La escritura e investigación del guion estuvieron a cargo de Juan Carlos Rincón, Valeria Cortés y Ana María Pedraza. En la presentación está Rincón. Kenny Salamanca editó este video.

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El dólar cerró a la baja. la moneda estadounidense cerró las negociaciones del día en COP 3.700. lo que representa una caída de COP 5 frente al último precio del jueves (COP 3.775).

Por su parte, la Tasa Representativa del Mercado (TRM) para este 6 de marzo es de COP 3.767,94, de acuerdo con la Superintendencia Financiera.

¿Cómo la guerra afecta el precio del dólar?

El panorama en Medio Oriente, tras el ataque de Estados Unidos a Irán, influencia con fuerza las negociaciones de la moneda durante estos días.

El conflicto es clave porque la región resulta estratégica para el comercio, por el tránsito de las mercancías que pasan por el estrecho de Ormuz, especialmente el petróleo.

El crudo ha tenido un alza importante en el último día, superando los USD 85 por barril, lo que implica el precio más alto registrado desde julio de 2024.

Analistas también recuerdan que, ante este tipo de escenarios geopolíticos, se aumenta la aversión al riesgo y, por ende, el apetito por los activos refugio. Esto hace que la demanda de dólares, considerada como moneda estable, se incremente, lo que presiona al alza su valor.

Sin embargo, lo que hace contrapeso en Colombia es el precio del petróleo, porque al ser un país exportador de crudo, una buena parte de las divisas que entran se deben a sus exportaciones.

Desde Credicorp Capital se anticipa una jornada alcista, con los COP 3.760 como pivote, pudiendo cerrar en COP 3.790.

💰📈💱 ¿Ya se enteró de las últimas noticias económicas? Lo invitamos a verlas en El Espectador.

La costa Pacífica es la tierra del olvido. No hay carreteras, ni mucho menos un puesto de salud digno para atender a los más de un millón de habitantes.  En los dos o tres que hay el panorama es el mismo. El abandono y deterioro toman protagonismo. (Puede leer: "Titanes Caracol" ya abrió sus inscripciones)

Por tal razón, en 2009 Diego Posso, un paramédico caleño, decidió crear el barco hospital San Raffaele, con el objetivo de poder acercar los servicios de salud a la mayor cantidad de habitantes del Pacífico colombiano. Flotando enfrenta las barreras que hay para llegar a estas abandonadas poblaciones.

“Yo trabajé como paramédico durante dos años en el Hospital Departamental del Valle y me di cuenta de que las condiciones no eran las mejores. Me salió una oportunidad de vivir en Milán (Italia) con mi hermana Norma y allí nació la idea de crear la Fundación Italocolombiana del Monte Tabor”, aseguró Posso a El Espectador. (Le puede interesar: Titanes Caracol: una esperanza en el barrio más peligroso de Medellín)

Desde Milán comenzó, con ayuda del personal médico, a reunir equipos médicos y enviárselos a los bomberos de Cali para que ellos los llevaran a los centros de salud. Allí conoció al exfutbolista Iván Ramiro Córdoba, quien se convirtió en su aliado.

En 2006, tras diez años de estar viviendo en el país europeo, regresó a Colombia. Decidió viajar a Buenaventura para ver las condiciones de salud de los habitantes. Pero, se llevó una terrible sorpresa. El único puesto de salud estaba casi en ruinas y sólo podía suministrarles a sus pacientes lo básico: vacunas y pastillas. (Lea: Titanes Caracol: una oportunidad después de la guerra)

“En Buenaventura conocí el proyecto del Hospital Esperanza. Comencé a ayudarlos y me metí tanto en esa labor que decidí emprender mi propio proyecto. Me demoré tres años planeándolo para que saliera de la mejor manera posible. Así fue como en 2009 zarpó por primera vez el barco hospital San Raffaele”, relató el caleño.

Diego junto a otros voluntarios emprendieron su viaje por todo el Pacífico. Llegaron a poblaciones en las que sus habitantes jamás habían visto a un médico. Desde ese momento, Diego descubrió que ese era su objetivo en el mundo y que iba a luchar cada mes para completar una misión médica.

“Es difícil iniciar cada una de ellas, pues tienen un costo de $120 millones. Duran diez días y alcanzamos a atender a cerca de 300 personas por día. A eso se le suman las horas de viaje. Cada población es muy lejos y de difícil acceso, nos demoramos de 12 a 24 horas viajando. Antes de llegar a cada lugar hablamos con un líder y él nos explica las condiciones de salud de los habitantes”, explicó Posso

Sin embargo, no todo ha sido fácil en este camino. Para Diego lo más difícil fue una emergencia que les tocó atender en Palestina, una población que queda cerca al río San Juan, en Chocó. “Una niña de un año y medio, perteneciente a una comunidad indígena cayó de espaldas sobre el fuego. Tuvo quemaduras desde el dorso hasta los glúteos, y sólo pudimos ayudarla a los dos días, cuando conseguimos llegar. Oírla gritar, llorar y verle las heridas tan infectadas me causó impotencia. Esas cosas me llevaron a pensar por qué algo tan vital como los puestos médicos no están al alcance de todos”, contó Diego.

Por historias como estas es que Diego le ha puesto todo su empeño al barco hospital, que hasta el momento suma 33 personas, siendo 26 médicos y enfermeras voluntarias. Dentro de él cuentan con sala operatoria, puestos de recuperación, central de materiales, cinco consultorios. Además de pediatría, ginecología y odontología. El Ministerio de Salud los ha ayudado, sin embargo, el 80% de la financiación proviene desde Italia, donde comenzó esta travesía.

Gracias a su buena labor fue finalista en la categoría Salud y Bienestar de Titantes Caracol, un programa que él califica como lo más gratificante de su vida. Pues no sólo le dio más visibilidad al proyecto, sino que le permitió conocer a más personas para poder seguir ayudando. “Quiero invitar a la gente para que sean titanes y ayuden en sus comunidades. Esto me dejó una gran responsabilidad y un legado con las poblaciones. No puedo desfallecer”, narró emocionado Diego.

Espera tener cuatro barcos más que recorran toda la costa Pacífica y poder construir un hospital de nivel 4 en Buenaventura, en el que puedan darle asistencia y seguimiento a los pacientes con patologías crónicas. 

Luego de su participación en "Capitán América: Civil War", Spider-Man se prepara para protagonizar su primera película: "De regreso a casa" (Homecoming).

Encarnado por el actor Tom Holland, de 21 años, el filme que se estrena el próximo 6 de julio en Colombia sigue la historia de un joven Peter Parker que vive con su tía May (Marisa Tomei) y que bajo la protección de su mentor Tony Stark (Robert Downey Jr.) intenta llevar una vida normal, aunque quiere desarrollar al máximo su alter ego de Spider-Man, y demostrarle a Iron Man (Stark) que es más que un 'amistoso vecino'.

Sin embargo, sus planes cambian cuando el Buitre (Michael Keaton) emerge como un nuevo villano y amenaza a todo lo que Peter Parker más quiere en el mundo; entonces sabe que es el momento de convertirse en el héroe que está destinado a ser.

"Peter pasa de tener el tiempo de su vida luchando con Los Vengadores en "Civil War" para sentir de repente que no tiene nada que hacer", explica Tom Holland. (Leer Actor Tom Holland tardaba 45 minutos en ponerse el traje de "Spider-Man").

"Tony Stark le ha asignado a Spider-Man ser el vecino amigable, lo que significa ayudar a que los gatos bajen de los árboles, ayudar a las ancianas a cruzar al otro lado de la calle y detener a los pequeños ladrones. Pero entonces Spider-Man tropieza con armas de alta tecnología, lo que lo lleva a un camino de aprendizaje y dominio de sus nuevas habilidades y poderes", agrega el actor.

Lo cierto es que, si Peter Parker quiere ser parte del equipo de Los Vengadores, debe demostrárselo primero a Tony Stark.

"Tony Stark tiene un interés continuo en Peter Parker", dice Robert Downey Jr. "Lo está ayudando a lidiar con un nuevo traje y tecnología, así que está asegurándose de que sea digno de ser reclutado por Los Vengadores".

El Espectador y Sony Pictures lo invitan a la función promocional de "Spider-Man: de regreso a casa", la cual se realizará el sábado primero de julio a las 10:30 de la mañana en la sala Imax de Plaza de las Américas (Bogotá).

Ganadores de boleta

1.    Carlos Eduardo Fonseca Reyes
2.    Álvaro Revelo M.
3.    Leidy Carolina Morales
4.    Jaime Valbuena Cobos
5.    Huerlis Seña Acosta
6.    Luis Orlando Solano Suárez
7.    Jesús Enrique Rojas Gómez
8.     Estefanía Arévalo Perdomo
9.    Jorge O. Sánchez O.
10.    John Alexander Garcia Rodríguez
11.    Luis Alberto Rojas
12.    Ana Guzmán
13.    Carlos Andrés Medina
14.     Nelson Fajardo

Ganadores de kit

1.    Efrain Caicedo Alonso
2.    Luis Cano
3.    Henry A. Cruz Rincón

Este jueves se estrena en Colombia "It (Eso)", adaptación cinematográfica de la novela homónima de Stephen King que el fin de semana pasado, durante su lanzamiento en Estados Unidos, recaudó 123,1 millones de dólares y se convirtió en el mejor debut de la historia para una cinta de terror.

El hombre encargado de dirigir este thriller de terror es el argentino Andy Muschietti, quien en 2013 "Mama". La película cuenta la historia de siete jóvenes rechazados que crecen en el condado de Derry, Maine, que se llaman sí mismos "El Club de los perdedores". Cada uno de ellos ha sido condenado al 'exilio' por una razón u otra; cada uno tiene puesto un blanco en su espalda por la pandilla local de matones ... y todos han visto sus miedos interiores, pues It los sacó a relucir.

"El miedo es universal", dice Muschietti, quien agrega que es un sentimiento con el que todo el mundo puede relacionarse. "¿Y qué podría ser más aterrador que algo que no sólo te ataca, sino que te ataca con lo que más te asusta?", se pregunta.

Es justamente con ese miedo con el que juega el payaso protagonista de la película, que cada 27 años sale de la alcantarilla para alimentarse de los terrores de sus presas elegidas: los hijos de Derry.

Pero los integrantes del "Club de los perdedores" forman un estrecho vínculo para ayudarse a superar sus propios miedos y detener un nuevo ciclo de asesinatos que comenzó en un día lluvioso, cuando un niño pequeño persiguiendo a un barco de papel mientras barría un desagüe de tormentas ... cae en las manos del payaso Pennywise, el payaso bailarín.

"Soy un gran admirador de Stephen King, que fue mi autor favorito creciendo, así que 'It' fue un proyecto de ensueño para mí", afirma Muschietti. "Como alguien que ama hacer películas de horror, siempre me ha fascinado el miedo, y probablemente el momento en que estás más aterrorizado es cuando eres un niño viendo tu primera película de terror. Es una sensación que no tendrás otra vez por el resto de tu vida, así que se ha convertido en un poco de una fabulosa búsqueda de traer esa sensación de vuelta. Eso me ayuda a crear porque creo que sólo puedes asustar a otras personas con lo que te asusta también".

Publicado por primera vez en 1986, "It" se convirtió en un clásico instantáneo y el libro más vendido de ese año. Hoy por hoy el bestseller continúa contando entre las mejores e influyentes obras del indiscutible maestro del horror literario, inspirando numerosos proyectos cinematográficos y televisivos en los años que han seguido.

El título enigmáticamente corto se refiere al villano central de la historia, un antiguo cambiaformas que toma la forma de los temores más profundos de sus víctimas y sale de hibernación cada 27 años para alimentarse de los residentes más vulnerables de Derry, Maine: los niños.

David Katzenberg, otro productor, añade que "a lo largo de la película hay momentos en que cada uno de esos elementos aparece en primer plano, por lo que es un equilibrio interesante entre la emoción y el miedo".

El terror de "It (Eso)" se encarna en el payaso malévolo, Pennywise – el devorador de niños, y conocedor del miedo. Bill Skarsgård fue quien asumió el papel de villano, piensa que el payaso "necesita que los niños crean en lo que están viendo y que tengan miedo para comerlos, porque el miedo sazona la carne. Para mí, desde niño y hasta ahora, ese es el concepto más aterrador del mundo".

Representando al "Club de perdedores", el actor Jaeden Lieberher explica que definitivamente lo ideal para los jóvenes a aprender a superar el miedo "porque si los niños no tienen miedo de Pennywise tienen la oportunidad de vencerlo. Pero es realmente aterrador ver todas las cosas malas que les están sucediendo".

Entre los cambios más importantes que hay entre la historia que desarrolla la novela y el guión cinematográfico es la década, pues pasó de 1950 a 1980, algo a lo que Stephen King resta importancia porque para él "lo importante es que mantienen la idea central de Pennywise".

"Los años 50 es cuando Stephen King creció, por lo que fue su generación y el libro refleja los temores de sus años de formación. Stephen siempre dice: ‘Escribes lo que sabes’. Así que quería hacer la película sobre lo que sabemos, niños que crecen en los años 80 y a lo que se temía entonces", sostiene la productora Barbara Muschietti.

Finalmente, el director Andy Muschietti afirma que "It (Eso)" refleja de forma profunda los temores hasta el punto que los fans del libro podrían sorprenderse al ver la película.

El Espectador y Warner Bros. regalan kits exclusivos de "It".

Lista de ganadores

1. Catalina Sánchez Bohórquez
2. Helen Daniela Matallana Montealegre
3. Lippe Nicolás linares
4. David Santiago Belalcázar Bohórquez
5. Jhon Ferro

Nacido en el seno de una familia criolla de Venezuela adinerada e influyente, Simón Bolívar perdió a su padre a los dos años. Con tres hermanos y una mamá avasallada por el trabajo y la responsabilidad de mantener las haciendas, los esclavos y los cultivos, decidió sacar adelante a su familia. Amamantado y criado por una esclava a quien adoró, vio morir a su mamá cuando no había cumplido los nueve años.

Con el dolor de la pérdida de su madre, Bolívar se refugió en su abuelo y en la amistad con Dionisio, un esclavo que es como su hermano. Pero su abuelo también murió pronto y fue entonces cuando Bolívar quedó en manos de su peor enemigo: su tío Carlos Palacio, que quería quitarle la herencia a él y al resto de sus sobrinos.

La historia del Libertador es apasionante de principio a fin. Una riqueza narrativa que muchas personas han explorado por medio de libros, series y películas, tratando de abarcar la grandeza de un personaje que exige que su vida sea bien contada, y no solo por sus batallas y sus logros, sino por su lado humano.

Por eso, a partir de este miércoles 18 de septiembre a las 9:00 p.m. llega a Caracol Televisión Bolívar: el hombre, el amante, el libertador, una de las series más ambiciosas que ha producido el canal, escrita por Juana Uribe y producida por Asier Aguilar. Esta propuesta narra la gesta libertadora de uno de los personajes más importante en la historia de Colombia.

“De Bolívar hay mucha información. Hay una cantidad de biografías, artículos académicos, investigaciones, pero la información es anecdótica. En el grupo de argumentistas éramos conscientes de que teníamos que construir su emocionalidad para convertirlo en un ser humano; entonces cruzamos los hechos que lo marcaron, su forma de afrontar los obstáculos y los retos que tuvo que sortear. De esta manera formamos el carácter y su personalidad. De forma muy parecida hicimos con el resto de los personajes”, asegura la escritora Juana Uribe.

Esta serie, que está disponible en más de 195 países a través de Netflix, contó con tres actores que dieron vida a Bolívar en las diferentes etapas de su vida: Maximiliano Gómez interpreta a un Simón niño, que presencia la muerte de su madre y se enfrenta al mundo solo; José Ramón Barreto encarna la juventud del Libertador, que poco a poco se convirtió en un hombre poderoso y se enamoró de María Teresa del Toro, su primera esposa; y Luis Gerónimo Abreu representa la etapa más madura de Bolívar, en la que lideró la Campaña Admirable y se enfrentó a cientos de enemigos. En esta etapa, Bolívar conoció a Manuelita Sáenz, “la Libertadora del Libertador”, interpretada por Shany Nadan.

“El reto principal siempre es estudiar y leer mucho. Yo como venezolano soy admirador de Simón Bolívar desde que tengo uso de razón, y con esta producción nuestro objetivo es que la gente vea su lado más humano, que entienda que también se equivocó, no defender sus errores, sino mostrarlos. Los actores a veces tendemos a defender a nuestros personajes y justificarlos, pero este no es el caso; por más que lo admirara tuve que entender que también cometía errores, como todos”, comenta Luis Gerónimo Abreu, quien agrega que poder interpretar a un personaje como este ha sido una de las experiencias más enriquecedoras de su carrera.

Todo el equipo recorrió el país buscando los lugares más adecuados para grabar la superproducción, y fue uno de los grandes desafíos de la misma. “Dirigir una serie de época implica tener un respeto por un mundo que era muy distinto a lo que conocemos ahora, y eso significa conocerlo, investigarlo y tener mucho tacto a la hora de comenzar a grabar”, comenta Asier Aguilar, productor de la serie. “Uno de los retos más grandes es evitar la modernidad, porque ya todo está muy intervenido, y es un proceso que requiere mentalizar a los actores de que están representando personajes de otra época, y que deben meterse en la vida de ellos y entender sus acciones”, agrega.

El equipo tuvo que viajar durante más de ocho meses para encontrar los paisajes, ciudades y pueblos donde se recreó la vida del Libertador. Participaron más de 600 actores de primera línea y unos 6.000 extras. “Grabamos en muchos lugares de Colombia, desde Cartagena hasta Popayán, Barichara, en todo el departamento de Boyacá, incluyendo el emblemático Páramo de Pisba, Santa Fe de Antioquia, Santa Marta, Yopal, Buga y también viajamos a Toledo y Aranjuez, en España. Pasamos por todo tipo de climas y geografías, desde el mar Caribe hasta lo más alto de las cumbres Andinas”, afirma Aguilar.

Además de los tres actores que interpretan a Bolívar, el elenco está conformado por Shany Nadan, Irene Sofía Esser, Ernesto Benjumea, Bárbara Perea, Patricia Tamayo, Rosmeri Marval, María José Vargas, Hans Martínez, Guillermo Blanco, Noëlle Schonwald, Ricardo Mejía, entre otros.

Roberto Ávila siempre ha estado cerca de la muerte, pero nunca tanto como ahora, pues la siente en sus entrañas. El miedo invade su cuerpo y su mente, y como si fuera un personaje de la reproducción del cuadro El jardín de las delicias que cuelga en la oficina que sirve de fachada, se debate entre vivir o morir. En ese tránsito se sumerge en una escena surrealista y lírica que, como la obra de arte pintada por El Bosco, representa el lado oscuro del pecado y la magnificencia del placer. Un circo es la forma alegórica como los realizadores decidieron recrear algunas de las escenas más importantes de las tres temporadas anteriores de Sr. Ávila, esas que le permiten al protagonista exorcizar todo lo vivido y decidir en qué lado se queda.

Así comienza Arriba y abajo del señor, el primer capítulo de la última temporada. El espectador fiel se dará cuenta del giro creativo que toma la serie, pues deja por un momento la acción que la caracterizó los cuatro años anteriores para dar paso a un concepto más contemplativo que encaja perfectamente en el cambio de rumbo que quiere el personaje.

“La secuencia inicial nació de la idea de imaginar que todos nosotros hemos sido los espectadores de este circo, lo hemos sido desde la primera temporada, no sólo los televidentes, también los que estuvimos en el set y fuimos testigos de cómo el personaje encarnado por Tony Dalton nos entretuvo con las muertes, sus sentimientos y su culpa”, dice el director Fernando Rovzar.

Un Ávila que se siente observado, manipulado, juzgado y como un títere encuentra en el circo el sitio perfecto para recordar conflictos que lo ayudarán a tomar la decisión de vivir, pero también de tomar las riendas de su vida, pues Dalton, quien este año se incorpora a la serie Better Call Saul, vaticina que los televidentes verán por primera vez al “señor de señores”.

Walter y Marcelo Slavich, los escritores de Sr. Ávila, idearon un mundo de ficción que se rige bajo el libro Matar bien para vivir mejor, un texto que nadie ha leído, nadie sabe quién lo escribió, pero que aun así toda la organización de asesinos, apóstoles y señores obedecen sin recriminar las reglas que sólo el personaje de Iván Alcázar sabe al pie de la letra.

Ávila intentará enfrentarse y derrotar a quien lo manipula. Para eso cuenta con la ayuda de Daniel Molina, quien se convertirá en su “parcero del crimen”, pues este personaje le ofrecerá la “posibilidad de eliminar a todos estos demonios que trae y de saciar su sed a partir de acabar con los que creen que manejan a las marionetas desde arriba”, dice Michel Brown, el actor encargado de dar vida a Molina y quien protagoniza la serie Falco.

Molina, un personaje al que poco se le veía el rostro a pesar de que se nombraba mucho, aprovechará cada momento para fusionar el ángel y el demonio que lleva por dentro, pues es un amante del letargo entre la vida y la muerte, y sabrá disfrutar el poder que tiene sobre los últimos 30 segundos de alguien que agoniza.

Aunque Ávila y Molina tienen objetivos diferentes (uno liberarse y el otro vengarse), este dúo le aporta a la última temporada de Sr. Ávila un espectáculo nunca antes visto: la búsqueda de humanidad por parte del “señor de señores”, que hará todo lo posible por no cargar con sus pecados, penas, culpas y cadenas hasta el último de sus días.

Ese giro también transforma un concepto y un hecho que ha estado desde el primer capítulo: la muerte. Los realizadores se esforzaron en la primera temporada para presentarla estéticamente, pero con la muerte del hijo de Ávila la representaron de forma cruel. En la segunda entrega, el concepto cambió nuevamente cuando el protagonista mató a su esposa, y ahora la historia presenta la repugnancia hacia la muerte, pues los capítulos están escritos para resaltar la vida.

Pero en Sr. Ávila la vida siempre es esquiva y será algo a lo que Iván, quien ahora ejerce como señor, deberá aferrarse si no quiere que Roberto Ávila sepa cómo murió realmente su hijo.

“Lo rico de todo esto es que los personajes tienen su ciclo y lo cierran. Todos tienen secretos y hay consecuencias de todos los actos. Para mí ninguno es héroe y ninguno tiene redención”, dice Carlos Aragón, quien interpreta a Iván.

Con el final de Sr. Ávila, el canal HBO cierra un capítulo importante en la televisión latina, pues la serie, que se produjo en México y se estrenó en 2013, ganó en 2017 el Emmy Internacional al mejor programa en horario estelar en lengua extranjera, un reconocimiento que la puso ante los ojos de todo el mundo. “Sentíamos esa presión y afortunadamente produjimos la mejor serie de todas”, cuenta, por su parte, Billy Rovzar, un realizador mexicano que admite que trabajar con HBO es como “bailar con la chica más guapa de la fiesta”.

Por su parte, Paul Drago, director de producciones originales y operaciones de HBO Latinoamérica, asegura que con el final de Sr. Ávila se cierra un “camino muy importante y dejamos claro que lo que se hace aquí puede competir con cualquier producción del mundo”. El canal internacional, que durante 15 años ha producido series en la región, prepara su primera serie original en Colombia, Mil colmillos, dirigida por el cineasta Jaime Osorio, quien tiene el reto de seguir consolidando la industria audiovisual latina.

En el comunicado, el diario explicó las razones por las que se creó la versión en español, pero concluyeron que, a pesar de que lograron atraer un gran porcentaje de audiencia hispana que consumía sus publicaciones, esta apuesta no logró cumplir con las expectativas financieras que esperaban.

También le puede interesar: "The New York Times" cree que las suscripciones digitales "son el futuro"

"Lanzamos NYT en Español como parte de un experimento que expandió nuestra cobertura a diferentes idiomas, en un intento de alcanzar y atraer más lectores internacionales. Si bien el sitio Español atrajo a una considerable nueva audiencia hacia nuestro periodismo, y produjo regularmente artículos de los cuales estamos orgullosos, no demostró ser financieramente exitoso", dice en la nota publicada. 

El periódico, que aclara que esta decisión no afectará el cubrimiento de los hechos que ocurran en América Latina, sostiene que la nueva estrategia será “hacer llegar a una audiencia global nuestro informe de las principales noticias, a través de un modelo de suscripciones”. También se explicó que se seguirán traduciendo los textos escritos originalmente en inglés, y que este será un proyecto que se irá expandiendo. "Este cambio no afectará nuestra cobertura de América Latina, que seguirá siendo sólida, con dedicados corresponsales, radicados en Medellín, Ciudad de México y Río de Janeiro", concluyeron. 

Puede leer: El artículo de “The New York Times”

La versión del The New York Times en español se inauguró en 2016, en el que se publicaron aproximadamente 10 artículos por día escritos en español o traducidos.   

La productora HBO anunció el estreno de Dejando Neverland (Leaving Neverland), un nuevo documental que cuenta el relato de dos niños, James “Jimmy” Safechuck y Wade Robson, quienes tenían en aquella diez y siete años, respectivamente. Ambos se ganaron la amistad de Michael Jackson, fueron con sus familias a visitar el mundo mágico del artista, y se encantaron con su vida de cuento de hadas durante sus momentos de mayor éxito. (Le puede interesar: ¿Puede el documental "Leaving Neverland" cambiar el legado de Michael Jackson?)

Años después y a través de entrevistas desgarradoras con Safechuck y Robson, junto a sus madres, esposas y hermanos, esta propuesta audiovisual muestra un retrato del abuso continuo y explora los complicados sentimientos que los llevaron a confrontar sus experiencias después que ambos se convirtieron en padres de familia. (Lea también: Crece polémica por documental de Michael Jackson que renueva acusaciones de abuso sexual)

Producido y dirigido por Dan Reed, la primera parte de Dejando Neverland  se estrenará este sábado 16 de marzo a las 6:00 p.m., mientras que la segunda parte se exhibirá al día siguiente, el domingo 17 de marzo a las 6:00 p.m., solo por HBO y HBO GO. (Además: Por documental de HBO, baja el precio del rancho de Michael Jackson a US$31 millones)

James Safechuck era un actor infantil de Simi Valley, California. En 1986, logró una participación en un comercial de Pepsi junto a Jackson. Deslumbrado por Safechuck, en solo cuestión de meses, Jackson se convirtió en un amigo cercano de la familia.

Por su parte, Wade Robson era un bailarín infantil de Brisbane, Australia. En 1987, el niño de cinco años tuvo la oportunidad de conocer al artista tras ganar un concurso imitando a Jackson. En 1990, Joy, la madre de Robson, siguió en contacto con el cantante quien invitó a toda la familia a su casa a pasar un fin de semana.

Jackson se introdujo en las vidas de estas familias de forma separada pero similar. Su estrategia fue sutil pero deliberada, a menudo manifestándose solamente como afecto por los niños. Jackson se convirtió en el amigo, mentor y confidente de los menores, expresando por separado su amor por ambos, mientras que gradualmente los aislaba de sus familias.

Muchas de las memorias de los dos hombres que sobresalen de aquel tiempo fueron en la residencia de Jackson, el rancho Neverland, ubicado al norte de Santa Bárbara en California. Ellos lo describen como un lugar de ensueño lleno de juegos, un parque de diversiones, animales exóticos y un suministro continuo de dulces y comida chatarra.

Estas visitas pronto empezaron a incluir estadías en la casa, donde Jackson dormiría en la misma habitación que sus jóvenes huéspedes, alejados de sus padres. Tanto Robson como Safechuck describen cómo lo que comenzó como un juego inocentes terminó en un contacto íntimo.

Robson tenía siete años cuando comenzó el abuso mientras que Safechuck tenía diez. Pronto, como Safechuck recuerda dolorosamente, casi todos los lugares "especiales" en Neverland estuvieron marcados por un encuentro sexual.

En 1991, incitada por Jackson, la madre de Robson trasladó a su hijo e hija Chantal a Los Ángeles para ayudar a avanzar la carrera artística del niño. Esta decisión separó a la familia, dejando al padre de Robson, su hermano mayor y su abuela en Australia. En el documental, los hermanos de Robson comentan lo distantes que se volvieron a medida que Jackson se acercaba más a él y a su madre.

Desde el principio, Jackson insistió en que Robson y Safechuck debían mantener su contacto sexual en secreto. Robson recuerda haberle creído a Jackson cuando le dijo que ambos "iremos a la cárcel por el resto de nuestras vidas" si alguien se enterara.

Cuando los dos niños llegaron a la adolescencia, descubrieron que ya no estaban en la misma posición "privilegiada", ya no eran el objeto principal de la atención de Jackson. Sin embargo, mantuvieron sus secretos y su lealtad hacia él, obligados por los complicados vínculos emocionales forjados durante el abuso.

En la década de 1990, cuando otros lo acusaron de abuso, Jackson pidió a Safechuck y Robson que lo defendieran. Ambos negaron vehementemente a sus padres y al público que Jackson se hubiera portado de forma inapropiada con ellos.

Robson se convirtió en uno de los coreógrafos jóvenes más exitosos de su generación, trabajando con *NSYNC y Britney Spears en sus periodos de mayor apogeo. Pero su éxito estuvo opacado por la melancolía y la depresión. Safechuck, un aspirante a director de cine y músico de rock, también enfrentó ataques de depresión y adicción.

Ambos eventualmente se casaron y tuvieron hijos propios. A medida que sus hijos pequeños crecían, su agitación emocional aumentaba mientras luchaban por entender el pasado, revelando cómo las secuelas del abuso sexual pueden manifestarse décadas más tarde.

Finalmente, frente a las crisis emocionales, ambos hombres llegaron a un punto en el que estaban dispuestos a decir la verdad a sus familias. En el documental, parientes de ambos recuentan cuando Robson y Safechuck se abrieron por primera vez, cuando comprendieron el daño que quedó después del abuso físico. Luego, comenzaron a enfrentar su trauma, tratando de comprender sus recuerdos y sanando las relaciones fracturadas dentro de sus familias. Ahora, después de años de terapia, ambos hombres han decidido hablar y contar sus historias.

Fuera de casa pero de local, en Cartagena (por las obras del Metropolitano), Junior de Barranquilla recibe a Palmeiras en su estreno en la Copa Libertadores 2026. Duelo de altísimo voltaje para el cuadro tiburón contra uno de los mejores equipos del continente, vigente subcampeón de la competición.

Los barranquilleros han levantado el nivel en las últimas semanas, tras un arranque irregular, y esperan estar a la altura del duelo. Los brasileños son siempre candidatos a llevarse la corona y llegan con una de las figuras de la selección de Colombia en sus filas: Jhon Arias.

¿Cómo va el partido de Junior? Siga acá el minuto a minuto del partido

⏱️ MINUTO 70′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-1 PALMEIRAS 🟢⚪|

Luis Fernando Muriel entra a la cancha. ¿Será el revulsivo que necesita el cuadro barranquillero?

⏱️ MINUTO 66′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-1 PALMEIRAS 🟢⚪|

Khellven enmudeció a Cartagena. Remate potente y afuera por muy poco. El disparo de media distancia es una de las armas con las que Palmeiras intenta irse en ventaja.

⏱️ MINUTO 61′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-1 PALMEIRAS 🟢⚪|

Junior reaccionó al golpe. Tremendo remate que contuvo el arquero Carlos Miguel.

⏱️ MINUTO 58′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-1 PALMEIRAS 🟢⚪|

Otro remate de Palmeiras. Junior empieza a perder concentración en el fondo.

⏱️ MINUTO 55′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-1 PALMEIRAS 🟢⚪|

Ramón Sosa empata el juego. Desatención en el fondo de Junior, que dio ventaja a su espalda. El VAR estudió el fuera de lugar, pero el jugador estaba habilitado. Partido igualado.

¡APARECIÓ RAMÓN! Sosa durmió a la defensa con su velocidad y anotó el 1-1 de Palmeiras vs. Junior tras una floja salida de Silveira.

📺 Mirá TODA la CONMEBOL #Libertadores por #DisneyPlus Plan Premium pic.twitter.com/30lDuNm9ZD

— SportsCenter (@SC_ESPN) April 9, 2026

⏱️ MINUTO 47′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-0 PALMEIRAS 🟢⚪|

Excelente jugada de los brasileños. Buena coneión de paredes, liderada por Jhon Arias. Terminó con un remate de Allan potente que asustó a todo el estadio local.

⏱️ MINUTO 45′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-0 PALMEIRAS 🟢⚪|

Se juega de nuevo en Cartagena. Junior gana parcialmente y busca mantener su ventaja.

⏱️ MINUTO 45′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-0 PALMEIRAS 🟢⚪|

Se acabó el primer tiempo y en Cartagena se está gestando la sorpresa.

45’⌚▶️ |1-0| ¡ENTRETIEMPO! @JuniorClubSA 🆚 Palmeiras
#Libertadores #VamosJunior🔴⚪🔵 pic.twitter.com/p1NIHsQ2cg

— Junior FC (@JuniorClubSA) April 9, 2026

Junior pegó primero y supo sostener la ventaja en un primer tiempo intenso en Cartagena. El equipo barranquillero se fue arriba temprano, con un penalti bien ejecutado por Teófilo Gutiérrez, y desde entonces cedió la pelota para apostar al orden defensivo y al contragolpe.

Palmeiras asumió el control del balón, empezó a cargar el área con centros y generó peligro —con remates como el de Marlon Freitas—, pero se encontró con un bloque firme y un arquero seguro. La figura ofensiva de los brasileños fue Jhon Arias, siempre activo por la izquierda, aunque sin lograr romper la resistencia de Junior antes del descanso.

⏱️ MINUTO 45′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-0 PALMEIRAS 🟢⚪|

Ya se cumplieron los 45 reglamentarios de la primera parte. Agregaron cinco minutos. Palmeiras sigue dominando el balón y ha empezado a encontrarle huecos a la defensa de Junior.

La figura de los brasileños es Jhon Arias. El colombiano es el receptor de todos los balones de ataque por la banda izquierda. El chocoano es el de las ideas, es el jugador explosivo. Buena primera parte, en medio de las dificultades que ha tenido el equipo brasileño.

⏱️ MINUTO 39′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-0 PALMEIRAS 🟢⚪|

Marlon Freitas probó desde afuera del área. Potente remate que contuvo bien el arquero de Junior. La más peligrosa del partido del cuadro brasileño.

⏱️ MINUTO 34′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-0 PALMEIRAS 🟢⚪|

Peligrosa llegada del cuadro brasileño. Sin embargo, decretaron fuera de lugar. El verdao sostiene la pelota, pero le cuesta superar el cerco defensivo de Junior.

⏱️ MINUTO 21′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-0 PALMEIRAS 🟢⚪|

Jhomier Javier Guerrero hizo tremenda jugada en el área de Palmeiras y casi marca con un remate cruzado al segundo palo. Junior aguanta, cede la pelota e intenta herir al contragolpe.

⏱️ MINUTO 16′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-0 PALMEIRAS 🟢⚪|

Palmeiras empieza a llenar de centros peligrosos el área de Junior, que responde a la contra. Partido intenso en los primeros minutos.

⏱️ MINUTO 14′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-0 PALMEIRAS 🟢⚪|

Palmeiras sintió el golpe y empezó a presionar a un Junior replegado. Silveira empieza a atajar balones.

Video: así fue el gol de Junior de Barranquilla, lo hizo Teo

¡TEO, SIEMPRE TEO! Gutiérrez abrió el pie y marcó el 1-0 de Junior ante Palmeiras.

📺 Mirá TODA la CONMEBOL #Libertadores por #DisneyPlus Plan Premium pic.twitter.com/kBuHOR6emQ

— SportsCenter (@SC_ESPN) April 9, 2026

⏱️ MINUTO 9′ | ⚪🔴 JUNIOR 1-0 PALMEIRAS 🟢⚪|

GOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOL DE JUNIOR DE BARRANQUILLA. Lo hizo Teófilo Gutiérrez de penalti. Cobro a la derecha, certero. El arquero tomó viaje para el otro lado y el cuadro tiburón se va arriba en el marcador.

⏱️ MINUTO 7′ | ⚪🔴 JUNIOR 0-0 PALMEIRAS 🟢⚪|

Penalti para Junior. Tras chequeo del VAR, en una de las primeras acciones de juego, el cuerpo arbitral decreta penalti.

⏱️ MINUTO 0′ | ⚪🔴 JUNIOR 0-0 PALMEIRAS 🟢⚪|

¡Empezó en Cartagena! Junior se mide contra Palmeiras en la primera fecha de la Copa Libertadores.

Los equipos saltan a la cancha. Todo está listo en Cartagena para un nuevo partido de Copa Libertadores.

Este será el XI inicial de Junior de Barranquilla

🔥🦈 ¡TITULARES! #VamosJunior pic.twitter.com/KBQqRQGzOo

— Junior FC (@JuniorClubSA) April 8, 2026

Así formará Palmeiras: Jhon Arias, titular

ESTAMOS PRONTOS PRA ESTREIA NA #LIBERTADORES! 📋💚#JUNxPAL #EscalaçãoSEP pic.twitter.com/2mh8GO12GH

— SE Palmeiras (@Palmeiras) April 8, 2026

El partido, por la primera fecha de la Copa Libertadores 2026, se jugará desde las 7:30 de la noche, en el Estadio Jaime Morón de Cartagena. Lo transmite ESPN y Disney+.

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Robert Downey Jr. lo tiene muy claro: su etapa como Iron Man terminó. Y aunque su rostro siga ya ligado de por vida al del carismático Tony Stark, el actor declaró que no es solo su único trabajo. "No soy solo este papel que he estado interpretando, no soy un personaje de ficción", comentó rotundamente. "No soy lo que hice con ese estudio", puntualiza. (Le puede interesar: Robert Downey Jr: “‘Avengers’ es más que mero entretenimiento”)

"Inicialmente, a la hora de crear asociaciones y enlaces con Tony Stark y el Universo Marvel, eres un buen hombre de compañía, aunque te desconcentres un poco, eres creativo y participas en todo ese proceso", comentó el actor en una entrevista para The Hollywood Reporter. "Pero llegó ese momento en el que, como suele decirse, el dueño acaba pareciéndose a su mascota", detalló. (Lea también:¿Cuántos millones ha ganado Robert Downey Jr. con Vengadores: Endgame?)

Al darse cuenta de que el personaje y el actor empezaban a no verse de forma separada, Downey quiso tomar distancia de la parte creativa. "No soy mi trabajo, ni lo que hice para Marvel. Tampoco soy el período de tiempo que he pasado interpretando a mi personaje" declaraba el actor, sintiéndose compungido "porque el niño que está dentro" de todo el mundo "quiere que todo siga como estaba ahora". (Además: "Endgame": la escena que Robert Downey Jr. no quería rodar)

"Y no, no siempre vas a poder estar en un campamento de verano", dijo el intérprete. Pese a sus duras declaraciones, Downey también ha comentado que disfrutó mucho en el tiempo en el que ha podido ser Iron Man. "Siempre hay una dependencia en algo que sientes que es seguro. Es lo más cerca que he estado de ser un niño mimado", manifestó Robert Downey Jr.

NUEVOS PROYECTOS

"No me he visto obligado a explorar la nueva frontera de lo que es mi vida creativa y mi vida personal después de esto", dijo el actor, sobre su despedida del Universo Cinematográfico de Marvel. "Siempre es bueno adelantarse a los acontecimientos", explicó.

El actor también revela que era muy consciente de que, tarde o temprano, iba a llegar el momento de decir adiós a Tony Stark. "Si pones la mirada en que en la primavera de 2019 todo va a cambiar, empiezas a mentalizarte antes, porque siempre es en las transiciones de una etapa a otra cuando la gente se desmorona", reveló.

Robert Downey Jr. tiene varios proyectos en curso. Uno de ellos es The Voyage of Doctor Dolittle, en el que dará vida al médico capaz de hablar con los animales y en la que participarán también Antonio Banderas, Michael Sheen y Jim Broadbent. También estará en la siguiente entrega de la saga Sherlock Holmes y protagonizará el biopic sobre John Brinkley que dirigirá Richard Linklater.

El canal de televisión AMC presentó el tráiler de "NOS4A2" (Nosferatu), serie de terror sobrenatural basada en el best seller homónimo de Joe Hill y protagonizada por el actor y productor nominado al Emmy, Zachary Quinto, recordado por su actuación en "Star Trek" y "American Horror Story", y Ashleigh Cummings, quien ha trabajado en "The Goldfinch" y "Hounds of Love".

Quinto encarna a Charlie Manx, un seductor inmortal que se alimenta de las almas de los niños y luego deposita lo que queda de ellos en Christmasland, un retorcido pueblo navideño creado por su imaginación, donde todos los días es Navidad y la infelicidad es ilegal.

Pero Manx ve su mundo amenazado cuando una joven (Cummings) en Nueva Inglaterra descubre que tiene una peligrosa habilidad. La esperada serie "NOS4A2" (Nosferatu) se estrena en Estados Unidos el próximo 2 de junio y Colombia muy pronto en exclusiva por el canal de televisión AMC.

Cummings da vida a Vic McQueen, una joven artista cuya creatividad despierta una habilidad sobrenatural para rastrear a Charlie Manx. Lo que a Vic le falta en confianza social, lo compensa con valentía, humor y agilidad. A lo largo de la serie ella se esforzará por derrotar a Manx y rescatar a sus víctimas sin perder la cabeza o convertirse en una de ellas.

La directora Kari Skogland, nominada al Emmy por "The Handmaid’s tale", dirigió los dos primeros episodios de una hora de duración.

Durante el Super Bowl 2018, la final de la Liga de Fútbol Americano (NFL) se estrenó el primer tráiler de "Mission: Impossible - Fallout", la sexta entrega del filme que protagoniza Tom Cruise como el agente de operaciones especiales Ethan Hunt. (Ver "Han Solo: Una Historia de Star Wars": el tráiler que se lanzó en el Super Bowl).

En "Misión Imposible – Repercusión" la actriz Rebecca Ferguson retoma su personaje de la anterior entrega, Ilsa Faust; así como Sean Harris, quien dio vida al villano Solomon Lane en la quinta parte, "Nación secreta".

Vanessa Kirby, Simon Pegg y Alec Baldwin completan el elenco de la película que se estrenará en Colombia el 26 de julio de 2018.

El actor y músico británico Johnny Flynn se encargará de dar vida a David Bowie en la película biográfica "Stardust", informó este jueves el medio especializado The Hollywood Reporter.

Flynn, un intérprete no muy conocido para el gran público y que ha tenido papeles en series como "Genius" y "Vanity Fair", encabezará el reparto de este largometraje junto a la actriz estadounidense Jena Malone, que encarnará a Angie, la primera esposa del músico.

También estará en el elenco Marc Maron, muy popular entre los fans de la serie "GLOW" por su rol del director y promotor de lucha libre Sam Sylvia.

Maron interpretará a un ejecutivo musical ligado a la carrera de Bowie.

"Stardust", que contará con la dirección de Gabriel Range y un guion de Christopher Bell, narrará el ascenso de Bowie en los años 70 y la creación de su "alter ego", Ziggy Stardust. (Galería: David Bowie y sus mil rostros).

Considerado como una de las figuras más carismáticas y camaleónicas de la música popular, David Bowie, que falleció en enero de 2016 a los 69 años, firmó obras maestras como "Hunky Dory" (1971), "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" (1972), "Low" o "Heroes" (ambos de 1977).

Este "biopic" sobre David Bowie parece seguir la reciente moda en Hollywood de películas biográficas sobre grandes estrellas de la música.

Este año se estrenó con gran éxito "Bohemian Rhapsody", una cinta acerca de Freddie Mercury en la que el actor Rami Malek encarnó al líder de Queen.

Además, el próximo mayo llegará a los cines "Rocketman", sobre la carrera de Elton John, mientras que este miércoles se anunció que también está en marcha en Francia el proyecto "The Power of Love" para llevar a la gran pantalla la vida de Céline Dion. 

Las películas que no hayan sido proyectadas en cines podrán competir por el Óscar este año, informó este martes la Academia en un cambio radical forzado por la pandemia del coronavirus. (Le puede interesar: La Academia de Hollywood no descarta cambios en los Óscar por Coronavirus)

Tradicionalmente la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas requiere a las producciones una presentación de al menos siete días en salas para poder ser elegible al premio más cotizado del cine. 

Pero los cines de Los Ángeles y las salas de proyección cerraron a mediados de marzo, sin una fecha a la vista para que reabran. (Lea también: Los Óscar 2020 registran el nivel de audiencia más bajo de la historia)

"Hasta nuevo aviso y solo para la 93 edición de los premios, los filmes que tuvieran sus planes de lanzamiento pero antes fueron lanzados en plataformas comerciales streaming pueden calificar", señaló un comunicado.

La Academia, considerada la autoridad de la industria cinematográfica de Hollywood, insistió en que ver "la magia de las películas" en un cine es "inalterable e inquebrantable". (Recuerde: Óscar 2020: la ceremonia del cine en un minuto)

"Sin embargo, la histórica y trágica pandemia de COVID-19 requiere esta excepción temporal a nuestras reglas de elegibilidad para los premios", añadieron el presidente David Rubin y la directora general Dawn Hudson, citados en el texto.

Las películas estrenadas en cines de otras ciudades fuera de Los Ángeles también serán elegibles solo por este año.

Las nuevas reglas acordadas por los miembros de la Academia incluyen además unir en una misma categoría la mezcla y edición de sonido.

Se harán concesiones para producciones que serían presentadas en festivales cancelados, que servían para clasificar al premio.

La industria del cine ha tratado de adaptarse a los estragos que la pandemia ha causado, incluidos el lanzamiento de títulos que tuvieron que ser aplazados o cancelados.

El mes pasado los Globos de Oro fueron los primeros en relajar las reglas de entrada, permitiendo que las películas que hubieran planificado "de buena fe un estreno en cines" compitieran incluso si el lanzamiento fuera después cancelado.

Las organizaciones de otros grandes premios consultados por AFP dijeron que era aún muy temprano para anunciar cambios.

La mayoría de los cines de Estados Unidos no tienen planes de reabrir hasta el verano, con excepción de Georgia (sur), que autorizó retomar operaciones desde este lunes, y Texas que lo hará en el corto plazo.

La Academia confirmó, sí, que la edición 93 de los premios Óscar se realizará el 28 de febrero de 2021 como estaba planeado.

* “Estamos cubriendo de manera responsable esta pandemia, parte de eso es dejar sin restricción todos los contenidos sobre el tema que puedes consultar en el especial sobre Coronavirus". 

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Sandra Bullock, Cate Blanchett, Anne Hathaway, Richard Armitage, Mindy Kaling, Awkwafina, Sarah Paulson, James Corden, Rihanna y Helena Bonham Carter protagonizan la nueva versión de la saga "Ocean's Eleven", que sigue a un grupo de ladrones de guante blanco (George Clooney, Matt Damon y Brad Pitt) especializados en dar espectaculares golpes en casinos.

"Ocean's 8: las estafadoras" está dirigida por Gary Ross y gira en torno a un robo durante la famosa gala de moda Met que cada año realiza la revista Vogue en el Museo Metropolitano de Nueva York, por lo que participan las modelos Adriana Lima y Hailey Baldwin, así como la cantante Rihanna. También participan Kim Kardashian, Kendall y Kylie Jenner y Anna Wintour, editora de la revista Vogue.

"Ocean's 8" remitirá de alguna manera a la exitosa serie de películas formada por "Ocean's Eleven" (2001), "Ocean's Twelve" (2004) y "Ocean's Thirteen" (2007) que dirigió Steven Soderbergh, quien en esta ocasión figura como productor.

"Ocean's Eleven" era, a su vez, un homenaje al espíritu del filme homónimo de 1960 protagonizado por el grupo conocido como "Rat Pack": Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford y Joey Bishop.

En total, la trilogía de "Ocean's Eleven" recaudó 1.124 millones de dólares en los cines de todo el mundo, según la web especializada Box Office Mojo.

"Ocean's 8" seguirá la estela de "Ghostbusters", que este año recuperó la célebre comedia del mismo nombre de los años ochenta con un elenco enteramente femenino formado por Melissa McCarthy, Kate McKinnon, Kristen Wiig y Leslie Jones.

"Love Death & Robots". Título sospechoso. Tres generalidades juntas. Un hilo conductor demasiado amplio, torpe y engañoso. Efectivamente, de los dieciocho cortometrajes, al menos nueve no tienen nada que ver con robots y otros tres sólo tocan el tema tangencialmente. Todos tienen que ver con “amor” y “muerte”, es cierto, pero también es cierto que toda la narrativa universal tiene que ver con esos dos temas. Alguien ama, alguien deja de amar, alguien muere o evita la muerte. Siempre es lo mismo.

El parroquiano que me recomendó la serie lo hizo asegurando que se trataba de una serie “nueva, sabrosita, muy parecida a Animatrix (2003)”. No obstante, comparar LD&R con Animatrix es impreciso y poco justo. Animatrix aporta a la mitología de sus películas base, al punto que algunos cortometrajes resultan indispensables para completar y entender subtramas de los largometrajes en cuestión. En LD&R no sucede así. No se aporta a ninguna mitología de la muerte, del amor o de los robots. Casi todas las historias del conjunto son remakes literales o variaciones de algo ya visto. Hay una versión de Gravity (2013) un poco más gore, hay una versión de Microcosmos (1996), una versión siniestra de Up (2009) con elementos de The Iron Giant (1999), y una versión de Real Steel (2011) cruzada con Avatar (2007). Todos técnicamente impresionantes y visualmente potentes, pero narrativamente hablando LD&R resulta bastante pobre: lugares comunes, situaciones y tramas manidas que hacen preguntarse por la pericia de los escritores involucrados. (Le puede interesar: Los estrenos de mayo en Netflix).

Revisando créditos, es fácil notar que el guionista de la mayoría de los productos es el mismo (Philip Gerald), lo que en teoría podría darle unidad al conjunto. No sucede así. Son pocos los cortometrajes que se pueden aunar entre sí. A lo sumo se pueden armar parejas y tríos por afinidades temáticas y estilísticas; pero de ninguna manera se pueden relacionar dieciocho productos orgánicamente, porque ni siquiera los propios creadores parecen tener esa pretensión del todo clara. El sello de escritura es notorio, sí, pero más por fallos que aciertos. Hay cuatro cortos cuyo truco de guion es el mismo: generar circularidad haciendo que el inicio de la historia y el final se solapen. El relato empieza en un punto y acaba en otro similar o idéntico al principio, sugiriéndole al espectador que todo se va a reiniciar. Truco sucio de taller de escritura creativa barrial.

Y eso cuando hay resolución, porque la mayoría de los cortos funcionan más como viñetas o escenas “sueltas” que perfectamente podrían pertenecer a largometrajes o episodios de serie dramática, ojalá de HBO. En lugar de eso, las “escenas” aparecen allí, a su suerte, como extraídas, casi extraviadas, con arranques sugerentes, sí, con desarrollos enganchadores y virtuosos visualmente hablando (también), pero con finales flojos y predecibles. A este respecto, los cortos de LD&R siguen dos caminos obvios: no se resuelven completamente o se “resuelven” usando el truco anti-resolutivo por antonomasia: el bucle temporal, el deus ex machina 2.0.

En ese sentido, sorprende (no tanto) que muchos fans de la ciencia ficción se empeñen en defender a ultranza el producto alegando que “está inspirado en relatos de escritores contemporáneos del género”. Y no lo dicen sólo para contar el dato y parecer importantes. Tampoco lo dicen para reivindicar el trabajo de John Scalzi o de Alastair Reynolds que efectivamente merecen ser leídos y cuyos relatos adaptados resultan lo mejor de la serie: Zima Blue (S1E14) y Lucky 13 (S1E13). No. Esta vez lo dicen en plan “sabemos que las historias son el punto débil de esta serie, así que nos sacamos la carta académica/literaria/contemporánea para blindarnos en caso de que critiquen”. Y efectivamente les funciona. Al menos en ciertos círculos. No digo que no sea importante el respaldo literario, pero la verdad es que la ciencia ficción contemporánea es tan poco arriesgada en términos de conceptos y sigue apelando a técnicas de escritura propias del best-seller (pre)adaptable a bluckbuster (véanse Ernst Cline y Daniel Wilson con Spielberg) que decir eso no es un valor en sí mismo. No sin matizarlo.    

Así que descartando todos los cortos decepcionantes, manidos y perezosos, y dejando también de lado los mejores del conjunto cuya propuesta es defendible en sí misma, me permitiré reseñar a continuación los cortos (unitarios, parejas, tríos) que considero valiosos pero no innovadores, cortometrajes que hacen algún aporte, (aunque sea mínimo) ya sea en términos visuales o narrativos, y que probablemente requieran una segunda oportunidad o en segundo visionado para valorarse íntegramente. (Lea sobre la serie web Con ánimo de ofender).

Three robots (S1E2), When the Yogurt Took Over (S1E6), Alternate Histories (S1E17) y un tal John Scalzi.  

Tres robots visitan una ciudad post apocalíptica y hacen comentarios irónicos sobre “la humanidad” de entonces; es decir, la de ahora, la nuestra, nosotros. El recurso recuerda la película Sleeper (1973), donde el personaje de Woody Allen es criogenizado accidentalmente. Al despertar en el futuro, los nativos de la época le comparten impresiones y lecturas ingenuas/irónicas sobre nuestro presente (su pasado) a partir de indicios que encuentran del ya extinto siglo XX.

Three robots es una sitcom post-apocalíptica. Tres personajes perfectamente definidos reaccionan a un entorno/situación que les es extraño. Tres personajes, una locación, un recorrido, diálogos divertidos. Recuerda también al episodio de Seinfeld donde los personajes se pierden en el estacionamiento o aquel que trascurre enteramente en el restaurante chino. Seinfeld y Woody Allen en el futuro y con robots como intérpretes. Y no es tan descabellado pensarlo así, porque si se escuchan las voces originales de los robots, es fácil identificar que uno tiene la personalidad de un afroamericano newyorkino, otro la de un niño ávido de mundo y rebosante de curiosidad. El último robot, el de voz más femenina, es mucho más cerebral, irónico y hasta misántropo, como si Larry David se hubiera colado en el conjunto para completar el trío de neuróticos judíos.  

He ahí la mayor virtud de este corto y de los otros dos inspirados en relatos de Scalzi: tono. Ironía, sarcasmo, sorna; elementos que configuran el registro desenfadado que transcurre fluidamente sin dejar de lado la especulación propia del género. Tanto Three robots como When the Yogurt Took Over y lo del Alternate Histories, ganan al espectador desde un planteamiento absurdo (apocalipsis desenfadado, yogurt gobernando el mundo, multiverso empleado sólo para hacer bromas con Hitler) que más que desarrollarse plenamente, discurre con fluidez, cara de póker y entrega sobria. Ninguno de los tres cortos cierra satisfactoriamente, es cierto, pero se les perdona por el riesgo que implica plantear y sostener un tono así.

Suits (S1E4) y los profesionales rurales

Suits es un corto que gana mucho con su segundo visionado. Referencias claras a Hawks, Spielberg, Cameron, Linklater incluso. Es ante todo, un cortometraje de personajes ambientado en un escenario apocalíptico. Y todo el mérito del corto, es el mismo mérito que el de las películas de Hawks y algunas de Eastwood: disfrutar de las relaciones de unos personajes que 1. Son profesionales en su área y 2. Se conocen muy bien entre sí. En ese sentido, la cotidianidad campechana está muy bien tratada. Personajes granjeros, rurales, apegados a la tierra. Se conocen hace tiempo, han trabajado juntos por años y esa camaradería se siente y se trasmite con eficacia mediante miradas, chistes internos, lenguaje no verbal de aprobación y reproche. Sutilezas que muestran sus relaciones sin explicaciones retóricas. Un grupo de profesionales lucha contra una amenaza. Punto.  El tema hawksiano por excelencia, aunque como dije arriba, el espectador puede encontrar estéticas parecidas en películas más recientes, tipo The Abyss (1989) de James Cameron.

Por otra parte, Suits es también un “mecha” muy norteamericano. Incluye amenaza numerosa, peligro, combate y hasta el elemento clásico del sacrificio por parte del secundario entrañable. Y en una antología de cortos plagada de finales insatisfactorios, es de admirar el plano final de Suits. Un zoom out (o travel back) similar al que cierra Men in Black (1997): se muestra un planeta tierra condenado, un planeta donde es cuestión de tiempo para que todas las criaturas terminen la invasión, lo que cambia un poco la perspectiva de lo que vimos hasta entonces. Estos granjeros tan heroicos y aparentemente simpáticos, tras ese plano se nos antojan ingenuos y románticos: están conservando una forma de vida condenada a la extinción, una forma de vida ya caduca. Ingenuo pero lindo.

Sinopsis a posteriori: una comunidad rural muy sencilla protege su forma de vida, sin saber que solamente están ganando tiempo para retrasar lo inevitable.

Good Hunting (S1E8) y el steam-punk crepuscular

Uno de los cortometrajes que conceptualmente están mejor hechos. Plantea una noción de lo crepuscular, algo ya visto en el cine de samuráis, el western crepuscular y algunas facciones del noir. Hay varios temas crepusculares fácilmente reconocibles en el corto: cambio, un mundo viejo que da paso a un mundo nuevo, personajes que pueden adaptarse y otros que no lo logran. Acá, el tema está tratado haciendo uso de dicotomías: cambia-formas vs cyborgs; magia vs tecnología, campesino rural vs mecánico de autómatas. Un ser mágico corre el riesgo de perder su magia en el contexto del mundo moderno.  Una criatura que se transformaba vía magia, logra transformarse ahora vía tecnología, o magia moderna.

Conceptualmente todos esos elementos y paralelismos funcionan bien. Sin embargo, por momentos, pareciera que el cortometraje, en aras de trasmitir un concepto, casi un mensaje de “no olvides la magia por tecnología”, fuerza algunos elementos. Esto se ve específicamente cuando el gobernador trasforma a su amante en una máquina. No tiene ningún sentido. El gobernador es tan adicto a las mujeres como a las máquinas. No tiene sentido que arruine el cuerpo hermoso de una mujer en pos de convertirlo en máquina. Trasformar a su mucama en cyborg sexual, parece más una decisión de guionista que de gobernador.

Pero dejando de lado el error citado, el corto está muy bien.  Resulta saludable que, en medio de este repertorio de cortometrajes desiguales, haya lugar también para una reflexión conceptual sobre el paso del tiempo. La mejor manera de hacerlo siempre será apelando a un registro crepuscular.

Sucker of souls (S1E5) y Blind Spot (S1E15): la espectacularidad bien dirigida

Son dos cortos que pongo juntos porque tienen el mismo espíritu y la misma intención: hacer secuencias de acción espectaculares. En uno, la secuencia se centra en mostrar cómo se huye de una amenaza monstruosa (Drácula), en el otro, cómo asaltar un convoy. En ambos hay una acción 2D muy bien dirigida y coreografiada, con una narración visual potente, adictiva, muy bien resuelta en términos de bloqueo de cámara y claridad espacial. Hay humor pero no por eso la acción deja de ser contundente y cañera. Evidentemente, los contenidos son diferentes. En Sucker of souls ni siquiera hay robots, lo cual, aunque molesto en principio por la configuración general de la serie, resulta importando poco justamente por el tono gamberro del que hace gala el corto: sangre exagerada que expulsa el primer cuerpo mutilado, bromas sexuales con gatos, bromas con explosivos C4, alusiones a la promiscuidad de uno de los personajes… todo eso conforma un coctel de diversión pura y sin pretensiones que desarma cualquier intento de análisis sobrio. Obviamente, siguen sin ser los mejores cortos del conjunto. Se trata de ejecuciones virtuosas de tramas desgastadas (exploradores, excavación, peligro, huida), ejecuciones tan bien resueltas que opacan todos los clichés con los que operan. Lo único que molesta de ambas propuestas es lo pobre de sus finales y resoluciones (una vez más). En Sucker of souls, los personajes simplemente terminan encerrados con más vampiros. En Blind Spot, los personajes que mueren tras el atraco peligroso, son revividos. En definitiva: dos cortos muy emocionantes de ver pero cuya historia no aporta nada. Si al espectador le gusta la acción bien coreografiada y con altas dosis de ironía, algo como lo que haría el tándem Mark Millar/Mathew Vaughn en Kingsman: The Secret Service (2014) o en Kick Ass (2010), va a disfrutar de estos dos cortometrajes.

* Realizador y analista audiovisual. Magíster en Escrituras Creativas. Extra con parlamento en Con Ánimo de Ofender (serie web). Crítico de cine en El Espectador.

Desde este sábado las parrillas de los cableoperadores tendrán un nuevo canal: se trata de Nat Geo Kids, la nueva apuesta de Fox Networks Group Latin America que está dirigida a niños entre los 4 y 7 años.

Después de haber consolidado una audiencia con canales dedicados a series, películas y producciones científicas, de naturaleza e históricas, nace Nat Geo Kids como parte de la estrategia con la que quieren abarcar más audiencia con contenido "lindo, bueno y sano" y bajo los estándares del tradicional National Geographic.

"Es un reto enorme llegar a esa audiencia, era lo que nos faltaba. Teníamos películas, series… Nosotros somos socios de la National Geographic Society, tenemos el canal Nat Geo, Nat Geo Wild y ahora lo que nos faltaba, un espacio dirigido a los pequeños", dice Sofía Higuera, Senior Vice President de Fox.

Como parte de esta "estrategia de diversidad de contenidos", Fox se despide del canal Mundo Fox, el cual fue creado en 2014 bajo una alianza con Fox Telecolombia para emitir en toda Latinoamérica las producciones que se realizaban en la región; y da la bienvenida a este espacio que emitirá programas enfocados en la ciencia, exploración, aventura y preservación del medio ambiente.

"Utilizando este espacio (el de Mundo Fox) nos aseguramos de tener distribución completa en América Latina", sostiene Higuera. El canal, que empieza emisión desde el próximo primero de julio, se moverá a la franja de infantil.

Por el momento la programación cuenta con las producciones internacionales "Las aventuras de Blinky Bill", "El laboratorio secreto de Thomas Edison", "Ready jet go!", "Chuck’s choice", "Jaime y sus tentáculos", "Plash y Bubbles" y "Robin Hood".

"Queremos ofrecer contenido que eduque, que los incentive a pensar, a explorar, y que el padre de familia tenga la tranquilidad de que lo que está viendo su hijo le va a servir para la vida", agrega la Senior Vice President de Fox.

Pero también le están apostando a la producción latina con "La ciencia de lo absurdo kids", una serie realizada en los estudios de Fox Telecolombia en Bogotá y que como su 'hermana mayor' (la serie que se emite en Nat Geo), trata sobre temas como fallas de algo que no debía fallar, una reacción química o física que no se esperaba, "pero enfocado desde la enseñanza y el aprendizaje".

"Los capítulos son presentados por niños y el contenido no es tan fuerte como el de adultos, un poco más divertido, la idea es que se cuiden y no hagan esas cosas en casa", enfatiza Higuera.

La programación de Nat Geo Kids estará dedicadas a las series entre semana y a las películas ("Madagascar", "Megamente", "Dr. Seuss’The Lorax", "Stuart Little 3", entre otras) los fines de semana.

Como en los canales infantiles no funciona la franja 'prime time' que rige a los canales dirigidos a mayores de 18 años, la programación correrá todo el día aunque se espera que en la tarde se tenga mayor audiencia.

"Hay un equipo de producción que está pensando y desarrollando contenido, y explorando y entendiendo qué es lo que los niños quieren consumir", dice Sofía Higuera, quien explica que las emisiones están pensadas en franjas de 11 minutos, salvo las películas.

"Es un contenido rápido, corto, de acuerdo a la atención de ellos y porque es lo que quieren ver", enfatiza Sofía Higuera.

¿Qué se puede ver en Nat Geo Kids?

"El laboratorio secreto de Thomas Edison"
El laboratorio es descubierto por cuatro niños amantes de la ciencia. Guiados por la imagen holográfica de Edison, y junto al confiable robot Von Bolt, los niños aprenden sobre ciencia a través de aventuras divertidas.

"Ready jet go!"
Sean, un niño apasionado por la ciencia, y Sydney, una niña amante de la ciencia ficción y la imaginación, se hacen amigos de su nuevo vecino Jet Propulsion...que resulta ser un ¡extraterrestre! Juntos, los tres amigos se embarcan en grandes aventuras para explorar el sistema solar, aprender sobre el espacio y la ciencia, pero siempre regresando a casa a tiempo para la cena.

"Chuck’s Choice"
Para Chuck McFarlane, un niño de diez años, la vida consiste en tomar decisiones. Pero, a diferencia del resto, sus opciones son mucho más impresionantes y espectaculares. Con la ayuda de un dispositivo intergaláctico único, el U-Decide 300, Chuck tiene el poder de elegir su próxima aventura en segundos. Algunas decisiones son grandiosas, mientras otras no tanto. Después de todo, la capacidad de volar suena increíble, pero ¿qué sucede si para lograrlo hay que mantener convivir con una larva en el abdomen? Chuck elige su destino episodio tras episodio con aventuras llenas de adrenalina y diversión junto a su mejor amiga Misha y su hermano Norm.

"Jaime y sus tentáculos"
Jaime, un joven príncipe del planeta Blarb, llega a la Tierra tras escapar de unos alienígenas. Para que nadie lo descubra, permanece disfrazado como un niño humano y su amigo Erwin pasa casi todo el tiempo encubriendo sus travesuras intergalácticas. Pero no todo es diversión, el peligro se acerca: los malvados alienígenas envían un robot y una vaca mutante a la tierra para capturar al príncipe.

"Splash y Bubbles"
Splash y Bubbles son dos peces simpáticos que viven en el maravilloso mundo submarino, junto a  sus amigos Dunk y Ripple. Ellos exploran nuevos rincones del fondo del mar para mostrar la diversidad de la vida en el océano. Con juegos, comedia, nuevos descubrimientos y música aprenden sobre ellos mismos y el mundo que los rodea.

"Robin Hood"
Robin tiene solo 10 años, pero ya es un héroe reconocido. A pesar de que sus acrobacias no siempre le resultan y sus planes son un poco alborotados, siempre cuenta con sus amigos para que lo ayuden. Con mucho humor y perseverancia, los niños se enfrentan a todas las trampas del joven Príncipe Juan.