La escritura e investigación del guion estuvieron a cargo de Juan Carlos Rincón, Valeria Cortés y Ana María Pedraza. En la presentación está Rincón. Kenny Salamanca editó este video.

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El dólar cerró a la baja. la moneda estadounidense cerró las negociaciones del día en COP 3.700. lo que representa una caída de COP 5 frente al último precio del jueves (COP 3.775).

Por su parte, la Tasa Representativa del Mercado (TRM) para este 6 de marzo es de COP 3.767,94, de acuerdo con la Superintendencia Financiera.

¿Cómo la guerra afecta el precio del dólar?

El panorama en Medio Oriente, tras el ataque de Estados Unidos a Irán, influencia con fuerza las negociaciones de la moneda durante estos días.

El conflicto es clave porque la región resulta estratégica para el comercio, por el tránsito de las mercancías que pasan por el estrecho de Ormuz, especialmente el petróleo.

El crudo ha tenido un alza importante en el último día, superando los USD 85 por barril, lo que implica el precio más alto registrado desde julio de 2024.

Analistas también recuerdan que, ante este tipo de escenarios geopolíticos, se aumenta la aversión al riesgo y, por ende, el apetito por los activos refugio. Esto hace que la demanda de dólares, considerada como moneda estable, se incremente, lo que presiona al alza su valor.

Sin embargo, lo que hace contrapeso en Colombia es el precio del petróleo, porque al ser un país exportador de crudo, una buena parte de las divisas que entran se deben a sus exportaciones.

Desde Credicorp Capital se anticipa una jornada alcista, con los COP 3.760 como pivote, pudiendo cerrar en COP 3.790.

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Robert Downey Jr. lo tiene muy claro: su etapa como Iron Man terminó. Y aunque su rostro siga ya ligado de por vida al del carismático Tony Stark, el actor declaró que no es solo su único trabajo. "No soy solo este papel que he estado interpretando, no soy un personaje de ficción", comentó rotundamente. "No soy lo que hice con ese estudio", puntualiza. (Le puede interesar: Robert Downey Jr: “‘Avengers’ es más que mero entretenimiento”)

"Inicialmente, a la hora de crear asociaciones y enlaces con Tony Stark y el Universo Marvel, eres un buen hombre de compañía, aunque te desconcentres un poco, eres creativo y participas en todo ese proceso", comentó el actor en una entrevista para The Hollywood Reporter. "Pero llegó ese momento en el que, como suele decirse, el dueño acaba pareciéndose a su mascota", detalló. (Lea también:¿Cuántos millones ha ganado Robert Downey Jr. con Vengadores: Endgame?)

Al darse cuenta de que el personaje y el actor empezaban a no verse de forma separada, Downey quiso tomar distancia de la parte creativa. "No soy mi trabajo, ni lo que hice para Marvel. Tampoco soy el período de tiempo que he pasado interpretando a mi personaje" declaraba el actor, sintiéndose compungido "porque el niño que está dentro" de todo el mundo "quiere que todo siga como estaba ahora". (Además: "Endgame": la escena que Robert Downey Jr. no quería rodar)

"Y no, no siempre vas a poder estar en un campamento de verano", dijo el intérprete. Pese a sus duras declaraciones, Downey también ha comentado que disfrutó mucho en el tiempo en el que ha podido ser Iron Man. "Siempre hay una dependencia en algo que sientes que es seguro. Es lo más cerca que he estado de ser un niño mimado", manifestó Robert Downey Jr.

NUEVOS PROYECTOS

"No me he visto obligado a explorar la nueva frontera de lo que es mi vida creativa y mi vida personal después de esto", dijo el actor, sobre su despedida del Universo Cinematográfico de Marvel. "Siempre es bueno adelantarse a los acontecimientos", explicó.

El actor también revela que era muy consciente de que, tarde o temprano, iba a llegar el momento de decir adiós a Tony Stark. "Si pones la mirada en que en la primavera de 2019 todo va a cambiar, empiezas a mentalizarte antes, porque siempre es en las transiciones de una etapa a otra cuando la gente se desmorona", reveló.

Robert Downey Jr. tiene varios proyectos en curso. Uno de ellos es The Voyage of Doctor Dolittle, en el que dará vida al médico capaz de hablar con los animales y en la que participarán también Antonio Banderas, Michael Sheen y Jim Broadbent. También estará en la siguiente entrega de la saga Sherlock Holmes y protagonizará el biopic sobre John Brinkley que dirigirá Richard Linklater.

El canal de televisión AMC presentó el tráiler de "NOS4A2" (Nosferatu), serie de terror sobrenatural basada en el best seller homónimo de Joe Hill y protagonizada por el actor y productor nominado al Emmy, Zachary Quinto, recordado por su actuación en "Star Trek" y "American Horror Story", y Ashleigh Cummings, quien ha trabajado en "The Goldfinch" y "Hounds of Love".

Quinto encarna a Charlie Manx, un seductor inmortal que se alimenta de las almas de los niños y luego deposita lo que queda de ellos en Christmasland, un retorcido pueblo navideño creado por su imaginación, donde todos los días es Navidad y la infelicidad es ilegal.

Pero Manx ve su mundo amenazado cuando una joven (Cummings) en Nueva Inglaterra descubre que tiene una peligrosa habilidad. La esperada serie "NOS4A2" (Nosferatu) se estrena en Estados Unidos el próximo 2 de junio y Colombia muy pronto en exclusiva por el canal de televisión AMC.

Cummings da vida a Vic McQueen, una joven artista cuya creatividad despierta una habilidad sobrenatural para rastrear a Charlie Manx. Lo que a Vic le falta en confianza social, lo compensa con valentía, humor y agilidad. A lo largo de la serie ella se esforzará por derrotar a Manx y rescatar a sus víctimas sin perder la cabeza o convertirse en una de ellas.

La directora Kari Skogland, nominada al Emmy por "The Handmaid’s tale", dirigió los dos primeros episodios de una hora de duración.

Durante el Super Bowl 2018, la final de la Liga de Fútbol Americano (NFL) se estrenó el primer tráiler de "Mission: Impossible - Fallout", la sexta entrega del filme que protagoniza Tom Cruise como el agente de operaciones especiales Ethan Hunt. (Ver "Han Solo: Una Historia de Star Wars": el tráiler que se lanzó en el Super Bowl).

En "Misión Imposible – Repercusión" la actriz Rebecca Ferguson retoma su personaje de la anterior entrega, Ilsa Faust; así como Sean Harris, quien dio vida al villano Solomon Lane en la quinta parte, "Nación secreta".

Vanessa Kirby, Simon Pegg y Alec Baldwin completan el elenco de la película que se estrenará en Colombia el 26 de julio de 2018.

El actor y músico británico Johnny Flynn se encargará de dar vida a David Bowie en la película biográfica "Stardust", informó este jueves el medio especializado The Hollywood Reporter.

Flynn, un intérprete no muy conocido para el gran público y que ha tenido papeles en series como "Genius" y "Vanity Fair", encabezará el reparto de este largometraje junto a la actriz estadounidense Jena Malone, que encarnará a Angie, la primera esposa del músico.

También estará en el elenco Marc Maron, muy popular entre los fans de la serie "GLOW" por su rol del director y promotor de lucha libre Sam Sylvia.

Maron interpretará a un ejecutivo musical ligado a la carrera de Bowie.

"Stardust", que contará con la dirección de Gabriel Range y un guion de Christopher Bell, narrará el ascenso de Bowie en los años 70 y la creación de su "alter ego", Ziggy Stardust. (Galería: David Bowie y sus mil rostros).

Considerado como una de las figuras más carismáticas y camaleónicas de la música popular, David Bowie, que falleció en enero de 2016 a los 69 años, firmó obras maestras como "Hunky Dory" (1971), "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" (1972), "Low" o "Heroes" (ambos de 1977).

Este "biopic" sobre David Bowie parece seguir la reciente moda en Hollywood de películas biográficas sobre grandes estrellas de la música.

Este año se estrenó con gran éxito "Bohemian Rhapsody", una cinta acerca de Freddie Mercury en la que el actor Rami Malek encarnó al líder de Queen.

Además, el próximo mayo llegará a los cines "Rocketman", sobre la carrera de Elton John, mientras que este miércoles se anunció que también está en marcha en Francia el proyecto "The Power of Love" para llevar a la gran pantalla la vida de Céline Dion. 

Las películas que no hayan sido proyectadas en cines podrán competir por el Óscar este año, informó este martes la Academia en un cambio radical forzado por la pandemia del coronavirus. (Le puede interesar: La Academia de Hollywood no descarta cambios en los Óscar por Coronavirus)

Tradicionalmente la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas requiere a las producciones una presentación de al menos siete días en salas para poder ser elegible al premio más cotizado del cine. 

Pero los cines de Los Ángeles y las salas de proyección cerraron a mediados de marzo, sin una fecha a la vista para que reabran. (Lea también: Los Óscar 2020 registran el nivel de audiencia más bajo de la historia)

"Hasta nuevo aviso y solo para la 93 edición de los premios, los filmes que tuvieran sus planes de lanzamiento pero antes fueron lanzados en plataformas comerciales streaming pueden calificar", señaló un comunicado.

La Academia, considerada la autoridad de la industria cinematográfica de Hollywood, insistió en que ver "la magia de las películas" en un cine es "inalterable e inquebrantable". (Recuerde: Óscar 2020: la ceremonia del cine en un minuto)

"Sin embargo, la histórica y trágica pandemia de COVID-19 requiere esta excepción temporal a nuestras reglas de elegibilidad para los premios", añadieron el presidente David Rubin y la directora general Dawn Hudson, citados en el texto.

Las películas estrenadas en cines de otras ciudades fuera de Los Ángeles también serán elegibles solo por este año.

Las nuevas reglas acordadas por los miembros de la Academia incluyen además unir en una misma categoría la mezcla y edición de sonido.

Se harán concesiones para producciones que serían presentadas en festivales cancelados, que servían para clasificar al premio.

La industria del cine ha tratado de adaptarse a los estragos que la pandemia ha causado, incluidos el lanzamiento de títulos que tuvieron que ser aplazados o cancelados.

El mes pasado los Globos de Oro fueron los primeros en relajar las reglas de entrada, permitiendo que las películas que hubieran planificado "de buena fe un estreno en cines" compitieran incluso si el lanzamiento fuera después cancelado.

Las organizaciones de otros grandes premios consultados por AFP dijeron que era aún muy temprano para anunciar cambios.

La mayoría de los cines de Estados Unidos no tienen planes de reabrir hasta el verano, con excepción de Georgia (sur), que autorizó retomar operaciones desde este lunes, y Texas que lo hará en el corto plazo.

La Academia confirmó, sí, que la edición 93 de los premios Óscar se realizará el 28 de febrero de 2021 como estaba planeado.

* “Estamos cubriendo de manera responsable esta pandemia, parte de eso es dejar sin restricción todos los contenidos sobre el tema que puedes consultar en el especial sobre Coronavirus". 

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Sandra Bullock, Cate Blanchett, Anne Hathaway, Richard Armitage, Mindy Kaling, Awkwafina, Sarah Paulson, James Corden, Rihanna y Helena Bonham Carter protagonizan la nueva versión de la saga "Ocean's Eleven", que sigue a un grupo de ladrones de guante blanco (George Clooney, Matt Damon y Brad Pitt) especializados en dar espectaculares golpes en casinos.

"Ocean's 8: las estafadoras" está dirigida por Gary Ross y gira en torno a un robo durante la famosa gala de moda Met que cada año realiza la revista Vogue en el Museo Metropolitano de Nueva York, por lo que participan las modelos Adriana Lima y Hailey Baldwin, así como la cantante Rihanna. También participan Kim Kardashian, Kendall y Kylie Jenner y Anna Wintour, editora de la revista Vogue.

"Ocean's 8" remitirá de alguna manera a la exitosa serie de películas formada por "Ocean's Eleven" (2001), "Ocean's Twelve" (2004) y "Ocean's Thirteen" (2007) que dirigió Steven Soderbergh, quien en esta ocasión figura como productor.

"Ocean's Eleven" era, a su vez, un homenaje al espíritu del filme homónimo de 1960 protagonizado por el grupo conocido como "Rat Pack": Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford y Joey Bishop.

En total, la trilogía de "Ocean's Eleven" recaudó 1.124 millones de dólares en los cines de todo el mundo, según la web especializada Box Office Mojo.

"Ocean's 8" seguirá la estela de "Ghostbusters", que este año recuperó la célebre comedia del mismo nombre de los años ochenta con un elenco enteramente femenino formado por Melissa McCarthy, Kate McKinnon, Kristen Wiig y Leslie Jones.

"Love Death & Robots". Título sospechoso. Tres generalidades juntas. Un hilo conductor demasiado amplio, torpe y engañoso. Efectivamente, de los dieciocho cortometrajes, al menos nueve no tienen nada que ver con robots y otros tres sólo tocan el tema tangencialmente. Todos tienen que ver con “amor” y “muerte”, es cierto, pero también es cierto que toda la narrativa universal tiene que ver con esos dos temas. Alguien ama, alguien deja de amar, alguien muere o evita la muerte. Siempre es lo mismo.

El parroquiano que me recomendó la serie lo hizo asegurando que se trataba de una serie “nueva, sabrosita, muy parecida a Animatrix (2003)”. No obstante, comparar LD&R con Animatrix es impreciso y poco justo. Animatrix aporta a la mitología de sus películas base, al punto que algunos cortometrajes resultan indispensables para completar y entender subtramas de los largometrajes en cuestión. En LD&R no sucede así. No se aporta a ninguna mitología de la muerte, del amor o de los robots. Casi todas las historias del conjunto son remakes literales o variaciones de algo ya visto. Hay una versión de Gravity (2013) un poco más gore, hay una versión de Microcosmos (1996), una versión siniestra de Up (2009) con elementos de The Iron Giant (1999), y una versión de Real Steel (2011) cruzada con Avatar (2007). Todos técnicamente impresionantes y visualmente potentes, pero narrativamente hablando LD&R resulta bastante pobre: lugares comunes, situaciones y tramas manidas que hacen preguntarse por la pericia de los escritores involucrados. (Le puede interesar: Los estrenos de mayo en Netflix).

Revisando créditos, es fácil notar que el guionista de la mayoría de los productos es el mismo (Philip Gerald), lo que en teoría podría darle unidad al conjunto. No sucede así. Son pocos los cortometrajes que se pueden aunar entre sí. A lo sumo se pueden armar parejas y tríos por afinidades temáticas y estilísticas; pero de ninguna manera se pueden relacionar dieciocho productos orgánicamente, porque ni siquiera los propios creadores parecen tener esa pretensión del todo clara. El sello de escritura es notorio, sí, pero más por fallos que aciertos. Hay cuatro cortos cuyo truco de guion es el mismo: generar circularidad haciendo que el inicio de la historia y el final se solapen. El relato empieza en un punto y acaba en otro similar o idéntico al principio, sugiriéndole al espectador que todo se va a reiniciar. Truco sucio de taller de escritura creativa barrial.

Y eso cuando hay resolución, porque la mayoría de los cortos funcionan más como viñetas o escenas “sueltas” que perfectamente podrían pertenecer a largometrajes o episodios de serie dramática, ojalá de HBO. En lugar de eso, las “escenas” aparecen allí, a su suerte, como extraídas, casi extraviadas, con arranques sugerentes, sí, con desarrollos enganchadores y virtuosos visualmente hablando (también), pero con finales flojos y predecibles. A este respecto, los cortos de LD&R siguen dos caminos obvios: no se resuelven completamente o se “resuelven” usando el truco anti-resolutivo por antonomasia: el bucle temporal, el deus ex machina 2.0.

En ese sentido, sorprende (no tanto) que muchos fans de la ciencia ficción se empeñen en defender a ultranza el producto alegando que “está inspirado en relatos de escritores contemporáneos del género”. Y no lo dicen sólo para contar el dato y parecer importantes. Tampoco lo dicen para reivindicar el trabajo de John Scalzi o de Alastair Reynolds que efectivamente merecen ser leídos y cuyos relatos adaptados resultan lo mejor de la serie: Zima Blue (S1E14) y Lucky 13 (S1E13). No. Esta vez lo dicen en plan “sabemos que las historias son el punto débil de esta serie, así que nos sacamos la carta académica/literaria/contemporánea para blindarnos en caso de que critiquen”. Y efectivamente les funciona. Al menos en ciertos círculos. No digo que no sea importante el respaldo literario, pero la verdad es que la ciencia ficción contemporánea es tan poco arriesgada en términos de conceptos y sigue apelando a técnicas de escritura propias del best-seller (pre)adaptable a bluckbuster (véanse Ernst Cline y Daniel Wilson con Spielberg) que decir eso no es un valor en sí mismo. No sin matizarlo.    

Así que descartando todos los cortos decepcionantes, manidos y perezosos, y dejando también de lado los mejores del conjunto cuya propuesta es defendible en sí misma, me permitiré reseñar a continuación los cortos (unitarios, parejas, tríos) que considero valiosos pero no innovadores, cortometrajes que hacen algún aporte, (aunque sea mínimo) ya sea en términos visuales o narrativos, y que probablemente requieran una segunda oportunidad o en segundo visionado para valorarse íntegramente. (Lea sobre la serie web Con ánimo de ofender).

Three robots (S1E2), When the Yogurt Took Over (S1E6), Alternate Histories (S1E17) y un tal John Scalzi.  

Tres robots visitan una ciudad post apocalíptica y hacen comentarios irónicos sobre “la humanidad” de entonces; es decir, la de ahora, la nuestra, nosotros. El recurso recuerda la película Sleeper (1973), donde el personaje de Woody Allen es criogenizado accidentalmente. Al despertar en el futuro, los nativos de la época le comparten impresiones y lecturas ingenuas/irónicas sobre nuestro presente (su pasado) a partir de indicios que encuentran del ya extinto siglo XX.

Three robots es una sitcom post-apocalíptica. Tres personajes perfectamente definidos reaccionan a un entorno/situación que les es extraño. Tres personajes, una locación, un recorrido, diálogos divertidos. Recuerda también al episodio de Seinfeld donde los personajes se pierden en el estacionamiento o aquel que trascurre enteramente en el restaurante chino. Seinfeld y Woody Allen en el futuro y con robots como intérpretes. Y no es tan descabellado pensarlo así, porque si se escuchan las voces originales de los robots, es fácil identificar que uno tiene la personalidad de un afroamericano newyorkino, otro la de un niño ávido de mundo y rebosante de curiosidad. El último robot, el de voz más femenina, es mucho más cerebral, irónico y hasta misántropo, como si Larry David se hubiera colado en el conjunto para completar el trío de neuróticos judíos.  

He ahí la mayor virtud de este corto y de los otros dos inspirados en relatos de Scalzi: tono. Ironía, sarcasmo, sorna; elementos que configuran el registro desenfadado que transcurre fluidamente sin dejar de lado la especulación propia del género. Tanto Three robots como When the Yogurt Took Over y lo del Alternate Histories, ganan al espectador desde un planteamiento absurdo (apocalipsis desenfadado, yogurt gobernando el mundo, multiverso empleado sólo para hacer bromas con Hitler) que más que desarrollarse plenamente, discurre con fluidez, cara de póker y entrega sobria. Ninguno de los tres cortos cierra satisfactoriamente, es cierto, pero se les perdona por el riesgo que implica plantear y sostener un tono así.

Suits (S1E4) y los profesionales rurales

Suits es un corto que gana mucho con su segundo visionado. Referencias claras a Hawks, Spielberg, Cameron, Linklater incluso. Es ante todo, un cortometraje de personajes ambientado en un escenario apocalíptico. Y todo el mérito del corto, es el mismo mérito que el de las películas de Hawks y algunas de Eastwood: disfrutar de las relaciones de unos personajes que 1. Son profesionales en su área y 2. Se conocen muy bien entre sí. En ese sentido, la cotidianidad campechana está muy bien tratada. Personajes granjeros, rurales, apegados a la tierra. Se conocen hace tiempo, han trabajado juntos por años y esa camaradería se siente y se trasmite con eficacia mediante miradas, chistes internos, lenguaje no verbal de aprobación y reproche. Sutilezas que muestran sus relaciones sin explicaciones retóricas. Un grupo de profesionales lucha contra una amenaza. Punto.  El tema hawksiano por excelencia, aunque como dije arriba, el espectador puede encontrar estéticas parecidas en películas más recientes, tipo The Abyss (1989) de James Cameron.

Por otra parte, Suits es también un “mecha” muy norteamericano. Incluye amenaza numerosa, peligro, combate y hasta el elemento clásico del sacrificio por parte del secundario entrañable. Y en una antología de cortos plagada de finales insatisfactorios, es de admirar el plano final de Suits. Un zoom out (o travel back) similar al que cierra Men in Black (1997): se muestra un planeta tierra condenado, un planeta donde es cuestión de tiempo para que todas las criaturas terminen la invasión, lo que cambia un poco la perspectiva de lo que vimos hasta entonces. Estos granjeros tan heroicos y aparentemente simpáticos, tras ese plano se nos antojan ingenuos y románticos: están conservando una forma de vida condenada a la extinción, una forma de vida ya caduca. Ingenuo pero lindo.

Sinopsis a posteriori: una comunidad rural muy sencilla protege su forma de vida, sin saber que solamente están ganando tiempo para retrasar lo inevitable.

Good Hunting (S1E8) y el steam-punk crepuscular

Uno de los cortometrajes que conceptualmente están mejor hechos. Plantea una noción de lo crepuscular, algo ya visto en el cine de samuráis, el western crepuscular y algunas facciones del noir. Hay varios temas crepusculares fácilmente reconocibles en el corto: cambio, un mundo viejo que da paso a un mundo nuevo, personajes que pueden adaptarse y otros que no lo logran. Acá, el tema está tratado haciendo uso de dicotomías: cambia-formas vs cyborgs; magia vs tecnología, campesino rural vs mecánico de autómatas. Un ser mágico corre el riesgo de perder su magia en el contexto del mundo moderno.  Una criatura que se transformaba vía magia, logra transformarse ahora vía tecnología, o magia moderna.

Conceptualmente todos esos elementos y paralelismos funcionan bien. Sin embargo, por momentos, pareciera que el cortometraje, en aras de trasmitir un concepto, casi un mensaje de “no olvides la magia por tecnología”, fuerza algunos elementos. Esto se ve específicamente cuando el gobernador trasforma a su amante en una máquina. No tiene ningún sentido. El gobernador es tan adicto a las mujeres como a las máquinas. No tiene sentido que arruine el cuerpo hermoso de una mujer en pos de convertirlo en máquina. Trasformar a su mucama en cyborg sexual, parece más una decisión de guionista que de gobernador.

Pero dejando de lado el error citado, el corto está muy bien.  Resulta saludable que, en medio de este repertorio de cortometrajes desiguales, haya lugar también para una reflexión conceptual sobre el paso del tiempo. La mejor manera de hacerlo siempre será apelando a un registro crepuscular.

Sucker of souls (S1E5) y Blind Spot (S1E15): la espectacularidad bien dirigida

Son dos cortos que pongo juntos porque tienen el mismo espíritu y la misma intención: hacer secuencias de acción espectaculares. En uno, la secuencia se centra en mostrar cómo se huye de una amenaza monstruosa (Drácula), en el otro, cómo asaltar un convoy. En ambos hay una acción 2D muy bien dirigida y coreografiada, con una narración visual potente, adictiva, muy bien resuelta en términos de bloqueo de cámara y claridad espacial. Hay humor pero no por eso la acción deja de ser contundente y cañera. Evidentemente, los contenidos son diferentes. En Sucker of souls ni siquiera hay robots, lo cual, aunque molesto en principio por la configuración general de la serie, resulta importando poco justamente por el tono gamberro del que hace gala el corto: sangre exagerada que expulsa el primer cuerpo mutilado, bromas sexuales con gatos, bromas con explosivos C4, alusiones a la promiscuidad de uno de los personajes… todo eso conforma un coctel de diversión pura y sin pretensiones que desarma cualquier intento de análisis sobrio. Obviamente, siguen sin ser los mejores cortos del conjunto. Se trata de ejecuciones virtuosas de tramas desgastadas (exploradores, excavación, peligro, huida), ejecuciones tan bien resueltas que opacan todos los clichés con los que operan. Lo único que molesta de ambas propuestas es lo pobre de sus finales y resoluciones (una vez más). En Sucker of souls, los personajes simplemente terminan encerrados con más vampiros. En Blind Spot, los personajes que mueren tras el atraco peligroso, son revividos. En definitiva: dos cortos muy emocionantes de ver pero cuya historia no aporta nada. Si al espectador le gusta la acción bien coreografiada y con altas dosis de ironía, algo como lo que haría el tándem Mark Millar/Mathew Vaughn en Kingsman: The Secret Service (2014) o en Kick Ass (2010), va a disfrutar de estos dos cortometrajes.

* Realizador y analista audiovisual. Magíster en Escrituras Creativas. Extra con parlamento en Con Ánimo de Ofender (serie web). Crítico de cine en El Espectador.

Desde este sábado las parrillas de los cableoperadores tendrán un nuevo canal: se trata de Nat Geo Kids, la nueva apuesta de Fox Networks Group Latin America que está dirigida a niños entre los 4 y 7 años.

Después de haber consolidado una audiencia con canales dedicados a series, películas y producciones científicas, de naturaleza e históricas, nace Nat Geo Kids como parte de la estrategia con la que quieren abarcar más audiencia con contenido "lindo, bueno y sano" y bajo los estándares del tradicional National Geographic.

"Es un reto enorme llegar a esa audiencia, era lo que nos faltaba. Teníamos películas, series… Nosotros somos socios de la National Geographic Society, tenemos el canal Nat Geo, Nat Geo Wild y ahora lo que nos faltaba, un espacio dirigido a los pequeños", dice Sofía Higuera, Senior Vice President de Fox.

Como parte de esta "estrategia de diversidad de contenidos", Fox se despide del canal Mundo Fox, el cual fue creado en 2014 bajo una alianza con Fox Telecolombia para emitir en toda Latinoamérica las producciones que se realizaban en la región; y da la bienvenida a este espacio que emitirá programas enfocados en la ciencia, exploración, aventura y preservación del medio ambiente.

"Utilizando este espacio (el de Mundo Fox) nos aseguramos de tener distribución completa en América Latina", sostiene Higuera. El canal, que empieza emisión desde el próximo primero de julio, se moverá a la franja de infantil.

Por el momento la programación cuenta con las producciones internacionales "Las aventuras de Blinky Bill", "El laboratorio secreto de Thomas Edison", "Ready jet go!", "Chuck’s choice", "Jaime y sus tentáculos", "Plash y Bubbles" y "Robin Hood".

"Queremos ofrecer contenido que eduque, que los incentive a pensar, a explorar, y que el padre de familia tenga la tranquilidad de que lo que está viendo su hijo le va a servir para la vida", agrega la Senior Vice President de Fox.

Pero también le están apostando a la producción latina con "La ciencia de lo absurdo kids", una serie realizada en los estudios de Fox Telecolombia en Bogotá y que como su 'hermana mayor' (la serie que se emite en Nat Geo), trata sobre temas como fallas de algo que no debía fallar, una reacción química o física que no se esperaba, "pero enfocado desde la enseñanza y el aprendizaje".

"Los capítulos son presentados por niños y el contenido no es tan fuerte como el de adultos, un poco más divertido, la idea es que se cuiden y no hagan esas cosas en casa", enfatiza Higuera.

La programación de Nat Geo Kids estará dedicadas a las series entre semana y a las películas ("Madagascar", "Megamente", "Dr. Seuss’The Lorax", "Stuart Little 3", entre otras) los fines de semana.

Como en los canales infantiles no funciona la franja 'prime time' que rige a los canales dirigidos a mayores de 18 años, la programación correrá todo el día aunque se espera que en la tarde se tenga mayor audiencia.

"Hay un equipo de producción que está pensando y desarrollando contenido, y explorando y entendiendo qué es lo que los niños quieren consumir", dice Sofía Higuera, quien explica que las emisiones están pensadas en franjas de 11 minutos, salvo las películas.

"Es un contenido rápido, corto, de acuerdo a la atención de ellos y porque es lo que quieren ver", enfatiza Sofía Higuera.

¿Qué se puede ver en Nat Geo Kids?

"El laboratorio secreto de Thomas Edison"
El laboratorio es descubierto por cuatro niños amantes de la ciencia. Guiados por la imagen holográfica de Edison, y junto al confiable robot Von Bolt, los niños aprenden sobre ciencia a través de aventuras divertidas.

"Ready jet go!"
Sean, un niño apasionado por la ciencia, y Sydney, una niña amante de la ciencia ficción y la imaginación, se hacen amigos de su nuevo vecino Jet Propulsion...que resulta ser un ¡extraterrestre! Juntos, los tres amigos se embarcan en grandes aventuras para explorar el sistema solar, aprender sobre el espacio y la ciencia, pero siempre regresando a casa a tiempo para la cena.

"Chuck’s Choice"
Para Chuck McFarlane, un niño de diez años, la vida consiste en tomar decisiones. Pero, a diferencia del resto, sus opciones son mucho más impresionantes y espectaculares. Con la ayuda de un dispositivo intergaláctico único, el U-Decide 300, Chuck tiene el poder de elegir su próxima aventura en segundos. Algunas decisiones son grandiosas, mientras otras no tanto. Después de todo, la capacidad de volar suena increíble, pero ¿qué sucede si para lograrlo hay que mantener convivir con una larva en el abdomen? Chuck elige su destino episodio tras episodio con aventuras llenas de adrenalina y diversión junto a su mejor amiga Misha y su hermano Norm.

"Jaime y sus tentáculos"
Jaime, un joven príncipe del planeta Blarb, llega a la Tierra tras escapar de unos alienígenas. Para que nadie lo descubra, permanece disfrazado como un niño humano y su amigo Erwin pasa casi todo el tiempo encubriendo sus travesuras intergalácticas. Pero no todo es diversión, el peligro se acerca: los malvados alienígenas envían un robot y una vaca mutante a la tierra para capturar al príncipe.

"Splash y Bubbles"
Splash y Bubbles son dos peces simpáticos que viven en el maravilloso mundo submarino, junto a  sus amigos Dunk y Ripple. Ellos exploran nuevos rincones del fondo del mar para mostrar la diversidad de la vida en el océano. Con juegos, comedia, nuevos descubrimientos y música aprenden sobre ellos mismos y el mundo que los rodea.

"Robin Hood"
Robin tiene solo 10 años, pero ya es un héroe reconocido. A pesar de que sus acrobacias no siempre le resultan y sus planes son un poco alborotados, siempre cuenta con sus amigos para que lo ayuden. Con mucho humor y perseverancia, los niños se enfrentan a todas las trampas del joven Príncipe Juan.

"Narcos" estrenará mundialmente la cuarta temporada el próximo 16 de noviembre por Netflix. Los nuevos capítulos de la historia se desarrollan en México y son protagonizados por Diego Luna y Michael Peña.

La serie, que ahora se llama "Narcos: México", explora los orígenes de la guerra moderna contra las drogas volviendo a sus raíces, comenzando en un momento en que el mundo mexicano del tráfico era una confederación desorganizada y perdida de cultivadores y traficantes independientes. (Le recomendamos ver: Primeras imágenes de serie colombiana en Netflix).

También presenta el surgimiento del cartel de Guadalajara en la década de 1980 cuando Félix Gallardo (Diego Luna) toma el mando, unificando a los traficantes para construir un imperio. Cuando el agente de la DEA, Kiki Camarena (Michael Peña) traslada a su esposa y a su pequeño hijo de California a Guadalajara para asumir un nuevo cargo, rápidamente se da cuenta de que su tarea será más desafiante de lo que nunca hubiera imaginado.

Mientras Kiki recolecta inteligencia de Félix y se mete más en su misión, se desarrolla una trágica cadena de eventos afectando el tráfico de las drogas y la guerra en su contra en los años por venir.

En mayo pasado, el showrunner de  "Narcos", Eric Newman, reveló a la revista Variety durante los pasados LA Screenings que Tenoch Huerta (Spectre), Joaquín Cosío (Quantum of Solace), Teresa Ruiz (The Last Ship), la estadounidense Alyssa Diaz (Red Dawn) y José María Yazpik, quien ya participó en la tercera temporada, se unen al reparto.

Esta temporada, rodada en México, contará con algunos de los mejores directores de dicho país. Entre ellos, Amat Escalante, que ganó el León de Plata a la mejor dirección en Venecia en 2016 con su drama de ciencia ficción "La región salvaje"; y Alonso Ruizpalacios, que con "Museo" se alzó con el Oso de Plata a Mejor guion en la Berlinale de este año. (Puede leer también: "Siempre bruja", segunda serie original de Colombia en Netflix, comenzó rodaje en Bogotá).

También estará presente el director colombiano Andi Baiz, quien ya dirigió varios episodios de las tres primeras temporadas rodadas en Colombia.

Eric Newman admitió que la serie tuvo que contratar más seguridad en México, ya que al comienzo de la producción, el pasado mes de septiembre, Carlos Muñoz Portal fue asesinado mientras visitaba un lugar como parte de su trabajo como explorador de localizaciones. "Sospechan que pudo haberse tropezado con un crimen", explicó Newman, asegurando que todavía se desconocen las circunstancias del asesinato.

"Narcos" debutó en 2015 narrando la vida de Pablo Escobar y luego se enfocó en los hermanos Rodríguez Orejuela, líderes del cartel de Cali, y el fortalecimiento del cartel del norte del Valle. (Contexto "Narcos" se despide de Colombia con la historia del cartel de Cali).

Los fans de Marvel ya no saben qué hacer mientras esperan el estreno de Vengadores 4. El primer tráiler de la película de los hermanos Russo se está haciendo esperar, y los seguidores de este tipo de contenidos están pensando nuevas formas de matar el tiempo echando la vista atrás, a las primeras películas del Universo Marvel. (Le puede interesar: Las películas Marvel, de la peor a la mejor)

Hasta la fecha, un total de 20 películas componen el Universo Cinematográfico Marvel. Y aunque todas ellas desembocan en los eventos ocurridos en Infinity War y Vengadores 4, también se han subdividido en diferentes arcos argumentales llamados Fases. (Lea también: ¿En qué orden ver las películas de Marvel?)

La Fase 1 de Marvel engloba las películas individuales de Iron-Man, Hulk, Capitán América y Thor hasta la primera entrega de Vengadores, estrenada en 2012. Un total de seis películas que un fan muy entusiasta ha convertido en una cómoda serie de televisión. (Además: Estos son algunos de los superhéroes más fuertes del Universo Cinematográfico Marvel)

El editor de cine Samuel Masters ha convertido las películas de la Fase 1 de Marvel en una temporada de doce episodios de unos 40 minutos cada uno, con la intención de facilitar el trabajo al resto de espectadores.

Mientras que las seis películas hacen un total de 754 minutos, unas 12 horas y media, Masters ha conseguido abreviar ese tiempo a un total de 480 minutos, casi la mitad de la duración total. La serie ya está disponible en la página web del autor (https://www.smasters.net/).

Por el momento, el editor sólo ha incluído las seis primeras películas de Marvel, de cara a recordar los orígenes de los Vengadores antes del estreno de su próxima y definitiva película. Con Vengadores 4 se pondrá fin a la Fase 3 de Marvel, y comenzará la Fase 4, que promete ser muy distinta a todo lo visto anteriormente.

Hasta ahora, sólo hay una película confirmada para la Fase 4 de Marvel, Spider-Man: Lejos de casa, que llegará a los cines el próximo 3 de julio de 2019. Pero antes, el 3 de mayo de 2019, se estrenará Vengadores 4 para cerrar de manera definitiva el arco argumental de Thanos y las Gemas del Infinito. Lo que pase a partir de ahí, sólo Marvel lo sabe.

La unidad digital de medios de Caracol Televisión, Caracol Next, mostró los resultados obtenidos durante 2017 y las novedades para 2018 en un evento celebrado el 14 de diciembre, en Bogotá.

Mónica Zuluaga, directora de Mercado Digital, habló sobre los premios obtenidos como “La mamá perfecta”, de Caracol Televisión, en la categoría Mejor construcción de marca en los IAB Mixx Awards Colombia 2017; Mejor serie web del año a “Pasada de Moda”, de Caracoltv.com, en los Produ Awards 2017; y Best Use of Online Video a “Los Incorregibles”, de Shock, en los Digital Media Awards 2017.

(Lea: “Los Incorregibles”, la serie web que ganó el premio LATAM Digital Media 2017)

Entre los formatos originales de video que han alcanzado más de 400 millones de reproducciones mensuales se destacaron “Del 1 al 5”, presentado por Lucety Carreño Rojas y “Las Igualadas”, presentado por Mariángela Urbina, de El Espectador; “Cotorreando con Mabel Cartagena”, “La Senior” y “La 13”, de Caracol TV; “Los Incorregibles”, “Viernes Zombie”, “Diegover” y “Profesor Súper O”, de Shock; “Los Importados”, “Lo que dice la gente con Jorge Alfredo Vargas”, de Noticias Caracol; “Dónde está Esteban”, de Blu Radio; y “Pasada de Moda”, de Cromos.

Al evento asistieron Marcelo Liberini, vicepresidente digital de Caracol Next; Héctor Chiquillo, libretista de la serie web “Testosterona Pink”; el escritor Mauricio Navas y su esposa, Yesenia Valencia; el actor Diego Garzón; el cantante Dany Marín y el actor Mike Moreno.

El cantante Mike Bahía fue el invitado especial, quien interpretó algunas canciones en formato acústico. 

Abrevando de fuentes tan diversas como "El nombre de la rosa" y "Drácula", el director Corin Hardy se hizo de ingredientes que introdujo en un crisol del que surgió la aventura sobrenatural "La Monja" (historia antes de "El conjuro" y "Annabelle"), cinta con la que espera llevar a las audiencias en una travesía hacia la oscuridad.

El cineasta británico sostuvo que "uno se ve tan consumido por lo que está pasando en el mundo, en la vida real, que ir al cine es un escape, y particularmente ir a una sala (de proyección) y estar sentado en una habitación oscura y ver la historia". (Le puede interesar: El clip de 'La Monja' que YouTube tuvo que eliminar).

"Yo quiero que la historia te absorba y te haga olvidar lo que está ocurriendo durante unas pocas horas. Una buena película debiera poder absorberte y hacerte olvidar eso", detalló sobre la película que este jueves se estrena en Colombia.

En el caso particular de "La Monja", se propuso llevar al público en un viaje y una aventura hacia la oscuridad, "con los personajes haciendo frente a sus demonios personales y dudas".

En la cinta, el padre Burke, un sacerdote experto en fenómenos oscuros y con recuerdos perturbadores (interpretado por el mexicano Demián Bichir), es enviado por el Vaticano en la década de 1950 a una abadía en Rumanía -la región de Transilvania, nada menos- para determinar si el lugar sigue siendo santo luego de que una monja se suicidara en el recinto.

Le acompaña la hermana Irene (Taissa Farmiga), una novicia cuyos propios recuerdos e inquietantes visiones de la infancia le han impedido hacer sus votos definitivos. Una vez en la abadía, ambos deberán enfrentar una entidad diabólica (Bonnie Aarons), así como sus demonios internos.

"Puede ponerse muy oscura y atemorizante, pero también tiene una cierta clase de esperanza", expuso Hardy.

El director reconoció su deuda con películas de terror y de monstruos como "King Kong", "Alien", "El exorcista" y distintas versiones de "Drácula", como inspiración tanto como fuente de recursos narrativos y visuales.

"Las puse en un crisol con la esperanza de hacer algo visualmente atractivo y de alguna manera hermoso, aun de forma oscura, atemorizante y emocionante", manifestó.

Pero la película, la más reciente adición al creciente "universo" cinematográfico de "El Conjuro", se nutre también de fuentes más literarias. (Puede leer: Anabelle 3 ya tiene fecha de estreno).

Hardy refirió que "El nombre de la rosa" -basada en la erudita novela homónima de Umberto Eco sobre el fraile medieval William de Baskerville (Sean Connery, R. Unido) quien, acompañado de su aprendiz Adso (Christian Slater, EE.UU.), recibe la encomienda de investigar la muerte de un monje en una abadía- fue una inspiración para los escritores de "La Monja", James Wan y Gary Dauberman.

"Hacer una versión sobrenatural de esa historia fue una de las ideas (de los escritores)", dijo el realizador del filme, que se estrena internacionalmente este 7 de septiembre.

Por su parte, Bichir consideró "muy difícil entrar en este territorio en donde el bien y el mal entran en choque de manera tan directa, tan fuerte".

Es, añadió, "un terreno completamente fantástico por un lado, pero al mismo tiempo también muy presente en nuestros tiempos: el diablo anda suelto, el demonio anda suelto manifestándose de mil maneras".

"El mayor reto para mí fue cómo enlazarme con el padre Burke, con mis propias contradicciones y mis propios miedos, y también mis propios demonios, porque él (el personaje) los tiene muy presentes", confesó.

Con todo, aseguró que al interpretar a esa figura se sentía "invencible, que es lo bueno de hacer este tipo de personajes".

"Entras en esa convención y quedas completamente blindado", explicó el actor.

Y Taissa Farmiga opinó que la gente siempre tiene una fascinación con esa batalla icónica del bien contra el mal. "Pienso que es seductor porque como humanos no creo que nadie va a ser nunca completamente bueno o completamente malo", reflexionó.

La actriz señaló que la gente acude a ver este tipo de cintas "por los sustos, por el terror; esa descarga de adrenalina".

"Yo quería que experimentaran eso, pero también que al salir de la película sintieran una conexión emocional con los personajes y una conexión emocional con la fe, y lo que eso significa para nosotros los humanos", puntualizó.

Marie-Christine Saragosse es una mujer de medios. Nació en Argelia, en los años 60, pero pasó su infancia en Provenza, al sur de Francia. Desde que comenzó su carrera profesional, ha estado en el sector público audiovisual francés. Es miembro de los Consejos de Administración de la AFP (Agence France-Presse), del Théâtre de la Ville, de la entidad pública del Museo del Louvre y de TV5Monde, pero su función principal es la de presidenta y directora general de France Médias Monde. En conversación con El Espectador, habla del primer año de France 24 en español, que opera desde Bogotá, y de cómo, en un mundo globalizado, este idioma cobra cada vez más importancia en la parrilla televisiva y de internet.

¿Qué ha pasado con ustedes tras un año de operaciones en nuestro país? ¿Qué significa para la organización contar las noticias en español?

Ningún gran jugador audiovisual internacional puede prescindir de un canal en español. Por eso lanzamos, en septiembre de 2017, France 24 en español, con una particularidad que lo diferencia de los otros tres canales (en francés, inglés y árabe): su redacción se ubica en el continente, en Bogotá, mientras que los otros tres están en París. Esto nos brinda una cercanía que también nos diferencia de otros canales internacionales de noticias, cuyas noticias en español emiten con más frecuencia de otros continentes. Elegimos Colombia por varias razones. Primero, su ubicación geográfica en el corazón del continente latinoamericano. También, por su nuevo marco de seguridad (y permítame en su columna tener un pensamiento para el señor Guillermo Cano y para su prestigioso diario, tan duramente golpeado en 1989).

Hemos establecido un equipo editorial panamericano, con periodistas entrenados por nuestra academia, representantes de toda la región e incluso más allá. El trabajo realizado por el equipo editorial en Bogotá también alimenta a los otros canales, que ahora están hablando mucho más sobre las noticias en América Latina para el resto del mundo. Gracias al canal español, hemos más que duplicado en un año la distribución de France 24 en la región. El canal ya está disponible en 7,4 millones de hogares en 17 de los 19 países y territorios de América Latina. Además, las encuestas realizadas como parte de la encuesta del Índice Global Web indican que el lanzamiento del canal en español nos ha permitido ganar un 52 % de conocimiento y duplicar nuestro público aquí. El éxito de France 24 en español se confirma en el formato digital, donde registramos cuatro millones de visitas y más de diez millones de videos vistos. Con esto en mente, y ahora que el canal está bien establecido, en el segundo año realizaremos encuestas más exhaustivas, en particular las cualitativas.

¿Qué importancia tiene el mercado colombiano para France 24?

Colombia es el tercer país más grande de América Latina en términos de población y tiene casi 13 millones de hogares con televisión. Esto representa para France 24 en español uno de los principales mercados de la región, junto con Argentina y México. Adicionalmente, con la implantación de nuestra redacción en español y las instalaciones técnicas de la cadena en Bogotá, este país tiene un lugar muy especial en nuestro grupo. Los equipos de la red cultural francesa en Colombia, que son geniales, nos ayudan todos los días. Y la cálida bienvenida que recibimos de los propios colombianos en el lanzamiento del canal solo refuerza la atención especial que prestamos al mercado nacional.

¿Qué presupuesto de inversión inicial hicieron para montar la operación en Colombia? ¿Ya lo recuperaron? ¿Cuál es el plan de inversión a mediano y largo plazo?

El canal tiene un presupuesto de 7,3 millones de euros, que le permite transmitir seis horas al día en español. Si los resultados de la cadena siguen siendo muy prometedores, como estos después de un año de existencia, esperamos desarrollar la producción en español dos horas más por día, incluso si depende de una adición presupuestal a corto plazo.

¿Qué tipo de acuerdos están generando con cableoperadores? En Colombia, ¿la gente puede acceder a su información en la señal abierta? Si no es así, ¿está en sus planes? ¿Qué están haciendo para lograrlo?

Actualmente en Colombia, France 24 en español se transmite de 6 a.m. a 8 a.m. y de 6 p.m. a 10 p.m. por los operadores Claro TV (canal 1469) y ETB (canal 241). Fuera de este horario, su transmisión se completa con el canal en inglés. También estamos en negociaciones con otros operadores nacionales y panamericanos, lo que sugiere que se extenderá a un número aun mayor de hogares colombianos en los próximos meses. El canal también es accesible de forma gratuita en formato digital. Los usuarios de internet de habla hispana pueden acceder en vivo, pero también a todos nuestros programas en el sitio web de France 24, en YouTube y seguir el canal en Facebook y Twitter.

¿Qué ha pasado con el equipo editorial? ¿Está creciendo? ¿Qué tipo de profesionales tienen ahora en sus filas?

France 24 en español es el fruto de una organización innovadora que capitaliza las habilidades y el conocimiento de la TV, radio y ambientes digitales del Grupo France Médias Monde (France 24, Radio Francia Internacional y la radio árabe Monte Carlo Doualiya). La histórica presencia en español de RFI en América Latina es esencial para France 24, que también se beneficia de la experiencia de su redacción y los programas de referencia comunes.

Queríamos crear un equipo editorial multinacional y panamericano. Por lo que, antes del lanzamiento del canal, Marc Saikali, director de France 24, hizo una gira en una docena de países en busca de nuestros futuros periodistas. Aunque aún no estábamos establecidos, estos jóvenes talentos de la prensa confiaron en nosotros y nosotros confiamos en ellos. Hoy es una apuesta exitosa para todos. El equipo se reunió en Bogotá con una treintena de periodistas de toda América Latina, pero también de Francia, España, Egipto y Canadá. Gracias a ellos y su director Álvaro Sierra, un gran nombre en el periodismo colombiano y latinoamericano, y también a la red de corresponsales establecidos en todo el continente y en todo el mundo, France 24 en español ofrece una cobertura reactiva diaria del mundo. Noticias latinoamericanas e internacionales.

Cada vez menos gente ve televisión. Esa es una realidad provocada por las propuestas como Netflix y las “app” y portales web desarrolladas por los mismos conglomerados de medios de TV. Las nuevas generaciones no quieren estar amarradas a una parrilla de TV. ¿Cómo manejan esa realidad? ¿Cómo ven el futuro de la TV?

La información, como los deportes, que se consumen en vivo, escapan un poco a este esquema. Pero es cierto que el panorama audiovisual está experimentando una transformación. France 24 en español ha integrado completamente esta realidad y por ello el canal ha sido concebido como un medio global. Todos nuestros periodistas son versátiles y trabajan tanto para antena lineal como para entornos digitales, lo que permite a France 24 dirigirse al mayor número de personas, especialmente a las generaciones más jóvenes. El Índice Global Web indica que, en Colombia, México y Argentina, un tercio de nuestros televidentes tienen entre 25 y 34 años. Ningún otro canal internacional capta a la audiencia joven en esta proporción, lo cual es motivo de satisfacción para mí. Además, también estamos muy presentes donde están las audiencias: en redes sociales y plataformas de video como YouTube.

Las noticias falsas han logrado su cometido. Y los ejércitos que las fabrican han crecido hasta volverse empresas al servicio de muchos intereses políticos. ¿Cómo está trabajando y aportando France 24 para controlar esta realidad?

Las redes sociales se han convertido, a pesar de sí mismas, en vectores de información falsa. La manipulación de opiniones, lamentablemente, se ha convertido en algo común. La libertad de nuestro estado de servicio público también nos da la responsabilidad de proporcionar información independiente, rigurosa y certificada. Es por eso que France 24 juega un papel muy importante en la lucha contra la información falsa, especialmente a través de programas dedicados como Info o Intox. Este breve programa que lanzamos en 2015 y que se produjo por primera vez en español este año, permite a través de ejemplos específicos explicar a todos la distinción entre información, mentiras y propaganda. Además, France 24 hace parte de CrossCheck, la asociación francesa de “verificación de hechos”, y también está involucrada en la International Fact-Checking Network. También estamos trabajando estrechamente con Facebook y Google para apoyarlos en el trabajo sustantivo que están haciendo para tratar de limitar la propagación de la información errónea.

Internet llegó para cambiar los tradicionales modelos de informar, eso si hablamos de los medios. En qué están trabajando, gracias al desarrollo de la tecnología y de internet, para ser más relevantes y ofrecer algo distinto a sus audiencias (realidad virtual, ¿por ejemplo)?

Operamos un reloj tecnológico permanente, incluso si eso no significa que desarrollemos nuevos productos constantemente, a menudo costosos y cuyo alcance aún sea limitado. Sin embargo, estamos experimentando, por ejemplo, con equipos de filmación de 360 grados, producimos podcasts nativos, la radio RFI ofrece informes en sonido binaural en digital, que también incluyen video… Pero en un grupo como el nuestro, debemos considerar la realidad de los usos internacionales que a menudo son muy diferentes de un país a otro. Somos bien conocidos y seguidos ampliamente en muchas partes del mundo donde aún surge la cuestión del acceso a internet. Además, si las herramientas cuentan, no se trata de adaptarse a ellas a cualquier precio y en particular en detrimento de la calidad de lo que allí se encuentra, que debe prevalecer sobre el resto… ¡No importa la botella de apoyo siempre que tengamos la embriaguez de los contenidos!

Con el cambio aparente que se ha dado en Cuba, ¿existe la posibilidad de que entren a ese país? ¿Venezuela se convirtió en un país donde muchos medios internacionales no han podido operar con libertad. No existe la libertad de prensa, para ser exactos. ¿Hay planes para ese mercado?

Cuba y Venezuela son los únicos dos países de habla hispana en América Latina en los que todavía no estamos presentes. Seguiremos haciendo nuestro mejor esfuerzo para que el canal esté disponible. Respecto a Cuba, esta es una restricción relacionada con la regulación de canales extranjeros en el país y esperamos que el proceso de reformas iniciado en el país por el actual presidente nos permita algún día ser transmitidos. Sin embargo, contamos con corresponsales acreditados en Cuba y Venezuela, que trabajan libremente y permiten que nuestros televidentes estén informados sobre las noticias de ambos países.

El crecimiento de las audiencias digitales crece con rapidez, pero los ingresos no lo hacen de la misma forma. ¿Cómo están en términos de visitas, usuarios y visualizaciones? ¿Cómo están afrontando el reto del negocio digital a escala global y cómo lo están haciendo en Colombia (cae publicidad, pero se mantienen los costos fijos de operación)?

Como todos los jugadores digitales, somos permanentemente confrontados por el problema de monetizar a la audiencia. Evoluciona pero, al igual que los demás, no logramos generar ingresos de acuerdo con la realidad de nuestras audiencias masivas. Estamos trabajando en ello y estamos buscando acuerdos con GAFA para mejorar el reparto de ingresos, que es uno de los temas de este gran problema.

Somos medios de servicio público y, como tales, tampoco podemos explorar todas las fuentes de monetización que a veces son contrarias a nuestras características o nuestro código de ética: no abrimos información al patrocinio y tampoco producimos contenido patrocinado. Nuestra principal fuente de financiación proviene directamente de los ciudadanos franceses a través de una regalía recaudada por el Estado para financiar la transmisión pública de Francia y, por lo tanto, garantiza la independencia editorial, lo que nos da una gran credibilidad a escala mundial.

La tendencia de los grandes medios masivos de comunicación está en cobrar por su contenido digital. ¿Hacia dónde se mueve su estrategia en digital, teniendo en cuenta esta realidad?

Nuestro modelo económico no se enfoca en los beneficios financieros. No hay rentabilidad para los medios de noticias internacionales verdaderamente globales y multilingües. Todos están financiados con dinero público, como es el caso de France Médias Monde, el grupo que incluye a France 24. Tampoco existe una competencia privada que corresponda a las especificidades de nuestros medios en el exterior. Esto no nos impide comercializar espacios para encontrar una fuente complementaria de ingresos, pero es más esencial el presupuesto que el Estado nos asigna cada año. Nuestra misión es hacernos lo más accesibles posible en todos los países y, por esta razón, no tenemos previsto cobrar por el acceso a los contenidos en nuestros entornos digitales.

En la era la de información, muchos dicen que los grandes medios perdieron su protagonismo y ahora lo tienen, por ejemplo, los ciudadanos en las redes sociales. ¿Cuál es su opinión sobre esa postura? ¿Qué pasará en el futuro?

Es cierto que hoy la televisión, la radio y los medios impresos ya no son las únicas fuentes de información. Es por lo que cuando creamos la cadena France 24 nos enfocamos en dos áreas para encontrar las audiencias: las redes sociales y la movilidad. Hoy, ningún medio de comunicación puede aspirar a construir un futuro sólido sin tener en cuenta estas plataformas. Es por eso que producimos formatos que están cada vez más adaptados a estos entornos. También nos permite atraer a algunos de los usuarios de internet a la televisión.

La historia de Luis Ángel Gómez Jaramillo es tan inspiradora como la de Miguel Rivera, el protagonista de la película de Disney Pixar "Coco", a quien el niño mexicano de 13 años prestó su voz. (Leer Gael García, Natalia LaFourcade y Miguel cantarán tema de "Coco" en Óscar 2018).

Ambos comparten varias similitudes, pero sin duda, la conexión más importante está marcada por los valores familiares y una enorme pasión por la música.

"Me identifiqué mucho con el personaje, quizá también por eso lo hice", dijo Gómez Jaramillo a la AFP, en una entrevista en Ciudad de México.

En "Coco", Miguel busca convertirse en músico inspirado en la figura del astro ficticio Ernesto de la Cruz, pese a la oposición de su familia.

En la realidad, Luis Ángel, vestido de charro, desea triunfar en la música tradicional mexicana inspirado en el Ernesto de la Cruz real: Pedro Infante (1917-1957), una leyenda del cine mexicano.

Con su voz, Gómez Jaramillo le imprimió una carga emotiva a la película, que es la favorita para ganar el Oscar para Mejor Película de Animación el próximo domingo.

De un reality al mundo de los muertos

"Los primeros castings fueron dolorosos para él", dijo a la AFP la madre del pequeño, Blanca Gómez Jaramillo.

"Antes de 'La Voz Kids' hizo audición para el programa 'Pequeños Gigantes', pero a él le gusta la (música) ranchera, no otra cosa, y en esos concursos les piden que canten otros géneros".

Sin estar en la etapa final de "La Voz Kids", Gómez Jaramillo llegó a la oportunidad de su vida: interpretar al personaje estelar de la película que exalta la tradicional fiesta mexicana de Día de Muertos.

"Me dijeron (el director Lee Unkrich, el codirector Adrián Molina y la productora Darla Anderson) que no fue nada fácil hacer este personaje. Que no fue fácil hacer el doblaje de voz, y que ya soy parte de Pixar", expresó emocionado.

Aunque  había tomado ya varios cursos de música y actuación, "Coco" significó su debut en el mundo del doblaje.

"La verdad yo no sabía nada de doblaje, y fue de un día para otro. Puse en YouTube 'cómo hacer doblaje', y ahí te daban unos cuantos consejos", recordó.

Contrario al desafío que Miguel enfrenta en la trama, cuando su abuela le prohíbe acercarse a la música por un secreto del pasado, la familia de Luis Ángel, especialmente su madre, ha sido el motor principal en la lucha por alcanzar su sueño.

"Me criticaron mucho, primero, por ser madre soltera, y luego por apoyarlo en su sueño de ser cantante. He hecho de todo con tal de ayudarlo, ¡hasta subirme a un escenario a cantar con él para demostrarle que no debe tener miedo!", contó su mamá.

Historia inspiradora

Sin embargo, la vida de Gómez Jaramillo transcurre con tranquilidad en el poblado de San Francisco del Rincón, Guanajuato.

Desde ahí, "El Gallito de Oro", como él mismo se hace llamar, figura ya en la cartelera de las ferias populares en México.

A poco más de cuatro meses de su estreno, la cinta ha obtenido varios premios, incluidas 11 estatuillas en los Annie Awards, un BAFTA otorgado por la Academia Británica y un Globo de Oro a mejor película animada.

En espera de que "Coco" repita la hazaña de acreditarse la estatuilla de Mejor Película de Animación, y sume el premio de Mejor Canción Original en los Oscar por "Remember Me", el próximo 4 de marzo, Gómez Jaramillo se mantiene firme en su desarrollo como cantante.

"No es nada fácil, porque también tuve complicaciones, pero tampoco es imposible. Si tienes ese sueño hay que agarrarlo y no soltarlo", concluyó.

El Invierno ya está aquí. Aunque aún no hay fecha de estreno prevista para la última temporada de Juego de tronos, los fans ya esperan con una expectativa sin precedentes el épico desenlace de la ficción de HBO. Y en la última temporada hay un momento que promete ser cumbre, la batalla final contra el Ejército de los muertos comandado por el Rey de la Noche. Un clímax bélico que, prometen los responsables de la serie, será la secuencia más grande de la historia del cine y la televisión. (Lea: Juego de Tronos convierte sus sets de rodaje en atracciones para sus fans)

En su último número, Entertainment Weekly ha revelado nuevos detalles sobre el enfrentamiento final entre los habitantes de los Siete Reinos y el ejército de Caminantes Blancos. Estará dirigida por Miguel Sapochnik, quien ya lo hizo en La Batalla de los Bastardos. Pero la dimensión de esta secuencia hará que aquel enfrentamiento entre las fuerzas de los bastardos Jon Snow y Ramsay Bolton parezca un juego de niños.

La publicación estadounidense recuerda que en abril, un miembro del equipo de Juego de tronos reveló que el equipo había completado 55 días de rodajes nocturnos sólo para la última batalla. Medios de comunicación de todo el mundo publicaron noticias diciendo que el rodaje duró dos veces más que el rodaje de la Batalla de los Bastardos, que se filmó durante unos 25 días. (Lea: Peter Dinklage agradece el final de su personaje en "Juego de tronos")

Una cifra, la del rodaje de 55 noches, que no hace justicia verdaderamente con la dimesión de la filmación. Y es que, cuenta el reportaje, esas 55 noches fueron sólo para rodar las escenas al aire libre de la batalla en el set de Invernalia. El rodaje se trasladó después al estudio, donde Sapochnik siguió filmando escenas para la batalla durante varias semanas más.

"ES BRUTAL": Peter Dinklage

Así, la batalla no tiene un único foco, sino que se intercala entre las historias los diferentes personajes que luchan por su propia supervivencia. "Tener la batalla más grande en realidad no suena nada emocionante. Suena bastante aburrido", explica David Benioff.

"Parte de nuestro desafío, y realmente el reto del director, es cómo hacer la batalla convincente para el espectador... Hemos estado avanzando desde el principio de la serie hasta éste momento, y no se puede resolver en una secuencia de 12 minutos", señala.

Para trasladar el rodaje dentro de los muros de Invernalia, el equipo de Juego de tronos ha ampliado enormemente el set de rodaje de la casa de los Stark. Los responsables de la serie han agregado un imponente exterior al castillo, un patio mucho más grande y más habitaciones interconectadas en la fortaleza.

INVERNALIA ENSANGRENTADA

La octava y última temporada de Juego de tronos todavía no tiene fecha de estreno oficial. Pero llegará a HBO y Movistar+ antes del verano de 2019.