La escritura e investigación del guion estuvieron a cargo de Juan Carlos Rincón, Valeria Cortés y Ana María Pedraza. En la presentación está Rincón. Kenny Salamanca editó este video.

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El dólar cerró a la baja. la moneda estadounidense cerró las negociaciones del día en COP 3.700. lo que representa una caída de COP 5 frente al último precio del jueves (COP 3.775).

Por su parte, la Tasa Representativa del Mercado (TRM) para este 6 de marzo es de COP 3.767,94, de acuerdo con la Superintendencia Financiera.

¿Cómo la guerra afecta el precio del dólar?

El panorama en Medio Oriente, tras el ataque de Estados Unidos a Irán, influencia con fuerza las negociaciones de la moneda durante estos días.

El conflicto es clave porque la región resulta estratégica para el comercio, por el tránsito de las mercancías que pasan por el estrecho de Ormuz, especialmente el petróleo.

El crudo ha tenido un alza importante en el último día, superando los USD 85 por barril, lo que implica el precio más alto registrado desde julio de 2024.

Analistas también recuerdan que, ante este tipo de escenarios geopolíticos, se aumenta la aversión al riesgo y, por ende, el apetito por los activos refugio. Esto hace que la demanda de dólares, considerada como moneda estable, se incremente, lo que presiona al alza su valor.

Sin embargo, lo que hace contrapeso en Colombia es el precio del petróleo, porque al ser un país exportador de crudo, una buena parte de las divisas que entran se deben a sus exportaciones.

Desde Credicorp Capital se anticipa una jornada alcista, con los COP 3.760 como pivote, pudiendo cerrar en COP 3.790.

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En 2019, el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá llega fiel y firmemente a su octava edición con una misión muy especial: reunirnos durante cuatro semanas a través de la música, en torno a la Gratitud: La música como ofrenda.

Sabemos bien que el Festival, a diferencia de muchos certámenes musicales en el mundo, no se centra anualmente en una temática musical, en un periodo de la historia  de la música o en un compositor específico, sino que, desde su nacimiento, ha buscado promover valores como los que necesita un país como Colombia: unión, reconciliación, paz, perdón, misericordia, fraternidad, armonía y este año, gratitud.

Pero… ¿y  por qué Gratitud? Porque después de ocho años de estar luchando por abrir un espacio cultural en Bogotá que permitiera a miles de personas conocer la espiritualidad del mundo a través de sus músicas sagradas, después de convertir un festival que comenzó con cuatro días a ser el encuentro sonoro más largo del continente, de pasar de 2.000 asistentes en la primera edición a 640.000 en la última, de haber logrado tantas alianzas para traer agrupaciones de Rusia, Chipre, Sudáfrica, Japón, India, España, Chile, y otros 35 países, es momento de sentirse inmensamente agradecido y así como el amor, la gratitud no sólo hay que sentirla sino demostrarla.

Tenemos muchas razones para perder la fe y la esperanza en este mundo. Somos mundanos, temporales, pobres de espíritu, pero la gratitud nos permite ver el lado positivo de toda persona y circunstancia, la gratitud, nos permite ser testigos de la existencia de Dios, o lo Divino, en nuestras vidas.

La gratitud es el antídoto para el sufrimiento. Y la música, especialmente la música sacra, nos da la capacidad de entrar en contacto con lo Divino, tanto dentro como fuera de nosotros.

El mundo va a mil por hora, el tiempo es “el nuevo oro” que pocos lo tienen y pocos lo disfrutan. La era digital conecta a las personas, pero también las aísla. Construimos amigos, masas y comunidades virtuales, pero poco contacto físico y espiritual tenemos con los que amamos y con nosotros mismos.

Y eso es lo que ofrece el Festival Internacional de Música Sacra: La oportunidad de dedicarnos calidad de tiempo, compartir en persona, de tejer redes, de conocer otras historias, otras personas, otras realidades, otras visiones, otras espiritualidades, otras artes. Y presentar la música como ofrenda, nos otorga la posibilidad de colocar señales de agradecimiento y de amor a nuestro alrededor. Donde hay música bella, hay bellos sentimientos.

Qué mejor mensajeros que los artistas a través de su arte. Los artistas que crean e interpretan música sacra, música sagrada, se inspiran en Dios, en el amor divino, y ¿qué puede haber más cercano a la perfección que esa fuente de inspiración?

Ellos tratan de captar y de transmitirnos lo sublime, lo armónico, lo perfecto. Y si a la música los artistas le añaden el toque secreto de la gratitud, la música se convierte en alabanza, en ofrenda, y nos recuerdan que debemos aprender a ver la vida como un regalo y agradecer el simple hecho de estar vivos.

Este año el Festival presenta 50 eventos, todos relacionados con la música y con el arte sacro. De los 50 eventos sólo tres serán con boletería, de resto todos abiertos al público.

Conciertos diarios de martes a domingo durante cuatro semanas, conciertos para niños, charlas previas a los conciertos, clases magistrales para estudiantes de música, visitas guiadas por el centro histórico para conocer el maravilloso patrimonio de arte sacro que tenemos en nuestras emblemáticas iglesias, un sorteo para un viaje para dos personas al Festival de música barroca en Chiquitos, Bolivia, y dos exposiciones en el Centro Comercial Andino: una sobre los archivos musicales de la Catedral de Bogotá y otra de lugares sagrados en el mundo del fotógrafo colombiano Jorge Gamboa.  

Tendremos una programación de lujo con más de 700 artistas de reconocimiento internacional de 15 países, quienes nos presentarán lo mejor de la música sacra, sagradas, religiosas, meditativas, contemplativas, de diferentes estilos, épocas y religiones. Una oportunidad imperdible para conocer la historia del mundo a través de la música.

Que esta edición del Festival Internacional de Música Sacra sea un espacio para  curar el alma, para forjar vínculos, para reducir el dolor, la ansiedad, para alegrar nuestros corazones y para agradecer a través de la música. Nos vemos en el Festival y que la música nos siga uniendo.

* Directora del Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá.

Marzo es el mes emblemático de la música andina colombiana. La razón fundamental está encabezada por dos apellidos que la historia se ha encargado de unir casi que por inercia: Garzón y Collazos. Estos dos personajes, Darío Garzón Charry y Eduardo Collazos Varón, enlazaron sus talentos para la interpretación de las manifestaciones del interior del país en 1938 y su carrera como colectivo se extendió hasta 1977.

A mediados de la década del 50 el dueto de voces, guitarra y tiple grabó para el sello Sonolux canciones como Negrita, de Luis Dueñas Perilla; Pueblito viejo, de José A. Morales; Espumas, de Jorge Villamil, y Soy colombiano, de Rafael Godoy, y a partir de este registro comandaron el movimiento cultural que intentó por todos los medios evitar que tanto el folclor del Caribe como del Pacífico aniquilaran por completo estilos como el bambuco, el pasillo y la guabina.

La repercusión del trabajo elaborado por Garzón y Collazos fue tan significativa, que el 21 de marzo de 1987, justo un año después del deceso del maestro Darío Garzón Charry, se creó en Ibagué el Festival Nacional de la Música Colombiana. La capital del departamento de Tolima siempre fue el eje temático para el dueto y de allí tenía la posibilidad de aumentar el radio de acción hacia Huila, Valle, Boyacá, el Eje Cafetero y Santander. Por eso el evento echó raíces allí y después de 33 ediciones continúa evolucionando sin perder su esencia.

Desde entonces muchas agrupaciones han visto consolidar sus sueños en este evento, en cuya edición correspondiente a 2019 tendrá como gran homenajeada a María Isabel Saavedra. Ella será el centro de esta celebración musical que se realizará en la capital tolimense desde el 18 de marzo hasta el 25 del mismo mes.

En su tránsito por la música María Isabel Saavedra, mejor conocida simplemente con su apellido, ha tenido dos procesos importantes. El primero comprendió su periplo desde las letras más sencillas hasta las canciones más complejas, mientras que el segundo contempló un regreso hacia la condición simple de la música. Ella se despojó de las formas complicadas y se enfrentó al genuino deseo de expresarse para ser comprendida.

De ahí que su oficio sea, precisamente, componer canciones, gestar atmósferas para que otras voces o la de ella misma, cuenten historias y se aproximen a los sentimientos humanos a través de la música, que en el caso de Saavedra supera el marco de las manifestaciones del interior del país. Ella con su pluma y su corazón ha gestado boleros, baladas y piezas de otros géneros.

Una de las agrupaciones que ha sentido la influencia tanto del Festival Nacional de la Música Colombiana de Ibagué como de la obra creativa de Saavedra es el dueto Lina y Julián, que resultó como el primer ganador del concurso Príncipe de la Canción, en 1995.

“Cuando nosotros llegamos al festival lo hicimos por mi padre, porque llevábamos cinco años de actividad en Cali, pero nunca habíamos participado en ningún concurso y allí nos encontramos con duetos tradicionales de mucho nivel. Para nosotros este evento ha sido fundamental y tratamos de no perdernos ninguna edición”, cuenta Lina Valencia Bonilla, integrante del dúo Lina y Julián.

“Lo que intentamos hacer durante nuestra presentación en 1995, y cada vez que podemos asistir, es enviar las sonoridades del interior del país un poco más al futuro. Creo que los duetos tradicionales tienen gran nivel, pero nuestra función era incorporarle a esa música una armonía moderna y nuestro trabajo siempre ha sido muy aplaudido y ha tenido una recepción maravillosa”, complementa Julián Valencia, hermano de Lina.

Durante los dos primeros años, las actividades programadas dentro de la propuesta artística del Festival Nacional de Música Colombiana se cumplieron en el Cementerio San Bonifacio. El desfile musical de duetos, tríos, cuartetos y corales, con una masiva participación de representantes departamentales, superaba el estimado de 100 músicos, quienes se ubicaban alrededor de las tumbas de Garzón y Collazos para rendirle tributo al dúo.

En 1990 el evento se hizo extensivo a la Concha Acústica “Garzón y Collazos” y se incorporó la denominada “Tradicional Noche Tolimense”, en la que se creó el Concurso de Duetos, que definitivamente le dio al certamen el tinte nacional que tanto esperaba. Este festival es el momento para disfrutar de una tradición folclórica, y por eso en 2003 fue declarado Patrimonio Cultural y Artístico de la Nación.

En su edición número 33, además de contar con la presencia de la homenajeada Saavedra, la diversidad musical será protagonista con la participación de invitados como Maía, Los Gaiteros de San Jacinto, la cubana Raquel Zozaya y Los Rolling Ruanas.

Ibagué se prepara para sintonizarse con el sonido andino colombiana y para demostrar que sigue siendo la “Capital musical del país”.

Una canción compuesta por sus intérpretes, en colaboración con Andrés Torres y Alejandro González, así es la más reciente creación de Cali y el Dandee, que aborda el sacrificio que pude implicar el final de una relación amorosa, los errores que se cometen y el perdón. La estrategia fue escrita hace tres años y varias veces se pudo escuchar en shows en vivo del grupo |en su versión acústica.

“Es una canción muy especial para nosotros en la que realmente llevamos mucho tiempo trabajando en ella (…) queríamos darle el tiempo para encontrar el sonido perfecto que se acomodara a esta pieza”.  Así se logró la mezcla de la balada romántica con sonidos más modernos, que caracterizan a la agrupación.

Desde hace varias semanas, Cali y el Dandee mediante sus redes sociales crearon una campaña de expectativa en cuanto al video y la canción, mostrando pequeños fragmentos de ambos, y con esa iniciativa lograron más de 8 mil reproducciones en su cuenta de Instagram en un día de exhibición.

El estreno mundial de su nueva canción La estrategia estará disponible a partir de hoy, julio 28, en televisión, en radio y en todas las plataformas digitales asegurándose así que millones de personas tengan acceso a su propuesta.

El videoclip fue grabado entre Los Ángeles y Caracas, mostrando una fuerte y emotiva historia. El contenido audiovisual, que fue dirigido por el venezolano Nuno Gomes, cuenta la historia de un padre que sacrifica todo por su hija, así mismo, aborda la lucha por recuperar a su pequeña luego de cometer grandes errores. La estrategia es una fuerte historia de amor contada en pocos minutos que pretende tocar las fibras más sensibles del ser humano.

Esta canción generó un gran impacto desde su aparición en la introducción de la serie La nocturna, de Caracol Televisión, y en las redes sociales de los artistas cientos de sus fans aclamaban la canción por su ritmo y su letra romántica. Lo que querían Cali y el Dandee con esta canción era lograr que el público se enamorara de la letra y sintiera como propia una historia sensible.

El rock en Colombia tuvo su momento de gloria en las décadas pasadas pero ahora mutó y alimenta otros estilos musicales por los grandes cambios que ha tenido esta industria, consideró el bajista Héctor Buitrago, uno de los fundadores de la banda bogotana Aterciopelados. (Lea también: Aterciopelados y Jorge Celedón presentan remix de “Ay Ombe, vamo a relajar el pony”)

"El rock en Colombia tuvo su momento con el auge del rock en español, ahora creo que hace parte de un nicho aún activo. El rock está presente en otros ritmos que están teniendo gran éxito", afirmó Buitrago en una entrevista con EFE. (Puede leer: El legado de Aterciopelados descrito por Los Petit Fellas)

El artista, que formó Aterciopelados con Andrea Echeverri en 1993 y que actualmente participa en la octava edición del Bogotá Music Market (BOmm), está de acuerdo con la evolución de la música colombiana y la acogida que han tenido los ritmos urbanos en las audiencias, tanto nacionales como extranjeras.

"Los ritmos urbanos hacen parte de una evolución de la música", afirmó el bajista, quien agregó que esa popularidad se debe a lo hecho por los artistas de otros géneros que antes "tuvieron que abrir el camino".

En ese sentido, Buitrago comentó que "todo empezó con los músicos que comenzaron a hacer rock en los años 60, luego llegaron los folcloristas, después se pasó a una fase de experimentación con el rock en español y finalmente los géneros urbanos impactaron la escena".

"Eso no hubiese pasado si otros músicos no hubiesen abierto la puerta", insistió el también activista, que opinó que "la música se ha transformado mucho, estamos en un momento en que nadie sabe muy bien qué hacer, de un mes para otro pueden cambiar mucho las cosas, antes las emisoras de radio eran lo principal y ya no lo son".

Aterciopelados se dio a conocer en la década de los noventa y entre sus canciones más reconocidas están Bolero falaz, Florecita rockera y Maligno.

La banda bogotana tiene ocho trabajos discográficos de estudio, de los cuales tres fueron incluidos en la lista de "Los 250 álbumes más importantes del rock iberoamericano" que publicó la revista estadounidense Al Borde en 2006.

El grupo también ha sido nominado seis veces al Grammy y ha ganado tres Grammy Latinos.

No obstante, Buitrago consideró que Aterciopelados, como todos los grupos de su época, recién está ingresando a un nuevo mundo: el de las redes sociales.

"Tratamos de ser creativos en todos los espacios y eso es lo que hay que hacer en esta nueva dinámica de la música", añadió.

El bajista también habló sobre la evolución musical de la banda, pues cree que pese a que Aterciopelados ha transformado su ritmo con el paso de los años siempre manteniendo su estilo irreverente y vanguardista.

"El sonido de Aterciopelados es ante todo auténtico, personal y está acorde con los tiempos, otra cosa importante es que tiene una función social", mencionó Buitrago, quien comenzó su carrera con la banda bogotana La Pestilencia.

Es por ello que las letras de la canciones de la agrupación siempre han estado relacionadas con temas como la protección del medio ambiente, la reivindicación de los derechos de las mujeres y la preservación de la cultura indígena.

"Nos gusta apoyar muchas causas ecológicas y favor de los derechos de la mujer, creemos en el poder sanador de la música y en la recuperación ancestral. La idea es hacer temas desde distintas luchas", concluyó Buitrago. 

"El poder de la música es unir a la gente", comentó Madonna este sábado en su histórica primera actuación en la gran final del Festival de Eurovisión, palabras que algunos han leído en clave de defensa frente a las críticas que le han hecho por presentarse en Israel. (Lea también: Madonna después de "Medellín")

Fue minutos antes de una actuación en la que revivió Like a prayer, el sencillo que revolucionó el mundo hace 30 años gracias a un incendiario videoclip en el que besaba a un Jesucristo negro. (Le puede interesar: Madonna se hace material)

Seguidora de la Cábala (en la tradición judía, sistema de interpretación místico y alegórica del Antiguo Testamento), quizás la diva ha preferido recatarse en su show en Expo Tel Aviv, a escasos 70 kilómetros de Jerusalén, de Belén y en general de todos los rincones que comprenden la vida y muerte del mesías católico. (Además: Video: Madonna y Maluma, unidos por "Medellín")

Concluido el turno de actuaciones a concurso, la diva se subió al escenario para dar inicio a una presentación de 9 minutos de duración que arrancó con la reinterpretación de su citado clásico, en clave de coral eclesiástica y junto a 30 acólitos de su propio culto que, vestidos con túnicas, la arropaban en una gran escalinata.

Después llegó el estreno en vivo de su más reciente tema, el dancehall jamaicano Future, en el que reflexiona sobre el mundo en el que vivimos, esta vez con su cuerpo de baile ataviado con máscaras de gas.

Se trata del cuarto tema que lanza del que será su próximo lanzamiento discográfico, Madame X, que verá la luz el 14 de junio y la embarcará en una gira mundial de presentación que, de momento, solo la ha llevado a ofrecer dos actuaciones estelares, una hace dos semanas en los Billboard Awards junto a Maluma, y esta de Eurovisión.

La comentada participación en el Festival Europeo de la Canción ha sido fruto de una larga cadena de rumores y desmentidos desde que el pasado mes de febrero se anunció que la costearía el multimillonario canadiense israelí, Sylvan Adams, el mismo que llevó el Giro de Italia a Israel.

Cerrado ese acuerdo, que se estimó en un millón de dólares (890.973 euros), quedaba pendiente aún por concretar otro relativo a la Unión Europea de Radiodifusión y los derechos de transmisión de uno de los dos temas que había de interpretar en la gala, Like a prayer.

Aún así, el pasado martes la estrella llegó a Tel Aviv tras volar junto a un séquito de cerca de cien personas. Algunas informaciones apuntaron entonces a que cuando el jueves acudió al ensayo de su actuación, se encontró la puerta cerrada del recinto por orden del supervisor ejecutivo del evento, Jon Ola Sand.

Al final, se dio el visto bueno para que Madonna pudiera acceder al recinto, después de que su equipo amenazara con cancelar la actuación, que no se confirmó oficialmente hasta la noche de ese día y que se ha convertido en uno de los momentos más esperados de esta edición.

"Son todos campeones, llegar aquí no es fácil, primero porque tienen un sueño por el que luchar. En mi opinión, eso los hace vencedores, independientemente de lo que pase", dijo la cantante en unas palabras expresamente dirigidas a los 26 participantes de la final. 

Durante una gira de promoción en Miami, Randy Malcom y Alexander Delgado (Gente de Zona), dijeron en entrevista con Efe que se divirtieron mucho durante la grabación del videoclip.

El rodaje tuvo lugar en Cuba bajo las órdenes de Alejandro Pérez, quien también dirigió la producción de "La gozadera", "Bailando" y "Traidora".

"El mentiroso" ya ha registrado más de 2 millones de vistas en medios de difusión digitales, unos datos muy esperanzadores para el dueto cubano, que confía en que el tema "se convierta en todo un éxito".

Entre las anécdotas del rodaje, los artistas revelaron que tuvieron que disfrazarse de mujer y que "ahora" entienden "por todo lo que ellas tienen que pasar".

"Siempre hemos sentido un gran respeto por la mujer y, esta vez, las respetamos aún más por la cantidad de horas que demoramos para maquillarnos", bromeó Delgado.

La canción con Silvestre Dangond se ha convertido en una llamada de atención a los hombres que engañan a las mujeres y a las "miles de excusas y mentiras" que se escuchan en los casos de infidelidad.

Malcom confesó que él se sentía "muy identificado" con la letra de este tema, sobre todo porque le recordaba su "época de juventud".

"Yo disfruté mucho en mi juventud, no te voy a engañar. Me lo pasé en grande en Cuba y en muchas partes del mundo y ese tipo de mentiras las disfruté", explicó convencido de que "las mujeres también se sentirán muy identificadas".

"Saben que la mentira siempre se descubre al final", apuntó.

Han pasado casi cinco años desde que saliera al mercado y alcanzara los primeros puestos de las listas de ventas "Bailando" (2014), la canción que Gente de Zona interpretó junto a Enrique Iglesias y a su compatriota Descemer Bueno.

"Creo que nosotros hemos sido unos bendecidos y, por eso, siempre agradecemos tanto la oportunidad que Dios nos dio de hacernos populares en el mundo entero y de que hubiera aparecido un Enrique Iglesias, un Marc Anthony o un Pitbull y que hayan tenido la delicadeza de grabar con unos artistas que no eran conocidos", afirmó Delgado.

Si no hubiesen salido de Cuba ni alcanzado la fama a nivel internacional, manifestó Malcom por su parte, hubieran sido "igualmente felices y alegres, porque eso está en el ADN del cubano".

"El cubano es feliz con una lata y un palo", remarcó.

El cantante británico Ed Sheeran ha decidido tomarse un descanso del trabajo y de las redes sociales para "viajar, escribir y leer", y volverá a componer cuando "haya vivido un poco más".

Así lo anuncia el artista de 28 años en su cuenta de Instagram, donde ha cambiado su imagen del perfil por el icono "BRB" ("be right back", volveré enseguida) para informar de sus intenciones a sus más de 32,2 millones de seguidores, de los que se despide "con mucho cariño".

 

 

 

 

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Brb x

Una publicación compartida de Ed Sheeran (@teddysphotos) el 24 Dic, 2019 a las 4:00 PST

Sheeran explica que ha trabajado sin parar desde 2017, por lo que necesita "un respiro" para practicar sus aficiones e inspirarse, y estará fuera de las redes sociales "hasta que sea el momento de volver".

"Prometo volver con música nueva cuando sea el momento adecuado y haya vivido un poco más para tener algo de lo que escribir", afirma.

(Puede leer: Ed Sheeran cierra el lunes su gira 'Divide', la más taquillera de su carrera)

El músico de Suffolk (este de Inglaterra), que ya se tomó un descanso en 2016, ha concluido este año su gira Divide, lanzada en marzo de 2017 y con la que ha realizado 260 espectáculos en más de cincuenta países.

Su cuarto álbum de estudio, "Nº6 Collaborations Project", salió a la venta el pasado julio y ha coronado durante semanas las listas de éxitos en el Reino Unido.

Sheeran ha sido nombrado artista de la década por la Official Charts Company por conseguir el récord de doce números uno en las listas oficiales de éxitos de sencillos y de álbumes entre 2010 y 2019, más que ningún otro colega. También se ha mantenido en los primeros puestos de esas listas por más tiempo que nadie, con un total de 79 semanas. 

La inconfundible voz de The Cranberries Dolores O'Riordan, fallecida el lunes, estaba a punto de grabar una nueva versión de su tema más conocido, "Zombie", con el grupo de rock duro Bad Wolves, indicó este último. (Lea: Murió Dolores O'Riordan, cantante de The Cranberries)

"Estamos conmocionados y tristes por la noticia de la muerte de Dolores, apenas horas antes de que fuera a grabar la voz en nuestra versión de 'Zombie'", anunció Bad Wolves en Facebook.

La cantante irlandesa falleció de manera repentina a los 46 años, anunció el lunes su agente, Lindsey Holmes Publicity, precisando que la cantante de cabello azabache "estaba en Londres para una corta sesión de grabación".

Según uno de sus amigos, el productor Dan Waite, la cantante parecía contenta y entusiasmada pocas horas antes de su muerte, cuya causa por el momento se desconoce.

"Dolores me dejó un mensaje de voz ayer pasada la medianoche (en la madrugada del lunes) para decirme cuánto le gustaba la versión de 'Zombie' de Bad Wolves. Estaba deseando verme en el estudio y grabar su voz", declaró.

"Sonaba llena de vida, bromeaba y estaba contenta de vernos a mí y a mi esposa esta semana", agregó.

Lanzada en 1994 en el álbum "No Need to Argue", "Zombie", una canción de inspiración grunge sobre el conflicto en Irlanda del Norte, es tal vez el mayor éxito de The Cranberries, con sus guitarras poderosas y la voz a la vez dulce y desgarradora de Dolores O'Riordan.

Aterciopelados estrena este domingo "Símbolo marciano", documental dirigido por José Luis Rugueles, quien en 2015 participó en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cine de Cannes con su filme "Alias María", y quien hace 20 años dirigió el video de la canción "Bolero Falaz", una de las más importantes de la agrupación colombiana, así como "Rompecabezas". (Le recomendamos leer: Aterciopelados, la compatibilidad de los opuestos).

"Símbolo marciano" es un recorrido por la historia musical y personal de Aterciopelados. La producción se realizó durante marzo de 2018 entre Colombia y México, cuando la banda participó en el Festival Vive Latino como invitados por Sabo Romo, cantante de Caifanes, e hicieron parte de "Rock en tu idioma sinfónico", show tributo a las agrupaciones que han definido el sonido de Latinoamérica desde los años 90 hasta la actualidad.

Durante ese viaje, Rugeles aprovechó para hacer un recorrido por los más de 25 años de carrera artística de Aterciopelados, por lo que sus integrantes comparten con público una mirada íntima y personal, así como lo que han vivido dentro y fuera de los escenarios y estudios de grabación.

"Uno siempre piensa que hacer algo sobre Aterciopelados, tanto tiempo de historia, tantos discos, tantos éxitos, se vuelve como un tejido muy largo. La vida nuestra, que se ha cruzado en diferentes momentos, termina siendo otra parte de ese tejido (…) Entonces escoger qué contar fue lo más difícil", comentó el director en la presentación del documental, quien resalta que el hilo conductor el documental es el amor: un sentimiento que se expresa entre Andrea y Héctor, así como entre Colombia y México. (Le puede interesar: Aterciopelados cantará junto a Filarmónica para celebrar cumpleaños de Bogotá).

"Cada cosa que hace Aterciopelados la hace con amor. Yo me acuerdo que hace muchos años, antes del videoclip, le hicimos una entrevista a Andrea y ella decía 'si yo hago tacitas y pocillos, y si hago tacitas y pocillos bien, estoy haciendo patria. Si cada persona hace lo que hace con amor, es una manera de hacer patria'", comentó Rugeles, quien a su parecer eso se ve en cada canción de Aterciopelados.

Aterciopelados, que este año regresó a la escena musical con "Claroscura" luego de que Andrea Echeverri y Héctor Buitrago experimentaran sus carreras en solitario, hablan en "Símbolo marciano" sobre el cambio que ha vivido la industria musical latinoamericana y el empoderamiento de las cantantes femeninas en la música.

"El nombre del documental es "Símbolo marciano", en ese primer disco (Con el corazón en la mano) definitivamente hay una búsqueda y un momento espontáneo donde se acercan a nosotros porque llega la nueva hora del rock en español y BMG busca músicos bogotanos. En ese momento no teníamos un disco listo, pero nos lanzamos y lo grabamos muy rápido. En esa carrera musical tan espontánea e inocente no sabíamos quiénes éramos y qué queríamos decir. Por eso en "Símbolo marciano" y "Mujer gala" se siente que hay una búsqueda de dos bogotanos que quieren contar una historia", dijo Héctor Buitrago.

Además del recorrido histórico y su presentación en Vive Latino, el documental aborda conversaciones con Roco Pachukote de Maldita Vecindad, con la escritora y guionista mexicana Marcela Fuentes-Berain, con el periodista colombiano Eduardo Arias y con Humberto Calderón, uno de los creadores del famoso sello discográfico y alternativo Culebra, una de las primeras personas en México que apostó por Aterciopelados y quien hoy es el mánager de la banda.

"Símbolo marciano" se estrena este domingo 29 de julio a las 8 de la noche por Canal Trece, que ya produjo su primera serie web musical, "Alcolirykoz", y "Salsa, aguante y Rock N ́Roll Superlitio 20 años", entre otros.

Sisley Chow Siado, una boxeadora colombiana, Carolina Mendoza, una clavadista del equipo olímpico mexicano, y Daniela y Susa, skaters colombianas, son las protagonistas del video "Contar hasta 3 (o hasta 10)" que Santiago Cruz estrena este jueves y que hace parte del álbum "Trenes, aviones y viajes interplanetarios". (Ver también 'Desde lejos', la canción que Santiago Cruz escribió en su cuarto).

Los detalles de la vida de Chow Siado marcan el hilo conductor del clip que presenta diferentes situaciones que resaltan el trabajo y el esfuerzo de una mujer que está dando todo por un sueño, mientras el músico acompaña la historia con su guitarra.

La canción, compuesta por Santiago Cruz y Julio Reyes Copello, es una dedicatoria del artista a las mujeres con la que quiere "agradecer el importante papel que juegan en la sociedad, las dificultades que como género puede llegar a tener en su cotidianidad y el símbolo de amor y armonía que representan".  

El video "Contar hasta 3 (o hasta 10)" se grabó en Medellín bajo la dirección de Laura Mora, directora del largometraje "Antes del fuego".

Lo que me encanta de este tipo de conciertos es que uno ve diferentes generaciones, canosos e imberbes, padres e hijos, “cuchos y pelados” aguantando cualquier adversidad climática, desde el inclemente sol de mediodía hasta la violenta brisa de la noche –con el temor eterno hacia la posibilidad de que llueva– para saltar, sudar y gozar un espectáculo de poco menos de dos horas.

Anoche, con el trío pionero del synth-pop, aquellos cuarentones-cincuentones volvieron a ser adolescentes raros e incomprendidos y los jóvenes de ahora pudieron encontrar su escape del cada vez más feroz reggaetón. Dave Gahan, Martin Gore y Andy Fletcher, respaldados por el percusionista Christian Eigner y Peter Gordeno, en los teclados, volvieron luego de nueve años de su debut para cachetearnos a todos, viejos y jóvenes, y reclamarnos que dónde está nuestra revolución, que estamos en contravía a cien por hora, dónde está nuestra indignación.

No, tampoco es que le sigan el juego a Roger Waters de ser un activista político intenso con algunas intervenciones musicales. Es que precisamente el Spirit, su más reciente trabajo discográfico que están promocionando con la gira, es quizá su trabajo más político hasta ahora. ¿Y qué mejor que promocionar el disco a vísperas de las elecciones presidenciales colombianas? No me malinterpreten, no estoy tratando de descubrir algún complot secreto de los ingleses. No soy como aquellos fanáticos de implantar miedos en mentes ajenas para ganar adeptos y crezca mi poder político.

¿O quizás Depeche Mode  solo se estaba burlando de nosotros por ser un país con realidades sociales y políticas absurdas? A ver: apenas el escenario apagó sus luces para preparar a los asistentes, ellos mandaron por los parlantes Revolution de los Beatles, una canción explícitamente política que demanda cambios sin tener que recurrir a los mismos de siempre que están ahí arriba, decidiendo con odio, rencor y sobre todo con amor al dinero, el futuro de un pueblo. Luego sale la banda ante una estampida de aplausos y tocan Going Backwards, también del Spirit, y nos dice que literalmente estamos en contravía.

Todas estas preocupaciones se fueron bien lejos cuando empezaron a tocar It’s no good del Ultra, el disco con más presencia en el recital. Desde ese momento todos se rindieron ante los movimientos de Gahan. Se fueron mandando éxito tras éxito y cada vez más el público ansioso vibraba y gritaba con los puños en el cielo las letras de las canciones. Eso sí, lo triste es que no se vio mucha gente bailando desenfrenadamente, mas sí se vio un mar de pantallitas brillantes apuntadas hacia la banda. Había gente, y de eso soy testigo, que hasta explotó de la rabia por un grupo de jóvenes amantes de Depeche que saltaban y bailaban sin ninguna preocupación.

Quizás los colombianos somos así, medio aburridos y estáticos en los conciertos, pero nos la gozamos y gritamos todas las canciones.

¿Y qué decir cuando Martin tímidamente dejó su guitarra, se aproximó al centro del escenario y cantó Insight seguida de Home? ¿Cuántas personas no habrán llorado en ese momento?

Ya hacia el falso final la banda quería ver gente enloqueciendo, por lo que tocaron los temas más movidos de su repertorio –Everything counts, Never let me down y Enjoy the silence–. Era cuestión de tiempo. La banda se despidió pero el público se quedó inmóvil, pues ese viejo truco ya nos lo sabemos. Al cabo de unos minutos salen Peter y Martin. El teclista toca algunas notas para luego enloquecernos con la melodía de Strangelove. Sin duda alguna, fue una de las baladas mejor interpretadas en ese escenario. Al término de esta versión, sale el resto de la banda para despedirse con tres canciones más.

Ya que les dije lo bueno de este tipo de conciertos, ahora les diré lo malo. Al ser una banda tan legendaria, ellos pueden tocar seis horas seguidas… y aún así les faltarán canciones cruciales por tocar. ¿O qué pasó con Policy of truth? ¿Masters and servants? ¿People are people? ¿Las de su elepé debut Speak and spell que, en mi opinión, es su mejor disco? ¡Es que ni siqueira tocaron Just can’t get enough!

Por una noche inolvidable, mil y mil gracias a los de Essex, Inglaterra y a los representantes del new wave y post punk colombiano, Estados Alterados, por dar uno de los pocos shows de telonero que en verdad gustan en el público. Y de antemano, en el nombre de los que enloquecen en los conciertos, les pido mil disculpas por la frialdad del público que al parecer prefieren grabar medio concierto que saltar.

La deuda que tiene el rock con una banda como Depeche Mode se podría ajustar al tamaño de un sintetizador. Esto no necesariamente hace referencia a la superficie física del instrumento, más bien tiene que ver con la dimensión de sus posibilidades. Y el trío británico sí que ha sabido potencializar el sonido proveniente de ese aparato en el que se condensan teclados, instrumentos de viento y algunos elementos de percusión.

El piano en el género de la rebeldía por excelencia ha tenido un desempeño más bien constante; el órgano (muchas veces resumido en el nombre Hammond) exhibe una suerte irregular, polémica, pero a la vez contundente en estilos como el góspel, el funk y el soul. El sintetizador, por su parte y gracias también a las habilidades de los integrantes de la agrupación Depeche Mode, marcó una época en la década de los 80 y su inercia se ha mantenido hasta nuestros días.

Depeche Mode es el resultado de muchas iniciativas, es el proceso de decantación de varios formatos instrumentales eléctricos y acústicos, y es también la síntesis de encuentros y desencuentros personales entre integrantes antiguos y nuevos de un sueño que en algún momento fue común. Uno de los elementos que siempre ha estado presente en la agrupación, incluso antes de ser bautizada de manera oficial, ha sido el sintetizador, tomara el rumbo que tomara el colectivo, la injerencia de los teclados sería determinante.

No Romance in China, The Plan, French Look y Composition of Sound fueron iniciativas que facilitaron el surgimiento de lo que los fanáticos del rock, de la música electrónica y hasta del house, conocieron bajo la denominación de Depeche Mode, nombre al que se ajustaron sus integrantes por un simple tema de sonoridad.

French Look y Composition of Sound coincidieron en un toque en alguna oportunidad y desde allí surgió una complicidad latente entre Andrew Fletcher y Martin Gore. El arribo de Dave Gahan fue un poco posterior y, tal y como sucede en muchos casos, el vocalista termina siendo la última incorporación, pero, a su vez, la estrella más sólida del formato. Sucedió en los 70 con Bono en U2, y pasó una década más tarde con Gahan y Depeche Mode.

Con Andrew Fletcher, Martin Gore y Dave Gahan en la titular la banda montó un tridente de miedo, un power trío, que exploraba historias con una narrativa especial, pero arropaba sus contenidos con una inmensa tolda de posibilidades sonoras.

Las guitarras, los bajos, las baterías y, por supuesto, los sintetizadores, se encargaban de construir una atmósfera propicia en un tiempo en el que el glam tomaba fuerza, las propuestas provenientes del sonido afro disminuían su caudal masivo y el pop marcaba el derrotero. Depeche Mode llegó oficialmente en 1980 a refrescar el ambiente y a mostrar que la música para la discoteca también se podía escuchar en la sala de la casa sin ningún impedimento.

Fletcher, Gore y Gahan establecieron la reconciliación musical como punto de partida. El trío no sólo logró que hicieran las pases ámbitos tan disímiles como la fiesta y la sala, sino que se adentró en la unión de plataformas sonoras que antes parecían excluyentes. El house, el techno, la electrónica, el rock y las propuestas de tipo industrial tuvieron cabida en los registros discográficos de la banda Depeche Mode.

Speak & Spell fue el debut discográfico del grupo en cuanto a lo que se conocía en ese entonces como elepé o larga duración. Algunos sencillos anteriores desempeñaron un trabajo brillante para que la primera placa fuera tan exitosa. Luego siguieron propuestas, algunas más arriesgadas que otras, como A broken frame (1982), Construction Time Again (1983), Some Great Reward (1984), Black celebration (1986), Music for the masses (1987) y Violator (1990), con el que definitivamente pusieron a latir a sus fanáticos, que se multiplicaron en América y Europa.

En casi cuatro décadas de actividad musical, los integrantes de la banda Depeche Mode han seguido adelante con su oferta musical. Visitaron Colombia por primera vez en octubre de 2009 y ahora regresan como parte de la gira The Global Spirit Tour, que trae al colectivo por América Latina como no lo hacía desde hace varias jornadas.

Muchas cosas han cambiado desde la primera aparición en tierra colombiana, permanecen sus tres integrantes, miles de sus fanáticos y, por supuesto, se mantiene el poder del sintetizador.

Depeche Mode en Colombia. Viernes 16 de marzo. Parque Metropolitano Simón Bolívar, en Bogotá. Información y boletería en www.primerafila.com.co

David Bisbal reclama este miércoles por segunda vez en su carrera el aplauso del Teatro Real de Madrid, esta vez en el marco del III Universal Music Festival y con el aforo agotado desde hace meses para disfrutar de sus grandes temas y de una nueva canción, "Todo es posible", sobre la fe en el éxito.

"No hay que frustrarse cuando uno se tropieza. Yo he tenido muchos traspiés. El que no ha fracasado es porque nunca se ha propuesto un gran reto en su vida y creo que es importante esa certeza de que caerás muchas veces, pero también de que no te irás de este mundo sin haberlo intentado", señaló en una charla con Efe.

Según el músico, que cita simplemente "decisiones discográficas" cuando habla de "tropezones", esta máxima servirá especialmente a los concursantes que participarán en la nueva e inminente edición en España de "Operación Triunfo", en el que él se dio a conocer.

Su segundo puesto en la primera edición de "OT", hace ya 15 años, le supo a victoria y le permitió lanzar el primero de sus seis discos de estudio, "Corazón latino" (2002), que lo convirtió en un fenómeno musical de masas.

Su estilo ha variado con el tiempo, pero Bisbal no rechaza la importancia de las canciones que lo han traído hasta aquí. "Para mi carrera han sido muy importantes 'Bulería' o 'Ave María'", reconoce.

Durante la elaboración en Suecia de "Hijos del mar" (2016), su último disco, surgió un tema claramente "optimista", el citado "Todo es posible", requerida para la banda sonora de la película "Tadeo Jones 2: El secreto del rey Midas".

Para cantarla a dúo, Bisbal pensó en Tini Stoessel, la joven actriz y cantante argentina conocida por su papel de Violetta en la exitosa serie infantil del mismo nombre que produjo hasta hace unos años Disney Channel.

Famosos, jóvenes y triunfadores, resulta fácil situarlos en el mensaje de la canción, que habla de la sensación de invencibilidad, ¿pero qué hay de la cacareada y frágil posición del artista?

"Cuando era más chica la fama sí me hacía sentir vulnerable. No entendía por qué existía ese lado malo, por qué me decían ciertas cosas, si yo no le había hecho nada a nadie. Cuando creces, la vida te enseña a preocuparte por lo que vale la pena y a refugiarte en los seres queridos, a poner el corazón en otro lado para no dejar que lo destruyan", apunta Stoessel a este respecto.

Con ella coincide Bisbal en la importancia de la familia y de los seres queridos, "en tener a personas que te digan lo que está bien y lo que no, porque los amigos son aquellos que están a tu lado y no los que están de tu lado", opina.

"El camino que siempre he intentado seguir ha sido el de no ser un sabelotodo, sino dejarme aconsejar", añade el español, para quien la mayor lección le vino de la mano de los niños de "La Voz Kids": "No buscan ningún tipo de competitividad con sus compañeros y así debe ser también para los adultos, aunque existan las listas de ventas".

Bisbal y Stoessel cantarán juntos "Todo es posible" por primera vez en directo en el Teatro Real de Madrid, uno más de los muchos recintos que ha conquistado el intérprete de "Silencio", junto con el Carneggie Hall de Nueva York y el Royal Albert Hall de Londres.

El 30 de septiembre, además, volverá a Madrid para cantar en el WiZink Center y, aprovechando la compañía de su amiga argentina, lanza otro deseo al aire: "Uno de mis grandes sueños es actuar en el Teatro Colón de Buenos Aires. Tocaremos sus puertas, a ver si puede ser".

El pasado miércoles 14 de agosto se presentó en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango el aclamado cuarteto estadounidense Attacca. Sus miembros pertenecen a una nueva generación de artistas cercanos al proyecto 21CM (Músicos contemporáneos del siglo XXI), una iniciativa impulsada por Mark McCoy y Yo-Yo Ma en la Universidad DePaw desde 2015 que pretende dar una educación musical adecuada a los retos laborales y de vida que enfrentan estas nuevas generaciones, destacándose a nivel mundial los proyectos sociales del violista del cuarteto Natham Schram con población penitenciaria. (Lea también: James Johnstone y un concierto inolvidable)

Attacca ha trabajado las obras Entr’acte y Valencia directamente con la compositora Caroline Shaw quien es, además, una reconocida violinista perteneciente al ensamble de música barroca de Yale. La primera obra me recordó los Concerti grossi de Alfred Schnittke por su cercanía al poliestilismo, que es un tipo de técnica en la cual el compositor decide imitar y conjugar diferentes estilos musicales (pasados y presentes) en la composición. En Entr’acte se pueden apreciar gestos del Expresionismo alemán, del Barroco ítalo-germánico entremezclados en variaciones libres con ritornello, similar a las Glosas que escribió Ginastera sobre un tema de Pablo Casals. (Le puede interesar: Ricardo Gallo Cuarteto: el des-concierto)

Valencia es una obra en la que podemos sentir la influencia de la música para audiovisuales en la música de concierto. Los elementos narrativos de la música audiovisual están íntimamente ligados a la edición de una serie de imágenes que, de forma concisa, nos transmiten un mensaje en ausencia de diálogos o actuaciones (en la mayoría de los casos).  (Además: José Luis Gallo en concierto: entre estrenos y cantos)

Aquí el reto es poder entonces extender este tipo de música lo suficiente para que pueda integrarse a la dinámica del concierto, que es esencialmente para la audición. Esto hace que la obra se sienta ligera respecto a las otras a interpretar, como bien lo expresó el violista del cuarteto, Natham Schram, en el concierto.

Lo que llama la atención, es que estos elementos estéticos cotidianos hayan permeado ya la música de concierto, algo que es de esperar si tenemos en cuenta que se está produciendo un cambio generacional importante. Parte de esto se debe a los cambios de consumo de la música y de las artes, mayoritariamente accesibles por medios digitales, donde constantemente se presentan cambios en las narrativas que afectan la forma y nuestra aproximación estética.

La primera parte cerró con una selección de cuatro piezas de John Adams del Libro de John de las supuestas danzas, dispuestas a la manera de una suite, esto es, que se contrastan por su carácter. Toot Nipple es una obra de carácter rústico y vivo, Alligator Escalator tiene un carácter más ligero que se apoya al final con un bajo caminante (no jazzístico) realizado por el violonchelo en pizzicato, Pavane: She’s so fine simula una tonada de Louisiana cuyas armonías son muy cercanas a las de Aaron Copland y Stubble Crotchet tiene un carácter más recio y rítmico cercano al tango de Piazzolla o a las danzas de Bartók. Con esta suite se develó la estructura del concierto, que consistió en la elección de obras musicales que estuvieran relacionadas con otras manifestaciones artísticas. Así, Entr’acte nos llevó al teatro de variedades, Valencia al arte audiovisual, John’s Book of Alleged Dances al mundo de la danza, y el cuarteto La muerte y la doncella a la literatura.

Este programa puso un reto interesante al cuarteto, pues requiere que se ‘cambien de ropa’ frente a los espectadores, como sucede en el teatro. Es en esto quedó demostrada la maestría del Cuarteto Attacca. De igual forma, la disposición de las obras "en orden de dificultad", permitió que pudiéramos disfrutar de cada una, generándonos una expectativa positiva para la obra de la segunda parte.

Pasando de los asuntos banales a los graves, el concierto cerró con el Cuarteto en re menor No. 14, D. 810 de Franz Schubert, más conocido como La muerte y la doncella, por estar inspirado en el poema homónimo de Matthias Claudius, que Schubert convirtió en lied.

Quiero resaltar la sonoridad sinfónica que le imprimieron a la obra, como también las bien logradas texturas y carácter de cada movimiento. Los cambios de tiempo entre las secciones fueron impecables, aunque la repetición idéntica de las mismas fue un tanto monótona. Me hubiera gustado sentir una mayor exageración lírica en el segundo movimiento, pues la gestualidad no afectó siempre la sonoridad (aunque sí las emociones de quienes se mantuvieron atentos).

De igual forma, me hizo falta una mayor cisura antes de atacar la coda del último movimiento, pues se perdió un momento crucial de dramatismo, antes de resolver toda la tensión acumulada. No obstante, estos pequeños detalles no afectaron en nada el resultado final del concierto, que mantuvo a algunos espectadores literalmente en el borde de la silla. Igualmente, fue bastante cortés y generoso haber tocado de bis el tercer movimiento del Cuarteto en sol mayor de Dvorák.

* Compositor y musicólogo de la Universidad Nacional de Colombia, miembro del Círculo Colombiano de Música Contemporánea CCMC.

El cantante puertorriqueño Chayanne afirmó este miércoles a su llegada a San Juan (Puerto Rico) para actuar el viernes y sábado próximo como parte de su gira Desde El Alma Tour, que se siente "muy a gusto" el trabajar temas de pop que fusionan con ritmos del género urbano. (Le puede interesar: Chayanne está listo para su nueva gira)

En su carrera que se extiende 30 años, Chayanne solo ha publicado tres canciones con artistas urbanos -todos puertorriqueños- arrancando con la remezcla de Humanos a Marte con Yandel, seguida de Qué me has hecho, interpretada junto a Wisin, y Choka choka con Ozuna. (Lea también: Chayanne, ¡Desde el alma nos cantó!)

"El reguetón lo veo como cuando era pequeño y lo comparo con la salsa", reflexionó Chayanne sobre la fusión de ritmos entre ambos géneros caribeños. (Además: Chayanne se defiende de las colaboraciones con artistas de reguetón)

El artista boricua enfatizó que la fusión entre el reguetón y el pop "van muy bien" por la melodía, las letras de las canciones y sus ritmos "que van cogida de la mano".

Chayanne, intérprete de otros éxitos como Completamente enamorados, Boom boom, Un siglo sin ti o Cuidarte el alma, forma parte de un grupo de intérpretes del pop que en los pasados años han lanzado temas con artistas urbanos.

Otros artistas del pop que han hecho lo propio, son los también puertorriqueños Ricky Martin con Wisin y Yandel, Tommy Torres con Tego Calderón, Kany García con Residente y Tego Calderón, Pedro Capó con Farruko, Christian Daniel con Cosculluela y Farruko, y el grupo mexicano Reik con Ozuna y Wisin.

"Me siento muy a gusto de hacer pop con reguetón y reggae mezclado", comentó Elmer Figueroa, nombre verdadero de Chayanne durante una rueda de prensa a su llegada a su isla.

El género urbano también ha logrado que artistas estadounidenses se interesen en grabar temas con el ritmo caribeño, como hizo Katy Perry recientemente con Daddy Yankee en Con Calma, Alicia Keys con Pedro Capó y Farruko en Calma y Madonna con el colombiano Maluma en Medellín.

Por otra parte, existe el misterio de que alguno del trío de artistas urbanos actúe con Chayanne en alguna de sus presentaciones el viernes y sábado próximo en el Coliseo de Puerto Rico José M. Agrelot de San Juan.

No obstante, Chayanne no quiso confirmar a ninguno de ellos, pues al momento, sus "únicos invitados son mis fanáticos".

Chayanne, a su vez, explicó que los temas con Wisin y Ozuna son los primeros dos sencillos de su próxima producción, la cual aún no lleva título, espera publicar a finales de año y que será la primera suya desde En Todo Estaré (2014).

Tras sus dos presentaciones en suelo caribeño, Chayanne proseguirá su gira por los Estados Unidos, específicamente en Fort Myers y Miami, ambas en Florida, y después en Uncasville, en Connecticut.

"Old Town Road" batió el récord de permanencia como el más vendido en Estados Unidos, extendiendo su histórico dominio de la música pop a 17 semanas, anunció el lunes Billboard.

El tema de Lil Nas X, que combina los sonidos del banjo y el bajo, rompió el récord de 16 semanas en la lista de los singles más seguidos de la industria.   

El éxito del texano, en el que participa el cantante Billy Ray Cyrus, destronó a "One Sweet Day" de Mariah Carey (1996) y a "Despacito" de los puertorriqueños Luis Fonsi y Daddy Yankee, con Justin Bieber (2017).

En su semana 17 en la Billboard Hot 100, la canción registró 72,5 millones de transmisiones en Estados Unidos y 46.000 descargas vendidas. Sus números nuevamente superaron a la estrella pop emergente Billie Eilish, cuya canción "Bad Guy" ha ocupado el puesto número dos durante siete semanas en total.

Después de llamar la atención en la plataforma para compartir videos TikTok, Lil Nas X, de 20 años, se hizo conocido luego de que su éxito desplazara a Ariana Grande de la lista de Billboard en abril. También impidió los avances de miembros de la realeza del pop como Bieber y Taylor Swift.

Desde entonces, Lil Nas X ha acertado al lanzar remix tras remix de la canción, especialmente con la versión con la estrella del country Billy Rae Cyrus, que es la que figura en la lista de Billboard.

Mientras los remixes estén en línea con el sonido original de una canción, las transmisiones, descargas y ventas se incluyen en un número compuesto.

La semana pasada, Lil Nas X lanzó otra nueva versión en la que participa un miembro de BTS, un popular grupo surcoreano.

"Vaquero solitario"

Su ascenso a la fama estuvo rodeado de controversia después de que Billboard eliminó la canción de la lista de country, dejándola en la de rap, lo que provocó acusaciones de que el trabajo del músico de Atlanta había sido encasillado solo porque es afrodescendiente.

Nunca regresó a la lista de country, a pesar de la colaboración con Cyrus, pero su imparable éxito se ha mantenido en la cima de la lista de canciones de R&B/Hip Hop y Hot Rap durante 17 semanas.

En una nota llena de emojis publicada en Twitter, el artista nacido con el nombre de Montero Lamar Hill dijo que el año pasado había estado atravesando un mal momento y viviendo en el sofá de su hermana. "Medio en serio y medio en broma me veía como un vaquero solitario que necesitaba escapar de todo".

Su canción "tenía que ser divertida, tenía que ser pegadiza, tenía que ser hip hop, tenía que ser country y tenía que ser corta", continuó.

"Esta canción ha cambiado mi vida y la forma en que veo el mundo que me rodea en menos de un año", dijo. "¡Es sólo el comienzo!".

Desde el lanzamiento de "Road", Lil Nas X también lanzó un EP (extended play) titulado "7", que incluye el hit original y el remix con Billy Rae Cyrus, así como una canción junto a la estrella de rap Cardi B.

Cuando se le preguntó a Carey previamente si estaba preocupada por la posibilidad de perder su récord ante el artista novato, respondió: "Cariño, no".

Dos semanas atrás el artista había invitado por Twitter a Carey a grabar un remix de la canción con él, a lo que ella respondió publicando una foto de sí misma con sombrero vaquero.

Lil Nas X le había dicho a TMZ que tal vez le enviaría rosas a Carey al romper su récord, "ya que la amo".

.@LilNasX’s #OldTownRoad, featuring @billyraycyrus, is now the longest-leading Billboard #Hot100 No. 1 hit of all time! #BillboardNews pic.twitter.com/sCIeGvugOm

— billboard (@billboard) July 29, 2019