La escritura e investigación del guion estuvieron a cargo de Juan Carlos Rincón, Valeria Cortés y Ana María Pedraza. En la presentación está Rincón. Kenny Salamanca editó este video.

Si quieren saber más sobre el tema, les recomendamos:

• Esta es la baraja de candidatos bajo la lupa de la justicia que buscan curul en el Congreso
• La guía definitiva para que ejerza su derecho a votar: esto es lo que debe saber
• Estas son las estructuras que manejan los hilos detrás de las elecciones al Congreso

Si les gusta lo que hacemos, los invitamos a hacer un aporte en nuestra Vaki.

¡No olviden suscribirse a nuestro canal de YouTube y activar la campanita! 🔔

Pueden seguirnos en nuestras redes sociales: TikTok, Twitter, Instagram, Facebook y canales de WhatsApp y Telegram.

El dólar cerró a la baja. la moneda estadounidense cerró las negociaciones del día en COP 3.700. lo que representa una caída de COP 5 frente al último precio del jueves (COP 3.775).

Por su parte, la Tasa Representativa del Mercado (TRM) para este 6 de marzo es de COP 3.767,94, de acuerdo con la Superintendencia Financiera.

¿Cómo la guerra afecta el precio del dólar?

El panorama en Medio Oriente, tras el ataque de Estados Unidos a Irán, influencia con fuerza las negociaciones de la moneda durante estos días.

El conflicto es clave porque la región resulta estratégica para el comercio, por el tránsito de las mercancías que pasan por el estrecho de Ormuz, especialmente el petróleo.

El crudo ha tenido un alza importante en el último día, superando los USD 85 por barril, lo que implica el precio más alto registrado desde julio de 2024.

Analistas también recuerdan que, ante este tipo de escenarios geopolíticos, se aumenta la aversión al riesgo y, por ende, el apetito por los activos refugio. Esto hace que la demanda de dólares, considerada como moneda estable, se incremente, lo que presiona al alza su valor.

Sin embargo, lo que hace contrapeso en Colombia es el precio del petróleo, porque al ser un país exportador de crudo, una buena parte de las divisas que entran se deben a sus exportaciones.

Desde Credicorp Capital se anticipa una jornada alcista, con los COP 3.760 como pivote, pudiendo cerrar en COP 3.790.

💰📈💱 ¿Ya se enteró de las últimas noticias económicas? Lo invitamos a verlas en El Espectador.

El cantante británico Ed Sheeran ha decidido tomarse un descanso del trabajo y de las redes sociales para "viajar, escribir y leer", y volverá a componer cuando "haya vivido un poco más".

Así lo anuncia el artista de 28 años en su cuenta de Instagram, donde ha cambiado su imagen del perfil por el icono "BRB" ("be right back", volveré enseguida) para informar de sus intenciones a sus más de 32,2 millones de seguidores, de los que se despide "con mucho cariño".

 

 

 

 

Ver esta publicación en Instagram

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Brb x

Una publicación compartida de Ed Sheeran (@teddysphotos) el 24 Dic, 2019 a las 4:00 PST

Sheeran explica que ha trabajado sin parar desde 2017, por lo que necesita "un respiro" para practicar sus aficiones e inspirarse, y estará fuera de las redes sociales "hasta que sea el momento de volver".

"Prometo volver con música nueva cuando sea el momento adecuado y haya vivido un poco más para tener algo de lo que escribir", afirma.

(Puede leer: Ed Sheeran cierra el lunes su gira 'Divide', la más taquillera de su carrera)

El músico de Suffolk (este de Inglaterra), que ya se tomó un descanso en 2016, ha concluido este año su gira Divide, lanzada en marzo de 2017 y con la que ha realizado 260 espectáculos en más de cincuenta países.

Su cuarto álbum de estudio, "Nº6 Collaborations Project", salió a la venta el pasado julio y ha coronado durante semanas las listas de éxitos en el Reino Unido.

Sheeran ha sido nombrado artista de la década por la Official Charts Company por conseguir el récord de doce números uno en las listas oficiales de éxitos de sencillos y de álbumes entre 2010 y 2019, más que ningún otro colega. También se ha mantenido en los primeros puestos de esas listas por más tiempo que nadie, con un total de 79 semanas. 

La inconfundible voz de The Cranberries Dolores O'Riordan, fallecida el lunes, estaba a punto de grabar una nueva versión de su tema más conocido, "Zombie", con el grupo de rock duro Bad Wolves, indicó este último. (Lea: Murió Dolores O'Riordan, cantante de The Cranberries)

"Estamos conmocionados y tristes por la noticia de la muerte de Dolores, apenas horas antes de que fuera a grabar la voz en nuestra versión de 'Zombie'", anunció Bad Wolves en Facebook.

La cantante irlandesa falleció de manera repentina a los 46 años, anunció el lunes su agente, Lindsey Holmes Publicity, precisando que la cantante de cabello azabache "estaba en Londres para una corta sesión de grabación".

Según uno de sus amigos, el productor Dan Waite, la cantante parecía contenta y entusiasmada pocas horas antes de su muerte, cuya causa por el momento se desconoce.

"Dolores me dejó un mensaje de voz ayer pasada la medianoche (en la madrugada del lunes) para decirme cuánto le gustaba la versión de 'Zombie' de Bad Wolves. Estaba deseando verme en el estudio y grabar su voz", declaró.

"Sonaba llena de vida, bromeaba y estaba contenta de vernos a mí y a mi esposa esta semana", agregó.

Lanzada en 1994 en el álbum "No Need to Argue", "Zombie", una canción de inspiración grunge sobre el conflicto en Irlanda del Norte, es tal vez el mayor éxito de The Cranberries, con sus guitarras poderosas y la voz a la vez dulce y desgarradora de Dolores O'Riordan.

Aterciopelados estrena este domingo "Símbolo marciano", documental dirigido por José Luis Rugueles, quien en 2015 participó en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cine de Cannes con su filme "Alias María", y quien hace 20 años dirigió el video de la canción "Bolero Falaz", una de las más importantes de la agrupación colombiana, así como "Rompecabezas". (Le recomendamos leer: Aterciopelados, la compatibilidad de los opuestos).

"Símbolo marciano" es un recorrido por la historia musical y personal de Aterciopelados. La producción se realizó durante marzo de 2018 entre Colombia y México, cuando la banda participó en el Festival Vive Latino como invitados por Sabo Romo, cantante de Caifanes, e hicieron parte de "Rock en tu idioma sinfónico", show tributo a las agrupaciones que han definido el sonido de Latinoamérica desde los años 90 hasta la actualidad.

Durante ese viaje, Rugeles aprovechó para hacer un recorrido por los más de 25 años de carrera artística de Aterciopelados, por lo que sus integrantes comparten con público una mirada íntima y personal, así como lo que han vivido dentro y fuera de los escenarios y estudios de grabación.

"Uno siempre piensa que hacer algo sobre Aterciopelados, tanto tiempo de historia, tantos discos, tantos éxitos, se vuelve como un tejido muy largo. La vida nuestra, que se ha cruzado en diferentes momentos, termina siendo otra parte de ese tejido (…) Entonces escoger qué contar fue lo más difícil", comentó el director en la presentación del documental, quien resalta que el hilo conductor el documental es el amor: un sentimiento que se expresa entre Andrea y Héctor, así como entre Colombia y México. (Le puede interesar: Aterciopelados cantará junto a Filarmónica para celebrar cumpleaños de Bogotá).

"Cada cosa que hace Aterciopelados la hace con amor. Yo me acuerdo que hace muchos años, antes del videoclip, le hicimos una entrevista a Andrea y ella decía 'si yo hago tacitas y pocillos, y si hago tacitas y pocillos bien, estoy haciendo patria. Si cada persona hace lo que hace con amor, es una manera de hacer patria'", comentó Rugeles, quien a su parecer eso se ve en cada canción de Aterciopelados.

Aterciopelados, que este año regresó a la escena musical con "Claroscura" luego de que Andrea Echeverri y Héctor Buitrago experimentaran sus carreras en solitario, hablan en "Símbolo marciano" sobre el cambio que ha vivido la industria musical latinoamericana y el empoderamiento de las cantantes femeninas en la música.

"El nombre del documental es "Símbolo marciano", en ese primer disco (Con el corazón en la mano) definitivamente hay una búsqueda y un momento espontáneo donde se acercan a nosotros porque llega la nueva hora del rock en español y BMG busca músicos bogotanos. En ese momento no teníamos un disco listo, pero nos lanzamos y lo grabamos muy rápido. En esa carrera musical tan espontánea e inocente no sabíamos quiénes éramos y qué queríamos decir. Por eso en "Símbolo marciano" y "Mujer gala" se siente que hay una búsqueda de dos bogotanos que quieren contar una historia", dijo Héctor Buitrago.

Además del recorrido histórico y su presentación en Vive Latino, el documental aborda conversaciones con Roco Pachukote de Maldita Vecindad, con la escritora y guionista mexicana Marcela Fuentes-Berain, con el periodista colombiano Eduardo Arias y con Humberto Calderón, uno de los creadores del famoso sello discográfico y alternativo Culebra, una de las primeras personas en México que apostó por Aterciopelados y quien hoy es el mánager de la banda.

"Símbolo marciano" se estrena este domingo 29 de julio a las 8 de la noche por Canal Trece, que ya produjo su primera serie web musical, "Alcolirykoz", y "Salsa, aguante y Rock N ́Roll Superlitio 20 años", entre otros.

Sisley Chow Siado, una boxeadora colombiana, Carolina Mendoza, una clavadista del equipo olímpico mexicano, y Daniela y Susa, skaters colombianas, son las protagonistas del video "Contar hasta 3 (o hasta 10)" que Santiago Cruz estrena este jueves y que hace parte del álbum "Trenes, aviones y viajes interplanetarios". (Ver también 'Desde lejos', la canción que Santiago Cruz escribió en su cuarto).

Los detalles de la vida de Chow Siado marcan el hilo conductor del clip que presenta diferentes situaciones que resaltan el trabajo y el esfuerzo de una mujer que está dando todo por un sueño, mientras el músico acompaña la historia con su guitarra.

La canción, compuesta por Santiago Cruz y Julio Reyes Copello, es una dedicatoria del artista a las mujeres con la que quiere "agradecer el importante papel que juegan en la sociedad, las dificultades que como género puede llegar a tener en su cotidianidad y el símbolo de amor y armonía que representan".  

El video "Contar hasta 3 (o hasta 10)" se grabó en Medellín bajo la dirección de Laura Mora, directora del largometraje "Antes del fuego".

Lo que me encanta de este tipo de conciertos es que uno ve diferentes generaciones, canosos e imberbes, padres e hijos, “cuchos y pelados” aguantando cualquier adversidad climática, desde el inclemente sol de mediodía hasta la violenta brisa de la noche –con el temor eterno hacia la posibilidad de que llueva– para saltar, sudar y gozar un espectáculo de poco menos de dos horas.

Anoche, con el trío pionero del synth-pop, aquellos cuarentones-cincuentones volvieron a ser adolescentes raros e incomprendidos y los jóvenes de ahora pudieron encontrar su escape del cada vez más feroz reggaetón. Dave Gahan, Martin Gore y Andy Fletcher, respaldados por el percusionista Christian Eigner y Peter Gordeno, en los teclados, volvieron luego de nueve años de su debut para cachetearnos a todos, viejos y jóvenes, y reclamarnos que dónde está nuestra revolución, que estamos en contravía a cien por hora, dónde está nuestra indignación.

No, tampoco es que le sigan el juego a Roger Waters de ser un activista político intenso con algunas intervenciones musicales. Es que precisamente el Spirit, su más reciente trabajo discográfico que están promocionando con la gira, es quizá su trabajo más político hasta ahora. ¿Y qué mejor que promocionar el disco a vísperas de las elecciones presidenciales colombianas? No me malinterpreten, no estoy tratando de descubrir algún complot secreto de los ingleses. No soy como aquellos fanáticos de implantar miedos en mentes ajenas para ganar adeptos y crezca mi poder político.

¿O quizás Depeche Mode  solo se estaba burlando de nosotros por ser un país con realidades sociales y políticas absurdas? A ver: apenas el escenario apagó sus luces para preparar a los asistentes, ellos mandaron por los parlantes Revolution de los Beatles, una canción explícitamente política que demanda cambios sin tener que recurrir a los mismos de siempre que están ahí arriba, decidiendo con odio, rencor y sobre todo con amor al dinero, el futuro de un pueblo. Luego sale la banda ante una estampida de aplausos y tocan Going Backwards, también del Spirit, y nos dice que literalmente estamos en contravía.

Todas estas preocupaciones se fueron bien lejos cuando empezaron a tocar It’s no good del Ultra, el disco con más presencia en el recital. Desde ese momento todos se rindieron ante los movimientos de Gahan. Se fueron mandando éxito tras éxito y cada vez más el público ansioso vibraba y gritaba con los puños en el cielo las letras de las canciones. Eso sí, lo triste es que no se vio mucha gente bailando desenfrenadamente, mas sí se vio un mar de pantallitas brillantes apuntadas hacia la banda. Había gente, y de eso soy testigo, que hasta explotó de la rabia por un grupo de jóvenes amantes de Depeche que saltaban y bailaban sin ninguna preocupación.

Quizás los colombianos somos así, medio aburridos y estáticos en los conciertos, pero nos la gozamos y gritamos todas las canciones.

¿Y qué decir cuando Martin tímidamente dejó su guitarra, se aproximó al centro del escenario y cantó Insight seguida de Home? ¿Cuántas personas no habrán llorado en ese momento?

Ya hacia el falso final la banda quería ver gente enloqueciendo, por lo que tocaron los temas más movidos de su repertorio –Everything counts, Never let me down y Enjoy the silence–. Era cuestión de tiempo. La banda se despidió pero el público se quedó inmóvil, pues ese viejo truco ya nos lo sabemos. Al cabo de unos minutos salen Peter y Martin. El teclista toca algunas notas para luego enloquecernos con la melodía de Strangelove. Sin duda alguna, fue una de las baladas mejor interpretadas en ese escenario. Al término de esta versión, sale el resto de la banda para despedirse con tres canciones más.

Ya que les dije lo bueno de este tipo de conciertos, ahora les diré lo malo. Al ser una banda tan legendaria, ellos pueden tocar seis horas seguidas… y aún así les faltarán canciones cruciales por tocar. ¿O qué pasó con Policy of truth? ¿Masters and servants? ¿People are people? ¿Las de su elepé debut Speak and spell que, en mi opinión, es su mejor disco? ¡Es que ni siqueira tocaron Just can’t get enough!

Por una noche inolvidable, mil y mil gracias a los de Essex, Inglaterra y a los representantes del new wave y post punk colombiano, Estados Alterados, por dar uno de los pocos shows de telonero que en verdad gustan en el público. Y de antemano, en el nombre de los que enloquecen en los conciertos, les pido mil disculpas por la frialdad del público que al parecer prefieren grabar medio concierto que saltar.

La deuda que tiene el rock con una banda como Depeche Mode se podría ajustar al tamaño de un sintetizador. Esto no necesariamente hace referencia a la superficie física del instrumento, más bien tiene que ver con la dimensión de sus posibilidades. Y el trío británico sí que ha sabido potencializar el sonido proveniente de ese aparato en el que se condensan teclados, instrumentos de viento y algunos elementos de percusión.

El piano en el género de la rebeldía por excelencia ha tenido un desempeño más bien constante; el órgano (muchas veces resumido en el nombre Hammond) exhibe una suerte irregular, polémica, pero a la vez contundente en estilos como el góspel, el funk y el soul. El sintetizador, por su parte y gracias también a las habilidades de los integrantes de la agrupación Depeche Mode, marcó una época en la década de los 80 y su inercia se ha mantenido hasta nuestros días.

Depeche Mode es el resultado de muchas iniciativas, es el proceso de decantación de varios formatos instrumentales eléctricos y acústicos, y es también la síntesis de encuentros y desencuentros personales entre integrantes antiguos y nuevos de un sueño que en algún momento fue común. Uno de los elementos que siempre ha estado presente en la agrupación, incluso antes de ser bautizada de manera oficial, ha sido el sintetizador, tomara el rumbo que tomara el colectivo, la injerencia de los teclados sería determinante.

No Romance in China, The Plan, French Look y Composition of Sound fueron iniciativas que facilitaron el surgimiento de lo que los fanáticos del rock, de la música electrónica y hasta del house, conocieron bajo la denominación de Depeche Mode, nombre al que se ajustaron sus integrantes por un simple tema de sonoridad.

French Look y Composition of Sound coincidieron en un toque en alguna oportunidad y desde allí surgió una complicidad latente entre Andrew Fletcher y Martin Gore. El arribo de Dave Gahan fue un poco posterior y, tal y como sucede en muchos casos, el vocalista termina siendo la última incorporación, pero, a su vez, la estrella más sólida del formato. Sucedió en los 70 con Bono en U2, y pasó una década más tarde con Gahan y Depeche Mode.

Con Andrew Fletcher, Martin Gore y Dave Gahan en la titular la banda montó un tridente de miedo, un power trío, que exploraba historias con una narrativa especial, pero arropaba sus contenidos con una inmensa tolda de posibilidades sonoras.

Las guitarras, los bajos, las baterías y, por supuesto, los sintetizadores, se encargaban de construir una atmósfera propicia en un tiempo en el que el glam tomaba fuerza, las propuestas provenientes del sonido afro disminuían su caudal masivo y el pop marcaba el derrotero. Depeche Mode llegó oficialmente en 1980 a refrescar el ambiente y a mostrar que la música para la discoteca también se podía escuchar en la sala de la casa sin ningún impedimento.

Fletcher, Gore y Gahan establecieron la reconciliación musical como punto de partida. El trío no sólo logró que hicieran las pases ámbitos tan disímiles como la fiesta y la sala, sino que se adentró en la unión de plataformas sonoras que antes parecían excluyentes. El house, el techno, la electrónica, el rock y las propuestas de tipo industrial tuvieron cabida en los registros discográficos de la banda Depeche Mode.

Speak & Spell fue el debut discográfico del grupo en cuanto a lo que se conocía en ese entonces como elepé o larga duración. Algunos sencillos anteriores desempeñaron un trabajo brillante para que la primera placa fuera tan exitosa. Luego siguieron propuestas, algunas más arriesgadas que otras, como A broken frame (1982), Construction Time Again (1983), Some Great Reward (1984), Black celebration (1986), Music for the masses (1987) y Violator (1990), con el que definitivamente pusieron a latir a sus fanáticos, que se multiplicaron en América y Europa.

En casi cuatro décadas de actividad musical, los integrantes de la banda Depeche Mode han seguido adelante con su oferta musical. Visitaron Colombia por primera vez en octubre de 2009 y ahora regresan como parte de la gira The Global Spirit Tour, que trae al colectivo por América Latina como no lo hacía desde hace varias jornadas.

Muchas cosas han cambiado desde la primera aparición en tierra colombiana, permanecen sus tres integrantes, miles de sus fanáticos y, por supuesto, se mantiene el poder del sintetizador.

Depeche Mode en Colombia. Viernes 16 de marzo. Parque Metropolitano Simón Bolívar, en Bogotá. Información y boletería en www.primerafila.com.co

David Bisbal reclama este miércoles por segunda vez en su carrera el aplauso del Teatro Real de Madrid, esta vez en el marco del III Universal Music Festival y con el aforo agotado desde hace meses para disfrutar de sus grandes temas y de una nueva canción, "Todo es posible", sobre la fe en el éxito.

"No hay que frustrarse cuando uno se tropieza. Yo he tenido muchos traspiés. El que no ha fracasado es porque nunca se ha propuesto un gran reto en su vida y creo que es importante esa certeza de que caerás muchas veces, pero también de que no te irás de este mundo sin haberlo intentado", señaló en una charla con Efe.

Según el músico, que cita simplemente "decisiones discográficas" cuando habla de "tropezones", esta máxima servirá especialmente a los concursantes que participarán en la nueva e inminente edición en España de "Operación Triunfo", en el que él se dio a conocer.

Su segundo puesto en la primera edición de "OT", hace ya 15 años, le supo a victoria y le permitió lanzar el primero de sus seis discos de estudio, "Corazón latino" (2002), que lo convirtió en un fenómeno musical de masas.

Su estilo ha variado con el tiempo, pero Bisbal no rechaza la importancia de las canciones que lo han traído hasta aquí. "Para mi carrera han sido muy importantes 'Bulería' o 'Ave María'", reconoce.

Durante la elaboración en Suecia de "Hijos del mar" (2016), su último disco, surgió un tema claramente "optimista", el citado "Todo es posible", requerida para la banda sonora de la película "Tadeo Jones 2: El secreto del rey Midas".

Para cantarla a dúo, Bisbal pensó en Tini Stoessel, la joven actriz y cantante argentina conocida por su papel de Violetta en la exitosa serie infantil del mismo nombre que produjo hasta hace unos años Disney Channel.

Famosos, jóvenes y triunfadores, resulta fácil situarlos en el mensaje de la canción, que habla de la sensación de invencibilidad, ¿pero qué hay de la cacareada y frágil posición del artista?

"Cuando era más chica la fama sí me hacía sentir vulnerable. No entendía por qué existía ese lado malo, por qué me decían ciertas cosas, si yo no le había hecho nada a nadie. Cuando creces, la vida te enseña a preocuparte por lo que vale la pena y a refugiarte en los seres queridos, a poner el corazón en otro lado para no dejar que lo destruyan", apunta Stoessel a este respecto.

Con ella coincide Bisbal en la importancia de la familia y de los seres queridos, "en tener a personas que te digan lo que está bien y lo que no, porque los amigos son aquellos que están a tu lado y no los que están de tu lado", opina.

"El camino que siempre he intentado seguir ha sido el de no ser un sabelotodo, sino dejarme aconsejar", añade el español, para quien la mayor lección le vino de la mano de los niños de "La Voz Kids": "No buscan ningún tipo de competitividad con sus compañeros y así debe ser también para los adultos, aunque existan las listas de ventas".

Bisbal y Stoessel cantarán juntos "Todo es posible" por primera vez en directo en el Teatro Real de Madrid, uno más de los muchos recintos que ha conquistado el intérprete de "Silencio", junto con el Carneggie Hall de Nueva York y el Royal Albert Hall de Londres.

El 30 de septiembre, además, volverá a Madrid para cantar en el WiZink Center y, aprovechando la compañía de su amiga argentina, lanza otro deseo al aire: "Uno de mis grandes sueños es actuar en el Teatro Colón de Buenos Aires. Tocaremos sus puertas, a ver si puede ser".

El pasado miércoles 14 de agosto se presentó en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango el aclamado cuarteto estadounidense Attacca. Sus miembros pertenecen a una nueva generación de artistas cercanos al proyecto 21CM (Músicos contemporáneos del siglo XXI), una iniciativa impulsada por Mark McCoy y Yo-Yo Ma en la Universidad DePaw desde 2015 que pretende dar una educación musical adecuada a los retos laborales y de vida que enfrentan estas nuevas generaciones, destacándose a nivel mundial los proyectos sociales del violista del cuarteto Natham Schram con población penitenciaria. (Lea también: James Johnstone y un concierto inolvidable)

Attacca ha trabajado las obras Entr’acte y Valencia directamente con la compositora Caroline Shaw quien es, además, una reconocida violinista perteneciente al ensamble de música barroca de Yale. La primera obra me recordó los Concerti grossi de Alfred Schnittke por su cercanía al poliestilismo, que es un tipo de técnica en la cual el compositor decide imitar y conjugar diferentes estilos musicales (pasados y presentes) en la composición. En Entr’acte se pueden apreciar gestos del Expresionismo alemán, del Barroco ítalo-germánico entremezclados en variaciones libres con ritornello, similar a las Glosas que escribió Ginastera sobre un tema de Pablo Casals. (Le puede interesar: Ricardo Gallo Cuarteto: el des-concierto)

Valencia es una obra en la que podemos sentir la influencia de la música para audiovisuales en la música de concierto. Los elementos narrativos de la música audiovisual están íntimamente ligados a la edición de una serie de imágenes que, de forma concisa, nos transmiten un mensaje en ausencia de diálogos o actuaciones (en la mayoría de los casos).  (Además: José Luis Gallo en concierto: entre estrenos y cantos)

Aquí el reto es poder entonces extender este tipo de música lo suficiente para que pueda integrarse a la dinámica del concierto, que es esencialmente para la audición. Esto hace que la obra se sienta ligera respecto a las otras a interpretar, como bien lo expresó el violista del cuarteto, Natham Schram, en el concierto.

Lo que llama la atención, es que estos elementos estéticos cotidianos hayan permeado ya la música de concierto, algo que es de esperar si tenemos en cuenta que se está produciendo un cambio generacional importante. Parte de esto se debe a los cambios de consumo de la música y de las artes, mayoritariamente accesibles por medios digitales, donde constantemente se presentan cambios en las narrativas que afectan la forma y nuestra aproximación estética.

La primera parte cerró con una selección de cuatro piezas de John Adams del Libro de John de las supuestas danzas, dispuestas a la manera de una suite, esto es, que se contrastan por su carácter. Toot Nipple es una obra de carácter rústico y vivo, Alligator Escalator tiene un carácter más ligero que se apoya al final con un bajo caminante (no jazzístico) realizado por el violonchelo en pizzicato, Pavane: She’s so fine simula una tonada de Louisiana cuyas armonías son muy cercanas a las de Aaron Copland y Stubble Crotchet tiene un carácter más recio y rítmico cercano al tango de Piazzolla o a las danzas de Bartók. Con esta suite se develó la estructura del concierto, que consistió en la elección de obras musicales que estuvieran relacionadas con otras manifestaciones artísticas. Así, Entr’acte nos llevó al teatro de variedades, Valencia al arte audiovisual, John’s Book of Alleged Dances al mundo de la danza, y el cuarteto La muerte y la doncella a la literatura.

Este programa puso un reto interesante al cuarteto, pues requiere que se ‘cambien de ropa’ frente a los espectadores, como sucede en el teatro. Es en esto quedó demostrada la maestría del Cuarteto Attacca. De igual forma, la disposición de las obras "en orden de dificultad", permitió que pudiéramos disfrutar de cada una, generándonos una expectativa positiva para la obra de la segunda parte.

Pasando de los asuntos banales a los graves, el concierto cerró con el Cuarteto en re menor No. 14, D. 810 de Franz Schubert, más conocido como La muerte y la doncella, por estar inspirado en el poema homónimo de Matthias Claudius, que Schubert convirtió en lied.

Quiero resaltar la sonoridad sinfónica que le imprimieron a la obra, como también las bien logradas texturas y carácter de cada movimiento. Los cambios de tiempo entre las secciones fueron impecables, aunque la repetición idéntica de las mismas fue un tanto monótona. Me hubiera gustado sentir una mayor exageración lírica en el segundo movimiento, pues la gestualidad no afectó siempre la sonoridad (aunque sí las emociones de quienes se mantuvieron atentos).

De igual forma, me hizo falta una mayor cisura antes de atacar la coda del último movimiento, pues se perdió un momento crucial de dramatismo, antes de resolver toda la tensión acumulada. No obstante, estos pequeños detalles no afectaron en nada el resultado final del concierto, que mantuvo a algunos espectadores literalmente en el borde de la silla. Igualmente, fue bastante cortés y generoso haber tocado de bis el tercer movimiento del Cuarteto en sol mayor de Dvorák.

* Compositor y musicólogo de la Universidad Nacional de Colombia, miembro del Círculo Colombiano de Música Contemporánea CCMC.

El cantante puertorriqueño Chayanne afirmó este miércoles a su llegada a San Juan (Puerto Rico) para actuar el viernes y sábado próximo como parte de su gira Desde El Alma Tour, que se siente "muy a gusto" el trabajar temas de pop que fusionan con ritmos del género urbano. (Le puede interesar: Chayanne está listo para su nueva gira)

En su carrera que se extiende 30 años, Chayanne solo ha publicado tres canciones con artistas urbanos -todos puertorriqueños- arrancando con la remezcla de Humanos a Marte con Yandel, seguida de Qué me has hecho, interpretada junto a Wisin, y Choka choka con Ozuna. (Lea también: Chayanne, ¡Desde el alma nos cantó!)

"El reguetón lo veo como cuando era pequeño y lo comparo con la salsa", reflexionó Chayanne sobre la fusión de ritmos entre ambos géneros caribeños. (Además: Chayanne se defiende de las colaboraciones con artistas de reguetón)

El artista boricua enfatizó que la fusión entre el reguetón y el pop "van muy bien" por la melodía, las letras de las canciones y sus ritmos "que van cogida de la mano".

Chayanne, intérprete de otros éxitos como Completamente enamorados, Boom boom, Un siglo sin ti o Cuidarte el alma, forma parte de un grupo de intérpretes del pop que en los pasados años han lanzado temas con artistas urbanos.

Otros artistas del pop que han hecho lo propio, son los también puertorriqueños Ricky Martin con Wisin y Yandel, Tommy Torres con Tego Calderón, Kany García con Residente y Tego Calderón, Pedro Capó con Farruko, Christian Daniel con Cosculluela y Farruko, y el grupo mexicano Reik con Ozuna y Wisin.

"Me siento muy a gusto de hacer pop con reguetón y reggae mezclado", comentó Elmer Figueroa, nombre verdadero de Chayanne durante una rueda de prensa a su llegada a su isla.

El género urbano también ha logrado que artistas estadounidenses se interesen en grabar temas con el ritmo caribeño, como hizo Katy Perry recientemente con Daddy Yankee en Con Calma, Alicia Keys con Pedro Capó y Farruko en Calma y Madonna con el colombiano Maluma en Medellín.

Por otra parte, existe el misterio de que alguno del trío de artistas urbanos actúe con Chayanne en alguna de sus presentaciones el viernes y sábado próximo en el Coliseo de Puerto Rico José M. Agrelot de San Juan.

No obstante, Chayanne no quiso confirmar a ninguno de ellos, pues al momento, sus "únicos invitados son mis fanáticos".

Chayanne, a su vez, explicó que los temas con Wisin y Ozuna son los primeros dos sencillos de su próxima producción, la cual aún no lleva título, espera publicar a finales de año y que será la primera suya desde En Todo Estaré (2014).

Tras sus dos presentaciones en suelo caribeño, Chayanne proseguirá su gira por los Estados Unidos, específicamente en Fort Myers y Miami, ambas en Florida, y después en Uncasville, en Connecticut.

"Old Town Road" batió el récord de permanencia como el más vendido en Estados Unidos, extendiendo su histórico dominio de la música pop a 17 semanas, anunció el lunes Billboard.

El tema de Lil Nas X, que combina los sonidos del banjo y el bajo, rompió el récord de 16 semanas en la lista de los singles más seguidos de la industria.   

El éxito del texano, en el que participa el cantante Billy Ray Cyrus, destronó a "One Sweet Day" de Mariah Carey (1996) y a "Despacito" de los puertorriqueños Luis Fonsi y Daddy Yankee, con Justin Bieber (2017).

En su semana 17 en la Billboard Hot 100, la canción registró 72,5 millones de transmisiones en Estados Unidos y 46.000 descargas vendidas. Sus números nuevamente superaron a la estrella pop emergente Billie Eilish, cuya canción "Bad Guy" ha ocupado el puesto número dos durante siete semanas en total.

Después de llamar la atención en la plataforma para compartir videos TikTok, Lil Nas X, de 20 años, se hizo conocido luego de que su éxito desplazara a Ariana Grande de la lista de Billboard en abril. También impidió los avances de miembros de la realeza del pop como Bieber y Taylor Swift.

Desde entonces, Lil Nas X ha acertado al lanzar remix tras remix de la canción, especialmente con la versión con la estrella del country Billy Rae Cyrus, que es la que figura en la lista de Billboard.

Mientras los remixes estén en línea con el sonido original de una canción, las transmisiones, descargas y ventas se incluyen en un número compuesto.

La semana pasada, Lil Nas X lanzó otra nueva versión en la que participa un miembro de BTS, un popular grupo surcoreano.

"Vaquero solitario"

Su ascenso a la fama estuvo rodeado de controversia después de que Billboard eliminó la canción de la lista de country, dejándola en la de rap, lo que provocó acusaciones de que el trabajo del músico de Atlanta había sido encasillado solo porque es afrodescendiente.

Nunca regresó a la lista de country, a pesar de la colaboración con Cyrus, pero su imparable éxito se ha mantenido en la cima de la lista de canciones de R&B/Hip Hop y Hot Rap durante 17 semanas.

En una nota llena de emojis publicada en Twitter, el artista nacido con el nombre de Montero Lamar Hill dijo que el año pasado había estado atravesando un mal momento y viviendo en el sofá de su hermana. "Medio en serio y medio en broma me veía como un vaquero solitario que necesitaba escapar de todo".

Su canción "tenía que ser divertida, tenía que ser pegadiza, tenía que ser hip hop, tenía que ser country y tenía que ser corta", continuó.

"Esta canción ha cambiado mi vida y la forma en que veo el mundo que me rodea en menos de un año", dijo. "¡Es sólo el comienzo!".

Desde el lanzamiento de "Road", Lil Nas X también lanzó un EP (extended play) titulado "7", que incluye el hit original y el remix con Billy Rae Cyrus, así como una canción junto a la estrella de rap Cardi B.

Cuando se le preguntó a Carey previamente si estaba preocupada por la posibilidad de perder su récord ante el artista novato, respondió: "Cariño, no".

Dos semanas atrás el artista había invitado por Twitter a Carey a grabar un remix de la canción con él, a lo que ella respondió publicando una foto de sí misma con sombrero vaquero.

Lil Nas X le había dicho a TMZ que tal vez le enviaría rosas a Carey al romper su récord, "ya que la amo".

.@LilNasX’s #OldTownRoad, featuring @billyraycyrus, is now the longest-leading Billboard #Hot100 No. 1 hit of all time! #BillboardNews pic.twitter.com/sCIeGvugOm

— billboard (@billboard) July 29, 2019

Shawn Mendes fue nombrado este domingo mejor cantante del año y Billie Eilish, mejor artista revelación e intérprete de la mejor canción por Bad Guy durante los MTV European Music Awards celebrados en Sevilla, en los que también triunfaron Taylor Swift, Rosalía y Lola Índigo. (Puede ver: MTV EMA 2019 en imágenes).

Sin embargo, Ariana Grande, quien acumulaba el mayor número de nominaciones, se fue con las manos vacías.

"¡Les agradezco mucho este premio a la mejor canción! ¡Los adoro!", exclamó la estadounidense Billie Eilish en un video transmitido durante la ceremonia en esta ciudad del sur de España. 

Con "Bad Guy", la artista de 17 años se convirtió en agosto en la primera nativa de la década 2000 en alcanzar la cima de la lista Billboard 100 en Estados Unidos, destronando el tema "Old Town Road" del rapero Lil Nas X. 

Aparte de la música, Billie Eilish es conocida por sus preocupaciones medioambientales y no ha dudado en llamar recientemente a sus millones de fans a participar en las manifestaciones por el clima de finales de septiembre en todo el mundo.

El canadiense Shawn Mendes fue designado mejor artista y Taylor Swift, mejor artista estadounidense y mejor videoclip por "Me!".

La mejor colaboración fue para "Con Altura" de Rosalía y J Balvin y la cantante Lola Índigo fue elegida mejor artista española.

La gran favorita, la estadounidense Ariana Grande, nominada en siete categorías, se quedó sin recompensa. Lo que no impidió que el palmarés estuviera dominado por las mujeres, con nueve de los 15 premios principales.

Antes de la ceremonia, el futbolista Christiano Ronaldo desfiló por sorpresa por la alfombra roja con su pareja Georgina Rodríguez. 

Creados en 1994, los MTV European Music Awards son uno de los dos eventos principales organizados por la cadena, junto con los Video Music Awards, que se celebran cada año en Estados Unidos desde 1984.

La 62 edición de los Grammy, los premios más importantes de la música, se celebra hoy en el Staples Center de Los Ángeles (EE.UU.) con Alicia Keys como maestra de ceremonias por segundo año consecutivo. 

La ceremonia se divide en dos partes debido a la cantidad de categorías que entrega la Academia. En la gala previa, que ya tuvo lugar y en la que se anuncian la mayor parte de los ganadores, resaltaron los cantantes Lizzo, Billie Eilish, Lil Nas X & Billy Ray Cyrus, incluyendo a los españoles Alejandro Sanz y Rosalía, así como el estadounidense Marc Anthony y la cubana Aymee Nuviola quienes se llevaron los Grammy en las categorías latinas.

Aquí la lista completa de ganadores

Mejor álbum americano

OKLAHOMA
Keb' Mo'

Mejor interpretación pop de un dúo o grupo

OLD TOWN ROAD
Lil Nas X Featuring Billy Ray Cyrus

Mejor álbum de pop tradicional

LOOK NOW
Elvis Costello & The Imposters

Mejor álbum vocal de pop

WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?
Billie Eilish

Mejor álbum de música mundial

CELIA
Angelique Kidjo

Productor del año, no clásico

FINNEAS - When We Fall Asleep, Where Do We Go? (Billie Eilish) 

Mejor actuación tradicional de R&B

JEROME
Lizzo

Mejor álbum urbano contemporáneo

CUZ I LOVE YOU (DELUXE)
Lizzo

Mejor álbum de R&B

VENTURA
Anderson .Paak

Mejor canción de R&B

SAY SO
PJ Morton, songwriter (PJ Morton Featuring JoJo)

Mejor álbum de música alternativa

FATHER OF THE BRIDE

Vampire Weekend

Mejor grabación de dance

The Chemical Brothers
The Chemical Brothers, producers; Steve Dub Jones & Tom Rowlands, mixers

Mejor álbum de dance/electrónica

NO GEOGRAPHY 
The Chemical Brothers

Mejor interpretación de música de raíces americanas

SAINT HONESTY
Sara Bareilles

Mejor canción de música de raíces americanas

CALL MY NAME
Sarah Jarosz, Aoife O'Donovan & Sara Watkins, songwriters (I'm With Her)

Mejor álbum instrumental contemporáneo

METTAVOLUTION 
Rodrigo y Gabriela

Mejor intepretación de rap

RACKS IN THE MIDDLE 
Nipsey Hussle Featuring Roddy Ricch & Hit-Boy

Mejor intepretación de rap/sung

HIGHER 
DJ Khaled Featuring Nipsey Hussle & John Legend

Mejor canción de rap

A LOT 
Jermaine Cole, Dacoury Natche, 21 Savage & Anthony White, compositores (21 Savage Featuring J. Cole)

Mejor intepretación solista de country

RIDE ME BACK HOME 
Willie Nelson

Mejor canción de country

BRING MY FLOWERS NOW 
Brandi Carlile, Phil Hanseroth, Tim Hanseroth & Tanya Tucker, compositores (Tanya Tucker)

Mejor álbum de country

WHILE I'M LIVIN' 
Tanya Tucker

Mejor álbum de new age

WINGS
Peter Kater

Mejor solo de jazz improvisado

SOZINHO 
Randy Brecker, solista

Mejor álbum vocal de jazz

12 LITTLE SPELLS 
Esperanza Spalding

Mejor álbum instrumental de jazz

FINDING GABRIEL 
Brad Mehldau

Mejor álbum largo de jazz ensamblado

THE OMNI-AMERICAN BOOK CLUB 
Brian Lynch Big Band

Mejor álbum de jazz latino

ANTIDOTE 
Chick Corea & The Spanish Heart Band

Best Gospel Performance/Song

LOVE THEORY
Kirk Franklin; Kirk Franklin, escritor

Mejor interpretación/canción de góspel

GOD ONLY KNOWS 
for KING & COUNTRY & Dolly Parton; Josh Kerr, Jordan Reynolds, Joel Smallbone, Luke Smallbone & Tedd Tjornhom, compositores

Mejor álbum de góspel

LONG LIVE LOVE 
Kirk Franklin

Mejor álbum de música cristiana contemporánea

BURN THE SHIPS 
for KING & COUNTRY

Mejor álbum de música de raíces góspel

TESTIMONY
Gloria Gaynor

Mejor álbum de pop latino

#ELDISCO 
Alejandro Sanz

Mejor álbum de rock, urbano o alternativo latino

El mar querer
Rosalía

Mejor álbum de música regional mexicano (incluyendo tejano)
DE AYER PARA SIEMPRE 
Mariachi Los Camperos

Mejor álbum tropical latino

OPUS 
Marc Anthony

A JOURNEY THROUGH CUBAN MUSIC 
Aymée Nuviola

Mejor álbum de bluegrass

TALL FIDDLER 
Michael Cleveland

Mejor álbum de blues tradicional

TALL, DARK & HANDSOME 
Delbert McClinton & Self-Made Men + Dana

Mejor álbum de blues contemporáneo

THIS LAND 
Gary Clark Jr.

Mejor álbum de folk

PATTY GRIFFIN 
Patty Griffin

Mejor álbum de música de raíces regionales

GOOD TIME 
Ranky Tanky

Mejor álbum de reggae

RAPTURE 
Koffee

Mejor álbum infantil

AGELESS SONGS FOR THE CHILD ARCHETYPE 
Jon Samson

Mejor álbum hablado (incluye poesía, audiolibros y cuentacuentos

Becoming 
Michelle Obama

Mejor banda sonora compilada para medios visuales

A STAR IS BORN
Lady Gaga & Bradley Cooper
Paul “DJWS” Blair, Bradley Cooper, Lady Gaga, Nick Monson, Lukas Nelson, Mark Nilan Jr. & Benjamin Rice, productores de compilación; Julianne Jordan & Julia Michels, music supervisors

Mejor banda sonora compuesta para medios visuales

CHERNOBYL 
Hildur Guðnadóttir, composer

Mejor canción escrita para medios visuales

I'LL NEVER LOVE AGAIN (FILM VERSION) 
Natalie Hemby, Lady Gaga, Hillary Lindsey & Aaron Raitiere, compositores (Lady Gaga & Bradley Cooper)
Track from: A Star Is Born

Mejor composición instrumental

STAR WARS: GALAXY'S EDGE SYMPHONIC SUITE 
John Williams, compositor (John Williams)

Mejor arreglo, instrumental o a capela

MOON RIVER 
Jacob Collier, arreglista (Jacob Collier)

Mejor arreglo, instrumental con acompañamiento vocal

ALL NIGHT LONG 
Jacob Collier, arreglista (Jacob Collier Featuring Jules Buckley, Take 6 & Metropole Orkest)

Mejor empaque de grabación

CHRIS CORNELL 
Barry Ament, Jeff Ament & Joe Spix, directores de arte (Chris Cornell)

Mejor empaque en caja o edición especial limitada

WOODSTOCK: BACK TO THE GARDEN - THE DEFINITIVE 50TH ANNIVERSARY ARCHIVE 
Masaki Koike, director de arte (Various Artists)

Mejores notas de álbum

STAX '68: A MEMPHIS STORY 
Steve Greenberg, escritor de notas del álbum (Various Artists)

Mejor álbum histórico 

PETE SEEGER: THE SMITHSONIAN FOLWAYS COLLECTION
Jeff Place & Robert Santelli, productores ; Pete Reiniger, mastering engineer (Pete Seeger)

Mejor ingeniería de grabación para un álbum, no clásico

WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO? 
Rob Kinelski & Finneas O'Connell, ingenieros; John Greenham, ingeniero de masterización (Billie Eilish)

Mejor grabación remezclada

I RISE (TRACY YOUNG'S PRIDE INTRO RADIO REMIX) - 
Tracy Young, remixer (Madonna)

Mejor álbum de audio inmersivo

LUX - 
Morten Lindberg, ingeniero de audio inmersivo; Morten Lindberg, ingeniero de masterización de audio inmersivo; Morten Lindberg, productor de audio inmersivo (Anita Brevik, Trondheimsolistene & Nidarosdomens Jentekor)

Mejor intepretación de R&B

COME HOME
Anderson .Paak Featuring André 3000

Mejor video musical

OLD TOWN ROAD (OFFICIAL MOVIE) 
Lil Nas X & Billy Ray Cyrus
Calmatic, director de video; Candice Dragonas, Melissa Larsen & Saul Levitz, productores de video

Mejor película musical

HOMECOMING
Beyoncé
Beyoncé Knowles-Carter & Ed Burke, directores de video; Steve Pamon & Erinn Williams,productores de video

Mejor intepretación de rock

THIS LAND
Gary Clark Jr.

Mejor intepretación de metal

7EMPEST
Tool

Mejor álbum de teatro musical

HADESTOWN
Reeve Carney, André De Shields, Amber Gray, Eva Noblezada & Patrick Page, solistas principales; Mara Isaacs, David Lai, Anaïs Mitchell & Todd Sickafoose, prodcutores (Anaïs Mitchell, composer & lyricist) (Original Broadway Cast)

Mejor composición clásica contemporánea

HIGDON: HARP CONCERTO 
Jennifer Higdon, compositor (Yolanda Kondonassis, Ward Stare & The Rochester Philharmonic Orchestra)

Mejor compendio clásico

THE POETRY OF PLACES
Nadia Shpachenko; Marina A. Ledin & Victor Ledin, productores

Mejor álbum solista vocal clásico

SONGPLAY 
Joyce DiDonato; Chuck Israels, Jimmy Madison, Charlie Porter & Craig Terry, acompañantes (Steve Barnett & Lautaro Greco)

Mejor canción de rock

THIS LAND
Gary Clark Jr., compositor de canciones (Gary Clark Jr.)

Mejor solo instrumental clásico

MARSALIS: VIOLIN CONCERTO; FIDDLE DANCE SUITE
Nicola Benedetti; Cristian Măcelaru, conductor (Philadelphia Orchestra)

Mejor interpretación de música de cámara/ensambles pequeños

SHAW: ORANGE 
Attacca Quartet

Mejor álbum de rock

SOCIAL CUES
Cage The Elephant

Mejor interpretación coral

DURUFLÉ: COMPLETE CHORAL WORKS 
Robert Simpson, conductor (Ken Cowan; Houston Chamber Choir)

Mejor grabación de ópera

PICKER: FANTASTIC MR. FOX 
Gil Rose, conductor; John Brancy, Andrew Craig Brown, Gabriel Preisser, Krista River & Edwin Vega; Gil Rose, productor (Boston Modern Orchestra Project; Boston Children's Chorus)

Mejor interpretación orquestal

NORMAN: SUSTAIN 
Gustavo Dudamel, conductor (Los Angeles Philharmonic)

Productor del año, clásico

BLANTON ALSPAUGH

Mejor ingeniería de álbum, clásica

RILEY: SUN RINGS
Leslie Ann Jones, ingeniero; John Kilgore, Judith Sherman & David Harrington, ingenieros / mezcladores; Robert C. Ludwig, ingeniero de masterización (Kronos Quartet)

La pareja estelar de la música Beyoncé y Jay-Z sorprendió al anunciar sobre el escenario en Londres la noche del sábado el lanzamiento de un nuevo álbum conjunto para celebrar su amor.

Este álbum, titulado Everything Is Love y que consta de nueve canciones, fue lanzado exclusivamente en la plataforma de streaming Tidal de Jay-Z. No está disponible en Spotify, plataforma competidora y mucho más grande, a la que Beyoncé dedica en el álbum expresiones subidas de tono. 

La diva del pop y el célebre rapero anunciaron la salida de su nuevo álbum al final del concierto de Londres, que forma parte de una gira internacional que comenzó el 6 de junio en Reino Unido. 

En simultáneo, la pareja publicó un video cuidadosamente coreografiado dentro del Museo del Louvre en París para una canción del álbum, Apeshit. 

El video muestra a la pareja parada de espaldas a la Gioconda y continúa con bailarinas que parecen estar desnudas bailando, entre otros rincones del museo, frente a La consagración de Napoleón de Jacques-Louis David. 

Un matrimonio aún más público

Musicalmente, Everything Is Love combina los estilos de ambos artistas con canciones marcadas por un soul cálido y sensual y una factura con estructura hip-hop. 

En el álbum, la cantante de Say My Name" y Single Ladies (Put a Ring On It) cuenta generosos detalles sobre su vida sexual con Jay-Z. 

Las dos estrellas, que tienen tres hijos, dos de ellos gemelos nacidos en junio de 2017, ya habían grabado juntos en el álbum de Beyoncé Drunk In Love (2013), pero este es su primer trabajo en conjunto después de haber hecho pública su vida conyugal. 

En su álbum de 2016, Lemonade, Beyoncé reveló la infidelidad de su marido. Un año después, Jay-Z le pidió perdón en su propio álbum 4:44. 

Su relación parece haber mejorado tomando en cuenta el título del nuevo álbum, en el que la artista le dice a su marido desde las primeras palabras Hagamos el amor en verano. 

En la canción, Lovehappy, reconocen las dificultades del pasado pero también sus esfuerzos por reconciliarse. "Tenemos defectos / Pero siempre somos perfectos el uno para el otro", canta Beyoncé. 

Jay-Z y Beyoncé, dos de las principales figuras de la escena pop estadounidense, han tenido un papel político cada vez más visible después de apoyar la campaña del expresidente Barack Obama y el movimiento contra la violencia policial hacia las personas negras Black Lives Matter. 

Rechazo del Super Bowl 

Everything Is Love contiene una oda a la identidad afroestadounidense, Black Effect, que comienza con un monólogo al estilo de Beyoncé sobre el amor propio que se convierte en un sample de soul fascinante. 

En la canción, Jay-Z menciona a Trayvon Martin, un adolescente negro que murió por los disparos de un vigilante blanco en Florida en 2012, y rapeando invita, como suele hacerse con el público en los conciertos, a "levantar las manos bien alto como en un falso arresto". 

En otra parte del disco, Jay-Z parece confirmar los reportes de prensa según los cuales él rechazó una oferta de la Liga Nacional de Fútbol Americano (NFL) para actuar en la Super Bowl en febrero, el evento más visto en la televisión estadounidense, en el que finalmente se presentó Justin Timberlake. 

Jay-Z manifestó sus simpatías públicamente hacia Colin Kaepernick, el exmariscal de campo de los San Francisco 49ers que inició un movimiento de protesta en el fútbol americano contra la violencia racial arrodillándose durante el toque del himno nacional en 2016. 

El presidente Donald Trump luego inició un enfrentamiento con la NFL, exigiendo el despido de jugadores que, según él, faltaban así el respeto al país. 

"Dije no al Super Bowl / Tú me necesitas, yo no te necesito", dijo Jay-Z, evocando luego el hecho de que en el fútbol americano los propietarios de los equipos son casi todos blancos y los jugadores casi todos negros. 

El rapero, también conocido como Hov, ataca a Trump directamente en otra canción con Beyoncé titulada Salud!, que no está incluida en el álbum pero fue lanzada simultáneamente como un bonus track. 

"Su presidente tuitea sobre Hov como si nos conociera / Mi camino a la cima fue recuperar lo que nos deben", dice Jay-Z. 

La nueva gira de la pareja, titulada On The Run II, se encuentra actualmente en Europa con una fecha en España, el 11 de julio en Barcelona, y luego se traslada a Norteamérica para terminar en Vancouver, Canadá, el 2 de octubre.

La exitosa carrera de la cantante estadounidense Becky G será reconocida con el premio Evolución Extraordinaria que otorgan los Latin American Music Awards, anunció este martes la organización.

La carrera de la artista californiana de origen mexicano "demuestra cambio, crecimiento y velocidad", destacó en un comunicado la versión latina de los premios American Music Awards (AMA).

Con apenas 22 años, Becky G ha logrado "alcanzar el éxito de manera acelerada en poco tiempo" y capturar escenarios tan importantes como Viña del Mar, donde este año fue elegida para clausurar el evento con un lleno total, destaca la organización de estos premios que se entregarán el 17 de octubre en Los Ángeles.

Becky G, uno de los nombres femeninos más destacados del pop urbano global, publicará el próximo 17 de octubre su álbum de debut, con el título de 'MalaSanta'.

La artista comparte la portada del disco y las fechas relativas a lanzamiento, con el álbum disponble para reserva en plataformas digitales a partir de este viernes 11 de octubre en todos los partners de descarga y streaming.

Becky G será una de las artistas que actuarán en la gala de Premios Los 40 Music Awards que se celebran el próximo dia 8 de noviembre en el Wizink Center de Madrid. Además se espera su confirmación como artista invitada y nominada para los premios MTV EMAs que tendrán lugar en Sevilla el próximo día 3 de noviembre.

El lanzamiento de 'MalaSanta' culmina el trabajo de éxitos incontables, y con Becky G convertida en la artista de referencia de una nueva escena musical dominada por el pop latino donde ella ha sabido como nadie crear un estilo propio tanto en lo musical, como en lo estético y en lo audiovisual elevando el nivel del género y el cuidado con el que ella presenta sus canciones a la altura de cualquier estrella anglosajona.

Los números, las cifras, los charts y el éxito son una seña de identidad que acompaña a Becky G desde hace mucho tiempo y particularmente es Colombia uno de los mercados donde el idilio con Becky G es más fuerte.