete pasarelas en diferentes partes del mundo, como en Medellín, Panamá, Ciudad de México, les faltaba la de la capital del país. “Bogotá se merecía este momento. Tenemos una comunidad muy grande aquí, una tienda... también es un regalo muy bacano que le estamos dando a toda la gente de Bogotá”, asegura la fundadora.

La colección cuenta con camisetas gráficas, jerseys, denim y sets que se reinterpretan en looks más elevados co lavados, texturas y detalles que refinan lo cotidiano, en una paleta de verdes, azules, neutros y acentos en rojo.

La influencia de Medellín en la construcción de la marca

La marca también tiene el ADN de Medellín. “True es una marca ciudad, pues la he tratado de posicionar como una marca de ciudad. Y pienso que todo el tema de los artistas urbanos, el reggaetón y la música ha influido un montón, porque en el mismo momento en que los artistas emergentes hace 10, 12, 15 años estaban arrancando, yo estaba arrancando con mi marca, entonces fue como un nacer conjunto”, dijo la diseñadora.

Además, la estética urbana, callejera y la música le han servido como inspiración a Valencia, “empecé True por gustos personales, como el hip-hop y el R&B, así que crear la marca en Medellín con todo este background, ha sido como el mix perfecto para ese surgimiento”.

Durante estos años, Valencia asegura que el sacrificio más grande ha sido la salud mental, porque los retos, la ansiedad y la competencia generan un afán por sobresalir. Sin embargo, dejar que las cosas fluyan ha permitido que la marca resalte por su ADN y valor agregado.

Libertad y autenticidad

Valencia cree que la conexión de su marca con las nuevas generaciones se debe, en parte importante a que, empezó cuando tenía 15 años. “Tener ese recorrido es un punto de partida grande para las personas que quieren crear su marca, sea de ropa o de cualquier otra categoría. Uno de nuestros pilares o uno de nuestros propósitos es inspirar. Siento que estamos dejando un legado a esas generaciones”.

La diseñadora quiere que, cuando la gente piense en su marca, la relacione con dos palabras: autenticidad y libertad.

Sobre el futuro de la moda colombiana, menciona que la ve compitiendo de “tú a tú con las marcas de afuera. Las marcas de acá ya no miramos lo de afuera, sino que miramos lo que está haciendo la marca de al lado. Veo mucha proyección internacional o, al menos, así veo a True”.

Este es un momento clave para la marca, lo que empezó Valencia con una camiseta, se convirtió en una empresa con 60 empleados, tiendas en Medellín, Bogotá, Cali y Miami.

Vea: Lo que no se vio de la primera pasarela de True en Bogotá

“El momento más desafiante de mi carrera es este. True siempre ha crecido muy orgánicamente y en todos los aspectos, en talento humano, en lo financiero, en estructura y ya estamos en un momento en el que o damos el siguiente paso, que es romperla a nivel internacional o nos quedamos donde estamos. Tenemos un montón de decisiones muy importantes que hay que tomar. Este momento está siendo muy trascendental”, puntualizó Valencia.

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Tras nueve ediciones, Bogotá Fashion Week, evento organizado por la Cámara de Comercio de Bogotá facilitó más de 1.100 citas de negocio entre marcas y compradores nacionales e internacionales provenientes de 25 países, entre ellos Estados Unidos, Canadá, Inglaterra, Francia, Emiratos Árabes Unidos, Qatar, Grecia y Portugal.

Retailers globales como Moda Operandi, Selfridges, Target, Ounass, Liverpool, Tuckernuck y TSUM participaron en la agenda comercial del evento.

Además de los negocios, se realizaron 24 conversaciones con más de 84 panelistas nacionales e internacionales.

En estos espacios se discutieron temas clave como marca, lujo, sostenibilidad y tecnología aplicada al retail. Al ser charlas abiertas al público, propiciaron el aprendizaje y la conexión directa entre marcas, diseñadores y aliados estratégicos del sector.

Bogotá Fashion Week también demostró que el diseño de autor es un negocio rentable que impulsa el crecimiento de la ciudad-región y posiciona a Bogotá como una de las capitales de moda más relevantes de Latinoamérica.

Del 12 al 14 de mayo, más de 31.500 personas visitaron Ágora Bogotá para conocer las propuestas de 145 marcas colombianas.

El resultado comercial dejó expectativas de negocio por USD 4,5 millones a corto plazo con compradores internacionales y USD 10,1 millones proyectados a largo plazo, además de USD 1,6 millones adicionales con compradores nacionales a mediano y largo plazo, para un total de USD 11,7 millones en expectativas de negocio.

La Tienda Multimarca consolidó el éxito comercial del evento con ventas superiores a $226.854.500. Este espacio permitió a los asistentes adquirir directamente colecciones exclusivas, productos de alta rotación y piezas seleccionadas de las marcas participantes, demostrando el interés del mercado por el diseño local.

El componente de pasarelas fue el más ambicioso en la historia del evento. Las 27 puestas en escena presentaron las colecciones de 44 marcas con la participación de 562 modelos, convirtiéndose en una plataforma estratégica para que compradores internacionales conocieran en tiempo real el nivel de producción, concepto y calidad del diseño colombiano.

La programación también incluyó iniciativas especiales como Proyecto [PUENTE], una colección cápsula colaborativa entre nueve marcas; Proyecto Inmersión, con ocho activaciones creativas distribuidas en el edificio; y Tejido Región, iniciativa que reunió a 51 empresarios de Cogua, Sopó, Tabio, Tenjo y Cajicá para fortalecer la integración regional del ecosistema moda.

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Marc Jacobs fue vendida por el gigante francés del lujo LVMH a la compañía estadounidense de gestión de marcas WHP Global.

Vale la pena mencionar que LVMH es el mayor grupo de lujo del mundo y propietario de marcas como Louis Vuitton, Dior, Celine o Moët Hennessy. Por su parte, WHP Global tiene marcas como rag & bone, G-Star y Vera Wang.

Lea: LVMH: ¿quién es el dueño y qué marcas lo componen?

¿Qué pasará con Marc Jacobs?

El fundador y director artístico, que le da el nombre a la marca transferida, continuará en su puesto.

El diseñador agradeció al grupo, que adquirió su marca homónima en 1997, por apoyo y confianza en los últimos 30 años e insistió en que se mantiene comprometido como director creativo y espera “con ilusión este nuevo y prometedor capítulo”, se lee en un comunicado conjunto emitido por LVMH y WHP Global.

La nota informativa señala que de la colaboración con Marc Jacobs han surgido “algunos de los productos más icónicos y de mayor éxito comercial” de LVMH.

¿Qué viene para la marca?

En cuanto a lo que viene para la marca, no precisaron las condiciones, pero aseguraron que Marc Jacobs “se convertirá en una pieza clave de la división de moda de alta gama de WHP” con Vera Wang rag & bone y G-STAR, para reforzarmás la presencia de la compañía en ese nicho.

Con esa integración, WHP superará los 9.500 millones de dólares en ventas minoristas en todo el mundo.

En paralelo a esta compra, G-III Aparel Group compartirá con WHP Global la propiedad de Marc Jacobs y se encargará de gestionar algunas partes de su negocio de venta directa al consumidor y del negocio mayorista. Toda la operación debería estar cerrada antes de que finalice el año en curso.

¿Qué pasa con Marc Jacobs?

El objetivo de esta transacción es que estos dos socios aceleren la fase de crecimiento de la marca, al aprovechar la plataforma de licencias de WHP Global y las capacidades operativas de G-III Aparel Group.

Tras su gran popularidad a principios de los años 2000, Marc Jacobs ha perdido impulso y realizó varios cambios estratégicos para encontrar un modelo de negocio viable. 

El Wall Street Journal, citando a fuentes cercanas, reportó el pasado año que LVMH estaba en conversaciones con varios compradores potenciales para vender Marc Jacobs, en una operación estimada en 1.000 millones de dólares. El anuncio no precisó ningún monto.

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La presentadora y modelo Claudia Bahamón participó en la novena edición de Bogotá Fashion Week, en esta ocasión no como modelo, sino como espectadora de su hijo.

Vale la pena mencionar que el primer desfile de la presentadora “oficial” en un Bogotá Fashion fue en 2002, en Corferias.

El martes, más de dos décadas después, vió a su hijo tener su primer desfile en Bogotá Fashion Week. “Ayer viví uno de esos momentos que se quedan guardados para siempre”, contó la presentadora en una publicación en Instagram.

De acuerdo con la presentadora, “nunca se lo dije, pero durante estas semanas sentí una mezcla muy profunda de emoción y nervios. Me acordaba mucho de lo que yo sentí esa primera vez: la expectativa, la adrenalina, el miedo, la ilusión de caminar hacia algo desconocido que podía cambiarte la vida”.

La presentadora también detalló que fue muy especial reencontrarse con amigas y colegas de la industria, con “quienes compartí tantas pasarelas y momentos importantes de mi carrera: Adriana Arboleda, Tuti Barrera, Tala Restrepo, Karen Martínez, además de fotógrafos y personas de la industria que me han acompañado durante tantos años. Verlos emocionados y sorprendidos viendo a Samuel en su primer desfile fue conmovedor”.

Vale la pena mencionar que Samuel Brand Bahamón desfiló para la marca Old Maquiina, una propuesta disruptiva, experimental y conceptual, “una puesta en escena donde la moda se sintió más como un lenguaje artístico que como una simple pasarela”.

La presentadora también mencionó que la moda ha sido, para su hijo, un arte que lo inspira, lo acompaña y le despierta curiosidad. “Verlo empezar su propio camino emociona muchísimo”.

Samuel Brand comenzará en septiembre a estudiar Fashion Business, Communication & Marketing en Madrid.

“Ayer no solo vi a mi hijo desfilar. Vi cómo comienzan los sueños cuando uno se atreve a caminar detrás de ellos.Te amo Samuel”, puntualizó la presentadora.

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“Runway Colombia” es un concurso nacional de fotografía y fashion film inspirado en “El diablo viste a la moda”, que busca impulsar el talento creativo y emergente del país.

La convocatoria estará abierta para mayores de edad de cualquier región de Colombia y tendrá dos categorías: Fotografía Editorial y Fashion Film, cortometraje que une cine y moda.

En la categoría de Fotografía Editorial, los participantes deberán presentar una serie de entre tres y cinco imágenes; mientras que en el Fashion Film tendrán que desarrollar piezas audiovisuales en formato vertical con una duración entre 30 y 90 segundos.

¿En qué se deben inspirar las propuestas?

En los principales ejes temáticos de la película: poder, transformación, identidad y autenticidad en la moda contemporánea, promoviendo nuevas formas de narrar la industria.

¿Cuáles serán los premios para los ganadores?

El concurso premiará a un ganador por cada categoría, en la de Fotografía Editorial, el ganador recibirá acceso a experiencias exclusivas en eventos de moda como Colombiamoda y Bogotá Fashion Week, así como una beca para el Curso de Styling de la Escuela de Diseño y Mercadeo de Moda Arturo Tejada Cano.

Por su parte, el ganador de Fashion Film obtendrá acceso a los mismos eventos de moda, una beca para el Diplomado en Moda Editorial de Arturo Tejada Cano y visibilidad en los canales digitales de los organizadores.

Como parte del componente formativo del proyecto, los ganadores también accederán a mentorías especializadas en styling y dirección creativo.

¿Qué busca “Runway Colombia”?

Además de convertirse en una vitrina para el talento nacional, “Runway Colombia” busca ampliar la conversación sobre moda y creatividad en nuevas audiencias, promoviendo un movimiento digital masivo en redes sociales que refleje la diversidad de perspectivas y narrativas que hoy construyen la moda colombiana.

Fechas y proceso de la convocatoria

• La convocatoria estará abierta hasta el 19 de mayo, los participantes podrán publicar sus propuestas en redes sociales.
• Entre el 20 y el 25 de mayo, un jurado especializado llevará a cabo el proceso de evaluación de los proyectos seleccionados.
• El 26 de mayo, se habilitará la votación del público a través de redes sociales.
• El 27 de mayo se anunciarán los ganadores de cada categoría.

Cómo participar

Los interesados deberán completar el formulario oficial de inscripción aquí y desarrollar una propuesta de fotografía editorial o fashion film inspirada en El Diablo Viste a la Moda 2.

La pieza deberá publicarse en Instagram o TikTok e incluir el enlace dentro del formulario, junto con un documento conceptual y los créditos completos.

Proceso de selección

La selección de los ganadores estará a cargo de un jurado especializado cuya evaluación representará el 60 % de la calificación total. Los criterios de evaluación incluirán concepto y narrativa, dirección de arte y styling, interpretación del concepto, calidad técnica, originalidad y engagement en redes sociales.

El 40 % restante corresponderá a la votación del público, que se realizará luego de una selección previa de entre 10 y 30 proyectos finalistas. La votación se desarrollará a través de las plataformas oficiales de Cinecolor y los aliados del concurso.

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Kika Vargas regresó a las pasarelas de Colombia tras 10 años, lo hizo inaugurando la novena edición de Bogotá Fashion Week, evento que se realiza en Ágora - Centro de Convenciones hasta el próximo 14 de mayo.

La diseñadora mostró, a través de las piezas que se presentaron en Kinder, lo que ha sido su trayectoria en los últimos años, los hitos creativos y los éxitos que ha vivido, así como las cosas que ha ido aprendiendo.

“Se vio un poquito del pasado, también el ADN fortalecido, el momento actual y un toque de lo que queremos para el futuro de la marca”, dijo la diseñadora reconocida por un lenguaje visual de siluetas arquitectónicas y estampados ilustrados a mano.

La marca Kika Vargas lleva más de 10 años, pero tuvo una pausa cuando la diseñadora tuvo a sus hijos. La marca se relanzó en 2018 y, desde entonces, han estado presentando cuatro colecciones al año en París.

Vargas ha consolidado una trayectoria internacional en la que conviven la artesanía y la sofisticación. Tras formarse en Bellas Artes en Chicago y en Moda en Milán, perfeccionó su oficio en la casa italiana Missoni antes de lanzar su propia marca.

También han tenido momentos relevantes, como el ser finalistas en el premio LVMH en 2021, la colaboración con el retail Target y su presencia en más de 30 retailers de lujo en mercados internacionales.

“Vamos poco a poco haciendo crecer el equipo y dejando nuestra huella internacional”, mencionó.

Vale la pena mencionar que la diseñadora también ha mantenido un compromiso con la producción local: su modelo de negocio emplea a más de 100 mujeres cabeza de hogar y promueve la preservación de técnicas tradicionales en el país.

El interés por la moda de Vargas nació desde que “tiene razón y sé que existe el sol, es algo que siempre ha sido parte de mí. Mi mamá cuenta que que desde muy chiquita decía que iba a diseñar ropa, así que siempre ha sido un norte que he tenido como parte de la persona que soy”.

Vargas también asegura que siempre ha querido ser artista y ha estado relacionado con lo creativo. “Me considero muy afortunada porque desde chiquita tuve claro lo que quería ser”.

En cuanto lo que representa regresar a una pasarela en Bogotá, Vargas dice que la ciudad siempre ha sido parte marca y de lo que es como persona, como mujer y como creativa. “Bogotá es una ciudad que se nos mete en el corazón. Nos deja vivir todas las cuatro estaciones en un solo día. Es una ciudad superactiva, superllena de de información”, dice.

En Bogotá, según cuenta, se está viviendo un momento superinteresante de arte, en general, “porque la moda también es arte, entonces no lo veo solo en la moda, sino en la música, en la pintura. También hay demasiado talento joven, nuevo, se está explorando en muchísimos ámbitos. La gente está saliendo a apoyar a a los diseñadores, a a los artistas, a los músicos. Creo que la escena en Bogotá cada día está más rica”.

Vargas expresó su sentimiento de felicidad tras haber sido la pasarela inaugural, “estoy feliz de estar acompañada de tanto talento joven y emergente. De eso se trata Bogotá Fashion Week, de venir a apoyarnos y a construir país”, dijo la diseñadora.

Vargas quiere que su trabajo cause alguna sensación, “buena, mala, interesante, no interesante, pero que cause alguna respuesta”.

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En 1895, Tomás Carrasquilla viajó por primera vez a Bogotá desde Medellín. Su literatura, por tanto, no fue ajena a las modas bogotanas del cambio de siglo. Las observó con una mirada aguda, atenta al contraste entre la elegancia urbana y cierta austeridad monótona, marcada por el predominio de los tonos oscuros, la rigidez de las costumbres sociales y la centralidad del traje formal. En uno de sus pasajes, al describir el contenido de un equipaje proveniente de Bogotá, enumera los signos de la elegancia capitalina: sombrero de copa, guantes negros y blancos, puños, cuellos, corbatas en abundancia y “vestidos nuevos con olor a sastrería”.

Hoy, algo de esa idea de elegancia clásica persiste en la impresión de quienes visitan Bogotá de manera esporádica. Solemos explicar el predominio del negro, el gris y las prendas superpuestas por razones climáticas: el frío, la lluvia y la necesidad de cubrirse. Sin duda, hay algo de cierto en ello. El clima bogotano favorece las capas, los abrigos, las chaquetas, los tonos sobríos y cierto ocultamiento del cuerpo, pero esa explicación resulta insuficiente. Las nociones de elegancia se han transformado radicalmente y, junto con esa austeridad heredada, Bogotá ha dado paso a múltiples expresiones vestimentarias que la convierten en un crisol de estilos individuales, híbridos e inesperados.

Quizás esto se deba, en parte, a que Bogotá es una ciudad donde la experiencia urbana se vive bajo el signo del anonimato. Como en toda gran urbe moderna, sus habitantes atraviesan diariamente miles de encuentros fugaces con personas que probablemente no volverán a ver. Esa condición atenúa, al menos parcialmente, el peso del juicio social inmediato y abre un margen para experimentar con la imagen, con el cuerpo y con la apariencia. La moda —entendida aquí como la experiencia cotidiana del vestir— florece con especial rapidez en aquellos ambientes donde la individualidad encuentra espacio para ensayarse.

Además, Bogotá, como centro urbano de casi ocho millones de habitantes y una de las principales puertas de entrada al continente suramericano, recibe de manera constante corrientes musicales, hábitos de consumo, referencias visuales e imaginarios cosmopolitas. Esa exposición permanente dinamiza la apariencia de sus habitantes y explica por qué muchas expresiones subculturales —usualmente ligadas a la música, la moda y las escenas juveniles globales— aparecen allí con rapidez. La ciudad no solo adopta tendencias: las mezcla, las adapta y las traduce a su propio clima, a sus desigualdades, a sus barrios y a sus ritmos cotidianos.

Por otra parte, Bogotá opera como vitrina de ascenso social, lo que implica la adhesión —a veces explícita, a veces tácita— a ciertas nociones de elegancia. La ciudad concentra una gran cantidad de instituciones públicas, embajadas y escenarios culturales; en ese contexto, vestirse bien puede funcionar como estrategia de legitimidad y profesionalización. A ello se suma su particular mezcla regional: Bogotá no responde a una única tradición vestimentaria, sino que se nutre de la migración interna constante. El resultado es una moda urbana hecha de acentos costeños, paisas, vallunos, santandereanos, llaneros, indígenas, populares y globales.

Ahora bien, si la posición económica también incide en la apariencia, hay otro elemento clave: la desigualdad como productora de estilos. En Bogotá, las marcas de lujo conviven con espacios como San Victorino, las ferias vintage, la ropa de segunda mano, el diseño independiente y la economía informal. Esa coexistencia no solo evidencia contrastes, sino que produce combinaciones visuales singulares, a menudo creativas e inesperadas.

Finalmente, la ciudad cuenta con una cultura universitaria y artística particularmente heterogénea, que alimenta escenas alternativas y convierte ciertos barrios en verdaderos laboratorios de imagen: Chapinero, Teusaquillo, La Candelaria, entre otros. En estos espacios la vestimenta es tanto exploración estética como forma de expresión. En síntesis, Bogotá se viste como se viste porque combina una herencia de sobriedad formal con las condiciones propias de una gran ciudad contemporánea: clima frío, anonimato urbano, movilidad social, mezcla regional, desigualdad productiva y exposición constante a imaginarios globales.

*Investigador de la moda y el vestir de la Universidad Pontificia Bolivariana, en Medellín, Colombia. X: @Weegecruz

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La diseñadora Kika Vargas, después de diez años sin estar en una pasarela en el país, inauguró la novena edición de Bogotá Fashion Week (BFW). La diseñadora presentó su colección SS/Resort 27, que cuenta una historia sobre el pasado, presente y futuro de su marca.

Bogotá Fashion Week es una plataforma de comercialización y promoción para la moda, que organiza la Cámara de Comercio de Bogotá.

Lea: Bogotá Fashion Week 2026: fechas, pasarelas y lo imperdible

La edición 2026, que se realiza desde este martes 12 y hasta el próximo 14 de mayo, busca consolidar el diseño colombiano en el escenario global, destacando el valor creativo y el potencial empresarial de la industria.

El evento reunirá a 145 diseñadores y marcas de los segmentos de mercado accesorios y artículos de cuero, joyería, ropa interior, resortwear, ready-to-wear, swimwear y streetwear en Ágora Bogotá.

También estarán compradores nacionales e internacionales, líderes y profesionales de la industria, medios especializados y miles de visitantes que vivirán tres días de creatividad, negocio y cultura.

La programación se articula en pasarelas, rueda de negocios Wholesale, conversaciones y una tienda multimarca.

Los espacios, según los organizadores, están orientados a fortalecer la internacionalización de las marcas colombianas, generar conexiones comerciales de largo plazo, brindar espacios de discusión y acercar a nuevos públicos a los lenguajes de la moda.

Pasarelas

La edición 2026 contará con 28 pasarelas en las que participarán 44 marcas seleccionadas, presentando propuestas que reflejan innovación, identidad, sostenibilidad y nuevas narrativas del diseño colombiano.

11 de mayo: Kika Vargas, –finalista del Premio LVMH, colaboradora con Target y presencia en más de 30 retailers de lujo–, inaugurará el evento.

12, 13 y 14 de mayo de 2026, en Ágora Bogotá – Centro de Convenciones, pasarelas y evento.

La pasarela de cierre estará a cargo de la diseñadora Francesca Miranda.

Wholesale: negocios que conectan con el mundo

Uno de los pilares de Bogotá Fashion Week será la rueda de negocios - Wholesale, que reunirá a más de 80 compradores nacionales e internacionales interesados en identificar nuevas marcas, ampliar portafolios y generar alianzas comerciales.

“Este espacio busca acelerar procesos de internacionalización, abrir nuevos mercados y fortalecer el crecimiento sostenible de los diseñadores y empresarios participantes. Su arquitectura integra preparación previa, priorización de conexiones, activación dirigida y ejecución de agendas, de manera que cada interacción responde a un cruce estratégico entre oferta y demanda”, explicaron.

Conversaciones e industria

La agenda académica incluirá 24 conversaciones y encuentros con más de 60 invitados relevantes de la industria, entre diseñadores, empresarios, expertos, medios y líderes de opinión.

Estos espacios abordarán tendencias globales, sostenibilidad, consumo consciente, innovación, branding, nuevos modelos de negocio y los retos de la moda contemporánea.

Tienda multimarca y experiencias

El evento contará con una tienda multimarca abierta al público, donde los asistentes podrán descubrir y adquirir productos de diseñadores participantes, acercando el talento nacional al consumidor final.

La experiencia se complementará con espacios de networking, activaciones de marca, gastronomía y encuentros que convertirán a Bogotá en una ciudad volcada hacia la moda durante tres días.

¿Tiene algún costo?

No. El evento es gratuito. El ingreso es libre hasta completar aforo, pero se requiere registro previo en la página web oficial para asegurar el acceso a las actividades.

En cuanto a las pasarelas, se accede con invitación de las marcas participantes.

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Robert Wun fue el diseñador que más se destacó en la gala del MET 2026. Nichapat Suphap, Naomi Osaka, Audrey Nuna y Jordan Roth fueron algunos de las asistentes que lo eligieron para representar, a través de ropa, la relación entre moda y arte.

Wun es un diseñador hongkonés, que está reinterpretando la alta costura y que se formó con referentes de los 80, 90 y principios de los 2000, cuando la industria se unía para apoyar a un diseñador. "Entonces no se trataba solo de ganar dinero, sino de celebrar el talento", dijo en una entrevista con Harper’s Bazaar.

Su interés por la moda surgió cuando tenía 11 años, y conoció a una chica, algunos años mayor que él en la iglesia de su familia, que estaba comenzando a estudiar diseño de moda. “Ella cambió mi percepción de todo. Allí empecé a visitar las tiendas de segunda mano y a adaptar mis propias piezas”, le contó Wun a Vogue.

Fue descubierto en 2012 por Joyce Boutique cuando estaba preparando su colección de graduación en el London College of Fashion.

Después de trabajar dos años en la industria, en 2014 lanzó su propia firma, con sede en Londres, centrada en colecciones por encargo y uniendo la sastrería con inspiraciones del cine, el arte y la naturaleza.

El diseñador “presenta colecciones narrativas a través del arte y la artesanía modernos, explorando historias de visibilidad y liberación en la moda”, se lee en su página web.

En 2023 marcó un hito: debutó con su primer desfile en París en enero, con el apoyo de Bruno Pavlovsky, presidente de moda de Chanel, y se convirtió en el primer diseñador de Hong Kong en unirse al calendario de Alta Costura en su historia, como miembro invitado de la Fédération de la Haute Couture et de la Mode.

“Fue un shock. Antes de que me lo propusieran, nunca había hecho un desfile. No estaba acostumbrado al sistema, ni imaginaba que laFédérationcreyera en mí. Fue un momento de incredulidad: pensar que todo lo que hice durante nueve años había valido la pena. Sentí ansiedad, emoción, y la sensación de que esta podría ser una oportunidad única. Solo quería dar lo mejor de mí. Recuerdo cómo me sentí cuando supimos que lo haríamos, cuando terminó y vimos la reacción del público… fue surrealista. Durante años solo contaba conmigo mismo, y de repente, mucha más gente entendía y valoraba mi trabajo. Fue muy gratificante“, le dijo al medio especializado sobre su debut.

El diseñador también ha ganado importantes reconocimientos y fue nombrado una de las personas más influyentes en la industria de la moda por Business of Fashion 500, Vogue Business 100 y Tatler Asia.

Además, ha vestido y trabajado con artistas como Beyoncé, Celine Dion, Lady Gaga, Adele, Cardi B, Florence Pugh, Cate Blanchett, Usher e Idris Elba.

El diseñador también ha recibido encargos y ha trabajado con el Royal Ballet de Londres, la franquicia cinematográfica de Los Juegos del Hambre y el director de cine Wong Kar Wai.

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Conocer tu tipo de cuerpo transforma por completo la experiencia de vestir. Te permite identificar qué prendas —más allá de lo atractivas que se vean colgadas en un gancho o en una foto— realmente te favorecen, potencian tus atributos y hacen que te sienta bien.

En términos de moda, el cuerpo de la mujer se divide en cinco tipos: reloj de arena, triángulo invertido, pera o triángulo, rectángulo y manzana. “Con la ayuda de un metro, puedes tomar las medidas del ancho de hombros, la espalda, la cadera y así identificar tu silueta. Por ejemplo, si el ancho de la espalda es mayor a la medida de la mitad del contorno de la cadera, tu tipo de cuerpo es triángulo invertido”, dice el diseñador Fabián Rodríguez.

Lea también: La guía práctica para vestir según la forma de su cuerpo

Puedes pararte frente al espejo en ropa interior e identificarlo visualmente. Si al mirarte, tu cadera y el ancho de tus hombros son proporcionales y tu cintura es ceñida, tu silueta es la de reloj de arena. A simple vista se puede comprobar, pero es mejor tomar las medidas.

Uno de los errores más frecuentes es seguir las tendencias y querer adaptar el cuerpo a ellas. No todo lo que está de moda nos funciona. Con Sophia Buitrago Martínez, estilista de moda, construimos esta breve guía para que identifique su tipo de cuerpo y destaque sus fortalezas.

Como ya casi se acercan las vacaciones, una época para disfrutar de la playa y la piscina, te damos una breve guía para que puedas elegir el vestido de baño adecuado para tu tipo de cuerpo.

Tipos de cuerpo y el vestido de baño más favorecedor:

Reloj de arena

Se caracteriza por un busto y caderas proporcionadas entre sí, con una silueta equilibrada y una cintura naturalmente definida que acentúa las curvas.

¿Cuál vestido de baño te funciona? La parte inferior del vestido con talle alto y un sostén con escote corazón.

Triángulo o pera

La parte superior del cuerpo —busto y hombros— es más estrecha en comparación con las caderas y los muslos, que concentran mayor volumen.

¿Cuál vestido de baño te funciona? Los trajes de baño de tiro alto, en bikini o de una sola pieza. La clave es que se acentúe la cintura. La parte superior puede tener colores y estampados llamativos.

Manzana

El peso visual se concentra en la zona media del cuerpo; el abdomen suele ser la parte más prominente, con hombros y caderas menos definidos.

¿Cuál vestido de baño te funciona? Lo importante es encontrar un vestido que le dé soporte al busto, top en V, o un traje de baño con tirantes gruesos o tops con aros.

Triángulo invertido

Tiene los hombros, espalda y busto más amplios o voluminosos, mientras que las caderas son más estrechas en proporción a la parte superior.

La clave está en dirigir la atención hacia la parte inferior del cuerpo para equilibrar la amplitud de los hombros.

¿Cuál vestido de baño te funciona? Un traje con tirantas anchas o con escote asimétrico, que suavice la atención de los hombros. Así como un bikini con el top tipo cuello halter, es decir, que se sujete alrededor del cuello o con un escote en V. La parte inferior con volantes, estampados o lazos a los costados.

Rectángulo

El busto y las caderas mantienen una proporción similar, con una cintura poco marcada, creando una silueta más lineal y uniforme.

¿Cuál vestido de baño te funciona? Seccione un vestido con estampados que creen curvas, puede ser un triquini con aberturas laterales, trajes de baño con cinturones, drapeados o ajustados en la cintura.

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La quinta edición de Cali Distrito Moda se realizará del 11 al 13 de junio en la capital del Valle del Cauca.

El evento de lanzamiento se realizó en el municipio de la Cumbre, pues una de las apuestas es transformar los escenarios más emblemáticos de la ciudad en un circuito de moda, proyectando al Valle del Cauca como un destino turístico, cultural y creativo de talla internacional.

El lanzamiento, que contó con el apoyo de la Gobernación del Valle y la Alcaldía del municipio de la Cumbre, “marcó el inicio de una experiencia que conecta diseño, territorio y emoción en una narrativa donde cada locación cuenta una historia y cada pasarela se convierte en un espectáculo sensorial”, explicaron los organizadores.

Novedades de la quinta edición

Este año, la ciudad se expande para ofrecer una experiencia inmersiva a turistas, compradores, prensa internacional e invitados especiales.

Cali se tomará espacios icónicos y los convertirá en escenarios majestuosos donde la arquitectura, la naturaleza y la moda dialogan.

“Desde Palmira hasta el corazón de la capital vallecaucana, cada punto del circuito ha sido concebido como una experiencia única que eleva el diseño colombiano hacia nuevas dimensiones”, explicaron los organizadores.

Guio Di Colombia, diseñador de moda y presidente de la Cámara de la Moda Colombiana, Cali Distrito Moda no es solo una plataforma de diseño, es una declaración de ciudad. “Este año hemos construido un circuito que exalta nuestros territorios, nuestra identidad y el talento que nos representan ante el mundo. Cali se convertirá en el epicentro de la moda latinoamericana, con una experiencia que conecta escenarios únicos, creatividad y una visión global de industria”.

¿Cómo será el circuito?

El recorrido comenzará en Palmira, en la histórica antigua estación del ferrocarril, un espacio cargado de memoria que se transforma en el escenario de la pasarela inicial. El diseñador colombiano Joan Sebastian Grey y la dominicana Giannina Azar presentarán sus más recientes colecciones, marcando un comienzo que fusiona identidad, historia y proyección internacional.

La ciudad también se adentrará en territorios inesperados. El sótano 3 de Pacific Center será escenario de una pasarela underground, una propuesta audaz y ultramoderna que redefine los códigos tradicionales del desfile.

En este espacio, Nicteel by Owana Lima, en representación de la Semana de la Moda de Guatemala, y Claudia Arce, destacada diseñadora de Argentina Fashion Week, llevarán sus colecciones a un formato disruptivo que conecta con las nuevas narrativas globales de la moda.

Diseñadores emergentes

En esta quinta edición, Cali Distrito Moda tendrá como uno de sus ejes principales la promoción del talento joven y creativo, abriendo espacio a colecciones que traen nuevas miradas, lenguajes y propuestas que oxigenan las pasarelas colombianas.

Como parte de esta apuesta, dos grandes colectivos institucionales reunirán a 60 nuevos creadores del país: jóvenes diseñadores de la Escuela Arturo Tejada Cano de Bogotá y de la Fundación Academia de Dibujo Profesional de Cali, quienes presentarán propuestas que reflejan el futuro de la moda colombiana y la fuerza emergente de una nueva generación dispuesta a transformar la industria desde la creatividad, la identidad y la innovación.

Locaciones

La naturaleza se convierte en aliada de la estética en el marco de las pasarelas “Cali es donde debes estar”. El 12 de junio el Jardín Botánico de Cali abre sus puertas a la marca Bless BH, en medio de una biodiversidad exuberante, donde la flora y la fauna construyen un paisaje vivo, la moda se funde con el entorno en una experiencia que exalta la belleza natural del territorio.

El 13 de junio, el Zoológico de Cali, reconocido como uno de los más importantes de Latinoamérica, se transforma en un escenario vibrante donde la vida silvestre y el diseño dialogan en las pasarelas. En este entorno, las colecciones de Toscano, de Franklin Ramos y la marca Teresa Esencia Entre Hilos se presentarán en un formato que integra pasarela y experiencia, acompañado de un brunch que convierte la moda en un momento social y sensorial.

Durante tres días el Centro de Eventos Valle del Pacífico concentrará la programación central con pasarelas internacionales, zonas de experiencia, muestra comercial, alfombras rojas, ruedas de prensa, firmas de autógrafos y encuentros con celebridades. Este espacio, concebido como un hub ultramoderno y tecnológico, albergará además el Sunset Fashion, una de las apuestas más impactantes del evento, con un espejo de agua como telón de fondo para las colecciones de diseñadores consagrados.

La pasarela de clausura, de la Gobernación del Valle estará a cargo del diseñador Stevan Valencia será el encargado de bajar el telón con una pasarela que promete ser tan potente como simbólica, llevando a escena una propuesta que recoge su evolución creativa y su conexión con las nuevas narrativas del diseño colombiano.

“Su desfile final no será solo una colección, sino un manifiesto de cierre que resume el espíritu de Cali Distrito Moda 2026: talento joven, visión internacional y una ciudad que se proyecta con fuerza hacia el mundo”, explicaron los organizadores.

¿Cuántas pasarelas se realizarán?

Con 17 pasarelas, 33 diseñadores y una agenda que incluye 33 desfiles, Cali Distrito Moda 2026 se consolida como una de las plataformas más ambiciosas del país. Las colecciones primavera-verano 2027 serán el eje creativo de una programación que no solo exhibe talento, sino que construye industria, conecta mercados y posiciona a Cali en el calendario internacional de la moda.

Cali Distrito Moda es una experiencia de ciudad. Una invitación a recorrer escenarios imponentes, a vivir la moda desde su esencia y a descubrir, en cada rincón, el poder creativo de una región que hoy se muestra al mundo con fuerza, identidad y visión de futuro.

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La gala del MET de 2026 se realizó el pasado 4 de mayo y tuvo como código de vestuario para sus asistentes “La moda es arte”, una invitación a explorar todas las veces en que la industria textil ha coqueteado con las diferentes expresiones artísticas y a mostrar que el cuerpo humano también es un lienzo.

Se trata de un evento del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York que se celebra anualmente el primer lunes de mayo y los ingresos proporcionan al Instituto del Traje, su principal fuente de financiación anual para exposiciones, publicaciones, adquisiciones y operaciones. Los fondos recaudados también apoyan otras actividades del museo.

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El evento, también conocido como “los Óscar de la moda”, es perfomance y entretenemiento. Cada año, las redes sociales se llenan de imágenes, comentarios y memes sobre las elecciones de los invitados.

Este año, los invitados recurrieron a la literalidad con referentes artísticos bastante conocidos, como Gracie Abrams en un Chanel o Hunter Schafer en Prada inspiradas en Gustav Klimt, así como Madonna usando un look de Anthony Vaccarello para Saint Laurent inspirado en Leonora Carrington, por mencionar solo unos ejemplos.

Un patrón curioso fue el recurso de las manos, comenta Diana Lunareja, comunicadora de moda, “vestidos con manos asomadas, manos tocando el cuerpo o incluso cubriendo el cuerpo, tal vez para vincularse al concepto de la exhibición de esa relación entre la moda y lo corporal. A veces, esa insistencia con un mismo tema puede reflejar una investigación muy superficial por parte de los equipos”, dice.

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De fondo, explica Lunareja, muchos invitados sencillamente se enfocan en lucir algo “que sea increíblemente bello y atractivo para que se viralice con facilidad en internet, y recuperar la inversión que conlleva toda la participación en el evento”.

Por su parte, Jeniffer Varela, investigadora de moda, menciona que la gala estuvo “muy aburrida”. Casi todos se fueron por lo más literal que encontraron (que no está mal, solo es muy básico), “y ni siquiera investigaron referencias profundas. Lo cual es triste porque estamos hablando de uno de los museos con las colecciones de arte más grandes del mundo y parece que todas se fueron de escultura griega o de una pintura que vieron en el colegio. Pero eso también revela algo muy importante, y es que los invitados a esta gala tienen muy poco conocimiento no solo de la moda, sino también del arte”.

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Sin embargo, destaca la elección de Gwendoline Christie, que no solo tenía un significado profundo detrás de lo que se puso, “sino que se tomó el trabajo de investigar y de trabajar con gente especializada en cada aspecto de su look: el vestido, el maquillaje, la máscara que llevaba, entre otros. Esa es la dedicación de una persona que genuinamente entiende el significado de exaltar las artes”.

Emma Chamberlain interpretó muy bien el código de vestuario, revistas y medios especializados así como expertos en redes sociales, la nombra como “la mejor vestida de la noche”. La youtuber estadounidense llevó un Mugler inspirado en los materiales con los que se construye el arte.

Paloma Elsesser también se destacó con un vestido hecho con decenas de vestidos vintage, “hasta Kylie Jenner haciendo referencia a la venus de Milo y a los maniquies desvestidos... también Sabrina Carpenter con un vestido de Dior hecho de tiras de filme de la película ‘Sabrina’. Todo pensado para usa materiales inusuales y convertirlos en arte”, menciona Varela sobre las pocas asistentes que reflejan la frase: “la moda es arte en sí mismo”.

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Zara y Bad Bunny envejecido

El artista puertorriqueño llegó al evento mostrando cómo se vería con 53 años de más, una caracterización artística con prótesis que buscaba visibilizar el envejecimiento en una industria obsesionada con la juventud.

Pero, por qué elegió un look de Zara para acompañar su propuesta e interpretación de “la moda es arte”. Por un lado, hay quienes aseguran que se trata de una decisión de democratizar la moda. Sin embargo, se encamina más hacia una importante transacción comercial.

Zara se cansó de competir con el ultrafast fashion de Temu y Shein y busca entrar en una categoría de lujo. De ahí, que eligieran al diseñador John Galliano para colaborar por dos años reinterpretando piezas de archivo. Pero es solo maquillaje para una empresa que sigue teniendo sobreproducción de ropa.

Como lo menciona Lunareja, “ser lujo tradicional ya no es garantía de calidad, respeto por el oficio o buen diseño. Es solo marketing”.

El papel de Amazon en la gala

La gala estuvo financiada, en parte, por el empresario Jeff Bezos, director ejecutivo de Amazon, y su esposa Lauren Bezos.

Jeff Bezos y Lauren Sánchez Bezos fueron los presidentes honorarios de la velada, un cargo que suele conllevar un lugar en la fila de recepción y una posición en lo alto en las escaleras del Met.

Durante los días previos al evento, pegaron carteles en las calles de Nueva York con un llamado al boicot de la Gala del MET por sus patrocinadores, a quienes acusan de impulsar al ICE y de “explotación laboral” en Amazon.

La participación de los Bezos también se lee como un intento de legitimarse en la cultura.

Aunque no es la primera vez que Amazon o un gigante tecnológico se involucra en el evento benéfico (las artes siempre han sido financiadas por personas con mucho capital económico y también cuestionadas), el patrocinio de Jeff Bezos y su esposa Lauren Sanchez Bezos, “llega en un momento político en que la desigualdad económica en ese país es rampante y están teniendo conversaciones sobre billonarios acumulando riqueza en lugar de pagarles a sus empleados”, menciona Varela.

En esa línea, Lunareja menciona que, el estado político de Estados Unidos está, en parte, siendo alimentado por Jeff Bezos, quien además de adueñarse del Washington Post tiene encima rumores de comprar Condé Nast.

“Su participación en este evento diluye la idea de que es a favor de la cultura y queda más bien como una forma de traer una imagen positiva, cuando su empresa tiene amplias acusaciones de explotación laboral y se ha visto beneficiado con contratos gubernamentales billonarios por su relación con el actual presidente de EE.UU.”, dice Lunareja.

Pese a las protestas, que casi siempre se presentan a las afueras del evento, lo relevante de este año fue una ‘gala’ alterna organizada por la alcaldía de Nueva York, que no solo se rehusó a ir al evento sino que usó la fecha para destacar a personajes de moda de la ciudad enfocados en la lucha por los derechos de los trabajadores y la exaltación de la diversidad en la industria.

El alcalde exaltó a los trabajadores del garment district: costureros, sastres, entre otros. “Se entiende que las artes necesitan de benefactores grandes como los Bezos, pero la gente resalta mucho el hecho de que sus buenas obras podrían empezar por garantizarles a sus trabajadores los derechos más básicos”, sentencia la investigadora de moda.

¿Qué viene para la gala del MET?

The New York Times publicó un artículo en el que contaba que el museo y el Instituo del Vestuarion tienen un fondo en el que ha guardado parte del dinero recaudado durante varios años, con el que buscan autosuficiencia financiera para 2030.

“Eso nos da pistas de que todos los involucrados se están preparando: Anna Wintour no planea retirarse pronto, pero tiene más de 70 años... Los patrocinadores de marcas cada vez son más escasos y los costos de realizar el evento y la exhibición son muy elevados, así que me parece muy inteligente de su parte”.

Las nuevas generaciones ya no tragan entero. Sí, es un evento para el disfrute de los amantes de la moda. ¿Quién no goza comentando looks desde su casa en pijama? Pero también es un evento que nos muestra la cara no tan chévere de la industria, un sector que se mueve con el poder de los que tienen el dinero.

Lo bueno es que ahora hay más escrutinio, discusiones y cuestionamientos. ¿Qué viene? “Eventualmente una reducción en fastuosidad, el momento lo demanda y Vogue y el MET lo saben”, puntualiza Varela.

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Versátiles, auténticos y funcionales, así son muchos de los armarios de las mamás de hoy en día. Mujeres que buscan prendas que les funcionen tanto para una reunión en el colegio, como para el trabajo y actividades nocturnas.

Para lograrlo, la clave está en construir un clóset inteligente: menos piezas, más combinaciones. Es decir, puede elegir una prenda base que funcione durante todo el día y que solo requiera ajustes con accesorios y zapatos.

Hoy, verse bien no significa seguir todas las tendencias, sino adaptarlas a la vida real. Las mamás están liderando este cambio: priorizan la comodidad, la expresión personal y el consumo consciente.

“Las mamás están priorizando prendas versátiles que puedan adaptarse a diferentes momentos del día. La segunda mano les permite acceder a marcas de calidad y experimentar con su estilo sin hacer grandes inversiones”, explica Ximena Pardo, de GoTrendier, plataforma de compra y venta de segunda mano.

Las prendas del armario de las mamás de hoy en día

1. Básicos elevados: el combo infalible sigue siendo jeans + camiseta blanca, pero con un giro. Este año, los cortes rectos y de tiro alto dominan, acompañados de camisetas estructuradas o en tejidos más gruesos.

¿Cómo subir el nivel? Blazers oversized, cinturones llamativos o accesorios dorados. Es el equilibrio entre lo práctico y lo pulido.

2. Del gimnasio a la calle: los conjuntos deportivos ya no son solo para entrenar. Leggings de buena calidad, hoodies neutros y tenis limpios se combinan con trench coats o bolsos estructurados.

El resultado: looks cómodos que funcionan para todo el día sin parecer improvisados.

3. Vestidos fluidos + capas inteligentes: para las mamás que buscan rapidez sin perder estilo, los vestidos midi o maxi son protagonistas. Estampados sutiles, telas ligeras y siluetas amplias permiten moverse con facilidad.

El truco está en las capas: una chaqueta en denim o cuero transforma completamente el look.

4. Denim sobre denim: el total look en denim regresa, pero más relajado. Camisas abiertas, jeans amplios y tonos deslavados crean outfits modernos sin esfuerzo.

Ideal para fines de semana o planes casuales con los hijos.

5. Prendas con historia: cada vez más mamás están incorporando piezas vintage o pre-amadas en sus outfits: blazers de los 90, bolsos clásicos, pañuelos heredados.

“Hay un valor emocional muy fuerte en estas prendas. No solo son únicas, sino que conectan con historias personales. Hoy vemos a muchas mamás mezclando piezas nuevas con hallazgos de segunda mano para crear looks mucho más auténticos”, agrega Pardo.

Además, esta tendencia no solo es estética, también es práctica: permite renovar el clóset sin afectar el presupuesto familiar.

6. Menos reglas, más personalidad: los neutros siguen dominando (beige, blanco, negro), pero se combinan con acentos de color: rojo, azul eléctrico o verde oliva.

En cuanto a texturas, el contraste es clave: algodón con cuero, lino con denim, tejidos suaves con estructuras más rígidas.

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Este domingo se celebra el Día de la Madre en Colombia, una de las fechas comerciales y familiares más importantes del año.

Desde Fenalco proyectan un crecimiento cercano al 20 % en las ventas de este año, impulsado por una mayor disposición de gasto de los hogares y el dinamismo propio de esta temporada.

Según la encuesta anual de Fenalco, en 2026 los colombianos destinarán un presupuesto mayor para el detalle que le darán a sus madres.

A diferencia de 2025, este año solo el 8% de los encuestados destinará $100.000 pesos o menos para el regalo de mamá. En contraste, un 30 % prevé gastar entre $100.000 y $200.000 pesos, mientras que el 34 % lo hará entre $200.000 y $300.000 pesos, lo que representa un aumento de 11 puntos porcentuales frente al año anterior”.

Por su parte, un 28 % aseguró que invertirá más de $300.000, cifra que también refleja un incremento respecto a 2025 (25 %), confirmando una tendencia general hacia mayores niveles de gasto.

En Colombia los regalos suelen estar relacionados con la tradición (flores, ropa y perfumes) y las experiencias (viajes, spa y almuerzos).

Por ejemplo, la encuesta reveló que el 28 % de los encuestados planea celebrar con un almuerzo o cena especial, mientras que el 24 % optará por obsequiar ropa, calzado o artículos de cuero.

Por su parte, el 16 % se inclina por productos de perfumería, cosmética o servicios de bienestar. Otras opciones como bonos, dinero, tecnología, flores o viajes también hacen parte de las elecciones, aunque con menor participación.

¿Qué le puede regalar a su mamá?

En este punto juegan varios factores como el presupuesto, los gustos de su mamá y si quiere darle un detalle emotivo o material.

Si es creativo, le puede hacer un cuadro con fotos familiares y darle sus flores favoritas. También puede expresarle sus sentimientos a través de una carta o un video.

Si quiere elevar el detalle, puede darle una experiencia como una clase personalizada en una tienda de maquillaje para que aprendan, de la mano de un profesional, técnicas y compartan un espacio juntos. O una clase de pilates, cocina o cerámica.

Por ejemplo, la marca de maquillaje MAC Cosmetics ofrece una experiencia con asesoría personalizada, aplicación de maquillaje y guía paso a paso.

La fecha también es una de las temporadas más significativas para la moda, puede regalarle bolsos y accesorios esenciales, para que complete su fondo de armario. Marcas como Vélez, Naf Naf, Pat Primo y Esprit lanzaron colecciones inspiradas en las madres.

Además, puede regalarle un collar con sus iniciales, perfumes, libros, accesorios o productos para el skincare. También están las opciones de viajes, productos de tecnología o una día de spa.

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