A partir del 18 de septiembre hasta el 11 de octubre, Shakira se presentará en una serie de conciertos en Madrid, España. Esta residencia estará acompañada por ‘ES LATINA’, una experiencia cultural que tiene como objetivo reunir música, gastronomía, literatura, moda y arte, todo en torno a la rica identidad latinoamericana. Este será uno de los acontecimientos musicales más esperados del 2026. 

¿Cuándo y dónde son los conciertos de Shakira en España?

Los 12 shows de la artista barranquillera serán los días 18, 19, 20, 25, 26 y 27 de septiembre y 2, 3, 4, 9, 10 y 11 de octubre en Shakira Residencia Europea Madrid 2026, donde se reunirán alrededor de 57.000 asistentes diarios en Iberdrola Music, en el distrito de Villaverde. Posterior a estas presentaciones, Shakira llegará a Catar, Emiratos Árabes Unidos y Egipto. 

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Además, los asistentes a los shows también podrán disfrutar de Macondo Park, el parque temático que se levanta inspirado en el universo de Gabriel García Márquez.  

¿Qué artistas acompañarán a Shakira en su residencia en Madrid?

Serán cerca de 15 intérpretes quienes estarán junto a la cantante colombiana en sus conciertos en la capital española. Dentro de la lista que se confirmó este martes 8 de septiembre figuran la colombiana Aria Vega, Guitarricadelafuente, Nathy Peluso, Amaia, Yerai Cortés, Gale, Lia Kali, Louta, Maro, Santos Bravos y Ángeles Toledano. Así mismo, varios proyectos emergentes como Izatkm, J Noa, Nico y Yapi también fueron incluidos. 

Esta lista de artistas está relacionada con la programación de ‘ES LATINA’, pero eso no quiere decir que todos ellos vayan a estar en el mismo escenario que Shakira durante sus conciertos. De hecho, actuarán en la llamada Sala por Occident, dentro del Macondo Park y alrededor de la residencia.  El horario que se ha anunciado para los conciertos es a partir de las 9:00 p. m., de acuerdo con el plan de movilidad que ha publicado el Ayuntamiento de Madrid. Sin embargo, las plataformas oficiales de venta indican que las funciones comienzan a las 8:30 p. m. Por eso, es importante que los asistentes revisen la información específica de su entrada y sigan las indicaciones de la organización antes de asistir. 

En el lugar, se ofrecerán conversatorios sobre literatura y moda, un club de lectura, talleres gastronómicos, espacios para niños y familias. También se abrirá un Museo de Shakira, que hace un recorrido por su carrera con objetos e imágenes seleccionados por ella misma. Las puertas de Macondo Park se abrirán a las 3:30 p. m. el 18 de septiembre, y el lugar estará en funcionamiento durante 10 horas en los días programados. Así, el público tendrá la oportunidad de explorar varios espacios antes de disfrutar del concierto de Shakira. 

Más allá de los conciertos, Shakira quiere que su tiempo en Madrid sea una experiencia que una sus raíces latinoamericanas con el público europeo. Y en este viaje, la participación de Aria Vega como representante colombiana añade un toque especial para los fans de la cantante en el país.

El show, titulado ‘The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny’, contaba con nueve nominaciones, incluida la del cantante puertorriqueño, de las cuales también se alzó con dirección musical, coreografía, mezcla de sonido, dirección técnica, diseño de iluminación y dirección de programa especial, sumando un total de siete premios.

El pasado mes de julio, el espectáculo del artista boricua se convirtió en el más nominado de la historia de estos premios, considerados los más importantes de la televisión.

El brasileño Miguel Gandelman se hizo con el galardón a mejor dirección musical y Charm La’Donna y Karina Ortiz a la mejor coreografía en la categoría de mejores programas de variedades.

Bad Bunny hizo historia en los Emmy

El episodio de Saturday Night Live presentado por el artista en octubre de 2025 también obtuvo el reconocimiento a mejor maquillaje en un programa de variedades, no ficción o ‘reality’ en esta edición de los Emmy.

En su comentado espectáculo del Super Bowl, en el que se enfrentaron los equipos de los Seattle Seahawks contra los New England Patriots, Bad Bunny revindicó que América es todo el continente, no solo Estados Unidos.

El cantante cerró su concierto al grito de ‘¡Dios bendiga a América!’, con un balón de fútbol americano que decía ‘Together we’re America’ (‘Juntos somos América’) y un desfile con las banderas y nombres de cada país del continente, desde Chile hasta Canadá.

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Un show que se ha convertido en el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl más nominado de la historia, un récord que ostentaba desde 2017 Lady Gaga, que también fue nominada hoy a un Emmy, por la canción ‘The Dead Dance’, de la serie ‘Wednesday’.

La cantante estadounidense fue una de las artistas invitadas al concierto de Bad Bunny en el Super Bowl, donde interpretó una versión salsa de su tema con Bruno Mars ‘Die With A Smile’ y bailó junto al boricua el tema ‘Baile Inolvidable’.

El puertorriqueño Ricky Martin también fue invitado al espectáculo para cantar una versión acústica de la canción de Bad Bunny ‘Lo Que Le Pasó a Hawái’, en la que compara la gentrificación y el estatus colonial de Puerto Rico con la anexión de Hawái por parte de Estados Unidos en el siglo XIX.

El anuncio de las nominaciones estuvo a cargo de la actriz Liza Colón-Zayaes, de ascendencia puertorriqueña y conocida especialmente por la serie ‘The Bear’, y el actor y cómico estadounidense Jeff Hiller.

La ceremonia de entrega de los premios se celebrará el 14 de septiembre en el Teatro Peacock de Los Ángeles y será transmitida por la cadena estadounidense NBC.

La barranquillera logra la impresionante cifra a menos de tres meses de haber lanzado el himno oficial de la Copa Mundial de la FIFA 2026. Así reaccionó ante la noticia.

Shakira está a pocos días de comenzar su residencia en Madrid, España, que además se constituye en la recta final de su gira ‘Las mujeres ya no lloran’, la más exitosa de toda su carrera.

La artista colombiana ofrecerá doce conciertos en la capital española en un estadio que llevará su nombre y que fue construido especialmente para estos recitales. Junto al lugar también se construyó un complejo que permite vivir una experiencia más allá del show que se ha denominado Macondo Park, allí los asistentes podrán hacer un recorrido por la historia musical de la colombiana, sus influencias, al tiempo que disfruten de un complejo con varias secciones que incluye gastronomía.

Es la primera vez que en Madrid un artista realiza un espectáculo y montaje de esta naturaleza. En medio de ese ambiente la intérprete de ‘Ojos así’ recibe una novedad.

A menos de 3 meses de lanzamiento el Video “Dai Dai” de Shakira y Burna Boy, el tema oficial de la Copa Mundial de la FIFA 202, en beneficio del Fondo de Educación Global Citizen de la FIFA ha superado en las últimas horas los 1.000 millones de visualizaciones en YouTube.

Nuevo logro en Billboard de Shakira

Se trata del video más rápido en llegar al billón de visitas en la década. Así mismo y de acuerdo con la revista Billboard, Shakira, con " Dai Dai” representa su primer No. 1 en Rhythmic Airplay con su 12ª entrada en la lista. Su mejor posición anterior fue en el No. 5 con “Hips Don’t Lie”, junto a Wyclef Jean, en 2006.

A través de sus redes sociales, la artista agradeció a sus seguidores por hacer posible este nuevo logro en su carrera: “Mil millones de reproducciones están más allá de mis sueños. Gracias a mis increíbles fans por hacer todo posible. ¡Los amo!”

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Los galardones musicales que reconocen el trabajo de artistas jóvenes así como el de agentes de cambios y personajes digitales se entregaron el 3 de septiembre en Marbella, España.

A partir de las 8 de la noche, hora española, comenzó la ceremonia que entregó los Premios Juventud, que en esta oportunidad se realizaron en Marbella, España. A continuación la lista completa de ganadores.

Categorías principales Juventud 2026

Artista Premios Juventud femenina: Shakira

Artista Premios Juventud masculino: Bad Bunny

Grupo o dúo favorito del año: Santos Bravos

La nueva generación femenina: Aria Vega

La nueva generación masculina: Santos Bravos

La nueva generación música mexicana: Omar Camacho

Mi track favorito: “Me está doliendo” – Carín León & Alejandro Fernández

Álbum del año: Tropicoqueta – Karol G

Mejor Euro-song: “Superestrella” – Aitana

Girl power: “Fifty Fifty” – Kenia Os & Lola Indigo

Colaboración OMG: “Dai Dai” – Shakira & Burna Boy

La mezcla perfecta: “No quiero hablar” – Ángela Aguilar & Marc Anthony

Mejor dance track: “Yapaque” – Farruko, Greeicy & Steve Aoki

Afrobeat latino del año: “Enemigos” – Ozuna, Beéle & Ovy On The Drums

Mejor tema en cumbia: “Con otra” – Cazzu

Productor del año: Bizarrap

Mejor tour: Debí tirar más fotos World Tour – Bad Bunny

Categorías urbanas

Mejor urban track: “Daddy Yankee: Bzrp Music Sessions, Vol. 0/66” – Bizarrap & Daddy Yankee

Mejor mezcla urbana: “Tonto” – J Balvin, Ryan Castro & DJ Snake

Mejor canción urbano rhythmic: “Verano Rosa” – Karol G & Feid

Mejor canción urbano trap: “Qué sensación (Remix)” – Jezzy & Arcángel

Mejor canción dembow: “Saca Punta” – Arlene Mc, Alofoke Music, Jey One & La Mas Doll

Mejor álbum urbano: Do Not Disturb – Young Miko

Categorías pop

Mejor canción pop/urbano: “Bronceador” – Maluma

Mejor canción pop/rhythmic: “Yo y Tú” – Ovy On The Drums, Quevedo & Beéle

Mejor canción pop: “Bésame” – Alejandro Sanz & Shakira

Mejor canción pop rock: “Sin ti” – Morat & Jay Wheeler

Mejor canción pop – nueva generación: “Morfina” – Humbe

Mejor canción pop balada: “Sin despedida” – Carlos Rivera & Alejandro Fernández

Mejor álbum pop: Cuarto Azul – Aitana

Categorías música mexicana

Mejor colaboración música mexicana: “Modo Difícil” – Grupo Firme & Grupo Frontera

Mejor fusión música mexicana: “No Capea” – Xavi & Grupo Frontera

Mejor canción mariachi música mexicana: “Retumbando en el Cora” – Camila Fernández

Mejor canción banda música mexicana: “El Rey” – Vicente Fernández & Alejandro Fernández

Mejor canción norteña música mexicana: “Me enamoré solo” – Calibre 50

Mejor álbum música mexicana: Palabra de to’s (Seca) – Carín León

Categoría tropical

Tropical hit: “Dardos” – Romeo Santos & Prince Royce

Tropical mix: “Lokita por mí” – Romeo Santos & Prince Royce

Mejor álbum tropical: Better Late Than Never – Romeo Santos & Prince Royce

Categorías Tv y Streaming

Mi actor favorito: Gabriel Soto – Monteverde

Mi actriz favorita: Angelique Boyer – Doménica Montero

Me enamoran: Angelique Boyer y Marcus Ornellas – Doménica Montero

Categoría Digital y Social

Creator del año: Stefanny Loaiza

Mejor LOL: Jenny Solares

Podcast del año: Pinky Promise

#Gettingreadywith: Valeria Villalobo

POV futbolero: Mercedes Roa

#Modoavión: Araya Vlogs

Couple goals: Aitana y Plex

Creator de España: Lola Lolita

El 4 de septiembre de 2014, Gustavo Cerati murió en Buenos Aires. Tenía 55 años y desde hacía cuatro estaba alejado de los escenarios por el accidente cerebrovascular que sufrió en mayo de 2010, después de una presentación en Caracas. Aunque su muerte marcó el final de una era, su historia no terminó ahí; pues hoy, 12 años después, su voz sigue viva a través de sus canciones que siguen sonando en todo el mundo y apareciendo en las listas de reproducción de personas de diferentes edades.

Hay quienes conocieron su música gracias a Soda Stereo. Otros por sus discos como solista. Pero también están los que relacionan una canción con una época específica, una ciudad, una relación o, simplemente, con un momento especial de sus vidas. Esa es, quizá, una de las claves de su legado. Su música no se quedó simplemente en la generación que la escuchó cuando fue publicada, sino que trascendió fronteras y edades.

Su paso por Soda Stereo

Gustavo Adrián Cerati nació el 11 de agosto 1959 y desde su infancia y adolescencia hizo parte de diferentes agrupaciones como Savage, Vozarrón y Triciclo, pero fue a finales de los años 70 cuando comenzó su historia con Soda Stereo. En ese momento conoció a Héctor “Zeta” Bosio con quien compartió sus intereses musicales. Más adelante, en 1982, llegó Charly Alberti. Los tres le dieron forma a la banda que, lejos de imaginarlo, se convertiría en un referente del rock en español no solo en Argentina sino en varios países del mundo. En 1983 hicieron su primer concierto y, un años después, lanzaron su álbum “Soda Stereo”. En 1985 llegó “Nada personal” y, en 1986 “Signos”, un trabajo discográfico que marcó un antes y un después en la agrupación. A partir de ahí, llegaron las giras y su expansión por Venezuela, Colombia, Ecuador, Perú y Chile. Cerati no solo era la voz principal, también era uno de los principales compositores y guitarristas del grupo y una pieza fundamental para que Soda fuera cambiando de sonido sin perder su identidad, esa misma que los hizo inconfundibles.

Cuando parecía que la banda estaba en su mejor momento con “Canción animal”, “Dynamo” y “Sueño Stereo”, la banda llegó a su fin en 1997. El último concierto que hicieron juntos fue el 20 de septiembre de ese mismo año en su tierra natal. Esa presentación, llamada “El último concierto”, quedó en la memoria y el corazón de millones de fanáticos, especialmente por un momento especial: la despedida de Cerati, quien con su frase “Gracias totales”, le dijo adiós al público que lo vio creer en su carrera artística junto a la agrupación.

Esa despedida no fue un punto final de su historia en la música, sino el comienzo de su faceta como solista, una etapa que ya había comenzado a trabajar años atrás con el lanzamiento de “Amor amarillo”. En 1999 con “Bocanada”, Cerati mostró su interés por la electrónica, los sonidos experimentales y las posibilidades que ofrecía el estudio. Con trabajos como “Siempre es hoy”, “Ahí vamos” y “Fuerza natural”, el artista demostró que podía seguir llenando estadios y escribiendo canciones que se convirtieran en éxitos.

Su vínculo con Colombia

Colombia siempre fue parte de la historia de Soda Stereo desde los inicios de su expansión internacional. En 1986, durante su primera gira por Latinoamérica, la banda hizo su debut en el país. Al año siguiente, volvieron como parte de una segunda gran gira que también incluyó paradas en Perú, Bolivia, Ecuador, Venezuela, Costa Rica y México. Uno de los momentos más recordados y especiales llegó tras la separación. En 2007, Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti se reunieron nuevamente para la gira “Me verás volver” Colombia fue uno de los países que hizo parte de ese regreso. Habían pasado diez años desde el último concierto de la banda y para muchos fanáticos, ver a los tres integrantes juntos de nuevo era algo casi inimaginable.

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La conexión con Colombia no terminó ahí. En 2020, Soda Stereo volvió al país como parte de la gira “Gracias totales”, un proyecto que Zeta y Charly llevaron a cabo en homenaje a la trayectoria de la banda y en memoria de Cerati. Antes de ese concierto, el periodista colombiano Gabriel de las Casas expresó en una frase lo que, en su opinión, hizo a la agrupación tan especial: “Ninguna banda de rock en español evolucionó tanto como Soda Stereo”. Y tenía razón. Cerati no se conformó con haber encontrado una fórmula que funcionara. El sonido de Soda Stereo fue evolucionando con el paso de los años porque él también lo hacía: escuchaba, exploraba y llevaba esas nuevas propuestas al estudio.

Quizás esa fue una de sus más grandes virtudes. Cerati entendía con claridad que evolucionar no significaba dejar atrás lo que ya había construido, sino más bien atreverse a explorar nuevos caminos. Con Soda, llevó el rock en español a lugares que, hasta ese momento, parecían estar reservados para otras corrientes musicales. Y cuando la banda llegó a su fin, siguió esa búsqueda en solitario, sin intentar aferrarse a la nostalgia ni repetir lo que ya le había traído éxito. Siempre tuvo la habilidad de transformar su sonido y de asumir riesgos, pero había algo que siempre se mantenía constante: su forma única de hacer que sus canciones transmitieran emociones incluso cuando sus letras no buscaban explicarlo todo de forma literal.

Su curiosidad, su obsesión por el sonido y esa necesidad casi constante de ir más allá explican por qué su legado sigue vigente. Mientras muchos artistas quedan asociados a una época, el bonaerense logró que su música trascendiera varias generaciones. Sus canciones siguen resonando en personas que ni siquiera habían nacido cuando Soda Stereo llenaba estadios o cuando él lanzaba sus primeros discos como solista. Por eso, es que su ausencia sigue siendo difícil de explicar. Más allá de sus canciones, dejó un legado y una sensación de que su historia todavía tenía mucho por ofrecer. Aunque él ya no está, su música sigue haciendo lo que siempre ha hecho: descubrir nuevas maneras de conectar con quienes la escuchan.

Álvaro Díaz llega a Bogotá con su ‘OMAKASE Tour’, una gira que tendrá dos presentaciones en el Movistar Arena este jueves 3 y viernes 4 de septiembre. El puertorriqueño presentará el espectáculo inspirado en su álbum homónimo.

‘Alvarito’ es una de las figuras de la nueva escena urbana latinoamericana y cuenta con canciones como ‘Problemón’, ‘Llori Pari’ (junto a Feid), ‘No podemos ser amigos’, ‘Reina pepiada’ y ‘PARANORMAL’. Además, el álbum ‘Sayonara’ superó los 310 millones de reproducciones globales y suma cuatro nominaciones al Latin Grammy.

¿A qué hora inicia y a qué hora termina el concierto de Álvaro Díaz?

Para ambas presentaciones, la organización informó que las puertas del Movistar Arena abrirán a las 6:00 p. m. Melodie, cantautora puertorriqueña de ascendencia chilena que acompaña esta etapa de la gira, está programada para presentarse a las 8:00 p. m. Su propuesta combina sonidos urbanos y alternativos, con una estética marcada por lo electrónico y lo melancólico.

Álvaro Díaz subirá al escenario a las 9:00 p. m.. El espectáculo tiene una duración estimada de más de dos horas, por lo que el concierto podría terminar cerca de las 11:00 p. m. o después. Sin embargo, la hora de finalización puede variar según el desarrollo del show.

Setlist de los conciertos de Álvaro Díaz en Bogotá

‘El Nene’ ha variado su repertorio en las distintas presentaciones del OMAKASE Tour. Sin embargo, su más reciente show incluyó canciones como ’1000CANCIONES’, ‘FATAL FANTASSY’, ‘BYAK’, ‘Problemón’, ‘LENTITO’, ‘YOKO’ y ‘PARANOIA’, entre otros de sus temas más conocidos.

Breakfast Live, productora responsable de la organización del concierto en Bogotá, también publicó una playlist en Spotify con otras canciones que podrían formar parte del repertorio. Allí aparecen temas como ‘PLN’, ‘MAMÍN BUU’, ‘KAWA’, ‘QUIZÁS SI QUIZÁS NO’ y ‘GOLDEN GUN’. Por esto, además del repertorio de referencia, estas canciones también podrían sonar durante las presentaciones en Bogotá.

Esta sería la lista de canciones que interpretaría Álvaro Díaz en Bogotá:

• ‘PLN’
• ‘LENTITO’
• ‘Problemón’
• ‘PARANOIA.’
• ‘1000CANCIONES’
• ‘FATAL FANTASSY’
• ‘BYAK’
• ‘YOKO’
• ‘QUIZÁS SI QUIZÁS NO’
• ‘GOLDEN GUN’
• ‘MAJIN BUU’
• ‘KAWA’
• ‘SICHEF.’
• ‘MDF.’
• ‘SELEDA.’
• ‘BIMEL.’
• ‘PIENSO EN TI.’
• ‘PERDISTE EL EMMY.’
• ‘TREINEL.’
• ‘EN LA MISMA CIUDAD’
• ‘KILO.’
• ‘LAULTIMACENA.’
• ‘OVELNAT.’
• ‘NO PODEMOS SER AMIGOS.’
• ‘INAROW62.’

Recomendaciones para asistir a los conciertos de Álvaro Díaz en Bogotá

El ingreso está permitido desde los 8 años. Los menores deben entrar y permanecer acompañados por un adulto responsable, quien debe tener una boleta para la misma localidad. El Movistar Arena está ubicado en la Diagonal 61C #26-36.

El parqueadero del Movistar Arena no estará disponible, por lo que se recomienda contemplar otras alternativas de transporte. La taquilla estará habilitada de 10:00 a. m. a 11:00 p. m. el día del evento.

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La música llegó a Roxana Restrepo por el lado del patinaje, actividad deportiva que escogió en el colegio, pero ver a sus compañeras cantando y tocando algún instrumento en la clase de música despertó en ella un amor que definiría su vida. Su mamá le dijo que sí y también contó con la influencia de su primo hermano, quien tocaba guitarra. Vivía en una casa musical. Nirvana y Korn hacían parte de la banda sonora de la pequeña. “Mi mamá escuchaba Kiss, Led Zeppelin, Marilyn Manson, la influencia fue desde ahí. No sabría decirte qué hizo que me quedara. De pronto, el crecer en una familia muy rockera. Siento que eso influyó en mi oído, en mi forma de ver la vida, en mi forma de ser y como cantaba. Me empezaron a gustar las líricas, las melodías, la exigencia del rock en el canto”.

Descubriendo su voz


Tenía 11 años y era una niña tímida cuando le pidieron a Germán Arredondo, su profesor de técnica vocal, que le ampliara el rango de su voz. “Él empezó a hacerme ejercicios cuando descubrió que yo podía dar más. Ahí comencé a entender que tenía la capacidad de cantar alto y agudo. Estudiando canto desde muy pequeñita, me empecé a descubrir en esta vocación y entendí que tenía una voz maravillosa que me ha permitido cantar cosas complejas y también hacer contacto con otras músicas, que también las disfruto mucho”. Pero mientras todo se desarrollaba muy bien con la música comenzó a tener problemas escolares. Estudiaba en un colegio femenino e integraba la orquesta de la institución, encargada de cantar en las misas y las festividades del colegio. Empezó a resaltar, a ganar concursos y eso provocó una mala reacción de sus compañeras. “No sé si eso le podemos llamar ‘matoneo’, que te hacen a un lado, te ignoran, como que lo que dices no es, no te prestan atención para hacerte sentir mal”. Esa ley del hielo que duró casi tres años y la llevó a bajar mucho de peso, también la hizo fuerte y resistente, pues hizo de la situación adversa una oportunidad para crecer. “Lo que hacía en los descansos era irme a la sala de sistemas a escuchar música y empecé a tener contacto con el metal pesado, el ‘black metal’, el ‘death metal’. De pronto la fuerza me hacía sentir como resistente a todo lo que me estaba pasando. Empecé a conocer mucho del rock. Y ese fue mi refugio, porque los descansos eran tormentosos para mí con ellas”. Pero la situación se volvió dramática: “entré en depresión, no comía, bajé mucho de peso”, recuerda la artista. Su mamá tomó cartas en el asunto y la cambió de colegio. Llegó a una institución mixta y se encontró con compañeros a quienes les gustaba el rock, el pop, la música electrónica. Se identificó con los metaleros y de los rockeros. “Me sentí parte de algo, me sentí escuchada. Fue una etapa durita y me ayudó como a volverme una mujer muy resistente a ese tipo de situaciones”.

A los 14 comenzó a hacer rock y entre los 16 y 17 años integró sus primeras bandas. Tenía el talento y quería cantar, y en el 2008 comenzó a hacer su proyecto de metal progresivo. “Empecé a trabajar en el Hotel de la Ópera, en el centro, cantaba de todo. Cantábamos son cubano, salsa, boleros. Me pagaban 60 mil pesos en esa época. Y eran turnos de dos o tres horitas, tanditas corticas de media hora. Y yo, con esa platica, empezaba a ayudarle a mi mamá a pagar servicios, empezaba como a ser muy autosuficiente”.


Y Kraken apareció en su vida


“Kraken me empezó a gustar alrededor del 2003, cuando empecé a escuchar su música a través de mi primo”, cuenta. Era una niña de 14 años que estudiaba técnica vocal. Le gustaban mucho las melodías que hacía Elkin Ramírez, pero no tenía mayores datos de la banda y nunca había ido a un concierto. Le regalaron unas boletas de cortesía donde estudiaba, porque sabían que amaba el rock. Eran para mayores de edad, pero importó: Roxana pudo disfrutar de su primer concierto con Kraken. “Disfruté mucho y eso me motivó a seguir haciendo lo que hago hoy día. Siempre quise compartir escenario con Elkin Ramírez. No se dio la oportunidad, infortunadamente. Pero jamás pensé que se llegara a dar la oportunidad de representar su música, y eso es más que honorable para mí, es una bendición”.


A finales del 2017, Luis Ramírez, bajista de Kraken y también compañero de trabajo de Roxana, le dijo que querían verla audicionar para la banda. No se lo esperaba. “Fui realmente con bajas expectativas. Simplemente fui a darme la oportunidad porque Kraken es una banda enorme. Y creo que esas bajas expectativas funcionaron porque no quería pretender estar ahí, sino simplemente disfrutarlo, cantar en una banda tan grande”.


Destinados a tocar juntos


Cuando apareció esta oportunidad, Roxana atravesaba por momentos difíciles. “Tenía una fuerte depresión porque perdí a mi mamá. Entonces, al perder a mi madre y en ese entonces a la pareja que tenía, se vinieron dos duelos muy fuertes. Porque ahí se rompió todo, me quedé muy sola”. Pero llegó Kraken. Se emocionó, pero debido a la depresión, no le puso todo el interés que siente que debería haber tenido. No llegó preparada para la audición con las canciones de Kraken escogidas para la prueba. “No llevé ‘Lágrimas de fuego’, que era una de las canciones para la prueba. Les dije: ‘me sé ‘Aves Negras’, ‘Palabras que sangran’, me sé todas, menos esa”. Pero se dio la magia, los integrantes de la banda no tenían preparado el tema, pero de inmediato se sintieron en un ensayo, no en una audición. “Siento que desde ahí parte todo, como la conexión y la empatía. Los conciertos me ayudaron a volver a la vida, porque estaba muy destruida emocionalmente. No tenía absolutamente nada, como que nada me motivaba. Y volver al escenario fue muy reconfortante, me volvió a la vida. Y yo puedo decir hoy que el estar en Kraken me salvó, y mi perrita, porque ella sí no la puedo dejar a un lado. Porque por ella, por su sola existencia, por un solo lengüetazo, yo le veía sentido a la vida. Bueno, así llegué a Kraken”.

Las canciones de Jarabe de Palo acompañaron a varias generaciones y, con el paso del tiempo, algunas adquirieron nuevos significados después de la muerte del vocalista Pau Donés, ocurrida en junio de 2020. Una de ellas es ‘Humo’, tema que hoy ocupa un lugar particular para Álex Tenas, baterista y cofundador de la agrupación española.

En entrevista con Vea, Tenas habló sobre las emociones que experimenta al volver a interpretar canciones que compartió durante años con su amigo y colega. Aunque reconoce que cada integrante vive la ausencia del cantante de una manera distinta, admite que hay momentos en los que la música termina llevándolo a lugares emocionales inesperados.

“Hay momentos en los que me emociono. Me acuerdo muchas veces de que empezaba a llorar y decía: ‘Hostia, pero ¿qué me pasa?, si he tocado esto miles de veces. Y bueno, cada uno tiene sus momentos”, contó el músico.

Alex Tenas explicó que suele guardar esas emociones para sí mismo, pero hay canciones que inevitablemente tienen ahora un peso diferente. Entre ellas está ‘Humo’, una composición que Donés escribió durante su lucha contra el cáncer y que terminó convirtiéndose en una de las piezas más personales de su repertorio.

“Canciones como ‘Humo’, por ejemplo, pues cogen para mí mucha importancia ahora. No por el hecho de la letra, sino por todo lo que hay detrás. Supongo que cada uno lo siente a su manera también”, aseguró en su charla con este medio de comunicación.

La historia detrás de ‘Humo’

‘Humo’ fue publicada en 2017 como la única canción inédita de ’50 palos’, álbum con el que Jarabe de Palo celebró los 50 años de Pau Donés. La canción nació en un momento especialmente delicado de su vida, después de que el cantante fuera diagnosticado con cáncer de colon.

El propio Donés explicó entonces que se despertó con la sensación de que uno de sus grandes amores, la vida, podía escapársele. De ese miedo nació la canción, que definió como un “canto a la vida” y cuyo mensaje central invitaba a vivir el presente.

El tema también fue presentado como una declaración de amor a la vida. En otra entrevista, el artista contó que era la primera vez que escribía una canción dedicada a ese “gran amor”, después de haber dedicado buena parte de su carrera a escribir sobre relaciones sentimentales.

Por eso, las palabras de Alex Tenas adquieren un significado particular seis años después de la muerte de Pau Donés. Lo que alguna vez fue una canción escrita desde el temor de perder la vida hoy también funciona, para quienes permanecen en la banda, como un vínculo con quien la escribió.

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Nuevamente el cantante colombiano escoge diciembre para presentarse en Colombia. El artista había anunciado inicialmente que estaría el 11 con su show, en el tiempo en el que suele haber reuniones familiares, novenas, fiestas de fin de año y un ambiente festivo que él siempre asocia con sus épocas en las que vivía en el país y disfrutaba de él.

Ahora confirma que además estará el 12 de diciembre ofreciendo un segundo show en el emblemático Movistar Arena de Bogotá, completando de esta manera dos conciertos consecutivos.

Con el anuncio llega también la información sobre cómo y cuándo adqirir las boletas que empezarán su venta esta semana.

Boletas para el show de Camilo del 12 de diciembre

Para la primera fecha están disponibles las últimas entradas y para el show del 12 la venta tendrá diferentes etapas. La preventa Movistar comenzó el 1 de septiembre a las 9:59 a. m. y estará disponible hasta el jueves 3 de septiembre a las 10 a. m., o hasta agotar existencias.

La preventa para fans preinscritos comenzará el jueves 3 de septiembre a las 10 a. m., mientras que la venta para el público general estará disponible desde el viernes 4 de septiembre a las 10 a. m. Las boletas se encuentran en TuBoleta.

Los dos conciertos en Bogotá marcan el comienzo de un proceso importante para el artista que está preparando su nuevo trabajo musical al que ha llamado ‘Para Cuando Sean Mayores’. El álbum en construcción surge y se alimenta de las preguntas que él se ha hecho sobre el paso del tiempo, la familia y el amor, en los últimos años que ha vivido la experiencia de ser padre. Camilo tiene a Índigo y a Amaranto, fruto de su matrimonio con Eva Luna Montaner.

Camilo recibió en el 2024 una triple nominación a los Latin Grammy en las categorías Álbum del Año, Mejor Álbum Tropical Contemporáneo y Grabación del Año por ‘Una Vida Pasada’.

En total ha obtenido 33 nominaciones a los Latin Grammy. Recientemente alcanzó dos nominaciones a los Premios Juventud. Una de ellas fue en la categoría La Mezcla Perfecta por ‘Carteras Chinas’, colaboración con Elena Rose y Los Ángeles Azules; la otra por Mejor Canción Pop por ‘Si Tuviera Que Elegir’, junto a Ricardo Montaner y Evaluna.

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El lanzamiento de “Leyendas”, el álbum con el que Jorge Pabuena reunió a figuras como Silvio Brito, Marcos Díaz, Víctor Nain, Jean Carlo Centeno y otros intérpretes, sirvió como punto de partida para una conversación sobre el presente y el futuro del vallenato.

Más que hablar de un disco, los artistas hicieron con un balance de un género que cambió con las generaciones, pero que todavía busca conservar aquello que lo convirtió en una de las expresiones musicales más reconocibles de Colombia.

En la charla participaron Jorge Pabuena, Brito, Díaz y Nain. Entre recuerdos, críticas y reflexiones sobre el oficio, aparecieron algunas diferencias sobre la evolución del género, aunque también una coincidencia: el vallenato necesita renovarse sin perder las raíces que le dieron identidad.

Vallenato de antes vs. el de ahora

Para Marcos Díaz, la clásica voz de Los Pechichones, el problema aparece cuando la evolución termina dejando atrás la esencia. El compositor defendió la necesidad de que las nuevas canciones tengan historias y sentimientos capaces de permanecer más allá de una temporada. “El vallenato es historia, el vallenato es poesía, el vallenato no es hacer una canción y cantarla por cantarla”, afirmó.

Silvio Brito planteó un matiz. Aunque reconoce la importancia de conservar el género, considera inevitable que cada generación transforme la manera de escucharlo. “En la música vallenata, la música en general, como en todos los campos, tiene que haber renovación”, explicó. Para el cantante, los jóvenes son quienes marcan las pautas de lo que vendrá y no necesariamente conectan con las mismas referencias que marcaron a generaciones anteriores.

Desde el acordeón, Víctor Nain encontró uno de los cambios más concretos. A su juicio, el instrumento perdió parte del protagonismo que tuvo cuando los intérpretes podían reconocerse por su manera particular de tocar. “Se ha perdido ese protagonismo”, sostuvo, al señalar que hoy muchos músicos siguen tendencias similares y que resulta más difícil distinguir sus estilos.

Jorge Pabuena llevó la discusión a otro terreno: la relación entre vocación y negocio. Después de compartir con los maestros que participan en el proyecto, aseguró que encontró una diferencia que considera importante frente a algunos artistas jóvenes: “Cuando las cosas se hacen con amor, desde ahí nacen los éxitos grandes y se consolidan los proyectos”. Para él, la búsqueda de resultados económicos no debería desplazar la pasión por el género.

Brito también puso sobre la mesa una realidad menos musical: el talento, por sí solo, no garantiza una carrera duradera. A su juicio, un artista debe saber administrar su trayectoria y entender cómo llegar al público. La observación completa un diagnóstico en el que la permanencia depende tanto de las canciones como de la manera de construir una carrera alrededor de ellas.

En la reflexión, la vigencia también fue un tema. Marcos Díaz recordó que canciones grabadas hace décadas siguen siendo escuchadas y retomadas por intérpretes jóvenes. Para él, la explicación está en la calidad de las composiciones: “Todo lo que se haga bien estructurado o que sean buenas canciones va a perdurar por siempre”. Esa permanencia es, en su opinión, la medida más exigente para cualquier generación que quiera dejar huella.

“Yo aplaudo la iniciativa de los jóvenes que están haciendo vallenato hoy, pero el vallenato es historia, es poesía; no es hacer una canción y cantarla por cantarla. Hay canciones que no tienen contenido, no enamoran, no invitan a recordar, y eso es lo que no debemos perder”, agregó.

‘Leyendas’, un encuentro entre generaciones

Ese debate encuentra una respuesta práctica en “Leyendas”. El álbum, lanzado por Jorge Pabuena en semanas recientes, reúne nueve canciones y cuenta con participaciones de voces como Silvio Brito, Marcos Díaz, Jean Carlos Centeno, Israel Romero y Amín Martínez. También convoca a distintos acordeoneros, entre ellos Víctor Nain.

Pabuena contó que el proyecto nació de una admiración personal por los maestros del género. Su intención inicial era cumplir el sueño de grabar con alguno de ellos, pero la idea creció hasta convertirse en un encuentro de varias figuras. “Quise en un momento, a mérito personal, cumplir un sueño: grabar con uno de ellos (Silvio Brito)”, recordó. El resultado terminó ampliando esa aspiración y convirtiéndola en una producción colectiva.

“Este proyecto nace desde la admiración, el respeto y el amor por el folclor. Admiración hacia estos maestros que han hecho un aporte muy grande con su música y sus composiciones. Ya son unas claves que son las raíces fundamentales de nuestro género vallenato. Desde esa admiración, desde el respeto y desde ese amor que también siento por el vallenato, quise, a mérito personal, cumplir un sueño: grabar con uno de ellos. Tenía ese sueño, pero Dios me bendijo mucho más de lo que pedí y lo convirtió en un proyecto que reúne a los más grandes exponentes de nuestra música vallenata en este momento”.

Para Brito, la convocatoria representó una oportunidad de reunir distintas generaciones alrededor del vallenato. Para Nain, además, el álbum permitió poner en primer plano el trabajo de los acordeoneros, mientras que Pabuena encontró en la experiencia una forma de acercarse directamente a quienes considera raíces fundamentales del género.

El disco, entonces, funciona como más que un repertorio de colaboraciones: canciones como ‘Me Vieron Llorando’, ‘Bañarte En Mis Sueños’ y ‘Me Quito El Nombre’ muestran ese encuent

ro entre distintas voces y generaciones del vallenato. En esa tensión entre tradición y renovación está la discusión que plantearon sus protagonistas: si las nuevas generaciones consiguen unir evolución, identidad y buenas canciones, el género podrá seguir produciendo obras capaces de sobrevivir a sus propios intérpretes.

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Tricky, una de las figuras más icónicas de la música alternativa británica y del surgimiento del trip-hop en Bristol durante los años 90’s y quien estuvo en Bogotá ocho años atrás anuncia su regreso a Colombia, para un único show.

El artista llega a Bogotá de la mano de Páramo Presenta para presentarse el próximo 24 de noviembre. Tras su paso por Massive Attack y el impacto de su debut solista, Maxinquaye, construyó una carrera que ha cruzado hip-hop, dub, electrónica, rock y post-punk, siempre desde una identidad propia de uno de los artistas que definen la vanguardia en la música británica.

El británico se presentará en la capital en el emblemático Teatro Jorge Eliécer Gaitán. “Una experiencia pensada para quienes quieren ir más allá de una noche de fiesta y sumergirse en el universo sonoro de uno de los artistas más singulares de la música británica de las últimas tres décadas”, apuntó la organización en el comunicado que confirmó su show.

Las entradas están disponibles desde el miércoles 26 de agosto a las 10:00 a. m. a través de Tuboleta.com.

¿Quién es Tricky?

Con más de tres décadas de trayectoria, Tricky atraviesa un nuevo capítulo con ‘Different When It’s Silent’, su más reciente álbum. Lejos de repetir las fórmulas que lo convirtieron en una figura fundamental de los años 90, el artista continúa explorando nuevos territorios sonoros junto a colaboradores como Mitch Sanders, artista emergente de Bristol y una de las voces centrales del disco.

“Esa es mi definición del éxito: poder hacer lo que quiera hacer musicalmente, bajo mis propios términos, y que la gente me apoye”, explicó recientemente a Dazed.

Adrian Thaws es el nombre de pila de Tricky, quien es productor discográfico, vocalista, director, actor y músico británico. Es el creador del sonido Bristol, también conocido como trio hop junto con Portishead. Tiene 58 años y está radicado en Berlín.

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A pocos días de su regreso a Colombia para presentarse el 13 de septiembre en el Festival Cordillera 2026, Jarabe de Palo vuelve a encontrarse con un público que durante décadas hizo propias canciones como “La flaca”, “Bonito”, “El lado oscuro” y “Depende”.

En entrevista, Álex Tenas, cofundador y baterista de la banda, habló sobre lo que significa tocar nuevamente este repertorio en Bogotá, seis años después de la muerte de Pau Donés, la manera en que entienden su legado y cómo este permanece en el grupo.

“La música está por encima, incluso, de los creadores”

Según cuenta Tenas, regresar a los escenarios después de la muerte de Pau fue extraño, pero también significó comprobar que las canciones que construyeron juntos seguían teniendo vida propia. La decisión de continuar surgió después de un tiempo y a partir de una idea de Marc, hermano de Pau: si la música seguía viva, también podía seguir sonando.

“La música sigue viva y está por encima, incluso, de los creadores. Si nos recuerda, nos transporta, nos emociona y nos sigue emocionando, sigue estando vigente. Por supuesto, siempre desde el respeto. Somos la banda, no su banda. Entonces siempre habrá este respeto, esté quien esté”, explicó el músico.

Esa idea también responde a una de las preguntas más difíciles para cualquier grupo que pierde a una de sus figuras centrales: cómo continuar sin intentar reemplazarla. Para Álex Tenas, Jarabe de Palo no busca ocupar el lugar de Pau Donés, sino mantener vivo aquello que construyeron juntos.

Lo que Pau quería para Jarabe de Palo

Aunque Pau era consciente de la gravedad de su enfermedad y acostumbraba a planificar las cosas, Tenas asegura que nunca tuvo con él una conversación específica sobre qué debía ocurrir con la agrupación después de su muerte.

Sí recuerda, sin embargo, que Pau tenía clara una cosa: su música continuaría y la banda seguiría tocando. Y había una condición que, según Tenas, sigue marcando la manera en que trabajan: hacerlo con respeto, pero también con exigencia.

“Él sabía que su legado musical seguiría y que seguiríamos tocando. También confiaba en que esto se haría desde el respeto y siempre la exigencia, no la caridad. Él era muy obsesivo con esto y ahí seguimos con esta obsesión”, contó.

Para Álex Tenas, además, no existe una diferencia clara entre lo que pertenece a Pau y lo que corresponde a los músicos que lo acompañaron durante años. La identidad de Jarabe de Palo nació precisamente de esa combinación. “Yo, como batería, siempre tengo esta sensación: tú compones y yo intento entender lo que me estás intentando transmitir y ayudar a que esto crezca lo máximo posible”, explicó.

El homenaje a Pau Donés junto a Pedro Capó

En el Festival Cordillera, Jarabe de Palo compartirá este homenaje con Pedro Capó, una elección que Tenas considera especialmente natural. Describe al puertorriqueño como “un ser rockero” y recuerda que él era fan de la banda y del rock en español antes de sumarse al espectáculo. La conexión entre ambos, asegura, terminó siendo inesperadamente especial.

“Hay como una magia entre él y nosotros, entre nosotros y él. Y al mismo tiempo él las canta a su manera. La fusión es desde el respeto increíble”, aseguró sobre el encuentro que podrán ver los asistentes.

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Al hablar de Pau, finalmente, Álex Tenas no se queda únicamente con su historia como músico. Para él, una de las mayores enseñanzas de Donés fue su determinación para enfrentar la vida y su capacidad de encontrar un lado positivo, incluso en los momentos difíciles. Esa actitud, dice, permanece en la música y en el escenario.

“Seguir disfrutando de su música. Lo mejor de Pau y el legado son sus canciones y ahí está Pau y Pau seguirá estando. Y, sobre todo, llevarse su determinación para la vida, para lo positivo de la vida, no quedarnos siempre con la cara mala. Cualquier cosa mala es una oportunidad para ver un lado más positivo”, concluyó.

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La época en que los géneros eran estrictos y no se veía con buenos ojos que cruzaran sus límites quedó atrás desde finales del siglo pasado.

Las mezclas, colaboraciones y versiones que dejan ver cómo en realidad la música es una sola y se ve enriquecida con influencias de otros reinan y son bien recibidas por la industria y los consumidores. El vallenato no ha sido la excepción y no solo en grabaciones sino en espectáculos.

Es así como Felipe Peláez, compositor, intérprete y productor del género, se ha dado a conocer por una propuesta que le imprime mayor romanticismo, y balada y pop.

Ahora el ex jurado de ‘A otro nivel’ anuncia su proyecto “Felipe Peláez Sinfónico”. El show que presentará el próximo jueves 3 de septiembre en el teatro Colsubsidio Roberto Arias Pérez, de Bogotá.

Los asistentes verán un diálogo entre dos universos musicales que durante décadas parecieron recorrer caminos diferentes, pero que ahora convergen en una puesta en escena que incluye violines, violas, violonchelos, metales y maderas.

El responsable de éxito como ‘Tan natural’, Felipe Peláez celebra de esta manera 20 años de trayectoria artística, con un trabajo que le ha llevado siete años.

Hijo del rey vallenato Beto Villa presentará su propuesta y tributo

Por su parte el también intérprete vallenato Beto Villa Jr. estará en este mismo teatro, el próximo 18 de septiembre en un espectáculo que ha denominado La Gran Sinfónica Vallenata.

Allí anticipa que tendrá los grandes clásicos del género de la mano del folclor y la la fuerza interpretativa de 10 reyes de la leyenda vallenata junto a sus acordeones, vestidos de frac presentando temas como ‘Mi hermano y yo’, ‘Los caminos de la vida’, ‘Amarte más no pude’, ‘Señora’, ‘La mitad de mi vida’, ‘El pedazo de acordeón’ y muchas más.

En este espectáculo, no habrá violines ni violonchelos, pero si se escucharán los temas logrados por arreglos sinfónicos “que amplían su dimensión sonora sin perder la esencia del acordeón y exaltando la fuerza de nuestra cultura tradicional”, explican sus organizadores..

Beto Villa Jr., es hijo del legendario Rey Vallenato Beto Villa, y con esta propuesta explica que asume el reto de llevar el legado de su familia a un nuevo escenario artístico, bajo la dirección musical de su padre, conectando la tradición con formatos escénicos de gran formato.

La noche donde el vallenato se viste de frac pretende además rendir tributo a ídolos del genero como Diomedes Díaz, Leandro Díaz, Jorge Oñate, Rafael Orozco y Omar Geles.

Las entradas de los dos espectáculos están disponibles en TuBoleta.com y en las taquillas del teatro.

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Un 29 de agosto, pero de 1958, nació en Gary (Indiana, Estados Unidos) uno de los artistas más influyentes de la historia de la música. Michael Jackson, conocido como el ‘Rey del Pop’, habría cumplido este sábado 68 años.

Aunque murió en 2009, su continúa vigente entre varias generaciones y cada año sus seguidores aprovechan la fecha para recordar su trayectoria con homenajes, publicaciones y reproducciones de sus canciones.

En esta ocasión, una iniciativa que circula entre comunidades de fanáticos propone convertir una de las canciones más emblemáticas de Michael Jackson en el punto de encuentro de seguidores alrededor del mundo.

Así conmemorarán los fanáticos de Michael Jackson su nacimiento

La propuesta consiste en reproducir ‘Man in the Mirror’ a las 7:33 p. m. y compartir el momento con otros seguidores a través de redes sociales. La hora elegida no es casual: distintas fuentes relacionadas con la biografía de Jackson sitúan su nacimiento el 29 de agosto de 1958 a las 7:33 p. m. en Gary.

El dato fue difundido durante años por su sobrino Taj Jackson, quien aseguró que la información provenía del certificado de nacimiento. Sin embargo, también existen registros y testimonios que han planteado otras horas, por lo que se trata de un dato familiarmente atribuido, no de una certeza documental completamente indiscutida.

La canción escogida para este homenaje tampoco es aleatoria. ‘Man in the Mirror’ forma parte del álbum ‘Bad’, publicado en 1987, y se convirtió en uno de los mayores éxitos de la carrera de Michael Jackson. En 1988 llegó al primer puesto del Billboard Hot 100 durante dos semanas y se convirtió en el cuarto sencillo consecutivo de Jackson en alcanzar esa posición en Estados Unidos.

El tema, escrito por Siedah Garrett y Glen Ballard, gira alrededor de la reflexión personal y de la necesidad de empezar por uno mismo para generar un cambio. Ese mensaje también está presente en su videoclip oficial, que muestra imágenes relacionadas con conflictos sociales, pobreza, hambre, discriminación y otras problemáticas alrededor del mundo. La propia página oficial de Jackson describe el video como una obra ligada al mensaje de transformación de la canción.

Por eso, para los seguidores que participan en la convocatoria, reproducir ‘Man in the Mirror’ a la misma hora funciona como un gesto simbólico para recordar a Michael Jackson en la fecha de su nacimiento. La invitación es sencilla: poner la canción a las 7:33 p. m. de este 29 de agosto y, quienes quieran, compartir el momento en redes sociales para ampliar el alcance del homenaje.

En Colombia, el homenaje también será a las 7:33 p. m., pues el país comparte el mismo huso horario que Gary, Indiana.

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Luego de 11 años de que se presentara en el Festival Estéreo Picnic, en la versión 2015, el destacado DJ y productor escocés anuncia su regreso al país.

Este viernes 28 la compañía Páramo Presenta anunció que el responsable de éxitos como Feel So Close, Summer y Blame, y de colaboraciones icónicas como We Found Love con Rihanna, One Kiss con Dua Lipa, Promises de la mano de Sam Smith y Miracle con Ellie Goulding, dará un único concierto en la capital del país.

El espectáculo será el próximo 13 de noviembre en el Coliseo MedPlus, de la calle 80, salida por Siberia.

Dentro de la información anticipada trascendió que la apertura estará a cargo de Tyson O’Brien, y del colombiano Martin Trevy.

Sobre las entradas se confirmó que estarán disponibles en Ticketmaster.co. La etapa de preventa exclusiva para clientes de los Bancos Aval (Banco de Bogotá, Occidente, Popular y AV Villas) y de la billetera digital dale! se realizará desde el este lunes 31 de agosto a las 9:00 a. m. hasta el miércoles 2 de septiembre a las 8:59 a. m.

Por su parte, la etapa de venta general iniciará el 2 de septiembre a las 9:00 a. m. y estará disponible hasta agotar existencias al público en general.

Precios de las entradas para ver a Calvin Harris

Los precios que se manejarán en este tiempo varían según la localidad.

Platea 2: $281.000

105-108: $329.000

100-104: $413.000

109-112: $461.000

Platea 1: $533.000

113-116: $569.000

117-120: $665.000

El Dj publicó en su Instagram, en las historias temporales, la fecha que fue confirmada para Bogotá.

¿Quién es Calvis Harris?

Adam Richard Wiles es el nombre de pila del Dj de 42 años, nacido en Dumfries, ciudad ubicada al Sur de Escocia. Según la revista Forbes, el escocés fue el DJ mejor pagado de 2018, recaudando un estimado de 48 millones de dólares.

El también productor musical, cantante y compositor a es considerado uno de los mejores DJ del mundo.

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En Santa Mónica, California, en medio de una gira de conciertos ‘MeXXico es todo’, murió Juan Gabriel, el llamado Divo de Juárez.

El artista e intérprete de temas como ‘Amor eterno’, ‘Hasta que te conocí’, ‘Querida’, ‘Abrázame muy fuerte’, entre otras, fue hallado inconsciente en el baño de la residencia donde se hospedaba. Dos días antes, había dado el que se convirtió en su último recital en Los Angeles. Las autoridades que acudieron a un llamado al 911, luego dictaminarían que sufrió un infarto agudo al miocardio. EL informe final indicó que el artista tenía padecimientos como hipertensión, diabetes y un historial de neumonía.

Juan Alberto Aguilera Valadez, como era su nombre de pila, grabó bastante material en vida, que luego se convirtió en un exitoso documental de Netflix, que pone al descubierto aspectos de su vida personal y familiar. El material llamado ‘Juan Gabriel, debo, quiero y puedo’ fue avalado por su hijo Iván, quien se convirtió en su heredero. El artista, que murió a los 66 años, tuvo tres hijos más.

Ahora, a 10 años de su fallecimiento, El Heraldo de México registra el testimonio de quien fuera uno de sus músicos más cercanos, quien se refirió a cómo vio al artistas en los últimos meses de su vida.

Juan Gabriel estaba agotado

Guillermo Hernández, director del Mariachi del Divo Alma de Juárez y quien estuvo más de 20 años trabajando con el famoso intérprete tiempo durante el cual grabó su voz para seis de los álbumes del ídolo, recordó que vio a Juan Gabriel en febrero del 2016 y este le expresó que estaba cansado.

“En febrero de 2016, cuando terminé de grabarlo, se sentó, yo estaba en la consola y me dijo: ‘Ya estoy cansado, flaco, creo que algún día me iré, no sé a dónde. Ya hice todo… Algún día te va a tocar hacer todo, sepa Dios a quién’. Esas palabras quedaron clavadas en mi cabeza y corazón”, recordó.

Hernández rememoró que ese encuentro fue el día de su cumpleaños y por ello dio tanto valor a las palabras del ídolo. porque ese día era su cumpleaños. Se volvieron a ver en julio del 2016, es decir algo más de un mes de su fallecimiento debido a asuntos laborales. El encuentro ocurrió en San Carlos, Sonora.

Juan Gabriel y el músico coincidirían nuevamente en El Paso, Texas, el 28 de agosto, pero dos días antes se enteró de que su estimado jefe y amigo había muerto.

“El ingeniero me llamó a su cuarto y me dijo ‘¿Sabes qué? El señor ya se fue. Se cancela el show, ya se fue el señor’. Y pensé, siempre ha hecho eso, cuando quiere cancela y se va. y me contestó, ‘No, ya se murió’. Le dije que estaba loco. ¿Cómo se iba a morir el gigante que tenía en mi mente? Pero empezó a llorar y fue cuando le creí”, recordó al tiempo que mencionó que él solía llamarlo ‘Flaco’ o ‘Rata’, esto último porque leía el horóscopo chino y creía en él.

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Sugar, la canción con la que Maroon 5 cerró su concierto anoche en el Coliseo MedPlus de Bogotá, se estrenó cuando yo tenía apenas trece años. Durante mucho tiempo asumí que jamás la escucharía en vivo, ni que tendría a pocos metros a ese amor platónico al que tantas veces admiré en YouTube, irrumpiendo en bodas, disfrazándose de extraterrestre o corriendo por las calles.

La noche del 27 de agosto de 2026 quedará guardada en la memoria colectiva de la capital. La banda estadounidense logró algo excepcional en el entretenimiento en vivo, transformar un recinto multitudinario en un espacio de complicidad, donde miles de desconocidos cantaron, rieron y bailaron juntos, elevando un coro tan potente que por momentos eclipsó la voz del propio vocalista.

Adam Levine no podía disimular su sonrisa ante la euforia del Coliseo. Bogotá estaba genuinamente feliz de tenerlos de vuelta. El sentimiento era palpable y las lágrimas no tardaron en aparecer en varios rostros; entre ellos, el mío. Escuchar Payphone en directo fue un viaje inmediato hacia el cierre de una etapa muy feliz de mi vida, una época donde la voz de Levine siempre estuvo presente como banda sonora.

Sin necesidad de escenografías recargadas ni artes visuales, la banda demostró que el espectáculo son ellos. Bastó una pasarela y un juego de guitarras para conectar profundamente con el público colombiano. La emoción alcanzó uno de sus puntos más altos cuando James Valentine, el guitarrista de melena castaña clara, caminó por la pasarela recibiendo una ovación ensordecedora. Era otro de los reencuentros más esperados de la velada.

Pero el momento de máxima catarsis llegó cuando retumbaron los primeros acordes de Moves Like Jagger. En ese instante, la frontera entre escenario y tribuna desapareció por completo. Dejó de parecer un concierto convencional para convertirse en una fiesta, miles de personas tropezaban en saltos de euforia, bailando sin reserva mientras la propia banda, contagiada de la energía del recinto, celebraba a la par con el público como un invitado.

Adam Levine se despidió con un cielo rojo sobre Bogotá

Más allá de la edad, el público compartía una misma generación emocional, la de quienes los escuchaban en 2014 o incluso antes. El repertorio detonó sentimientos grupales, que trajeron de vuelta viejos trayectos en TransMilenio, las primeras rupturas amorosas, las despedidas entre amigos y la amargura que muchas veces significa crecer.

El broche de oro llegó de la manera más inesperada. Mientras la música llegaba a su fin, afuera el cielo bogotano se teñía de rojo por un eclipse lunar. Al salir del recinto, la multitud quedó hipnotizada, nadie caminaba, nadie miraba hacia adelante. Con la cabeza en alto y la mirada fija en las nubes, los asistentes presenciaron el fenómeno en todo su esplendor, como si el universo hubiera decidido regalar el cierre perfecto para una noche que se esperó durante años.

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Desde los grandes éxitos de The Jackson 5 hasta sus primeras canciones como solista, la colección reúne los temas esenciales de la primera época de Jackson, la mayoría incluidos en la banda sonora del filme ‘Michael’, un éxito que se ha convertido en la cuarta película más taquillera de este año.

“La historia de Michael Jackson comenzó a escribirse mucho antes de que se convirtiera en el Rey del Pop”, resalta la nota. Y eso es precisamente lo que pone en valor un álbum que se publica, además, en una edición especial con un vinilo de color naranja para coleccionistas.

Los primeros temas de Michael Jackson

‘Michael Jackson – The Definitive Collection LP’ vuelve a sus primeros años en la mítica discográfica Motown con una selección de canciones que recorre “el extraordinario inicio de su trayectoria”, primero como voz principal de The Jackson 5 y, posteriormente, como artista en solitario.

La primera cara del álbum reúne algunos de los grandes clásicos de The Jackson 5, comenzando por ‘I Want You Back’, el sencillo que llevó al grupo al número 1 de Billboard en 1970.

Le siguen canciones fundamentales de su repertorio como ‘ABC’, ‘The Love You Save’, ‘I’ll Be There’, ‘Never Can Say Goodbye’ y ‘Dancing Machine’.

Michael Jackson comenzó a cantar con sus hermanos en The Jackson 5 cuando solo tenía nueve años. Permaneció en el grupo incluso cuando empezó a lanzar sus primeros álbumes en solitario hasta que definitivamente abandonó la banda en 1984.

La segunda cara se adentra en los primeros años de Michael Jackson como solista, recuperando canciones como ‘Got To Be There’, ‘Rockin’ Robin’, ‘I Wanna Be Where You Are’ y ‘Ben’, uno de los primeros grandes éxitos de su carrera en solitario.

La selección se completa con ‘Who’s Lovin’ You’ y ‘We’ve Got A Good Thing Going’.

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Mon Laferte es una de las artistas que encabezan el cartel de Rock al Parque 2026, edición con la que el festival bogotano celebrará sus 30 años. La cantante chilena compartirá escenario con nombres como Serú Girán representado por (David Lebón y Pedro Aznar), Rata Blanca y Apocalyptica, entre más de 60 agrupaciones que se presentarán los días 10, 11 y 12 de octubre en el Parque Simón Bolívar.

Su inclusión en la programación generó opiniones encontradas entre los seguidores del festival. Mientras algunos celebraron su presencia, otros cuestionaron que una artista asociada principalmente con el pop, el bolero, el soul y otros sonidos ocupe un lugar destacado en una edición tan significativa de Rock al Parque. Las críticas apuntaron, precisamente, a si su propuesta representa el espíritu tradicional del encuentro musical.

¿Qué respondió Mon Laferte a las críticas por su invitación a Rock al Parque 2026?

En medio de la conversación que generó su anuncio, Mon Laferte publicó un breve mensaje en su cuenta de X en el que, sin entrar directamente en la discusión sobre las críticas, anticipó que su presentación en Bogotá tendrá una propuesta diferente.

“Estamos preparando un set distinto para Rock al Parque”, escribió la cantante.

Con esa frase, Mon Laferte dejó abierta la expectativa sobre el repertorio que llevará al festival, especialmente porque su presentación ocurrirá pocos meses después de los conciertos que ofreció en Colombia como parte de su gira ‘Femme Fatale’. Ahora, su participación en Rock al Parque tendrá un contexto diferente: será un escenario multitudinario, gratuito y dedicado históricamente a distintas vertientes del rock y sus géneros cercanos.

La promesa de un set diferente también marca distancia frente a lo que el público colombiano pudo escuchar en sus recientes conciertos individuales. Por ahora, la organización todavía no ha revelado la distribución del cartel por días, los horarios ni los escenarios que ocupará cada artista, por lo que tampoco se conoce si Mon Laferte tendrá uno de los conciertos de cierre.

Además de la cantante chilena, la edición de los 30 años contará con agrupaciones internacionales como Ministry, Editors, Algiers, Stratovarius, Tokyo Ska Paradise Orchestra, Los Bunkers, Gondwana, Los Tetas, Ratones Paranoicos y División Minúscula. También estarán los colombianos Esteman, I.R.A. y Nadie, junto a 26 propuestas distritales, entre ellas Skampida, Lika Nova, Perpetual Warfare, V for Volume y La Brigada RPF.

Rock al Parque 2026 se realizará con entrada libre durante tres jornadas y tendrá, por primera vez, cuatro escenarios en el Parque Simón Bolívar, además de una carpa de experiencias y otros espacios culturales.

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Rock al Parque ya tiene cartel oficial para celebrar sus 30 años. El festival bogotano reveló este miércoles 26 de agosto la programación que reunirá a más de 60 agrupaciones de distintos países y generaciones en una edición especial que se realizará del 10 al 12 de octubre en el parque Simón Bolívar.

La celebración tendrá una programación que recorrerá diferentes vertientes del rock y géneros relacionados, con representantes del metal, punk, ska, indie, hardcore, reggae y funk. Entre los nombres más destacados aparecen artistas y bandas de América Latina, Europa, Estados Unidos y Japón, además de una cuota nacional y los proyectos seleccionados mediante las convocatorias distritales.

Artistas que se presentarán en el festival Rock Al Parque 2026

Entre los principales invitados internacionales está Mon Laferte, una de las artistas latinoamericanas más reconocidas de la actualidad. También sobresalen Serú Girán, agrupación fundamental del rock argentino, y Apocalyptica, banda finlandesa que llegará con su propuesta de metal y violonchelos.

El cartel también incluye a Los Bunkers, Editors, Ministry, Rata Blanca, Los Tetas, Stratovarius, Tokyo Ska Paradise Orchestra, Gondwana, Desorden Público, Ratones Paranoicos, Porter, División Minúscula, Darkest Hour, Between the Buried and Me, Bándalos Chinos, Green Valley e Iseo & Dodosound, entre otros.

La representación colombiana estará a cargo de Esteman, junto a las agrupaciones antioqueñas I.R.A. y Nadie. Para I.R.A., su participación tiene un significado especial, pues será su quinta aparición en el festival, mientras que Nadie llegará a su cuarta presentación.

De acuerdo con la organización, la programación busca conectar distintas etapas de la historia de Rock al Parque: las agrupaciones vinculadas con la memoria del festival, los artistas que representan el presente de diversas escenas y los proyectos que muestran hacia dónde se mueve la música. Además, el 32 % de los artistas confirmados corresponde a agrupaciones con participación femenina.

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Los artistas distritales ya habían sido anunciados

El anuncio del cartel internacional y nacional llega después de que, el pasado 17 de agosto, se conocieran los 26 artistas y agrupaciones distritales seleccionados para esta edición. La convocatoria reunió propuestas de diferentes trayectorias y géneros de la escena bogotana, entre ellas Perpetual Warfare, Skampida, Syracusæ, La Monky Band, El Punto Ska, Lucio Feuillet, Valore, Lika Nova, Mashkera, Solegnium, Lutter Band, Ataque de Pánico y Laura Pérez.

Así, Rock al Parque 2026 se prepara para una edición que no solo celebra tres décadas de historia, sino que también busca reunir en Bogotá diferentes generaciones y sonidos alrededor de uno de los festivales musicales más importantes de la ciudad. La entrada será gratuita y los conciertos principales se desarrollarán entre el 10 y el 12 de octubre en el parque Simón Bolívar.

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