Hace ocho años, el canal Caracol terminó de emitir ‘La reina del flow’. La novela estelarizada Carlos Torres y Carolina Ramírez abordaba además de una historia de amor y los conflictos propios del melodrama, el mundo de la música urbana. Su audiencia fue tal que, al culminar la primera temporada, trascendió que una segunda venía en camino.

En pandemia la producción llegó a la plataforma Netflix y se internacionalizó. Así ‘La reina’ dejó de ser un producto con audiencia local para convertirse en uno que traspasó las fronteras. América Latina y España ubicaron a la producción en el ranking de lo más visto del streaming. El nuevo ciclo de episodios se lanzó en el 2021, y cuando la segunda temporada se emitió en Colombia, la audiencia del resto de la región estaba atenta a que llegara a Netflix. Como era de esperarse, allí también se ubicó en primeros lugares.

En septiembre del 2024 se confirmó la tercera temporada, que vio la luz en el 2025. Parecía el final de una apuesta audiovisual, que vale la pena mencionar se alzó con varios premios como el India Catalina, el Produ y el Emmy Internacional, en el 2019.

Pero en tiempos digitales, donde el contenido se expande, los televidentes pasaron a ser usuarios con ansias de experiencias. La ejecutiva Liseth Osorio, vicepresidenta de ventas Internacionales de Caracol Televisión, tuvo la idea de que la novela fuera más allá, así lo cuenta Mario Valencia, el productor general del espectáculo de ‘La reina del flow’ que derivó de la novela.

'La reina del flow' en dos mundos distintos

El asunto no era para nada sencillo, pues si bien es cierto la novela tuvo mucha aceptación, pensar en conciertos donde los seguidores de la misma pagaran una boleta para ver a los personajes que habían visto en pantalla era definitivamente otro asunto.

La propuesta estaba sobre la mesa, y así el desarrollo del montaje del show comenzó en junio del 2025. En septiembre se realizaron dos conciertos de prueba en España: “uno en un festival en Coruña, que tuvo 13,000 asistentes, y otro en el Movistar Arena de Madrid, un miércoles, un día poco usual, y hubo sold out con 13,000 asistentes también”, comenta Valencia, quien confirma que a partir de ese momento no quedaron dudas sobre el potencial del espectáculo bajo la marca ‘La reina del flow’.

Reconoce que partieron justamente de algo completamente nuevo. “La producción de una serie de televisión y la de un concierto en vivo son dos mundos totalmente distintos y dos negocios diferentes, aunque ambos sean entretenimiento. En este caso el concierto capitaliza la marca ‘La Reina del Flow’ y su música original”. Tras el éxito en España, se montó una gira mundial para el 2026 “y ya se está planeando una para el 2027”.

Para el proyecto musical se contrató un equipo con cualidades muy puntuales: “completamente nuevo y especializado en espectáculos. Está compuesto por 31 personas que viajan desde Colombia, más entre 80 y 100 personas locales que se contratan en cada ciudad para técnica, producción y logística”, puntualiza el productor, que revela que para lograr el show que hoy se presenta en distintos países requirieron 50 días de preproducción y 40 días de ensayos intensivos “de lunes a viernes de 8 horas diarias”.

Conscientes de que solo 4 de los 7 artistas eran cantantes experimentados (Juan Manuel Restrepo "Pescoi", Juan Palau, Kevin Bury y Jay Torres) y tres (Carolina Ramírez, María José Vargas y Carlos Torres) no lo eran “se contrató un coach vocal para todos los artistas, especialmente para los que no son cantantes profesionales”. Así los siete miembros del elenco de la novela estuvieron listos para sus presentaciones. Son dos horas con canciones en solitario, en dúo o incluso en grupo.

Carlos Torres, el protagonista de la novela, declaró a Vea, de El Espectador, hace unos meses, cuando recién empezaba la gira, que tenía claro que no era cantante, sin embargo, asumía el reto “con profesionalismo sabiendo que el público quiere ver en persona a Charlie Flow y que es una oportunidad para propiciar ese encuentro”.

Esa experiencia es la que el productor menciona que valoran los seguidores de la historia cuando acuden a uno de los conciertos. Destaca que se trata de una apuesta sólida. “Cuando la gira comenzó no estaba Carolina Ramírez, a quien el público quiere mucho y tuvimos lleno, obviamente tenerla ahora es muy importante. La gira se enfoca en la marca "La Reina del Flow" y no en artistas individuales, aunque personajes como Carolina Ramírez y Carlos Torres son grandes atractivos”, reconoce el productor. Recordemos que el personaje de Yeimy, interpretado por Carolina, murió en la tercera temporada de la historia, de tal manera que el concierto se convierte en la oportunidad para el seguidor de revivirla en escena.

"Acepté esta participación especial porque ahora si estoy en condiciones, estaba en un momento vital que es el nacimiento de mi hijo y eso me impidió estar en la gira de España, pero bendecidamente mi hijo nació muy bien y ha pasado el tiempo para encarar este desafío de una manera un poco más suave (...) Reencontrarme con los fans representa un agradecimiento directo, he recibido mucho apoyo y sé que muchos estaban esperando que Yeimy y Charly estén juntos... es honrarlo, honrar su deseo", mencionó Carolina sobre su entrada al proyecto.

El show que se presentará este domingo 25 de octubre en el Movistar Arena de Bogotá es el mismo que ha recibido aplausos en más de 20 escenarios. En tarima, además de los 7 cantantes, hay 6 bailarinas y 5 músicos para un total 18 personas. “Hasta el momento, hemos pisado 22 escenarios y esperamos cerrar la gira con 33 presentaciones”, menciona Valencia sobre el concierto que se ha presentado en Argentina, Chile, Perú, Costa Rica, España y una vez pasen por Colombia irá a Venezuela y México.

De momento, el plan es seguir expandiendo el universo de ‘La reina del flow’, el productor anticipó: “Ya se planea el tour 2027, con la intención de explorar formatos de teatro en nuevas ciudades europeas como Lisboa, Roma y París”.

Aquí más noticias que son tendencia en el entretenimiento

Saúl Blanch, primera voz de Rata Blanca y una de las figuras vinculadas a los primeros años del heavy metal argentino, murió a los 75 años. El cantante falleció después de permanecer varias semanas hospitalizado en Buenos Aires. La noticia fue confirmada por el Instituto Nacional de la Música (INAMU), que destacó su aporte a la música argentina y acompañó a sus familiares y seres queridos.

Aunque su permanencia en Rata Blanca fue breve, Blanch dejó registrada su voz en el primer álbum de la agrupación, publicado en 1988. Allí interpretó canciones como 'El sueño de la gitana', 'Chico callejero', 'Rompe el hechizo' y 'Sólo para amarte', temas que quedaron asociados a los primeros pasos de una banda que posteriormente alcanzaría reconocimiento internacional.

Saúl Blanch, una voz que comenzó con Plus

La historia musical de Blanch comenzó varios años antes de Rata Blanca. Durante la década de 1970 fue cantante de Plus, una de las agrupaciones precursoras del hard rock argentino. Con esa banda grabó 'No pisar el infinito', en 1976; 'Plus', de 1978, y 'Escuela de rock 'n' roll', de 1981. El grupo también realizó presentaciones fuera de Argentina, incluida una gira por Sudamérica que tuvo a Colombia entre sus destinos.

Tras la disolución de Plus, Saúl Blanch continuó vinculado al circuito del rock pesado. Formó parte de WC, proyecto en el que coincidió con músicos que posteriormente también estarían relacionados con Rata Blanca, y después pasó por Héroes. Fue en ese recorrido cuando se cruzó con el proyecto que Walter Giardino y otros músicos estaban construyendo y que terminaría convirtiéndose en Rata Blanca.

La banda debutó en vivo en 1987 y, aunque Blanch se había alejado de la formación, fue convocado nuevamente cuando llegó el momento de grabar el primer álbum. Su voz quedó en las nueve canciones de 'Rata Blanca', publicado en 1988. Después de ese trabajo dejó definitivamente el grupo y fue reemplazado por Adrián Barilari, quien se convertiría en una de las voces más reconocidas de la agrupación.

En 1990 publicó 'Fiel a sus fieles', su primer álbum como solista, y años después retomó ese material para una reedición en CD. En 2006 lanzó 'Refugiado', bajo el nombre Saúl Blanch Revancha, manteniendo su vínculo con el hard rock.

También tuvo la oportunidad de reencontrarse con los músicos de Rata Blanca. En 2013 participó en conciertos por los 25 años del primer álbum de la banda, más de dos décadas después de su salida. El vínculo volvió a quedar sobre los escenarios en marzo de 2026, cuando Blanch fue invitado a participar en tres presentaciones de Rata Blanca en el Teatro Flores.

Rata Blanca y otros músicos despidieron a Saúl Blanch

Tras conocerse su muerte, el grupo publicó un mensaje en sus redes sociales para despedir a quien fuera su primera voz: "Saúl Blanch, eterno en nuestros corazones". La agrupación recordó así al cantante que puso su voz en el disco con el que comenzó su historia discográfica.

Adrián Barilari, quien ocupó su lugar como vocalista de Rata Blanca, también compartió una fotografía junto a Blanch y destacó los escenarios que ambos compartieron a lo largo de los años. "Recordarte siempre y agradecerte por dejar este legado compartido en varios escenarios con vos", escribió el cantante en su despedida.

Gustavo Rowek, baterista fundador de Rata Blanca, publicó fotografías junto a Blanch y recordó tanto los primeros años de la banda como el vínculo que conservaron con el paso del tiempo. "Lo que hemos vivido, solo nosotros lo sabemos", escribió, acompañado de un mensaje en el que le deseó paz y destacó que había seguido ligado al rock hasta el final.

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Para buena parte del público mexicano, el nombre de Josi Cuén está ligado a una de las agrupaciones más importantes del regional mexicano. El cantante fue durante años una de las voces de La Arrolladora Banda El Limón, pero su historia en la música comenzó mucho antes de llegar a esa agrupación y, desde su salida en 2021, ha construido una nueva etapa como solista.

Ahora, casi dos décadas después de su llegada a La Arrolladora, Josi atraviesa uno de los momentos más importantes de su carrera. Junto a Jorge Medina, también exvocalista del grupo, lidera 'Juntos', un proyecto que ha recorrido distintas ciudades de México y que, de acuerdo con cifras compartidas por los propios artistas, se acerca a los dos millones de boletos vendidos en ese país. La dupla, además, consiguió nueve funciones agotadas en el Auditorio Nacional durante septiembre de 2026.

Sobre su pasado, presente y futuro, Josi Cuén habló en exclusiva para la revista Vea, de El Espectador.

Josi Cuén: del trabajo detrás del escenario a ser la estrella del show

Cuando se habla de la trayectoria de Josi Cuen, 2007 suele aparecer como el año de referencia. Ese fue el momento en que llegó a La Arrolladora Banda El Limón, pero el cantante insiste en que su carrera comenzó mucho antes.

Su primer acercamiento profesional con la música ocurrió detrás del escenario. Antes de tener un micrófono en sus manos, tuvo que desempeñarse en diferentes labores dentro de una producción musical, hasta que llegó la oportunidad que cambiaría el rumbo de su carrera: comenzar a cantar.

Su ingreso a La Arrolladora representó un salto profesional. Allí tuvo la oportunidad de cantar ante públicos cada vez más grandes y formar parte de una etapa importante del grupo mexicano. Sin embargo, con el paso de los años también entendió que la permanencia en una banda no necesariamente significaba que ese fuera el destino definitivo de su carrera.

Josi Cuén atribuye parte de su evolución a una característica que considera indispensable para cualquier artista: la capacidad de adaptarse. Para él, el talento por sí solo no garantiza una carrera prolongada si no existe disposición para aprender y cambiar.

“Cuando entré a La Arrolladora, en 2007, obviamente tuve la oportunidad de hacer cosas mucho más grandes. Y entre ese Josi Cuen y el de este año, después de casi 20 años, hay una diferencia abismal. Primero que todo, porque yo creo que la capacidad de adaptación es algo que todo ser humano debe tener y debe aprender; es decir, hay que educar la capacidad de adaptación”, explicó.

El retiro de La Arrolladora y una nueva etapa

En 2021, Cuen decidió cerrar su ciclo con La Arrolladora. La decisión, según contó, no estuvo marcada por el deseo de abandonar un lugar en el que se sintiera incómodo. Por el contrario, asegura que tenía la posibilidad de continuar allí, pero consideró que había llegado el momento de asumir otro riesgo.

Después de su salida comenzó una nueva etapa como solista. El cambio significó construir una identidad profesional propia después de haber pasado varios años dentro de una agrupación con una identidad consolidada.

Fue también durante ese periodo cuando empezó a tomar forma, aunque todavía de manera inesperada, la posibilidad de volver a compartir escenario con Jorge Medina.

Una fotografía que terminó dando nombre a 'Juntos'

Cuen y Medina coincidieron nuevamente en 2022. Se encontraron, se tomaron una fotografía y la reacción del público fue inmediata. Las redes sociales comenzaron a llenarse de peticiones para que ambos volvieran a cantar juntos.

La idea, sin embargo, no se concretó de inmediato. Josi Cuen recuerda que en ese momento todavía consideraba que no era el instante adecuado. La fotografía terminó teniendo, eso sí, una importancia que ninguno de los dos podía anticipar.

Tiempo después, Cuen sintió que finalmente había llegado el momento. Fue entonces cuando buscó a Medina y comenzó a tomar forma el proyecto que hoy recorre México.

Lo que inicialmente podía parecer un reencuentro entre dos voces conocidas del regional mexicano terminó convirtiéndose en una gira de gran convocatoria. En junio de 2026, la Fundación Casa de México en España reportó que 'Juntos' acumulaba más de 150 presentaciones y 1,3 millones de boletos vendidos. Posteriormente, la dupla llevó su espectáculo al Auditorio Nacional, donde completó nueve funciones agotadas y reunió alrededor de 86.000 asistentes.

El espectáculo presentado allí recibió el nombre de 'Juntos: En el Corazón de México' y estuvo marcado por elementos de la música, las tradiciones mexicanas y algunos invitados especiales, como Jorge Celedón.

La historia de Josi Cuén, por eso, no termina en La Arrolladora. Su recorrido comenzó detrás del escenario, pasó por una de las bandas más reconocidas del regional mexicano, continuó con una carrera como solista y encontró en la unión con Jorge Medina una nueva etapa profesional.

Mientras 'Juntos' continúa con presentaciones en México y prepara su expansión internacional, Josi comienza a ser un nombre cada vez más cercano para el público colombiano. Su historia, en ese sentido, apenas empieza a cruzar fronteras.

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Ali A.K.A. Mind llega este sábado 24 de octubre a Hip Hop al Parque 2026 para cerrar la primera jornada de uno de los encuentros más importantes de la cultura hip hop en Colombia. Lo hará con una presentación que tiene un significado especial: el propio artista la ha bautizado como “El último baile”, una decisión que abre un nuevo capítulo en su relación con el festival.

De acuerdo con lo expuesto en su charla con este medio, no se trata de un retiro de la música ni de una despedida definitiva de Hip Hop al Parque. Después de más de dos décadas de carrera, el rapero bogotano considera que es momento de cerrar su ciclo como artista participante del festival, aunque seguirá ligado a este espacio desde otros lugares. 

El presente de Ali A.K.A. Mind, además, está marcado por el lanzamiento de 'Solo Para Entendidos', un EP realizado junto al productor Marco Polo, y por una nueva etapa internacional que lo llevará nuevamente a Europa.

El último baile de Ali A.K.A. Mind en Hip Hop al Parque

El rapero ha participado en dos ediciones anteriores del festival Hip Hop al Parque y ahora tendrá uno de los lugares más destacados de la programación: será el encargado de cerrar la jornada del sábado. Para un artista nacido en la escena bogotana, ocupar ese horario tiene un peso particular, pues habitualmente está reservado para grandes invitados internacionales.

'El último baile' tiene, además, una carga simbólica por la historia que él mismo ha construido con este escenario. En 2006, cuando comenzaba a consolidar su carrera, el dinero que recibió por una presentación en Hip Hop al Parque hizo parte de los recursos que le permitieron salir de Colombia. Ese viaje terminó convirtiéndose en varios años fuera del país, una etapa en la que pasó por Ecuador y Argentina mientras trabajaba en distintos oficios y mantenía vivo su proyecto musical.

Dos décadas después, regresa a ese mismo espacio desde una posición completamente distinta: con una carrera consolidada, público internacional y una obra que ha mantenido su mirada sobre las realidades sociales.

“Tal vez sea un premio de la vida que en este momento no logro dimensionar al cien por ciento. Pero lo que sí estoy seguro es que es fruto de la perseverancia, de los sueños inagotables y de mi amor por el hip hop y nuestro movimiento”, afirma.

El rap que todavía defiende

El recorrido de Ali A.K.A. Mind también ha estado marcado por transformaciones personales. Su vida cambió durante los años que pasó fuera de Colombia, por las experiencias que acumuló, por los viajes, la familia y las pruebas que tuvo que enfrentar para sostener una carrera independiente.

Sin embargo, asegura que esos cambios no modificaron el núcleo de su propuesta. Su música continúa teniendo como protagonistas la crítica social, la preocupación por el mundo que lo rodea y una identidad sonora que ha construido durante años.

Ese compromiso también aparece en su manera de entender el crecimiento del hip hop. Ali ha sido testigo de cómo una cultura que durante años estuvo asociada principalmente a los circuitos urbanos y underground consiguió ampliar sus públicos y convertirse en un fenómeno mucho más visible.

Para él, ese crecimiento tiene una doble cara. La expansión permitió que el género llegara a miles de personas, pero también abrió la puerta a propuestas que, desde su perspectiva, utilizan elementos del hip hop sin necesariamente compartir los valores que dieron origen a la cultura.

De ese modo, Ali A.K.A. Mind reconoce que el hip hop “ha ganado cientos y miles de adeptos gracias a su crudeza y su crítica social”, pero considera que su masificación también produjo tensiones.

“Su crecimiento también ha traído artistas con visiones menos altruistas y con sonidos más comerciales que en muchos casos están alejados de la cultura, pero usando los elementos de la misma, con ideas oportunistas de apropiación cultural. Lo cual es inevitable ante un crecimiento tan masivo”, concluye.

Así, 'El último baile' no representa necesariamente un punto final. Es el cierre de una etapa en un escenario que acompañó su historia y, al mismo tiempo, la puerta hacia lo que sigue para un artista que todavía no contempla darle la espalda al sueño que comenzó a perseguir hace más de 20 años.

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Este jueves 22 de octubre se entregaron los galardones Billboard a la Música Latina, en una ceremonia llevada a cabio en Miami bajo la conducción de Carmen Villalobos y Javier Poz.

La velada además de entregar los galardones a quienes resultaron ganadores en las distintas categorías, otorgó tres premios especiales.

A Cristian Castro, el Billboard Trayectoria Artística por su duradera y excepcional carrera. A Fuerza Regida, el Premio Billboard Vanguardia en honor al rápido ascenso del grupo en la música y a Rosalía el Billboard Salón de la Fama en reconocimiento a su influencia global, que recibió de manos de Juan Luis Guerra.

Artista de los Fans

• Fuerza Rígida
• Karol G GANADORA
• Peso Pluma
• Prince Royce
• Tito Double P

Artista del Año

• Artista del Año
• Bad Bunny GANADOR
• Fuerza Regida
• Karol G
• Peso Pluma
• Tito Double P

Artista del Año, Debut

• El De Las R’s
• Emmanuel Cortes
• Gael Valenzuela
• Herencia de Grandes
• Omar Courtz GANADOR

Gira del Año

• Bad Bunny GANADOR
• Karol G
• Pitbull
• Ricardo Arjona
• Shakira

Artista Crossover del Año

• Bruno Mars
• Burna Boy GANADOR
• DJ Snake
• Shenseea
• Steve Aoki

Global 200 Artista Latino del Año

• Bad Bunny GANADOR
• Beéle
• Fuerza Regida
• Karol G
• Shakira

Global 200 Canción Latina del Año

• El Bogueto, Fuerza Regida, Anuel AA & Yung Beef, ‘Cuando No Era Cantante’ (Remix)
• Fuerza Regida, ‘Marlboro Rojo’ GANADORA
• Peso Pluma & Tito Double P, ‘Daño’
• Rosalía & Yahritza y Su Esencia, ‘La Perla’
• W Sound, Beéle & Ovy On The Drums, ‘La Plena (W Sound 05)’

Hot Latin Song Canción del Año

• Fuerza Regida, ‘Marlboro Rojo’ GANADOR
• Herencia de Grandes, ‘Ya Borracho’
• Los Dos De Tamaulipas, ‘Ayúdame’
• Peso Pluma & Tito Double P, ‘Daño’
• Peso Pluma & Tito Double P, ‘Dopamina’

Hot Latin Song Colaboración Vocal del Año

• El Bogueto, Fuerza Regida, Anuel AA & Yung Beef, Cuando No Era Cantante (Remix)
• Peso Pluma & Tito Double P, 7-3
• Peso Pluma & Tito Double P, Daño GANADOR
• Peso Pluma & Tito Double P, dopamina
• Peso Pluma, Tito Double P & LENCHO, chiclona

Hot Latin Songs Artista del Año, Masculino

• Bad Bunny GANADOR
• Junior H
• Omar Courtz
• Peso Pluma
• Tito Double P

Hot Latin Songs Artista del Año, Femenina

• Kali Uchis
• Karol G GANADORA
• RaiNao
• Rosalía
• Shakira

Hot Latin Songs Artista del Año, Dúo o Grupo

• Fuerza Regida GANADOR
• Grupo Frontera
• Herencia de Grandes
• Hermanos Espinoza
• Los Dos De Tamaulipas

Hot Latin Songs Sello Discográfico del Año

• Double P Records
• Interscope Capitol
• Rimas GANADOR
• Sony Music Latin
• Warner Latina

Canción del Año, Latin Airplay

• Bizarrap & Daddy Yankee, Bzrp Music Sessions, Vol. 0/66
• Karol G & Marco Antonio Solís, Coleccionando Heridas
• Prince Royce, I Want It That Way
• Romeo Santos & Prince Royce, Dardos
• Romeo Santos & Prince Royce, Lokita Por Mí GANADOR

Sello Discográfico del Año, Latin Airplay

• Interscope Capitol
• Rimas
• Sony Music Latin GANADOR
• Universal Music Latin Entertainment
• Warner Latina

Canción del Año, Streaming

• Emmanuel Cortes, Amor
• Fuerza Regida, ANSIEDAD
• Fuerza Regida, Marlboro Rojo GANADOR
• Los Dos De Tamaulipas, Ayúdame
• Peso Pluma & Tito Double P, Daño

Top Latin Album del Año

• Beéle, BORONDO
• Clave Especial, MIJA NO TE ASUSTES
• Omar Courtz, Por Si Mañana No Estoy
• Peso Pluma & Tito Double P, DINASTÍA GANADOR
• Rosalía, LUX

Top Latin Albums Artista del Año, Masculino

• Bad Bunny GANADOR
• Junior H
• Peso Pluma
• Rauw Alejandro
• Tito Double P

Top Latin Albums Artista del Año, Femenina

• Becky G
• Kali Uchis
• Karol G GANADOR
• Rosalía
• Young Miko

Top Latin Albums Artista del Año Dúo o Grupo

• Aventura
• Clave Especial
• Fuerza Regida GANADOR
• Grupo Frontera
• Los Dos De Tamaulipas

Top Latin Albums Sello Discográfico del Año

• Double P Records
• Interscope Capitol
• Rimas GANADOR
• Sony Music Latin
• Warner Latina

Artista Latin Pop del Año, Solista

• Danny Ocean
• Kali Uchis
• Kapo
• Rosalía GANADORA
• Shakira

Artista Latin Pop del Año, Dúo o Grupo

• Maná GANADOR
• Matisse
• Morat
• Rawayana
• Reik

Canción Latin Pop del Año

• Alejandro Sanz & Carín León, El Vino de Tu Boca
• Karol G & Marco Antonio Solís, Coleccionando Heridas GANADOR
• Maluma, BRONCEADOR
• Rauw Alejandro, Besito en La Frente
• Shakira & Beéle, ALGO TÚ

Latin Pop Airplay Sello Discográfico del Año

• AP Global
• Interscope Capitol
• Sony Music Latin GANADOR
• Universal Music Latin Entertainment
• Warner Latina

Álbum Top Latin Pop del Año

• Becky G, ‘Baraja Bendita’
• Fred again.. & Latin Mafia, 9 months & 50 hours
• Karol G, ‘No Me Arrepiento de Sentir Tanto’
• Kevin Kaarl, ‘Hasta el Fin Del Mundo’
• Rosalía, ‘LUX’ GANADORA

Top Latin Pop Albums Sello Discográfico del Año

• Columbia
• Interscope Capitol
• Sony Music Latin GANADOR
• Universal Music Latin Entertainment
• Warner Latina

Artista Tropical del Año, Solista

• Carlos Vives
• Jerry Rivera
• Marc Anthony
• Prince Royce
• Romeo Santos GANADOR

Artista Tropical del Año, Dúo o Grupo

• Aventura GANADOR
• Grupo Cañaveral de Humberto Pabón
• Grupo Niche
• La Sonora Dinamita
• Monchy & Alexandra

Canción Tropical del Año

• Daddy Yankee, Sonríele
• Marc Anthony & Wisin, Que Me Quiera Má
• Prince Royce, I Want It That Way
• Romeo Santos & Prince Royce, Dardos
• Romeo Santos & Prince Royce, Lokita Por Mí GANADOR

Tropical Airplay Sello Discográfico del Año

• HYBE Latin America
• Rimas
• RMGroup
• Sony Music Latin GANADOR
• Universal Music Latin Entertainment

Álbum Top Tropical del Año

• Dalvin La Melodía, La Bachata Volvió
• Fonseca, Antes Que El Tiempo Se Vaya
• LA LOM, Live at Thalia Home
• Romeo Santos & Prince Royce, Better Late Than Never GANADOR
• Victor Manuelle, La Parranda Es Mía (EP)

Top Tropical Albums Sello Discográfico del Año

• Concord
• Sony Music Latin GANADOR
• The Orchard
• Universal Music Enterprises
• Universal Music Latin Entertainment

Artista Regional Mexicano del Año, Solista

• Dareyes de La Sierra
• Junior H
• Neton Vega
• Peso Pluma GANADOR
• Tito Double P

Artista Regional Mexicano del Año, Dúo o Grupo

• Clave Especial
• Fuerza Regida GANADOR
• Grupo Frontera
• Herencia de Grandes
• Los Dos De Tamaulipas

Canción Regional Mexicana del Año

• Emmanuel Cortes, Amor
• Fuerza Regida, Marlboro Rojo GANADOR
• Herencia de Grandes, Ya Borracho
• Peso Pluma & Tito Double P, daño
• Xavi & Grupo Frontera, No Capea

Regional Mexican Airplay Sello Discográfico del Año

• Afinarte
• Azteca
• Music VIP
• Sony Music Latin
• Universal Music Latin Entertainment GANADOR

Álbum Top Regional Mexicano del Año

• Clave Especial, MIJA NO TE ASUSTES
• Dareyes de La Sierra, Redención
• Junior H & Gael Valenzuela, DEPR
• Oscar Maydon, Rico o Muerto
• Peso Pluma & Tito Double P, DINASTÍA GANADOR

Top Regional Mexican Albums Sello Discográfico del Año

• Double P Records GANADOR
• Interscope Capitol
• Sony Music Latin
• Universal Music Latin Entertainment
• Warner Latina

Artista Latin Rhythm del Año, Solista

• Bad Bunny GANADOR
• Karol G
• Omar Courtz
• Ozuna
• Rauw Alejandro

Artista Latin Rhythm del Año, Dúo o Grupo

• Baby Rasta & Gringo
• Gente de Zona
• Jowell & Randy
• W Sound (WestCOL/Ovy On The Drums)
• Wisin & Yandel GANADOR

Canción Latin Rhythm del Año

• Bizarrap & Daddy Yankee, Bzrp Music Sessions, Vol. 0/66 GANADOR
• Feid, Se Lo Juro Mor
• J Balvin & Jay Wheeler, Si Te Vas
• Ryan Castro, Kapo & Gangsta, LA VILLA
• W Sound, Myke Towers & Ovy On The Drums, 5 Estrellas (W Sound 23)

Latin Rhythm Airplay Sello Discográfico del Año

• Interscope Capitol
• Rimas
• Sony Music Latin GANADOR
• UniversalMusic Latin Entertainment
• Warner Latina

Álbum Top Latin Rhythm del Año

• Beéle, BORONDO
• Jay Wheeler, La Voz Favorita
• Omar Courtz, Por Si Mañana No Estoy GANADOR
• Rauw Alejandro, Cosa Nuestra: Capítulo 0
• Victor Mendivil, Tutankamon

Top Latin Rhythm Albums Sello Discográfico del Año

• 5020
• Interscope Capitol
• Rimas GANADOR
• Sony Music Latin
• UniversalMusic Latin Entertainment

Compositor del Año

• Armenta
• Bad Bunny GANADOR
• MAG
• Peso Pluma
• Roberto “La Paciencia” José Rosado Torres

Editorial del Año

• Risamar Publishing, BMI
• RSM Publishing, ASCAP
• Street Mob ENT, BMI GANADOR
• Universal Music Corp., ASCAP
• Warner-Tamerlane Publishing Corp., BMI

Productor del Año

• Ernesto “Neto” Fernández
• Jesús Iván “El Parka” Leal Reyes
• MAG GANADOR
• Peso Pluma
• Roberto “La Paciencia” José Rosado Torres

Aquí más noticias que son tendencia

Este 22 de octubre se entregan los galardones en el James L. Knight Center de Miami, que destacan lo mejor de la música latina. Aquí toda la información para seguirlos de principio a fin.

Bajo la conducción de la actriz colombiana Carmen Villalobos y el periodista mexicano Javier Poz se desarrollará en la noche de este jueves 22 de octubre la ceremonia de entrega de Premios Billboard 2026. La velada será el cierre de una semana dedicada a la música latina y donde varios artistas y actores de la industria discográfica de la región han participado en conferencias, charlas y paneles.

Se estima que la transmisión de la previa comenzará hacia las 5:00 p.m. hora colombiana, y cuando comience el arribo al lugar de la ceremonia. Hacia las 6:00 p.m. los invitados comenzarán su paso por la tradicional alfombra azul. Los detalles se podrán ver por YouTube.

La velada, que tendrá 16 espectáculos a lo largo de la noche además de los premiados, será transmitida en vivo desde las 7: p.m. por Telemundo Internacional, la señal de la cadena Telemundo para Latinoamérica y el Caribe.

Dentro de los shows que se encuentran confirmados se incluyen a Manuel Turizo, Jessi Uribe, Paola Jara, Nanpa Básico, Melymel, Elvis Crespo, Erick Brian, Ha*Ash, La Nueva Ola de la Cumbia, Nella, Pututi & Nesty, Santos Bravos y Tony Dize.

En cuanto a los artistas que presentarán y/o anunciarán galardones están: Ana Mena, Baby Rasta & Gringo, Becky G, Clave Especial, Gilberto Santa Rosa, José Luis Rodríguez, Lali, Los Gemelos, Luis Alfonso, Lupillo Rivera, Mike Bahía, Pancho Uresti y Ryan Castro.

Los premios especiales se entregarán a Cristian Castro, el Premio Billboard Trayectoria Artística; a Fuerza Regida, el Premio Billboard Vanguardia en honor al rápido ascenso del grupo en la música. Rosalía recibirá el Billboard Salón de la Fama en reconocimiento a su influencia global y Rubén Blades será honrado con el Premio Billboard Ícono, celebrando su carrera atemporal en la música latina.

A continuación la lista completa de nominados en las distintas categorías.

Lista completa de categorías y nominados Billboard 2026

Artista de los Fans

• Fuerza Rígida
• Karol G
• Peso Pluma
• Prince Royce
• Tito Double P

Artista del Año

• Artista del Año
• Bad Bunny
• Fuerza Regida
• Karol G
• Peso Pluma
• Tito Double P

Artista del Año, Debut

• El De Las R’s
• Emmanuel Cortes
• Gael Valenzuela
• Herencia de Grandes
• Omar Courtz

Gira del Año

• Bad Bunny
• Karol G
• Pitbull
• Ricardo Arjona
• Shakira

Artista Crossover del Año

• Bruno Mars
• Burna Boy
• DJ Snake
• Shenseea
• Steve Aoki

Global 200 Artista Latino del Año

• Bad Bunny
• Beéle
• Fuerza Regida
• Karol G
• Shakira

Global 200 Canción Latina del Año

• El Bogueto, Fuerza Regida, Anuel AA & Yung Beef, Cuando No Era Cantante (Remix)
• Fuerza Regida, Marlboro Rojo
• Peso Pluma & Tito Double P, daño
• Rosalía & Yahritza y Su Esencia, La Perla
• W Sound, Beéle & Ovy On The Drums, La Plena (W Sound 05)

Hot Latin Song Canción del Año

• Fuerza Regida, Marlboro Rojo
• Herencia de Grandes, Ya Borracho
• Los Dos De Tamaulipas, Ayúdame
• Peso Pluma & Tito Double P, daño
• Peso Pluma & Tito Double P, dopamina

Hot Latin Song Colaboración Vocal del Año

• El Bogueto, Fuerza Regida, Anuel AA & Yung Beef, Cuando No Era Cantante (Remix)
• Peso Pluma & Tito Double P, 7-3
• Peso Pluma & Tito Double P, daño
• Peso Pluma & Tito Double P, dopamina
• Peso Pluma, Tito Double P & LENCHO, chiclona

Hot Latin Songs Artista del Año, Masculino

• Bad Bunny
• Junior H
• Omar Courtz
• Peso Pluma
• Tito Double P

Hot Latin Songs Artista del Año, Femenina

• Kali Uchis
• Karol G
• RaiNao
• Rosalía
• Shakira

Hot Latin Songs Artista del Año, Dúo o Grupo

• Fuerza Regida
• Grupo Frontera
• Herencia de Grandes
• Hermanos Espinoza
• Los Dos De Tamaulipas

Hot Latin Songs Sello Discográfico del Año

• Double P Records
• Interscope Capitol
• Rimas
• Sony Music Latin
• Warner Latina

Canción del Año, Latin Airplay

• Bizarrap & Daddy Yankee, Bzrp Music Sessions, Vol. 0/66
• Karol G & Marco Antonio Solís, Coleccionando Heridas
• Prince Royce, I Want It That Way
• Romeo Santos & Prince Royce, Dardos
• Romeo Santos & Prince Royce, Lokita Por Mí

Sello Discográfico del Año, Latin Airplay

• Interscope Capitol
• Rimas
• Sony Music Latin
• Universal Music Latin Entertainment
• Warner Latina

Canción del Año, Streaming

• Emmanuel Cortes, Amor
• Fuerza Regida, ANSIEDAD
• Fuerza Regida, Marlboro Rojo
• Los Dos De Tamaulipas, Ayúdame
• Peso Pluma & Tito Double P, daño

Top Latin Album del Año

• Beéle, BORONDO
• Clave Especial, MIJA NO TE ASUSTES
• Omar Courtz, Por Si Mañana No Estoy
• Peso Pluma & Tito Double P, DINASTÍA
• Rosalía, LUX

Top Latin Albums Artista del Año, Masculino

• Bad Bunny
• Junior H
• Peso Pluma
• Rauw Alejandro
• Tito Double P

Top Latin Albums Artista del Año, Femenina

• Becky G
• Kali Uchis
• Karol G
• Rosalía
• Young Miko

Top Latin Albums Artista del Año Dúo o Grupo

• Aventura
• Clave Especial
• Fuerza Regida
• Grupo Frontera
• Los Dos De Tamaulipas

Top Latin Albums Sello Discográfico del Año

• Double P Records
• Interscope Capitol
• Rimas
• Sony Music Latin
• Warner Latina

Artista Latin Pop del Año, Solista

• Danny Ocean
• Kali Uchis
• Kapo
• Rosalía
• Shakira

Artista Latin Pop del Año, Dúo o Grupo

• Maná
• Matisse
• Morat
• Rawayana
• Reik

Canción Latin Pop del Año

• Alejandro Sanz & Carín León, El Vino de Tu Boca
• Karol G & Marco Antonio Solís, Coleccionando Heridas
• Maluma, BRONCEADOR
• Rauw Alejandro, Besito en La Frente
• Shakira & Beéle, ALGO TÚ

Latin Pop AirplaySello Discográfico del Año

• AP Global
• Interscope Capitol
• Sony Music Latin
• Universal Music Latin Entertainment
• Warner Latina

Álbum Top Latin Pop del Año

• Becky G, Baraja Bendita
• Fred again.. & Latin Mafia, 9 months & 50 hours
• Karol G, No Me Arrepiento de Sentir Tanto
• Kevin Kaarl, Hasta el Fin Del Mundo
• Rosalía, LUX

Top Latin Pop Albums Sello Discográfico del Año

• Columbia
• Interscope Capitol
• Sony Music Latin
• Universal Music Latin Entertainment
• Warner Latina

Artista Tropical del Año, Solista

• Carlos Vives
• Jerry Rivera
• Marc Anthony
• Prince Royce
• Romeo Santos

Artista Tropical del Año, Dúo o Grupo

• Aventura
• Grupo Cañaveral de Humberto Pabón
• Grupo Niche
• La Sonora Dinamita
• Monchy & Alexandra

Canción Tropical del Año

• Daddy Yankee, Sonríele
• Marc Anthony & Wisin, Que Me Quiera Má
• Prince Royce, I Want It That Way
• Romeo Santos & Prince Royce, Dardos
• Romeo Santos & Prince Royce, Lokita Por Mí

Tropical Airplay Sello Discográfico del Año

• HYBE Latin America
• Rimas
• RMGroup
• Sony Music Latin
• Universal Music Latin Entertainment

Álbum Top Tropical del Año

• Dalvin La Melodía, La Bachata Volvió
• Fonseca, Antes Que El Tiempo Se Vaya
• LA LOM, Live at Thalia Home
• Romeo Santos & Prince Royce, Better Late Than Never
• Victor Manuelle, La Parranda Es Mía (EP)

Top Tropical Albums Sello Discográfico del Año

• Concord
• Sony Music Latin
• The Orchard
• Universal Music Enterprises
• Universal Music Latin Entertainment

Artista Regional Mexicano del Año, Solista

• Dareyes de La Sierra
• Junior H
• Neton Vega
• Peso Pluma
• Tito Double P

Artista Regional Mexicano del Año, Dúo o Grupo

• Clave Especial
• Fuerza Regida
• Grupo Frontera
• Herencia de Grandes
• Los Dos De Tamaulipas

Canción Regional Mexicana del Año

• Emmanuel Cortes, Amor
• Fuerza Regida, Marlboro Rojo
• Herencia de Grandes, Ya Borracho
• Peso Pluma & Tito Double P, daño
• Xavi & Grupo Frontera, No Capea

Regional Mexican Airplay Sello Discográfico del Año

• Afinarte
• Azteca
• Music VIP
• Sony Music Latin
• UniversalMusic Latin Entertainment

Álbum Top Regional Mexicano del Año

• Clave Especial, MIJA NO TE ASUSTES
• Dareyes de La Sierra, Redención
• Junior H & Gael Valenzuela, DEPR
• Oscar Maydon, Rico o Muerto
• Peso Pluma & Tito Double P, DINASTÍA

Top Regional Mexican Albums Sello Discográfico del Año

• Double P Records
• Interscope Capitol
• Sony Music Latin
• UniversalMusic Latin Entertainment
• Warner Latina

Artista Latin Rhythm del Año, Solista

• Bad Bunny
• Karol G
• Omar Courtz
• Ozuna
• Rauw Alejandro

Artista Latin Rhythm del Año, Solista

• Baby Rasta & Gringo
• Gente de Zona
• Jowell & Randy
• W Sound (WestCOL/Ovy On The Drums)
• Wisin & Yandel

Canción Latin Rhythm del Año

• Bizarrap & Daddy Yankee, Bzrp Music Sessions, Vol. 0/66
• Feid, Se Lo Juro Mor
• J Balvin & Jay Wheeler, Si Te Vas
• Ryan Castro, Kapo & Gangsta, LA VILLA
• W Sound, Myke Towers & Ovy On The Drums, 5 Estrellas (W Sound 23)

Latin Rhythm Airplay Sello Discográfico del Año

• Interscope Capitol
• Rimas
• Sony Music Latin
• UniversalMusic Latin Entertainment
• Warner Latina

Álbum Top Latin Rhythm del Año

• Beéle, BORONDO
• Jay Wheeler, La Voz Favorita
• Omar Courtz, Por Si Mañana No Estoy
• Rauw Alejandro, Cosa Nuestra: Capítulo 0
• Victor Mendivil, Tutankamon

Top Latin Rhythm Albums Sello Discográfico del Año

• 5020
• Interscope Capitol
• Rimas
• Sony Music Latin
• UniversalMusic Latin Entertainment

Compositor del Año

• Armenta
• Bad Bunny
• MAG
• Peso Pluma
• Roberto “La Paciencia” José Rosado Torres

Editorial del Año

• Risamar Publishing, BMI
• RSM Publishing, ASCAP
• Street Mob ENT, BMI
• Universal Music Corp., ASCAP
• Warner-Tamerlane Publishing Corp., BMI

Productor del Año

• Ernesto “Neto” Fernández
• Jesús Iván “El Parka” Leal Reyes
• MAG
• Peso Pluma
• Roberto “La Paciencia” José Rosado Torres

Aquí más noticias que son tendencia en el entretenimiento

El Festival Hip Hop al Parque llegará este fin de semana al Parque Simón Bolívar de Bogotá con dos jornadas dedicadas al rap, el breaking y otras expresiones de la cultura hip hop. El encuentro se realizará el sábado 24 y domingo 25 de octubre y tendrá entrada libre para personas mayores de 14 años, quienes deberán presentar su documento de identidad en los accesos.

La edición número 28 del festival reunirá artistas y agrupaciones de Colombia y otros países como México, España, Francia, Brasil, Chile y Estados Unidos. La propuesta de este año está atravesada por el concepto curatorial ‘En la esquina se escribe la historia’, que reivindica esos espacios del barrio donde se encuentran distintas expresiones de la cultura urbana y desde donde han surgido muchas de sus historias.

Programación del primer día de Hip Hop al Parque 2026

La primera jornada será el sábado 24 de octubre. Las puertas del Parque Simón Bolívar estarán abiertas desde las 12:00 del mediodía, por lo que los asistentes podrán llegar con anticipación para realizar los controles de ingreso y ubicarse antes de que comiencen las presentaciones.

El primer artista en subir al escenario será Dr. Skratch, a las 12:30 p. m., seguido por Most Ralf N Lark, a las 12:50 p. m. Entre las primeras actividades también estarán las batallas Breaking Biva, una de las apuestas de danza urbana que tendrá presencia durante el festival.

La jornada continuará con las presentaciones de Chelo Hop, Hispana, de México, Sucio Bang y Geassassin, Solo Cadáver & Drama Theme, también procedentes de México. Más adelante será el turno de DJ Karl, Lianna, de Medellín, y La Dupla, de España.

El tramo final del sábado tendrá a El Redcode, ZetaZeta, de Medellín, y Ali A.K.A. Mind, representante de Bogotá, quien cerrará la jornada musical.

Horarios del sábado 24 de octubre:

• 12:30 p. m. — Dr. Skratch (Distrital).
• 12:50 p. m. — Most Ralf N Lark (Distrital).
• 1:25 p. m. — Batallas Breaking Biva 1 y 2.
• 2:05 p. m. — Chelo Hop (Distrital).
• 2:45 p. m. — Hispana (México).
• 3:30 p. m. — Sucio Bang (Distrital).
• 4:05 p. m. — Batallas Breaking Biva 3 y 4.
• 4:40 p. m. — Geassassin, Solo Cadáver & Drama Theme (México).
• 5:25 p. m. — DJ Karl (Distrital).
• 5:45 p. m. — Lianna (Medellín).
• 6:30 p. m. — La Dupla (España).
• 7:20 p. m. — El Redcode (Distrital).
• 8:00 p. m. — ZetaZeta (Medellín).
• 8:45 p. m. — Ali A.K.A. Mind (Bogotá).

Programación del segundo día de Hip Hop al Parque 2026

El domingo 25 de octubre será la segunda jornada del festival, también con apertura de puertas desde el mediodía. La agenda comenzará con DJ RevueltaZ y Roll The Voice, antes de dar paso a las semifinales de las Batallas Breaking Biva.

Durante la tarde se presentarán Clandestino MSR, Potsikei, de Francia, Kain Amnistía, además de la final de las batallas de breaking y una exhibición de Red Bull Batalla.

La jornada continuará con Izla, de Cali; Da Guedes, de Brasil; DJ Huex y Pieroja, colombiano en el exterior. El cierre estará a cargo de dos invitados internacionales: Rah Digga & Rampage, de Estados Unidos, y Portavoz & DJ Jopsen, de Chile.

Horarios del domingo 25 de octubre:

• 12:00 m. — DJ RevueltaZ (Distrital).
• 12:20 p. m. — Roll The Voice (Distrital).
• 12:55 p. m. — Batallas Breaking Biva semifinales.
• 1:30 p. m. — Clandestino MSR (Distrital).
• 2:10 p. m. — Potsikei (Francia).
• 2:45 p. m. — Kain Amnistía (Distrital).
• 3:20 p. m. — Batallas Breaking Biva final.
• 3:45 p. m. — Red Bull Batalla exhibición.
• 4:35 p. m. — Izla (Cali).
• 5:10 p. m. — Da Guedes (Brasil).
• 5:50 p. m. — DJ Huex (Distrital).
• 6:10 p. m. — Pieroja (Colombiano en el exterior).
• 6:55 p. m. — Rah Digga & Rampage (Estados Unidos).
• 7:50 p. m. — Clafseis (Distrital).
• 8:30 p. m. — Portavoz & DJ Jopsen (Chile).

Además de los conciertos, Hip Hop al Parque tendrá actividades relacionadas con el breaking, el arte urbano, el emprendimiento y la literatura. Entre ellas están las intervenciones del Museo Abierto de Bogotá, la Zona de Arte y Emprendimiento y las actividades de Libro al Viento, que llevará al festival espacios de lectura e intercambio de libros.

El concepto ‘En la esquina se escribe la historia’ busca precisamente conectar esas actividades con los lugares donde la cultura hip hop comenzó a construirse. “La esquina representa ese primer espacio de encuentro donde se reúne el parche, se escucha música, se intercambian referencias, se improvisan rimas y se ensayan pasos de freestyle y breaking”, explicó Zkirla, curador del festival.

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Shakira y Karol G volvieron a coincidir en un listado que da cuenta del enorme impacto que han tenido los artistas latinos en la industria mundial de los conciertos. Las dos colombianas aparecen entre las diez figuras de origen latinoamericano que más dinero han recaudado con sus presentaciones en vivo a lo largo de la historia.

El listado reúne a artistas de distintas generaciones y permite dimensionar cómo ha evolucionado el negocio de las giras latinas. La clasificación fue elaborada a partir de los registros de Billboard Boxscore, que recopila información sobre ingresos y asistencia de conciertos desde mediados de los años 80. Para este conteo se consideran las presentaciones en las que el artista aparece como acto principal y no se incluyen los festivales.

Las cifras que dejan las giras de Karol G y Shakira

Shakira ocupa el tercer lugar de la clasificación histórica, con una recaudación de 673,5 millones de dólares, producto de 244 conciertos reportados por Billboard Boxscore. En total, sus presentaciones han convocado a cerca de 5,9 millones de espectadores.

El registro de la barranquillera en esta base de datos se remonta a noviembre de 1996, cuando ofreció un concierto en el Auditorio Nacional de Ciudad de México. Aquella presentación generó 207.000 dólares y marcó el comienzo de una trayectoria que, tres décadas después, la mantiene entre las artistas latinas con mayor facturación en los escenarios.

A su vez, Karol G aparece en el cuarto puesto, con 621,7 millones de dólares recaudados. La artista paisa suma 152 conciertos registrados y alrededor de 4 millones de asistentes durante el periodo contabilizado por Billboard.

La diferencia entre las dos colombianas es de aproximadamente 51,8 millones de dólares. Sin embargo, Karol G ha conseguido acercarse a Shakira con un número considerablemente menor de conciertos reportados, una diferencia que también refleja el peso que han adquirido sus grandes giras en los últimos años.

El primer lugar de la clasificación corresponde a Bad Bunny, quien supera los 1.200 millones de dólares en ingresos y suma alrededor de 7,2 millones de asistentes en 276 conciertos. El puertorriqueño se convirtió así en el artista latino con mayor recaudación acumulada en los registros históricos de Boxscore.

En el segundo lugar aparece Luis Miguel, con 724,5 millones de dólares y cerca de 7 millones de espectadores, resultado de una trayectoria que incluye 743 conciertos registrados. El mexicano conserva una posición destacada gracias, entre otros factores, a la enorme cantidad de presentaciones que ha realizado durante décadas.

Después de Shakira y Karol G aparecen otros nombres de gran peso dentro de la música latina. Pitbull ocupa el quinto lugar, seguido por Marc Anthony. Más adelante figuran RBD, Chayanne, Aventura y Ricardo Arjona, completando los diez primeros puestos de la clasificación.

El listado también refleja el crecimiento de una nueva generación de artistas. Billboard incorporó en esta actualización nombres que no aparecían en la versión de 2024, entre ellos Carín León, Peso Pluma, Fuerza Regida, Rauw Alejandro y Grupo Firme, representantes de distintas vertientes de la música latina que han llevado sus propuestas a escenarios cada vez más grandes.

El resultado deja un dato especialmente llamativo para Colombia: Shakira y Karol G son las únicas dos artistas colombianas que aparecen entre los cuatro primeros lugares. Entre ambas acumulan más de 1.295 millones de dólares en ingresos por conciertos registrados por Billboard Boxscore.

En el caso de Shakira, además, su reciente recorrido internacional ya había marcado otro hito. Su gira ‘Las Mujeres Ya No Lloran World Tour’ alcanzó una recaudación de 421,6 millones de dólares y se convirtió en la gira de un artista hispano más taquillera de la historia hasta ese momento.

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El domingo 18 de octubre la argentina se presentaría en el Kaseya Center de Miami, sin embargo el concierto fue cancelado minutos antes de comenzar. La artista se pronunció.

Cuando los asistentes al concierto de Tini, en medio de su gira ‘Futtura’, estaban en los alrededor del estadio Kaseya Center de Miami, listos para ingresar, el pasado domingo 18 de octubre, fueron notificados de que el show estaba cancelado. Las pantallas del lugar anunciaron la novedad. Los seguidores de la artista, que se hiciera famosa primero en televisión en la novela juvenil 'Violetta', y luego se convirtiera en una estrella de la canción, mostraron su inconformidad en redes sociales.

Comenzaron a circular versiones diversas de lo que pudo haber ocurrido para que el show no se realizara. La cancelación se dio en medio de la crítica situación que enfrenta Tini con sus padres. Recordemos que trascendió que, unos meses atrás ella decidió romper lazos laborales con su padre Alejandro Stoessel, quien fue su manager por 15 años, y solicitó una auditoría que habría revelado que sus ganancias como actriz y cantante ingresaban a compañías y sociedades de las que ella no era socia, ni tenía control. También se supo que la cantante no era dueña de su nombre, por lo cual estaría en las negociaciones y trámites para recuperar no solo su fortuna, sino su marca personal.

Te puede interesar: Tini descubre que no es dueña de su fortuna ni de su carrera. Su padre la habría traicionado

De ahí que comenzaron rumores en redes sociales que esta situación pudo haber influido en la cancelación. Aunque esto solo quedó en el plano de la especulación.

Posteriormente la cantante dio a conocer que hubo fallas.

Ake Music, la productora, emitió un comunicado en el que reitera “incumplimiento de los requerimientos técnicos y de producción previamente solicitados”. De igual manera explicó que la situación fue ajena a Tini y a su equipo, quien estaba “lista para subir al escenario”.

La artista mencionó en sus historias de Instagram, horas después de la cancelación, que hubo esfuerzos por lograr presentar el show, no obstante concluyeron que las condiciones necesarias no estaban garantizadas.

“Quiero ser muy clara: esto no fue un simple inconveniente técnico”, puntualizó, sin embargo llamo la atención que más adelante se refirió a otro tipo de obstáculos sobe las que no ahondó. “Hay muchas circunstancias alrededor de esta gira sobre las que hoy elijo no profundizar”,

Luego priorizó su seguridad y la del público. “Hay cosas que pueden adaptarse en un show, pero la seguridad y el respeto por el público no son negociables”.

De momento se ignora si el show será reprogramado o no.

Tini no celebró el Día de la Madre

Sobre su situación familiar, aunque oficialmente ninguno de los involucrados se ha pronunciado y los medios del entretenimiento argentino han difundido que los padres de la cantante no están invitados a su boda con el futbolista Rodrigo de Paul que será el próximo 19 de diciembre, al parecer sigue el distanciamiento.

Justamente el día del concierto que terminó cancelándose, se celebraba el Día de la Madre en Argentina y Mariana Muzlera, mamás de la artista compartió imágenes junto a su hijo Francisco y a su propia madre. Tini no dedicó ningún mensaje a ella.

Tini lanzará el próixmo jueves 22 de octubre su álbum 'Futtura en Vivo'.

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Antes de que su nombre apareciera junto al de artistas como Feid, Maluma, Ryan Castro o Jay Wheeler, Maisak ya había encontrado una manera de acercarse a la música. Nacido en Caracas, Venezuela, llegó a Santa Marta cuando tenía dos años y creció rodeado de las historias y sonidos del Caribe. Su padre, cantante de vallenato sin una carrera reconocida, fue quien le transmitió el gusto por la música y una sensibilidad que hoy hace parte de su propuesta.

“Lo más bonito que me puedo llevar de él es la música. De él heredé este don y lo he sabido aprovechar, gracias a Dios he tenido conciencia para hacerlo. Tengo muchos recuerdos bonitos de la niñez, de estar en sus parrandas, de estar en lo que él hacía. Eso también hace que tenga el gusto por el vallenato”, recordó en charla con “Vea”, de “El Espectador”.

Ese vínculo con el género que escuchó desde niño no desapareció cuando comenzó a acercarse a la música urbana. Por el contrario, terminó convirtiéndose en una de las características de su identidad artística. Antes de pensar en los escenarios, sin embargo, encontró en la composición una manera de entrar a una industria en la que todavía no tenía un nombre propio.

Los primeros pasos de Maisak

Maisak comenzó escribiendo canciones para otros artistas. La composición le permitió acercarse a intérpretes y productores y, con el tiempo, convertirse en el autor de canciones grabadas por figuras como Manuel Turizo, Grupo Frontera, Maluma, Pirlo, Peso Pluma y Silvestre Dangond. Ese recorrido también le enseñó a reconocer cuáles historias tenían que quedarse en su repertorio y cuáles podían tomar otra voz.

Pero el camino no fue inmediato. Después de ganar en 2021 un concurso con The Rudeboyz y comenzar a llamar la atención de productores en Medellín, se mudó a esa ciudad con su pareja y su hijo. La apuesta significó empezar prácticamente desde cero, en una etapa que hoy identifica como fundamental para entender lo que vino después.

“Era bien difícil, la verdad, porque un día nos mudamos a Medellín así de golpe, como diciendo: ‘Vamos a ver qué pasa’. Nos mudamos con nuestro hijo, entonces era más difícil, porque cuando uno está solo puede parecer que todo es un poco más sencillo, pero hay que pensar en muchas otras cosas. A la vez, eso hizo que se forjara una energía muy bonita para que después todo se diera. Todas esas dificultades fueron parte fundamental de una etapa que no fue tan buena, pero que terminó siendo la base”, explicó Maisak.

El primer indicio de que aquella apuesta podía funcionar llegó cuando comenzó a recibir dinero por su trabajo. Una canción grabada por Maluma y Blessd, “El Reloj”, representó para él una señal concreta de avance.

Del compositor a la voz propia

Con el tiempo, Maisak dejó de ser solamente el nombre detrás de las canciones. Su propia voz comenzó a ocupar el lugar que antes habían tenido otros intérpretes y llegaron éxitos como “Se Me Olvida”, “Te Entiendo” y “Casi Algo”, además de colaboraciones con artistas de gran alcance en la música latina. Su presente también incluye certificaciones, nominaciones y escenarios propios.

Ahora, esa historia desemboca en “Vallenatico Pa’ La Disco”, su primer álbum, un proyecto que recupera las experiencias de su infancia y las mezcla con reguetón, dancehall, reggae, kizomba y balada. No es un disco de vallenato tradicional, sino una forma de llevar las historias y emociones de ese género a una pista de baile.

El álbum tendrá, además, un espacio central en el concierto que el músico venezolano ofrecerá el 6 de noviembre en el Royal Center de Bogotá, presentación que el artista entiende como el comienzo de una nueva etapa de su gira. 

Así, mientras su música sigue circulando entre el urbano y las historias del vallenato, Maisak empieza a ocupar un lugar propio: el de un compositor que terminó convirtiéndose en intérprete sin dejar atrás las canciones y los recuerdos que lo llevaron hasta allí.

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García, quien promueve su 'Puerta Abierta Tour', confesó tener espondilitis anquilosante durante en el primer día de la Semana Billboard de la Música Latina en Miami, donde una de sus seguidoras le preguntó sobre sus miedos.

"Hay un montón de cosas, pero voy a decir una que creo que no hablo nunca de ello. Yo tengo una condición en la columna vertebral, que se llama espondilitis anquilosante y es un primo hermano de la artritis y cada vez me voy a encorvar más en mi vida y tengo que saber que es una realidad", relató la artista.

Kany García procura remediar su condición

La intérprete de 'A la niña que fui' y 'García' añadió que la movilidad que realiza en su actual gira, en la que ha montado un espectáculo para estadios y arenas, a veces "duele" y "causa ansiedad".

Por ello, aseveró que está "tratando de ser más responsable", con ejercicios de estiramiento de hasta 20 minutos, durmiendo hasta 10 horas y sesiones en el gimnasio.

"Cada vez que salgo de gira, pues es ese gran reto de saber que hay cosas que eventualmente no voy a poder hacer. Por eso me estoy disfrutando esto de los dos escenarios y de subir, bajar escaleras con toda velocidad, porque sé que va a haber un momento que eso va a tener que cesar", apuntó la artista.

García promociona su gira y álbum homónimo 'Puerta Abierta', un tour con el que ella desea mostrar que las cantautoras como ella pueden llenar estadios en vez de recintos como teatros o auditorios más pequeños.

"Había que cambiar el juego o al menos yo tenía ganas de eso y teníamos hambre de eso", expresó. "Es lindo que vengan ahora nuevas cantautoras y puedan decir: ¿Por qué no podemos hacer estadios? ¿Por qué no podemos hacer una arena? ¿Hacer cuatro arenas? Entonces, para mí, era importante mostrar eso. Es un reto", añadió.

La artista recibió reconocimientos de Platino durante el evento por sus éxitos 'A la niña que fui' y 'Te lo agradezco', que canta junto al mexicano Carín León.

"A mi me encanta trabajar, amo lo que hago y voy a todas y todo el tiempo estoy pensando en lo que sigue", manifestó.

Kany García fue la invitada principal del primer día de la Semana Billboard de la Música Latina, el mayor encuentro del sector, que ocurre del 19 al 22 de octubre en Miami y que el jueves coincide con los Premios Billboard de la Música Latina.

Así mismo, se confirmó que será parte del show de la edición 27 de los Latin Grammy, que se realizarán el próximo 12 de noviembre en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas.

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Harry Styles recordó a Liam Payne en el segundo aniversario de su muerte con una canción que había mantenido inédita durante dos años. El exintegrante de One Direction presentó ‘What Is Enough’ durante uno de sus conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York, en una noche que coincidió con la fecha en la que falleció su antiguo compañero de banda.

El cantante británico hizo una pausa durante la presentación para hablar de las personas que han sido importantes en su vida y en su carrera. En ese momento recordó a Payne, a quien llamó uno de sus amigos, y explicó que había escrito la canción alrededor de la fecha de su muerte. Hasta entonces, el tema no había sido presentado públicamente.

Liam Payne murió el 16 de octubre de 2024, a los 31 años, después de caer desde el balcón del tercer piso de un hotel en Buenos Aires, Argentina. Su muerte marcó a los integrantes de One Direction, agrupación que compartió con Styles, Niall Horan, Louis Tomlinson y Zayn Malik y que se convirtió en uno de los grupos pop más exitosos de la década de 2010.

La canción que Harry Styles escribió para Liam Payne

Durante su presentación, Harry Styles interpretó ‘What Is Enough’ en una versión acústica. El artista explicó que se trataba de una canción que había escrito para Payne y que había permanecido guardada desde entonces. La decisión de mostrarla por primera vez justamente en el segundo aniversario convirtió el momento en uno de los homenajes más personales que Styles ha hecho públicamente por su antiguo compañero.

Antes de cantar, Styles también reflexionó sobre la importancia de expresar cariño a las personas mientras están presentes. El mensaje que acompañó la interpretación estuvo relacionado con el duelo, pero también con la necesidad de valorar los vínculos y decirles a los seres queridos cuánto significan.

La canción, además, tiene un significado particular por la relación que Styles y Payne construyeron desde que ambos llegaron a One Direction. Los dos hicieron parte de la agrupación desde su formación en ‘The X Factor’ en 2010 y posteriormente vivieron varios años de éxito internacional, giras y presentaciones antes de que el grupo anunciara una pausa indefinida en 2016.

El homenaje de Styles coincidió con otros recuerdos dedicados a Payne durante el segundo aniversario. Niall Horan, por ejemplo, incorporó un momento especial en uno de sus conciertos, en el que se escuchó una grabación de la voz de Liam mientras interpretaba ‘End of an Era’. El momento también provocó reacciones entre los seguidores de One Direction.

La polémica que generó la ex de Liam Payne

La fecha también estuvo marcada por la actividad de Kate Cassidy, quien fue pareja de Payne hasta poco antes de su muerte. La influenciadora compartió contenido relacionado con el cantante, incluido un video en el que aparecen juntos durante sus últimos momentos como pareja y fotografías de ambos. Sin embargo, otro contenido publicado en sus redes sociales generó una discusión entre sus seguidores.

En uno de los videos, Cassidy aparece preparando y comiendo helado junto a un hombre cuya identidad no ha sido confirmada públicamente y quien se especula sería su nueva pareja. Algunos usuarios señalaron que el hombre tiene un parecido físico con Liam Payne y cuestionaron que el contenido apareciera precisamente en el segundo aniversario de la muerte del cantante.

La situación generó comentarios divididos. Mientras algunos seguidores consideraron desafortunado el momento de la publicación, otros defendieron a Cassidy y recordaron que continuar con su vida sentimental no significa olvidar a Payne. De hecho, meses antes ella había hablado públicamente sobre las dificultades de volver a salir con alguien después de perder a una persona con quien pensaba compartir el resto de su vida.

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Kneecap, el trío de hip hop de Belfast (Irlanda del Norte) que rapea en gaélico irlandés y que ha convertido a Palestina, el colonialismo y hasta su propio juicio en canciones, se presenta este sábado 17 de octubre en The Bonfire, en Bogotá. Será el primer concierto de Mo Chara, Móglaí Bap y DJ Próvaí en Colombia y en Sudamérica, y llegan con FENIAN, su segundo álbum de estudio. 

Kneecap, el trío de hip hop de Belfast (Irlanda del Norte) que rapea en gaélico irlandés y que ha convertido a Palestina, el colonialismo y hasta su propio juicio en canciones, se presenta este sábado 17 de octubre en The Bonfire, en Bogotá. Será el primer concierto de Mo Chara, Móglaí Bap y DJ Próvaí en Colombia y en Sudamérica, y llegan con FENIAN, su segundo álbum de estudio.

Antes del concierto, Móglaí Bap habló con El Espectador sobre la pelea por las lenguas que el imperio británico quiso borrar y la ola de solidaridad que recibieron cuando la industria intentó cerrarles las puertas.

Es su primera vez en Sudamérica. ¿Qué esperan?

Estoy muy emocionado. Es nuestra primera vez en Sudamérica, así que va a ser una gran experiencia. Ya estoy cansado de ir siempre a Norteamérica. Me han dicho que los suramericanos, y los colombianos en particular, son mucho más divertidos.

Sus canciones suenan como titulares convertidos en rap. ¿Cómo se informan? ¿En quién confían y en quién no?

En Belfast crecimos rodeados de historia, sobre todo de historia anticolonial. Esas historias son parte de crecer allá. Y en Belfast tuvimos los Troubles, hubo una guerra en la ciudad, así que desconfiamos mucho de ciertas personas y de ciertos medios. Ahí es donde la música se vuelve importante. Muchos libros de historia cuentan la versión del opresor o del colonizador, porque normalmente son ellos los que los escriben. Es en la música donde viven los relatos de la gente común, de los pueblos colonizados. Tuvimos al gobierno británico en Irlanda durante mucho tiempo, entonces los irlandeses somos muy escépticos. Somos gente muy positiva, pero desconfiamos de cualquiera que tenga poder.

En “Occupied Six” miran el pasado del conflicto en Irlanda del Norte y saltan a Palestina en el presente. ¿Cómo deciden qué pasa en el mundo que merece un lugar en una canción?

Belfast es un lugar muy político. La política es parte de la conversación normal. Palestina siempre ha estado ahí, igual que el apartheid en Sudáfrica o los Panteras Negras. Eso es charla de todos los días. “Occupied Six” es un reflejo de esta época y también de lo afortunados que nos sentimos de no haber crecido en medio de un conflicto. Nos hace pensar en los jóvenes de Palestina y en lo que tienen que atravesar: no tienen infancia, no tienen una vida cotidiana normal. Nuestra propia historia nos hace mirar el pasado y el presente.

En esa canción hay un verso completo en árabe. ¿Quién lo hizo y cómo cuidaron que no fuera un gesto simbólico?

Es un artista palestino de Cisjordania, Fawzi. Llevamos mucho tiempo trabajando con Palestina. Mi hermano estuvo en Cisjordania y ayudó a montar un gimnasio comunitario, así que hizo conexiones allá. Su pareja es de Ramala y es amiga de este artista. Hablábamos mucho de Palestina y queríamos pasar a la acción práctica, construir un puente creativo, y eso fue importante para este álbum. Él es muy bueno, vale la pena escucharlo. Lo grabamos a distancia porque en ese momento no podía salir de Cisjordania, pero después tocamos juntos en el Primavera Sound, en Barcelona. Fue increíble.

En “Éire go Deo” comparan su lucha por el irlandés con la de Gales por el galés. ¿Han hablado con artistas galeses o escoceses? ¿Es la misma batalla?

Las condiciones son distintas, pero es la misma lucha. Todos sufrimos el mismo colonialismo, y se usaron los mismos métodos en Gales, en Escocia, en Kenia, en la India. Nos hicieron sentir vergüenza de nuestra propia lengua, nos empujaron a abandonarla. Tenemos una conexión grande con Gales porque hablamos lenguas celtas. La revitalización de las lenguas es una historia internacional. Pasó lo mismo en Sudamérica, con los españoles colonizando a los pueblos indígenas, y seguro que en Colombia también los hay. Creo que el mundo está cambiando y se está dando cuenta, porque estamos perdiendo idiomas cada mes. Y cuando se pierde una lengua, se pierde una forma de pensar la vida, de mirarla.

Por otro lado, en “Carnival” escenifican el juicio de Mo Chara como un guion: el juez, la defensa, los cargos. ¿Por qué convertir una audiencia real en una escena, en vez de solo cantar lo que pasó?

La llamamos “Carnival” porque eso era: un show que estaban montando. Nos usaban como protagonistas para distraer de lo que de verdad estaba pasando. Para los irlandeses, contar historias es una parte enorme de la cultura, y también es una forma de terapia. Con esa canción les quitamos poder a quienes nos estaban sometiendo. En vez de que ellos contaran la historia, la volvimos nuestra. Recuperamos el relato.

Hay artistas que no se atreven a tomar posición, pero cada vez más artistas jóvenes, sobre todo mujeres, lo hacen. ¿Qué cambió en la industria?

Creo que hay un cambio de conciencia. La gente es más independiente: tienes TikTok, tienes YouTube, la gente hace su propio dinero. No son los noventa, cuando dependías del video o de que la disquera te diera todo. Veo a Hayley Williams, de Paramore, hablando de Palestina, y es una gran influencia para muchos jóvenes que la adoran. Gente así, que habla claro, les da confianza a otros. Y Finneas, el hermano de Billie Eilish se bajó de un concierto. Eso no pasaba hace diez años. Tengo esperanza de que vamos en la dirección correcta.

¿Cómo imaginan la industria en el futuro cercano?

Cambia todo el tiempo por internet. Kneecap nunca ha sonado en la radio ni en las plataformas tradicionales, nunca tuvimos un número uno. Pero gracias a Instagram y YouTube tenemos contacto directo con los fans. Creo que los artistas serán cada vez más independientes, las disqueras importarán menos y la distribución será mucho más libre. Menos control siempre es bueno, sobre todo para crear. Mientras menos control tengan las disqueras, mejor para la música.

Enfrentaron cancelaciones, presión mediática y un proceso penal. ¿Qué les enseñó eso sobre la industria?

Que hay empresarios en salas de juntas, en la sombra, tomando decisiones que no vemos. Se suponía que era secreto y salió a la luz hace poco. Nos mostró que hay poderes que intentan frenar a la gente. Pero también nos enseñó que hubo muchísima solidaridad: Fontaines D.C., Paul Weller, Massive Attack, un montón de bandas se unieron. Creo que por fin tuvimos que organizarnos. Mientras más trabajemos juntos, menos podrán tumbarnos a todos.

¿Qué saben de América Latina, de Colombia o de Venezuela, y de su política?

No mucho. Sé que Estados Unidos secuestró a Maduro. Y creo que Colombia tiene un nuevo presidente. Eso es algo que intentamos hacer en cada lugar al que vamos: aprender de la gente, de su historia, de su historia colonial. Y comer buena comida. ¿Tienen buena comida? (risas).

La tenemos... ¿El público de los festivales va por la música o por la política? ¿Les molesta que los vean como “la banda política”?

Por las dos. En Irlanda es normal que vayan juntas. Si vienes, vas a tener política y vas a tener mosh pits, gente saltando. Es un lugar donde mucha gente se encuentra: pueden hablar de política o tirarse al pogo. Esas dos cosas deberían ir juntas. Si no te metes en la política, la política se mete contigo de todas formas.

Para terminar: ¿hay algún tema sobre el que quieran escribir y que todavía no hayan tocado?

Puede ser. Está en mi subconsciente, todavía no lo tengo. Me lo voy a guardar un tiempo y luego, quizás, me tomo unos hongos con algún amigo colombiano y sale (risas).

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La noche del viernes 16 de octubre, la artista española Aitana inició en Bogotá la gira latinoamericana de su 'Cuarto Azul World Tour'. La boletería estaba agotada y el recinto terminó de llenarse apenas unos minutos antes de que comenzara el concierto. Desde la entrada se veían muchas familias, grupos de niñas emocionadas por cantarle al desamor (supongo que por primera vez) y bastantes parejas.

El código de vestimenta era azul y blanco, y nadie lo pasó por alto: de verdad estábamos en un cuarto azul. También se vio más de una camiseta de España, y no era para menos: su éxito "Superestrella" fue la canción elegida por la selección española para sonar en los estadios después de cada victoria, y la selección ganó el Mundial de Fútbol 2026.

Desde temprano, las filas en los restaurantes del recinto eran larguísimas; parece que ir a un concierto ahora es un plan completo. Mientras esperaba que Aitana saliera al escenario, el público podía compartir fotos que aparecían en la pantalla junto a dedicatorias y mensajes de la gira. La música de espera estaba pensada para las girls: Dua Lipa, Olivia Rodrigo y Chappell Roan acompañaron con su música a las fans de Aitana.

La fiesta comenzó a las 9:30 p.m. en punto con "6 de febrero", la misma canción que abre el álbum. La primera parte incluyó algunos éxitos de discos anteriores, como "No te has ido y ya te extraño" y "+ (Más)".

Aitana Ocaña Morales expresó su cariño por Colombia y, sobre todo, por su gastronomía. El público se dividió entre quienes defendían el ajiaco y quienes pensaban que el sancocho era la mejor sopa. Contó además que el jueves, apenas llegó, subió al cerro de Monserrate. Siempre le asusta un poco la altura y quedarse sin aire, pero disfrutó mucho de la ciudad y aseguró que cantando se sentía muy cómoda, la altura no la estaba afectando.

Admitió que tenía algo de jet lag y que sentía como si estuviera dando un concierto a las 6:00 a.m. Recordó su visita al país hace unos años y dijo estar sorprendida por lo mucho que ha crecido su público aquí. El show siguió con canciones como "Los Ángeles" y "Miamor", pero hubo algo extraño: no sonó "24 rosas", tema que estaba en el setlist y que era de los más esperados por sus fans. "Vas a quedarte", "Mon amour" y "Desde que ya no hablamos" se cantaron a una sola voz. "Gran Vía", su colaboración con Quevedo fue lo más parecido a estar en una fiesta de madrugada en Madrid.

En un momento, Aitana bajó del escenario y recibió regalos de sus fans: un sombrero vueltiao, una muñequita de trapo con traje típico colombiano, una caricatura y varias joyas. No dejaba de agradecer el respeto del público, nadie la halaba ni intentaba abrazarla, solo sonreían al darle la mano.

Aitana le hizo una confesión a sus fans

Entonces llegó la segunda sorpresa: tampoco cantó "Las babys". Algo estaba pasando. Tras una larga pausa de baile, la artista dijo que quería contar algo: estaba enferma, con fiebre y un fuerte dolor de estómago, pidió perdón si sentían que no estaba dando lo mejor de sí. Lo estaba intentando, pero su cuerpo le estaba ganando la partida. El apoyo no se hizo esperar y el recinto entero resonó coreando su nombre.

Otro de los momentos más esperados fue el de la biblioteca itinerante que Aitana ha creado para la gira. Durante la interpretación de "Cuarto Azul", aparece tumbada en una cama de la escenografía con un libro distinto en cada concierto. A Colombia le correspondió la escritora italiana Elena Ferrante.

El cierre llegó con "Conexión psíquica" y, por supuesto, "Superestrella", con una sola voz que por momentos sonaba más fuerte que la de la artista. El público saltó y respondió a la dinámica del «más fuerte», y así terminó una velada de muchas emociones y sueños cumplidos, de cantarle al desamor, con más de una lágrima escapándose entre los asistentes.

Cuando se encendieron las luces, parecía que el concierto de Aitana no terminaba, grupos de amigos seguían coreando sus canciones y se sumaban a la música que se escuchaba fuera del recinto. Seguíamos viviendo en el Cuarto Azul.

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Los Tigres del Norte llevaron su música y su postura frente a la migración al reconocido formato Tiny Desk de NPR, en una presentación que rápidamente llamó la atención por el mensaje con el que comenzó y por la canción que eligieron para abrir el espectáculo. La agrupación mexicana se presentó el 15 de octubre como parte de la programación de ‘El Tiny’, iniciativa de NPR dedicada a celebrar la música latina durante el Mes de la Herencia Hispana en Estados Unidos.

El concierto no tardó en convertirse en tema de conversación en redes sociales. Los llamados ‘Jefes de Jefes’ comenzaron con ‘Somos más americanos’, una de sus canciones más relacionadas con la identidad de los mexicanos en Estados Unidos, las fronteras y la experiencia de los migrantes. A esto se sumó un discurso pronunciado antes de la presentación por Félix Contreras, productor de NPR Music y conductor de ‘Alt.Latino’, quien se mostró emocionado al hablar de la importancia de la agrupación para la comunidad latina.

La combinación entre las palabras de Contreras y la interpretación de Los Tigres del Norte hizo que el Tiny Desk adquiriera un marcado tono de reivindicación migrante. Sin embargo, horas después, la presentación volvió a generar conversación por una modificación en el video publicado por NPR.

El mensaje que desapareció del video

Antes de que Los Tigres del Norte comenzaran a interpretar ‘Somos más americanos’, Félix Contreras habló sobre el significado de la agrupación para quienes forman parte de la comunidad latina en Estados Unidos.

En el fragmento que posteriormente fue retirado del video de YouTube, Contreras afirmó que la comunidad latina estaba “bajo ataque” y señaló que no era la primera vez que enfrentaba una situación de este tipo. También destacó el papel que, según sus palabras, Los Tigres del Norte han tenido al devolver humanidad y dignidad a quienes se sienten representados por su música.

El productor terminó visiblemente emocionado y dio paso a la agrupación, que comenzó su presentación con ‘Somos más americanos’. La canción, publicada originalmente en 2001, aborda desde la perspectiva de un migrante mexicano la relación entre territorio, identidad y frontera. Uno de sus versos plantea precisamente que no fue el migrante quien cruzó la frontera, sino que la frontera terminó cruzándolo a él.

Después, Los Tigres del Norte interpretaron ‘Golpes en el corazón’, ‘Quiero volar contigo’ y ‘Ni parientes somos’. El público pidió una canción adicional y la agrupación terminó el espectáculo con ‘La puerta negra’.

La presentación comenzó a circular ampliamente en redes sociales y el mensaje sobre los migrantes fue uno de los aspectos que más comentarios generó.

La controversia aumentó cuando usuarios advirtieron que el discurso de Contreras ya no aparecía completo en la versión disponible en YouTube. No obstante, el discurso completo continúa disponible en una publicación de la cuenta de Instagram de NPR Music.

Hasta ahora, NPR no ha explicado públicamente por qué se realizó la edición.

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El puertorriqueño hizo el anuncio mediante un live en sus redes sociales, desde Estados Unidos, donde se encuentra de gira.

William Omar Landrón Rivera, famoso como Don Omar, anunció el miércoles 14 de octubre en la mañana que al final de la tarde tendría noticias para Latinoamérica. Después de las 5:00 p.m. el artista comenzó una transmisión en vivo mediante sus redes sociales donde confirmó su regreso a los escenarios de la región.

El boricua de 48 años, que comenzó su gira 'The Last King World Tour' en septiembre pasado e incluirá en ella 21 escenarios de Estados Unidos, también irá a Canadá y Europa, confirmó que dentro de su retorno a Latinoamérica previsto para el 2027 incluyó a Colombia. "No voy a decirle la fecha, no voy a decirle la locación, voy a decir qué países están ya confirmados", indicó el artista al comenzar la lista de ciudades.

Don Omar estará en Bogotá, Cali y Medellín

Don Omar estará en tres ciudades del país. De esta manera, Medellín, Bogotá y Cali recibirán el show del artista en de la gira que rinde homenaje a King of Kings, el álbum insignia del puertorriqueño que incluye éxitos como 'Dale Don Dale', 'Salió el Sol' y 'Danza Kuduro'. "

EL intérprete también informó que se presentará en ciudades de Paraguay, México, Guatemala, EL Salvador, Perú, Nicaragua. Honduras, Costa Rica, Argentina, Chile y Ecuador en el último trimestre del 2027. “Que comenzamos en octubre, noviembre y diciembre. Todavía no les voy a decir cuántas noches son por ciudad. La semana que viene les voy a dar información de cómo pueden ir suscribiéndose”.

El artista no dio a conocer fechas ni escenarios exactos en los que estará de concierto. Anticipó que las entradas para sus shows estarán disponibles desde noviembre próximo y en ese mes también se darán a conocer más detalles de la gira por América Latina.

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"Gracias a la gente de Latinoamérica por dejarme presentar este show, les prometo que la van a pasar super bien", dijo el puertorriqueño antes de desconectarse de su transmisión, explicando que en breve estará disponible la página donde sus fanáticos podrán suscribirse antes de adquirir las entradas para sus conciertos.

El cantante Aleks Syntek, que en los últimas semanas ha estado en medio de la polémica por su conducta en el escenario y por sus desencuentros con algunos de los asistentes a sus conciertos, reveló que no podrá ir a su gira de conciertos por Europa por recomendación médica. Publicó diagnóstico de su psiquiatra.

Aleks Syntek, el compositor e intérprete mexicano que fue noticia hace pocas semanas por su comportamiento en medio de un concierto donde algunos de sus seguidores que le solicitaban temas que él no deseaba cantar y por ello, les recriminó, ahora vuelve a ser noticia ya que pospuso su gira de conciertos por Europa, con el que celebra 35 años de carrera artística llamado 'Total Syntek Tour'.

Syntek, de 54 años y cuyo nombre de pila es Raúl Alejandro Escajadillo Peñ, subió a sus redes sociales un video donde menciona que los motivos de su decisión están relacionados con su salud mental.

“Amigos de Europa estoy feliz por la gira que voy a hacer de Total Syntek Tour con ustedes por allá en Dublin, en toda la zona de United Kingdom, en España en Alemania.

La cosa es que el doctor dictaminó que no puedo viajar tantas horas en un trasatlántico todavía. Voy a tener que retrasar las fechas un poquito, pero si voy a ir con ustedes, no se desesperen. Pronto les voy a dar las fechas del tour, sí voy a ir con ustedes y vamos a festejar 35 años de carrera”.

Sytek mencionó que seguirá cumpliendo con sus compromisos en México: "Por lo pronto sigo haciendo mis conciertos domésticos en mi país en México y en las zonas cercanas, un beso”.

En la misma publicación del video, el artista publicó el diagnóstico que le entregó su psiquiatra de cabecera, el doctor Luis Solís Rojas, el cual respalda lo dicho por él.

Aleks Syntek “presenta un trastorno psicótico no específico”, psiquiatra personal del artista

“Hago de su conocimiento que el señor Raúl Alejandro Escajadillo Peña, a quien atiendo en mi consulta privada, presenta un trastorno psicótico no especificado, código 6A2Z de la Clasificación Internacional de Enfermedades, undécima revisión (CIE-11), de la Organización Mundial de la Salud.
Debido a su condición clínica actual, recomiendo que se abstenga temporalmente de viajar por vía aérea, tanto en vuelos nacionales como internacionales, hasta el mes de diciembre de 2026, mientras avanza en su recuperación y logra una mayor estabilidad frente a los estresores asociados con su situación actual.
Cuando su condición lo permita, podrá reanudar sus viajes con normalidad y con la frecuencia que requiera”, se lee en la certificación médica que indica que el artista sigue un tratamiento.

Aleks Syntek también se vio envuelto en una polémica meses atrás por su rechazo al reguetón, no obstante, este fin de semana sorprendió al compartir escenario con Dani Flow, un representante del género urbano.

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Cuando el Binomio de Oro de América era ya una institución del vallenato, Israel David Romero era un niño que apenas hablaba y veía desfilar por su casa en Barranquilla a las celebridades de la música de aquel tiempo. Ahora que es la voz líder de la agrupación que cumple 50 años, el joven que hoy recibe el legado recuerda su recorrido hasta llegar al mismo sendero de su padre y cómo afectó a su familia la muerte de Rafael Orozco.

En la mayoría de los recuerdos que Israel David, hijo de Israel Romero, conocido como ‘El Pollo Irra’, tiene de su más tierna infancia está el Binomio de Oro de América. No solo porque era el trabajo de su padre, fundador de la agrupación junto a Rafael Orozco, sino porque en su casa se reunían la mayoría de los músicos. 

Uno de los primeros recuerdos es sobre “una parranda con la que celebró un bautizo”. Israel tenía 4 años. “Me acuerdo de que ellos siempre se mandaban a hacer unos trajes y entonces, para ese bautizo ellos me hicieron uno a mí. Estaba vestido del Binomio y me subí a la tarima y todo”.

El ahijado de Rafael Orozco

Lo usual era que al llegar del colegio se encontrara en su casa a personalidades del momento. Vio en su sala a Joe Arroyo, al Pibe Valderrama, Wilfrido Vargas, Oscar de León o Rubén Blades.  “La mayoría de los recuerdos en esa época eran más que todo cosas familiares o parrandas que se hacían. Las parrandas sociales del Binomio no eran en la casa de mi padrino, sino en la casa de mi papá generalmente”. Sí, Israel David no solo era hijo del 'Pollo Irra', sino ahijado de Rafael Orozco.

Israel vivió tantas situaciones que se quedaron en su mente, pero hay en particular que le parece hasta surreal. “Había un almuerzo en la casa con los de la orquesta de Wilfrido Vargas y luego de este almuerzo, ellos se pusieron a tocar. (Dijeron) ‘Vamos a ver qué sale’. Eso fue dentro del garaje de la casa. Ahí estaban los instrumentos y empezaron. En ese tiempo Wilfrido tenía a Eddy Herrera”.

El ensayo improvisado terminó siendo un concierto para toda la cuadra. “Te estoy hablando de que en ese tiempo no existían los celulares ni nada por el estilo. La gente que iba pasando o caminando, se paraba ahí (…) No sé cómo llegaron, pero llegaron”. El almuerzo privado terminó siendo una fiesta donde disfrutaron centenares.

La muerte de Rafael Orozco cambió todo

Todo cambió cuando murió Rafael Orozco el 11 de junio de 1992 y la familia decidió mudarse a Venezuela. “Después, cuando sucede lo de mi padrino, que nos vamos a vivir a Maracaibo, ya mi casa no era eso que era en Barranquilla. Ya era todo muy privado, ya no vivíamos en casa, sino en un apartamento”.

Podían cambiar de país y de casa, pero en su alma nunca se movió esa inquietud por el vallenato. Extrañaba tanto la música que tan pronto tuvo oportunidad se involucró en su primer proyecto.

“Tenía como 12 años e hicimos como una mini parranda entre primos y yo los vi cantar y los vi tocar instrumentos y tan profesionales que yo quedé sorprendido porque estábamos muy niñitos”.

Mientras Israel David terminaba sus estudios colegio alimentaba su gusto por la música y por la composición. Y esa dedicación tuvo fruto: a los 14 escribió su primera canción. “La compuse en el colegio se la entregué a mi papá y él se fue con un cassette a Medellín a la grabación. Dentro de muchas canciones que se llevó, hicieron una selección y la mía pasó”.

Se llama ‘Cómo expresar lo que siento’ y en adelante, la comenzó a cantar. “Cuando se iba a las presentaciones y le pedían el tema, mi papá en vez de cantarlo con la agrupación, me llamaba a mí y decía ‘yo quiero que se la cante el compositor’”.

Entre más crecía, mayor era su gusto musical. Posteriormente se inclinó por el acordeón: “Se me dio y empecé a incursionar en instrumentos de percusión”.

Cuando tuvo edad y sus estudios universitarios de Diseño Gráfico estuvieron adelantados, convenció a su papá de revivir el proyecto musical familiar, el mismo con el que tocó siendo niño. Se llamó La Dinastía Romero. Allí estuvo entre el 2003 y el 2013. Con la agrupación pisó decenas de escenarios en Venezuela, pero era consciente de que su voz necesitaba entrenamiento y mayor potencia si quería seguir creciendo en el ámbito musical. “Contraté a una profesora de canto que estuvo en mis inicios dándome apoyo y técnicas vocales para poder aprender a desarrollar mi voz y ahí sí poco a poco fui creciendo como profesional”.

El diseño pasó a un segundo lugar y la música sería, en adelante, su vida. En el 2013, su padre decidió que el Binomio no tendría una voz líder sino tres cantantes y uno de ellos sería él. “Más que todo hice coros", pero siempre con el anhelo de ir más allá. “Luego, poco a poco, fueron surgiendo cambios dentro de la misma organización, salieron unos cantantes, entraban otros, yo quedé ahí esperando”.

Finalmente la oportunidad llegó. Siete años después, David se convirtió en el cantante principal de la denominada Universidad del vallenato. "Ya empiezo como voz líder absoluta a partir del 2021. Afortunadamente nuestro trabajo se disparó (...) hemos estado girando por el mundo entero, de hecho, ahorita estoy en Madrid, estamos haciendo una gira muy importante en Europa".

50 años del Binomio de Oro de América

Este 2026 el Binomio cumple 50 años y los celebra con el lanzamiento de su nuevo álbum ‘Vamos que vamos’, el primero en varios años, Ese trabajo discográfico marca el debut en estudio de Israel David, que grabó los 17 temas: “Hay canciones muy modernas que te prenden la rumba, que necesitas para subir la energía, también vas a encontrar canciones románticas al mejor estilo del Binomio de Oro, románticas, modernas, un poco frescas, picarescas".

'Vamos que vamos' para Israel David no es solo el álbum del medio siglo de existencia del Binomio, es su graduación, es el momento en que su camino y el de su padre se volvieron uno solo. Los sueños del ahijado de Rafa se hicieron realidad.

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El artista y ex integrante de los Inquietos desató una oleada de reacciones en redes sociales luego de que se conociera lo que dijo sobre la música de Silvestre Dangond. Esto fue lo que expresó.

Nelson Velásquez es un reconocido exponente de la música vallenata. Nacido en San Juan del Cesar e hijo del también músico y acordeonero Aníbal Velásquez, ha estado vinculado a la música desde muy niño. Fue parte de Los Sensacionales, luego integró Los Inquietos vallenatos y desde el 2002 es solista.

Nelson, de 53 años, se convirtió en tendencia la mañana de este martes 13 de octubre luego de que en redes sociales comenzara a circular un video donde lanza una opinión, para algunos fuerte, sobre la música de su colega Silvestre Dangond, considerado otro de los grandes exponentes del género.

La situación se dio en medio de un stream con el generador de contenido Westcol donde estuvieron varios intérpretes vallenatos. Aunque Nelson indicó que no quería generar polémica terminó protagonizando una con su declaración.

“A mí me parece Silvestre más show que cantante. Él ha hecho algo muy bueno en el vallenato, el vallenato, hasta que hizo la canción de Omar (Geles) y A Blanco Negro. A mí me pareció que hasta ahí, yo me lo voy a decir así, que hasta ahí Silvestre hacía el vallenato bueno”, expresó el cantante que era consciente de que participaba en un espacio digital por lo cual sus palabras eran registradas.

"Se dedicó más a otra cosa", Nelson Velásquez sobre Silvestre

Velásquez luego explicó un poco más su punto de vista dejando ver que la internacionalización de Silvestre ha tenido, en su concepto, un costo para el género. “Después se enfocó mas en lo internacional y se apartó el vallenato y se dedicó más a otra cosa que a otro género”.

En el mismo espacio, Velásquez mencionó su admiración por el fallecido Rafael Orozco. Así mismo, trascendieron las imágenes donde se le ve obsequiarle un acordeón al generador de contenido Westcol.

De momento Silvestre Dangond, quien recientemente ocupó la atención por su gira ‘El último baile’ donde se presentó con Juancho de la Espriella, quien fuera su compañero hasta hace diez años no se ha pronunciado sobre lo dicho por su colega,

Por supuesto las palabras de Nelson han vuelto a poner sobre la mesa el debate entre quienes prefieren el vallenato como tal y entre quienes están de acuerdo con la fusión del género con otros género.

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Karen Lizarazo llega a su tercera nominación al Latin Grammy con ilusión, nervios y un sentimiento de responsabilidad. La cantante compite en “Mejor Álbum de Cumbia/Vallenato” con “El Tiempo Perfecto”, una producción que representa un momento de transformación personal y musical. En la categoría también figuran Jorge Celedón y Víctor Nain Jr., Gusi, Ke Personajes y Carlos Vives.

Por segundo año consecutivo, la colombiana es la única mujer nominada y, según dijo en entrevista con Vea, de El Espectador, la nominación también implica representar a otras intérpretes del género.

Karen Lizarazo y su nominación a los Latin Grammy 2026

La artista de 36 años reconoce que los nervios no han disminuido con la experiencia. Al contrario, siente más expectativa que cuando recibió su primera nominación, en 2020. Ahora la posibilidad de ganar parece más cercana.

La ceremonia se realizará el 12 de noviembre en Las Vegas. La intérprete vallenata espera ganar, pero no lo plantea como una apuesta de todo o nada.

“No quiere decir que si no ganamos yo me vaya a bajonear, cero. Al contrario, me da más fuerza para que la próxima sí. Y si tampoco, pues entonces la próxima y la que siga, porque en eso consiste la vida. Pero sí, uno cada vez se siente más cerca de ese gramófono. Entonces, la ansiedad y los nervios son más grandes también”, agregó.

Volver a la raíz para encontrar su voz

La nominación tiene como punto de partida 'El Tiempo Perfecto', álbum publicado en mayo y creado después de una pausa en la que la cantante se mudó a Valledupar. Buscaba recuperar el vínculo con el género y apartarse del ruido que la había hecho perder de vista aspectos esenciales de su carrera.

Aunque nació en Aguachica (Cesar), la artista siente a Valledupar como un lugar de pertenencia musical. Allí quiso acercarse a la raíz vallenata y trabajar junto a músicos, acordeoneros y compositores de la región. El disco reúne 12 canciones, cinco de ellas escritas por la propia artista.

El valor del disco no se mide solo por las canciones o las colaboraciones, sino por aprender a confiar en el proceso y soltar el control.

“En este álbum yo aprendí a soltar. (…) En mis anteriores álbumes yo quería tener el control de todo. (…) Este es mi mejor álbum porque fue en el que más fluyó todo, en el que pude hacer música con las personas con las que yo quería hacerlo hace mucho tiempo y grabar canciones de compositores que he admirado toda la vida”, dijo.

Los sueños que todavía quiere cumplir

Karen Lizarazo habla de sanación, renovación y aprendizaje. Además de cantante, dirige una empresa conformada casi en su totalidad por hombres. Por eso, considera que su papel va más allá del apodo de ‘la Patrona del Vallenato’.

“Me siento honrada, agradecida y orgullosa, pero sobre todo siento una responsabilidad gigante sobre mis hombros, porque casi que todas las mujeres colombianas y latinoamericanas, sobre todo las que hacemos vallenato, van a estar pendientes de cómo es que nos va a ir a representar Karen allá”, señaló.

El Latin Grammy es una de sus metas, pero no la única. La artista sueña con hacer una gira propia y presentarse en el Festival de Viña del Mar. En el plano personal, también imagina formar una familia, aunque aclara que no es un proyecto inmediato.

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