La escritura e investigación del guion estuvieron a cargo de Juan Carlos Rincón, Valeria Cortés y Ana María Pedraza. En la presentación está Rincón. Kenny Salamanca editó este video.

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El dólar cerró a la baja. la moneda estadounidense cerró las negociaciones del día en COP 3.700. lo que representa una caída de COP 5 frente al último precio del jueves (COP 3.775).

Por su parte, la Tasa Representativa del Mercado (TRM) para este 6 de marzo es de COP 3.767,94, de acuerdo con la Superintendencia Financiera.

¿Cómo la guerra afecta el precio del dólar?

El panorama en Medio Oriente, tras el ataque de Estados Unidos a Irán, influencia con fuerza las negociaciones de la moneda durante estos días.

El conflicto es clave porque la región resulta estratégica para el comercio, por el tránsito de las mercancías que pasan por el estrecho de Ormuz, especialmente el petróleo.

El crudo ha tenido un alza importante en el último día, superando los USD 85 por barril, lo que implica el precio más alto registrado desde julio de 2024.

Analistas también recuerdan que, ante este tipo de escenarios geopolíticos, se aumenta la aversión al riesgo y, por ende, el apetito por los activos refugio. Esto hace que la demanda de dólares, considerada como moneda estable, se incremente, lo que presiona al alza su valor.

Sin embargo, lo que hace contrapeso en Colombia es el precio del petróleo, porque al ser un país exportador de crudo, una buena parte de las divisas que entran se deben a sus exportaciones.

Desde Credicorp Capital se anticipa una jornada alcista, con los COP 3.760 como pivote, pudiendo cerrar en COP 3.790.

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Los prejuicios obligaron a Matilde Díaz a ser mexicana. Eran otros tiempos y en Colombia el hecho de ver a una mujer parada sobre el escenario después de las siete de la noche implicaba una seguidilla de comentarios malintencionados, así la dama, como era el caso de la cantante, estuviera exponiendo los mejores dotes artísticos. (Le puede interesar: El jazz de Lucho Bermúdez)

Para excluir a la nueva voz de cualquier situación vulnerable, el maestro Rafael Bolívar, líder de la Orquesta Ritmos, tomó la decisión de afirmar que su vocalista principal era mexicana y no colombiana, y de esta manera silenció por un tiempo las murmuraciones. (Además: Homenaje a Lucho Bermúdez en su natalicio) 

Los secretos se diluyeron, se conoció la verdadera nacionalidad de la intérprete y se estableció que Matilde Díaz no solo era más criolla que cualquiera de las canciones que entonaba, sino que tenía una experiencia importante como integrante del dúo de las Hermanas Díaz (Matilde y Elvira), y algo de reconocimiento por su aproximación a los pasillos y bambucos.

Además, a la par con su trabajo en distintas orquestas, Matilde Díaz adquirió compromisos como locutora, una labor que le ayudó a contar historias a través de las entonaciones y modificaciones en su voz. 

Aunque Díaz nació en San Bernardo, Cundinamarca, sus primeros afectos estuvieron relacionados con el municipio de Icononzo, en el departamento del Tolima. Por su lugar de origen se vinculó primero a las músicas del interior del país, pero muy pronto se internacionalizó asimilando el folclor de Chile, México y Argentina.

Cuecas, tangos y tonadas del sur del continente hicieron parte de su repertorio aficionado hasta que se inscribió en un concurso de canto y gracias a las enseñanzas del maestro Emilio Murillo, logró que Luis Eduardo Bermúdez Acosta (Lucho Bermúdez) viera en ella el potencial suficiente para saltar de las armonías de los bambucos a las cadencias de la cumbia, el son, el fandango y el porro.

Al lado del compositor, arreglista y director de orquesta estuvo Matilde Díaz durante casi dos décadas completas. Ambos conformaron un dúo irrepetible dentro del espectro de la música colombiana.

Mientras él se encargaba de la creación, ella  asumía la interpretación de los sentimientos, y esa fórmula les sirvió para ser invitados de honor en Argentina, México, Venezuela y Cuba, país en el que conocieron a Ernesto Lecuona, uno de los más importantes autores del continente. De la mano de Lucho Bermúdez y Matilde Díaz, el sonido nacional viajó, se proyecto y alcanzó uno de sus máximos niveles. 

Matilde Díaz fue una de las primeras mujeres en apropiarse del lugar principal dentro de una orquesta. En su garganta se hicieron inmortales canciones como San Fernando, Colombia tierra querida, Carmen de Bolívar, Salsipuedes y el bolero Te busco.

Hoy, después de más de 18 años de su muerte causada por un cáncer fulminante, la escuchamos con la misma intensidad con la que la extrañamos.  

La cantante estadounidense Madonna llegó a la ciudad vieja de Marrakech, en el sur Marruecos, para festejar sus 60 años el jueves, informaron varias fuentes esta semana. (También le puede interesar: Madonna se hace material)

"Caminando por el laberinto de La Medina a la hora de la oración", comentó la reina del pop en sus cuentas de Facebook e Instagram con un video rodado en la noche.

El martes, la artista había compartido un retrato suyo con un fez (gorro de fieltro rojo tradicional), cubierto con joyas típicas berebere y la leyenda: "Hoy llevo la torta en la cabeza... Dos días más..." (Además, ¡Feliz cumpleaños Madonna!)

La policía marroquí se ha esforzado por evitar que los periodistas y fotógrafos den con la estrella, según diferentes reporteros contactados por la AFP en Marrakech.

Las especulaciones sobre el lugar que eligió Madonna para soplar sus 60 velitas están a la orden del día.

Algunos afirman que será en El Fenn -palacio con piscina y una gran terraza en los tejados de la ciudad ocre-, otros señalan el Kaskab Tasmanot -suntuosa propiedad del magnate británico Richard Branson, ubicado en un valle al pie de las montañas del Atlas - y otros indican que será en la casa de huéspedes de lujo pero rústica, The Break, enclavada en un paisaje desértico cerca de las Montañas Agafay.

La artista, que el año pasado se mudó a Lisboa, donde uno de sus hijos asiste a una academia juvenil de fútbol, alienta a sus fans para que en su 60º cumpleaños hagan donaciones a su obra de caridad para niños en Malaui.

Divorciada del director de cine Guy Ritchie, madre biológica de dos jóvenes, Madonna adoptó cuatro niños de Malaui. 

El icono de la música de autor española, Luis Eduardo Aute, falleció en la madrugadad de este sábado en una clínica de Madrid a los 76 años. Cantante, compositor, pintor, poeta y cineasta, Aute fue un creador polifacético y autor de canciones que forman parte del patrimonio de la canción de autor española, en la que destacó junto a figuras como Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina o Paco Ibáñez.

Nacido en Manila (Filipinas) el 13 de septiembre de 1943, a los 11 años se trasladó a Madrid. Inició musicalmente su carrera como guitarrista de los grupos "Los Tigres", "Los Pekeniques" y "Los Sonor", hasta que, con 17 años, debutó como cantautor en el programa de Televisión Española (TVE) "Salto a la fama". Aunque su faceta pictórica es menos conocida, la desarrolló también desde muy temprano y en 1960 expuso por primera vez sus cuadros en la Galería Alcón de Madrid.

(Le podría interesar: En sintonía con la revolución pacífica de la música)

Su primer álbum se tituló "Diálogos de Rodrigo y Jimena" e incluyó canciones como "Rosas en el mar" y "Aleluya nº1", que ya había hecho populares previamente Massiel. En 1968 sacó al mercado "24 canciones breves" y durante la década de los 70 grabó siete discos. A "Rito" (1973) le siguieron "Espuma" (1974), "Babel" (1975) y "Forgesound" (1976), con temas escritos por Jesús Munárriz y la colaboración de Forges, Rosa León y Teddy Bautista.

"Sarcófago" (1977) cerró la trilogía de amor y muerte, junto con "Rito" y "Espuma"; y después llegaron "Albanta" (1978) y "De par en par" (1979). "Albalanta" supuso un giro en su carrera e incluyó la célebre "Al alba" que Aute había compuesto años antes inspirado por los últimos fusilamientos franquistas. La primera en cantarla fue Rosa León, que la dedicó en sus conciertos a los condenados a muerte.

(Lea también: “Soy un desastre en el proceso creativo”: Miguel Bosé)

Su producción de los 80 la plasmó en los trabajos "Alma" (1980), último de la trilogía sobre amor y vida, junto con "Albanta" y "De par en par"; "Fuga" (1982); y el doble "Entre amigos" (1983), que fue Premio Nacional del Disco. Le siguieron "Cuerpo a cuerpo" (1984); "Nudo" (1985), último de la trilogía de canciones de amor y locura (con "Fuga" y "Cuerpo a cuerpo"); el doble "20 canciones de amor y un poema desesperado" (1986); el doble "Templo" (1987) y "Segundos fuera" (1989).

En la década de los 90 nacieron "¡Ufff!" (1991), el Disco de Oro "Slowly" (1992), el doble realizado en una gira con Silvio Rodríguez "Mano a mano" (1993), "Animal Uno" (1995), "Alevosía" (1995) y el doble "Aire/Invisible" (1998). Con el cambio de siglo publicó "Alas y balas" (2002) y al año siguiente comenzó una nueva grabación de todas sus canciones, de la que se han editado hasta el momento tres volúmenes dobles bajo el título "Autorretratos" (Sony).

(Le recomendamos: Conjugando la guerra)

En marzo de 2007 publicó el disco "A día de hoy", con canciones inéditas y dos años después sacó a la venta "Memorable cuerpo", un recopilatorio con los mejores temas de sus cuatro décadas como músico. En 2010 editó "Intemperie", de nuevo con canciones inéditas, y dos años después, "El niño que miraba el mar", un disco con doce temas nuevos que venía acompañado de un DVD con la película "El niño y el basilisco", dibujada y realizada por el propio autor a partir de una fotografía de su infancia.

Ese mismo año colaboró con María Dolores Pradera en su disco "Gracias a vosotros", interpretando a dúo el bolero "Caminemos". En su faceta plástica Aute es autor de una voluminosa producción figurativa, sobre todo pictórica pero también escultórica. En 1974 obtuvo el primer premio de pintura de la Mostra Fondazione Michetti, en Italia.

En 1983, la sala Kreisler-2 acogió una veintena de cuadros de gran formato en torno a los conflictos de pareja, agrupados bajo el título de "Pasión", y en 1986 presentó una muestra de iconografía religiosa, parte de la cual incluyó al año siguiente en su doble elepé "Templo". Algunos de sus trabajos han viajado a ferias internacionales como la Bienal de París (1964), la de Sao Paolo (67), o ARCO en varias ediciones, y más recientemente, entre 2004 y 2010, realizó una muestra retrospectiva itinerante que bajo el título "Transfiguraciones" llevó su obra por toda España y algunos países de América Latina.

En cuanto al cine, ya en la década de los 60 abandonó después de quince días sus estudios universitarios para irse a París, donde fue meritorio del ayudante de dirección de la película de Joseph L. Mankiewicz "Cleopatra" (1963) y también de Jean Luc Goddard y Luis Malle, entre otros. Aute es autor de varios cortos y del largometraje animado "Un perro llamado Dolor", nominado a los Goya en 2002 y seleccionado en festivales como San Sebastián, Valladolid o La Habana.

También compuso bandas sonoras para películas de Jaime Chávarri, Luis García Berlanga o Fernando Fernán Gómez, entre otros. Como poeta publicó una quincena de libros, el primero "La matemática del espejo" (1975), al que siguieron "Canciones y poemas" (1976); "Liturgia del desorden" (1978); "Canciones" (1980); y "Luis Eduardo Aute, cuerpo del delito" (1999). En "Cuerpo del delito" (2004), reunió por primera vez las letras de sus 300 composiciones y diez años después lo actualizó -la cifra ya alcanzaba 400- en "Claroscuros y otros pentimientos".

"AnimaLhada" (2005) reúne los libros "AnimaLuno", "AnimaLdos" y "AnimaL3D", saga que completó posteriormente con "AnimaLhito" (2007); y en marzo pasado vio la luz "El sexto animal" (Espasa), con más de 250 poemas y piezas divididas por capítulos que repasan su trayectoria desde su nacimiento. En 2015 una nueva generación de músicos -Xoel López, Leiva, Depedro, Rubén Pozo, Soleá Morente, entre otros- le dedicó el disco homenaje "Giralunas" en el que versionaban sus canciones más célebres.

Al año siguiente y para celebrar el 50 aniversario de su primera grabación de estudio, organizó el tour "La Gira Luna", que arrancó con un recital en el Auditorio Nacional de México y que le llevó a recorrer España con 15 conciertos, uno de ellos el 21 de junio en Madrid en el marco de una iniciativa solidaria para ayudar a los refugiados. El 8 de agosto de ese año sufrió un infarto y estuvo 48 días en coma. Se recuperó con lentitud y en 2018 sus compañeros le hicieron un concierto homenaje.

Una veintena de artistas, entre ellos Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Silvio Rodríguez o Ana Belén, se unieron en una noche “histórica” para enviar ánimos al “animal” más humano. Casado desde 1968 con Marichu Rosado, el matrimonio tenía tres hijos.

El Tropipop está de moda. El género que conquistó a toda una generación y que se apagó durante unos años, volvió recargado. Luego de cinco años de estar separados, Wamba regresará a los escenarios. Gaira Café es el lugar escogido por los artistas para revivir, el miércoles 28 de agosto, sus clásicos como “Otra oportunidad”, “Compadre” o “Canción del mes”. (Lea: Wamba regresa a la esencia del tropipop)

Durante su presentación, además, la agrupación presentará sus dos sencillos más recientes, “Fue por tu amor” y “Segunda Parte”. Canciones que presentan nuevas melodías con las que Wamba quiere demostrar que el género sigue vigente y que demuestran que regresan con una identidad más definida.

Desde finales del año pasado hubo un “coqueteo”, en el grupo de WhatsApp, entre Juan Pablo Jaimes, José Baquero, Miguel Rodríguez, Camilo Salazar “Salo” y Camilo Zapata, integrantes del grupo. En el chat se planteó la posibilidad de un reencuentro y en enero tomaron la decisión de volver. “Creo que regresamos porque nos hacía mucha falta la música que empezamos a hacer cuando éramos jóvenes”, le explicó a este diario José Baquero, baterista de Wamba. (Le puede interesar: El tropipop se niega a desaparecer)

Ahora, cinco años después de su separación y con una mayor preparación, Wamba regresó a la esencia del Tropipop. Vallenato es la palabra con la que definen esta nueva versión del género, añaden que lo hacen con mucho respeto. “Por ser tan pelados nunca entendimos el valor cultural tan grande que tiene el tropipop y cómo lo destruimos. No entendimos que sí es un hijo digno del vallenato porque nace de ahí, le dimos mucho palo y hoy decimos con mucho orgullo y honor: somos tropipoperos. Ya no es la palabra denigrante que antes nos jodía”, contó Baquero.

Carlos Vives fue el responsable de hacerle comprender a esa generación de artistas el valor cultural y social que tiene el género. El cantante samario ha sido el responsable de liderar esta nueva ola y brindarles un mayor acompañamiento. Les resalta que, aunque nadie quiera reconocerlo, ellos escribieron un capítulo aparte en la música nacional. (Puede leer: Alejandro González, abanderado del tropipop)

La agrupación Linkin Park y Apple presentaron el episodio del programa "Carpool Karaoke" que grabaron el pasado 14 de julio, seis días antes de que el vocalista Chester Bennington se quitara la vida.

El video comienza con un mensaje que aclara que se emite con el consentimiento de la familia del músico, así como sus compañeros de agrupación, por lo que es un homenaje al artista. (Ver Revelan video de Chester Bennington 36 horas antes de quitarse la vida).

"Carpool Karaoke" es un formato popularizado por el humorista británico James Corden, quien en su programa maneja un auto mientras entrevista a una celebridad e interpretan canciones. Sin embargo, en el formato que le compró Apple, Corden cede su puesto a otro famoso, por lo que Linkin Park es entrevistado por el actor Ken Jeong, recordado por su actuación en la saga cinematográfica "¿Qué pasó ayer?".

En el clip que dura más de 20 minutos Chester Bennington se muestra eufórico e incluso expresa que es "probablemente el mejor día de mi vida". También dijo que espera que sus hijos encuentren algo que los apasione. "Solo quiero que encuentren lo que sea".

Linkin Park volvió al estudio, pues prepara el concierto homenaje a Chester Bennington, el cual se realizará en Hollywood Bowl de Los Ángeles (EE.UU.) el próximo 27 de octubre.

Chester Bennington, líder y cantante de Linkin Park, una de las bandas de rock y metal más populares de Estados Unidos en las dos últimas décadas, se suicidó el pasado 20 de julio en Los Ángeles a los 41 años. 

El mes pasado Linkin Park dio a conocer el clip oficial del tema "One More Light", de su disco homónimo publicado este año, y en el que las imágenes de Bennington son las absolutas protagonistas. (Leer también Hay otro Chester aquí que quiere derribarme: Bennington en una de sus últimas entrevistas).

Bennington tuvo problemas con las drogas y el alcohol durante años y confesó en varias ocasiones haber considerado suicidarse tras sufrir abusos por parte de un adulto cuando era niño.

El artista tenía una relación muy cercana con Chris Cornell, el cantante de la banda Soundgarden, que también se suicidó el pasado mayo. (Chester Bennington y Cornell, las similitudes que rodearon sus muertes).

Para muchos, Linda Ronstadt es la figura femenina más importante del rock y la música pop de su generación. Y no es para menos: la cantante grabó más de treinta álbumes, vendió más de cien millones de discos, fue premiada con diez Grammy y grabó con muchas de las grandes y variadas figuras de la música, entre ellos Neil Young, Frank Zappa, Emmylou Harris, Paul Simon, Rosemary Clooney, Johnny Cash y Nelson Riddle. Su singular voz aparece en más de 120 discos en todos los géneros: folk, country, rock, pop, jazz, mariachi, boleros y hasta en un musical.

El pasado 26 de junio, la artista de ascendencia mexicana, que padece las consecuencias de la enfermedad de Parkinson, fue homenajeada en el centro cultural La Plaza de Cultura y Artes de Los Ángeles, y allí hubo oportunidad de entrevistarla.

¿Qué puede decir sobre el primer show que realizó de “Canciones de mi padre” en San Antonio, Texas? ¿Por qué fue tan especial para usted?

Tres generaciones llegaron al concierto. Compraron boletos en la puerta sin anticipación. Mi promotor casi tuvo un ataque al corazón. Nunca se me ocurrió que el disco tenía que venderse. Simplemente pensé que tenía que grabarlo, me gustaba tanto la música, estaba desesperada por hacerlo y no pensé más. Luego, cuando llegué a ese lugar, dije: “Dios mío, nos va a ir mal: nadie vendrá a verme cantar en español, gritarán: “Que cante Blue Bayou”. Y no fue así: estaban realmente felices de escuchar las canciones en español.

Dijo en una entrevista que intentaba expresar esa profunda emoción de Lola Beltrán en “Blue Bayou”...

Sí, Blue Bayou tenía ese final de falsete; tenía una especie de sentimiento playero, con ritmo tropical, y me hizo pensar en una canción mexicana, especialmente por ese gran coro. Mi principal influencia fueron las cantantes mexicanas; Lola Beltrán fue la más importante, ella es a quien realmente traté de copiar cuando estaba creciendo, y me costó mucho encontrar una resonancia en la música pop estadounidense porque su procedencia es más de iglesia negra.

¿Cuándo escuchó por primera vez a Lola Beltrán?

Cuando tenía unos ocho años. Mi papá hacía un viaje de negocios a México cada año y siempre regresaba con un montón de discos de Los Panchos, el Trío Calaveras, el Trío Tariácuri, Amalia Mendoza, Miguel Aceves Mejía y Lola Beltrán, principalmente. Yo la adoraba, me enamoré de su música. Cuando quise convertirme en cantante profesional quise aprender esas canciones, pero en esos días no se podía buscar en internet y encontrarlas.

Grabó el álbum “Frenesí” y dos discos de rancheras con mariachi. ¿Hay algo más que le hubiera gustado grabar en español?

Quería hacer un disco de trío con las canciones del Trío Calaveras, pero ya no podía cantar, por la enfermedad de Parkinson. Esos discos están ahí y son los mejores, no podría superarlos.

A principios de la década de 1980, cuando grabó el primer álbum con Nelson Riddle, dijo: “La música latina va a ser importante en los Estados Unidos”. ¿Por qué tuvo esa intuición?

Depende a qué te refieres con Latin music. Para mí, Latin music significa música caribeña, música de Cuba, Puerto Rico y la costa este de México. Pero ahora incluye cosas como reguetón. Para mí, la música latina es una forma de música pop. Yo quería cantar algunos de esos grandes standards latinos, equivalentes a los que grabé con Nelson Riddle. Durante la Segunda Guerra Mundial, cuando nuestros hombres (en Estados Unidos) estaban ocupados peleando en la guerra, había grandes compositores mexicanos, puertorriqueños y cubanos que llenaban el vacío con grandes canciones pop como Frenesí. What a Difference a Day Makes fue originalmente Cuando vuelva a tu lado en español. Yo quería cantar todo eso.

En ese disco la banda fue dirigida por Ray Santos, de Puerto Rico, y había músicos destacados: Justo Almario, en el saxofón, de Colombia, y ¿quiénes más?

Armando Peraza en la percusión y Yomo Toro, en el tres.

El álbum “Live in Hollywood” acaba de ser lanzado, ¿cómo fue el proceso de grabación?

Fue grabado en un estudio de televisión, con una audiencia pequeña y hacía más calor que en el infierno; demasiado calor para trabajar. Recuerdo que solo sudaba y trataba de cantar.

Cuando llegó a Los Ángeles, en los años 60, la escena era realmente emocionante, ¿cierto?

Sí. El club The Troubadour era el centro del negocio de la música: todos los que podían tocar realmente bien se reunían allí: se convirtió en una especie de sustituto de la familia, una sociedad de café, supongo que se le llama. Y la gente iba todas las noches, solo para pasar el rato. Joni Mitchell, Carole King, Elton John, James Taylor, Neil Young, Crosby, Stills & Nash, todos tocaban en The Troubadour. Así que podías escucharlos durante varias noches.

¿Estuvo allí cuando Elton John hizo su debut en The Troubadour?

Ahí estuve. Vino a dar un set de invitados. Todos teníamos el álbum que había lanzado hacia pocos días, con el tema Take Me to the Pilot. Todos habíamos escuchado el disco y sabíamos que venía. Escucharlo en el escenario fue igual que una explosión. Pero ahí vi también a Joni Mitchell dos semanas enteras. Fui a todos los shows, dos por noche, tres los fines de semana.

Hay un nuevo documental sobre su carrera que saldrá en septiembre en CNN. ¿Qué opinión tiene de ese trabajo?

Vi un borrador, no tuve nada que ver con él, les di algunas fotografías. Son muy buenos los dos directores, vi un documental que hicieron sobre Harvey Milk; muy buen trabajo, muy respetuoso. Muchas personas quieren hacer un documental, y es extraño ese sentimiento de que lo examinen a uno de cerca. Fue extraño verlo, es como mirar tu vida en retrospectiva ante tus ojos. Pensé, ¿por qué hice eso? ¿Por qué dije eso? ¿Qué ropa llevaba puesta? Creo que es mejor no mirarlo. Es como verse al espejo demasiado tiempo.

Lana Del Rey publicó una nueva canción, "Hope is a dangerous thing for a woman like me to have - but i have it", un adelanto del próximo álbum de estudio de la neoyorkina, titulado "Norman fucking rockwell", que saldrá al mercado este 2019.

Días atrás, la artista revelaba que este nuevo álbum ya está completamente terminado y tiene una portada. Además, avanzaba el estreno de nueva música para estos primeros días de enero.

"Norman fucking rockwell" será el sexto álbum de Lana Del Rey y llegará dos años después de "Lust for live" (2017). Entre medias, ya presentó meses atrás dos sencillos sueltos titulados, "Venice bitch" y "Mariners apartment complex". (Puede leer: Lana del Rey deja a un lado la melancolía).

Lana Del Rey anunció también que ha terminado su primer libro de poesía y que va a tener que cancelar algunos conciertos por problemas de agenda (el del FIB de Benicàssim sigue en pie). 

La Pestilencia estrenó “Les vale huevo”, canción que estará incluida en su próxima producción musical, “País de titulares”. El nuevo sencillo es una “protesta clara ante la época de polarización y de poco compromiso de los políticos hacia buscar el bien común y no el de cada uno de ellos”, dicen los músicos colombianos.

"Abramos los ojos Colombia: más de medio siglo y seguimos en las mismas”, dice Dilson Díaz, vocalista y fundador de la banda, sobre “Les vale huevo”.

"Llenos de promesas, nos regalan más miseria. Y no les duele, son unos ‘chupasangre’. Robar no es fácil hay que primero ser político”, dice la canción lanzada este lunes.

Menos de una década ha necesitado el festival Knotfest para convertirse en uno de los eventos más importantes de la escena del metal en todo el mundo. Desde su fundación, en 2012, sus escenarios han presentado bandas de la talla de Danzig, Kreator, Korn, Megadeth, Black Sabbath, Halloween y Judas Priest. Estas dos últimas, presentes en la primera edición que llegó a la capital colombiana en 2018.

Precisamente la edición del año pasado contó con la asistencia de 15.000 personas.  En 2019, el "gran circo del metal" se llevará a cabo en el Hipódromo de los Andes, al norte de Bogotá.

Esta edición contará con la participación de más de 15 bandas, entre las que se encuentran Testament, Unleashed, Behemoth, Accept, Stratovarius, Wasp y Slipknot. Knotfest 2019 iniciará este viernes 6 de diciembre a la 1:45 p.m. y terminará a la 1:30 a.m. del sábado. 

El evento representa el regreso de Slipknot a Colombia, después de sus presentaciones en 2005 y 2015. La banda originaria de Iowa (Estados Unidos) y cuyo origen consolidó a géneros como el metal alternativo y el nu metal de finales de los 90s, presentó en agosto su sexto álbum de estudio, titulado We Are Not Your Kind (No somos tu tipo, en español).

 

 

 

 

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¡Ya están aquí los horarios oficiales para el carnaval del desenfreno! Prográmense que nos vemos el 6 de diciembre en el #KNOTFESTCOLOMBIA Entradas aún disponibles en www.entradasamarillas.com y puntos @tuboleta

Una publicación compartida de Knotfest Colombia (@knotfestco) el 27 Nov, 2019 a las 7:30 PST

Por su lado, Behemoth (Polonia) regresará a Colombia para exponer su temática oscura con sonidos del black y el death metal. Así mismo, Accept llegará al Knotfest Colombia para entonar algunos de los himnos del heavy metal más reconocidos, con canciones como “Fast as a Shark”, “Metal Heart” y “Balls to the Wall”.

Otro clásico del heavy metal será la banda inglesa Saxon. Liderada por Biff Byford, llevan más de cuarenta años ofreciendo algunos de los riffs más intensos y gloriosos del género. Knotfest Colombia traerá una de las bandas favoritas del público colombiano: Stratovarious. Exponentes del power metal, el grupo finlandés se apropiará del Hipódromo Los Andes junto a las voces de sus miles de fanáticos, tras su última visita en 2013.

A.N.I.M.A.L (Acosados Nuestros Indios Murieron Al Luchar) es el nombre de otra de las bandas que participarán. Se caracteriza por presentar sonidos fuertes del groove y manejar referencias regionales. Andrés Giménez, Titu Lapolla y Marcelo Castro tocarán por primera vez en Knotfest y qué mejor que en su versión sudamericana en la capital metalera del continente: Bogotá.

Dos importantes invitados presentarán las múltiples caras del death metal: la leyenda sueca Unleashed y el exponenete norteamericano Carnifex. La primera traerá la oscuridad total al Hipódromo Los Andes con su death metal reverencial y la banda californiana ofrecerá un repertorio contemporáneo con uno de los sonidos más extremos del metal y dos de sus piezas más consagradas: los “No Light Shall Save Us” y "World War X".

La cuota colombiana incluye a una de las bandas de metal con mayor proyección en el país: Perpetual Warfare. Además del cuarteto bogotano, el público disfrutará de bandas nacionales como: Koyi K Utho, Reencarnación, Arzen, Aire Como Plomo, Random Revenge, Poker y Gutgrinder.

Para más información del evento, ingrese a: https://knotfestcolombia.com. Boletería disponible en https://www.entradasamarillas.com/.

Kany García lanzó el video de la canción "Aunque sea un momento", una balada que refleja un momento de angustia para los personajes que lo representan.

"Aunque sea un momento" es parte de su último material discográfico "Contra el viento", escogido entre los mejores 50 Discos de la Revista Billboard; alcanzó el número 1 en el listado pop y el 3 en el general, informó Sony en un comunicado.

"Contra el viento" contiene ocho temas íntegramente de la autoría de Kany, además de "Quédate" junto a Tommy Torres, "Vivir contigo" co-escrita con el productor del disco Marcos Sánchez, y "Las palabras" escrita por el argentino Fito Páez, que también la interpretó junto a Kany.

En el disco también se resalta la colaboración especial del cantautor español Joaquín Sabina quien ilustró el diseño de portada además de seis dibujos incluidos en el arte del disco.

Cada tema del disco se identifica con una mujer valiente admirada por Kany, entre ellas, Shela, la madre de la artista; la cantante española Rozalén; la desaparecida cantante de protesta argentina Mercedes Sosa; la intérprete urbana Natti Natasha; Natalia Lafourcade; Thalía; la cantante folclórica Soledad Pastorutti; la actriz, cantante y antropóloga Lila Downs; y la actriz colombo-estadounidense Sofía Vergara.

Este año Kany García, que tiene en su haber dos Grammy Latino y dos Billboard Latin Music Awards, llenó en febrero el Coliseo de Puerto Rico, en San Juan, donde contó con artistas invitados como Natti Natasha, Pedro Capó, Residente, y Tommy Torres. (Archivo: Kany García presentó "Soy yo", su nuevo álbum, en Bogotá).

Kany García formó parte del grupo de destacados artistas puertorriqueños que durante julio formaron parte de las protestas para pedir la dimisión del entonces gobernador Ricardo Rosselló. (Le recomendamos: El ADN combativo del reguetón puertorriqueño).

Eran las 3:00 p.m. Salía del hotel rumbo al parque Simón Bolívar para presentarme en la edición 2019 de Rock al Parque, en Bogotá.

Mi corazón latía un poco más acelerado de lo habitual, una mezcla de nervios y adrenalina me acompañaba en ese memorable momento previo. También sentía mucha alegría y la emoción recorría todo mi cuerpo.

Me bajé del carro... con pie derecho, entré al recinto, caminé hacia los camerinos e inmediatamente sentí que todo estaba en su lugar. Me sentí en casa, sentí la buena onda de la gente desde la entrada.

Caminé al encuentro con los periodistas. Hablé con ellos durante diez minutos y sentí también un cariño especial porque me sentí arropado por ellos. Fue muy especial para mí que despidieran ese encuentro con aplausos.

Recibí algunas visitas muy especiales en el camerino. Los amigos de siempre pasaban por ahí para desearme lo mejor en una jornada tan importante en mi carrera.

En un momento estaba en compañía de Cepeda y Fonseca; y me dice Andrés: “ey, tenés que cantar La tierra”. De repente los miré a los ojos y les dije: “¿Chicos, se suben conmigo a cantar La tierra?”. Era la oportunidad perfecta, los vi ahí y pensé, ¿cómo no voy a invitarlos a cantar conmigo esta noche? Practicamos durante quince minutos y hoy recuerdo ese momento con especial cariño.

Durante un mes previo al show entré en una especie de silencio voluntario. Me encerré, me concentré para Rock al Parque 2019. Una mañana me desperté con la idea de tocar Seek and Destroy y se lo comenté a la banda. Les encantó la idea. Yo les decía, muchachos esa canción dura unos siete minutos, y ellos solo dijeron: “Vamos”. Les dije entonces: “Si llegamos a tacar esto es porque sobrevivimos”.

Vuelvo al día del concierto, en el que me vestí de ruana, me di la bendición, como siempre y subí con el latido del corazón más intenso. Cuando me monté al escenario todo cambió. Cambió para siempre. Fue encontrarme con esa Bogotá que siempre me ha tendido un abrazo, una sonrisa y me ha brindado mucho cariño.

Ese día encontrar que más de 120.000 personas cantaron allí mis canciones y que pude hacer un cover de mi banda favorita de todos los tiempos, Metallica, y que, meses más tarde, me conecté directamente con sus integrantes fue muy emocionante. Creo que en el parque Simón Bolívar se cerraron unos ciclos y comenzaron otros y eso fue justo en ese aniversario 25 de Rock al Parque, lo que es bastante significativo para mí.

Para terminar de cerrar con broche de oro la jornada, Fito Páez me invitó a cantar con él, algo que no olvidaré jamás. Me dijo esa noche: “Montate, disfrutá, vení”. “Pues claro”, le dije, “¡qué honor!”.

Siempre estaré agradecido con todo el público y con la gente de la organización de Rock al Parque por haberme abierto las puertas de la manera en la que lo hicieron. Creo que es lo que debería seguir pasando con otros géneros musicales. He vivido en muchos otros países del mundo y he estado en festivales donde he tocado y he podido ver todo tipo de música, todo el mundo conviviendo y disfrutando.

Creo que en un país como Colombia lo que necesitamos es eso: la inclusión, por lo menos a través del arte, en este caso de la música, nos podamos entender. El rock es una actitud realmente, el rock es libertad.

He estado en dos oportunidades en Rock al Parque como público y muchos otros festivales los vi desde la intimidad de mi casa, en Medellín, por televisión. Me quedaba viéndolo y siempre pensaba: ¿será que nunca voy a poder llegar ahí? Me he estado preparando para Rock al Parque desde 1972, cuando nací, y todas estas oportunidades que he tenido de tocar por todo el mundo, todo el fogueo que he tenido y todas esas experiencias de alguna forma me prepararon para ese momento.

Me sentí inmensamente feliz de estar cantando mi propia música en este festival, que en muchas oportunidades lo disfruté como público.

Nunca con Ekhymosis fuimos aprobados para estar ahí y ahí estaba yo con la historia de mi vida toda en Rock al Parque. Ahí estaba yo viéndome ahí, presenciando lo que por años soñé.

El festival es muy importante para esta ciudad, es inspirador. Bogotá es muy especial para mí. Rock al Parque 25 años estará siempre en mi memoria, aunque no logré ni celebrar mucho.

Recuerdo que tampoco sentí esa necesidad. Quería intimidad. Me fui al hotel con mi familia, agradecido con la vida. Me quedé en silencio en la cama casi meditando, dando gracias.

Celebro y agradezco este 2019. Un año muy especial para mí, recorriendo el mundo, Rock al Parque, Persona del Año, mi familia me tiene más cerca y yo a ellos. Estoy en balance. Creo que 2019 fue un año pleno y puedo decir con firmeza: “Esto apenas comienza”.

En marzo pasado Juanes anunció en una entrevista con la revista Billboard que este año lanzaría su primera canción en inglés, algo sorprendente si se tiene en cuenta que durante años lideró la campaña "Se habla español". Pero como todo el mundo tiene derecho a seguir nuevos caminos, 30 años después de haber llegado a Los Ángeles, el paisa decidió renovar su música y lanzar su primera canción cantada en inglés: "Goodbye for now".

"Tras varios años viviendo en este país (Estados Unidos) y mejorando mi dominio de la lengua, me siento mucho más cómodo con ello", dijo Juanes a Billboard, publicación en la que también comentó que su interés por cantar en ese idioma comenzó hace cuatro o cinco años, pero que le resultaba "complicado", por lo que "los primeros experimentos que hice no me salieron demasiado bien".

Por eso decidió buscar la ayuda del compositor y productor PooBear.  

Aunque "Goodbye for now" es la primera canción escrita y cantada en inglés por Juanes, no es el primer acercamiento con el idioma, pues En 2013 en la gala de los Grammy interpretó una versión de "Your Song", de Elton John, en la que incluyó algunas frases en español, algo que había probado con el tema "Hungry Heart" durante el homenaje de la Academia de la Grabación a Bruce Springsteen.

"Goodbye for now" hace parte de "Mis planes son amarte", álbum visual que sale al mercado el próximo 12 de mayo. Días más tarde, el 19 el canal estadounidense HBO Latino emitirá el documental "The Juanes effect: de canciones y transformaciones" en el que Juanes habla sobre su nuevo disco y su vida familiar.

El útlimo disco de estudio estrenado por Juanes en 2014 y se llamó "Loco de Amor", de ahí se conocieron canciones como "La luz" y "Mil pedazos".

Sin embargo, en estos años no se ha quedado quieto, pues lanzó "Este amor", canción con Cedric Gervais; participó en "La Patria Madrina" de Lila Downs; y compuso "Juntos (Together)", banda sonora de la película "McFarland, USA" de Disney y protagonizada por Kevin Costner.

Fue uno de los artistas del tributo que se rindió en Estados Unidos a Frank Sinatra y John Lennon.

En marzo de 2016  tuvo la oportunidad de compartir tarima con los Rolling Stones en el concierto que ofrecieron en Colombia y en julio pasado hizo parte del proyecto "Hands", un homenaje a los fallecidos en el club gay Pulse de Orlando, Estados Unidos.

Juanes estrena este viernes la canción "Más que tu amigo", su versión del tema que Marco Antonio Solís lanzó en 2003.

El nuevo tema está incluido en la producción "Todos somos más", un tributo a Solís en el que participan David Bisbal, Juan Luis Guerra, Mon Laferte, Paty Cantú, Morat, Los Ángeles Negros, Luis Fonsi, Napoleón y Luciano Pereyra, entre otros.

La versión de "Más que tu amigo" interpretada por Juanes, quien continúa con la promoción de su álbum  "Mis planes son amarte",  fue producida por Emmanuel del Real, el tecladista de Café Tacvba conocido como Meme.

El primer sencillo de "Todos somos más" estuvo a cargo de David Bisbal y Juan Luis Guerra, quienes interpretaron "Si no te hubieras ido".

Actualmente Marco Antonio Solís realiza la gira "Y la historia continúa", en la que interpreta éxitos más importantes como "Tu cárcel", "Si no te hubieras ido", "A dónde vamos a parar" y "Mi eterno amor secreto", entre otras muchas.

Cuando abrí los ojos estaba allí, de pie justo donde los Lakers y la National Hockey League habían debutado muchos años atrás, pero esta vez, el escenario de "The Forum" en Inglewood, California, estaba vestido de colores cálidos.

Con una gran presencia latina, las más de doce mil personas que estaban afuera gritando el nombre artístico de Alvaro José Balvin no paraban de aclamarlo, porque todos sabían que su música y sabor colombiano los iba a hacer bailar hasta pasada la media noche.

Afuera había ruido, gritos, adrenalina y emoción, pero adentro, detrás de las bambalinas el ambiente estaba calmado. Mientras J Balvin se alistaba para salir al escenario y transmitir a todos los asistentes su buena vibra, la zona VIP aprovechaba la ocasión para darle a sus invitados todo tipo de comidas, dulces y tragos.

Más abajo del VIP, en un lugar sin tanto ruido ni gente, un regalo esperaba por el artista, que estaba en su camerino afeitándose y haciendo los últimos ajustes para salir. En una sala pequeña donde solo había prensa, Balvin salió a dar un saludo y agradecer por la asistencia de todos los que estábamos presentes, y justo en ese momento recibió una placa por parte de Apple Music, como reconocimiento por haber logrado un billón de reproducciones en la plataforma.

Mientras observaba lo que estaba pasando solo se me pasaba una cosa por la cabeza… “es un duro”, primero, logró ser el artista más escuchado del mundo en Spotify, y justo el día de su debut en Los Ángeles le hacen entrega de una placa conmemorativa de parte de una de las plataformas más grandes del mundo. Eso, en definitiva, es hacer historia.

Afuera, la gente reía mientras brindaba con sus copas de Baileys frío, hablando de las expectativas que generaba el show que estaban próximos a ver, no había tensión, solo ganas de salir y bailar al ritmo de sus más grandes éxitos.

Llegaron las 9 de la noche, y los fanáticos que estaban esperándolo hace más de cinco horas no paraban de hablar entre ellos, preparando las cámaras de sus celulares esperando el momento preciso en el que su ídolo apareciera. “Me vine desde Puerto Rico hasta Los Ángeles solo para ver a mi ‘bro’, es un ídolo para mí, y quiero que salga ya y cante ‘Mi gente’ pa’ ponerme a bailar aquí con mi mujer”, me dijo Carlos, un hombre moreno y alto de cabello negro y camisa extravagante, mientras su mujer miraba ansiosa hacia la tarima.

“Vibras Fun Park”, ese era el letrero que se veía en la tarima, cuando una voz de muñeco animado comenzó a hablar “prepárense, porque esto se va a poner caliente en este parque jurásico”, decía mientras todos gritaban.

Del escenario comenzó a emanar una luz anaranjada, hubo un momento de silencio, comenzó una música fuerte que anunciaba la salida de Balvin. “¡Por fin!, ¡por fin!”, gritaba la gente. En la tarima había un telón gigante de color blanco, y podía verse la sombra de algo grande que estaba justo detrás de él. El telón se cayó y apareció un dinosaurio de unos tres metros de alto, ya todos lo sabían por el ritmo de la canción, era “Machika”.

Entre gritos la gente bailaba y cantaba… “estoy muy borracho y no puedo más, y no puedo más”, mientras Balvin bailaba acompañado de unas mujeres preciosas, que se movían con una coordinación impecable.

“Cuando tú quieras”, fue la siguiente canción que el artista interpretó en la tarima, haciéndole honor a su álbum “Vibras”, y que ya tiene más de dos millones de reproducciones en Youtube. Con su dinosaurio de tres metros, ya el escenario no era anaranjado, sino azul, y Balvin decidió montarse encima del Tiranosaurio Rex para darle vida a “Ambiente”, otra de las canciones más famosas de su último álbum.

Las comparaciones son inevitables, y mientras veía la versatilidad del escenario de The Forum solo podía desear que el Movistar Arena en Bogotá realmente nos permita tener escenografías como la que J Balvin estaba protagonizando ese sábado en la noche, porque la herramienta principal de un buen show es tener cómo hacerlo.

Todo se oscureció de repente, solo se veían las pantallas de los celulares y la confusión en la cara de las personas que no sabían lo que pasaba. Nadie se lo esperaba, nadie supo cómo lo hizo, pero Balvin apareció en la parte de atrás del escenario, en una especie de grúa que lo subía y lo bajaba.

Pero esta vez no estaba solo, la voz de una mujer acompañaba la canción que estaba comenzando a cantar. "Brillo", el tema que grabó junto a la cantante española Rosalía comenzó a sonar, y luego aparecieron juntos, bailando en compañía de todas las personas que se sabían la canción al derecho y al revés. 

"Gracias, te quiero", le dijo la cantante a Balvin justo antes de dejar la tarima. Y después llegó el momento que la mayoría de asistentes estaban esperando: "X". Nuevamente el artista volvió al frente, y decidió subirse esta vez a otra figura, que es la que protagoniza la imagen de "Vibras", una especie de pelota roja con ojos y boca gigantes. "Aquel día te vi, y tu energía sentí, desde eso no te quiero lejos de mí", comenzaba Nicky Jam sin estar presente. Balvin se aferró al micrófono "No te lo voy a negar", cantò, y de inmediato comenzó a bailar la famosa coreografía, que también ha bailado Will Smith y Jimmy Fallon. 

Los múltiples escenarios siempre estuvieron llenos de color y baile, pero sobre todo, del gran talento que acompaña a J Balvin y todo su equipo, junto al que cantó y bailó canciones como "No es justo", "Safari", "Ahí vamos", "Ahora dice" y "Sensualidad". 

J Balvin estrenó este lunes su nueva canción, "Ahora", en la que recurre a los ritmos suaves del reguetón para cantar "Tantas son las horas, cuando estamos a solas que quiero tenerte ahora, me mata si te demoras".

"Ahora" es el segundo sencillo que el colombiano lanza este 2018, tras "Machika".

Recientemente J Balvin participó en el espacio "Artist on Artist", en el que fue entrevistado por su colega Luis Fonsi, quien dijo que "la música está en tan buen lugar ahora mismo porque todos los géneros se están hablando, están interconectados".

"Al final, el reguetón ahora es el nuevo pop", respondió Balvin. "El rap es pop ahora. Si escuchas a Drake, eso es pop y él lo sabe", agregó el colombiano.

A pesar de la lluvia y el intenso frío que en los últimos días hemos soportado en Bogotá, un numeroso público asistió al concierto del ensamble belga Il Gardellino el pasado miércoles 23 de octubre en la Biblioteca Luis Ángel Arango. Durante la primera parte, muchos permanecimos con abrigos, chaquetas y bufandas puestos, pues la temperatura —incluso dentro de la sala— fue bastante baja. Sin embargo, esto no impidió que gozáramos de un excelente espectáculo, a cargo del afamado ensamble fundado por el oboísta Marcel Ponseele y el flautista Jan de Winne. (Lea también: Cuarteto Prism: "La Gran América")

Il Gardellino se ha especializado en la obra de Johann Sebastian Bach, reconocido compositor alemán que debe mucho de su fama actual a que sus obras musicales fueron de las primeras en ser grabadas, hecho que coadyuvó a que la misma terminara de estudiarse y editarse, especialmente después de la Segunda Guerra Mundial. (Le puede interesar: “Colombia se compone”)

En la década de 1980 —época en la que se fundó Il Gardellino—, la interpretación de la obra de Bach, como la de otros compositores barrocos, fue epicentro de una discusión entre los músicos que apoyaban la idea de interpretar con base en información histórica precisa e instrumentos de época, y aquellos que abogaban por hacer versiones modernas de la misma. Esta discusión, terminó favoreciendo finalmente a la obra de Bach, pues el público consumió las producciones discográficas que de ambas partes se produjeron, pese a que hoy día los conjuntos de música antigua prefieren tocar con los instrumentos de época. (Además: Sonidos para sorprenderse en la Sala de Conciertos)

A pesar del pretendido purismo, es inevitable que los intérpretes terminen por escenificar sus propias propuestas musicales, lo cual ha generado que se establezca una competencia entre dichos grupos, que lógicamente buscan desarrollar su propia impronta musical. Así pues, las interpretaciones de Bach que escuchamos de manos del ensamble belga, son resultado de una investigación en fuentes históricas, y fruto de treinta y un años de trabajo en escena. El orden del programa alternó dos conciertos y dos cantatas, habiendo dejado para la segunda parte las obras de mayor duración.

El Concierto para flauta, violín y clavecín en la menor, BWV 1044 tiene una mayor elaboración formal y riqueza en las texturas que el Concierto para violín y oboe en do menor, BWV 1060R; en ambos destaco la interpretación de Zvi Meniker en el clavecín, quien desde su puesto dirigió al ensamble.

Meniker logró avivar el acompañamiento del clavecín con oportunos cambios de timbre, notorio en el segundo movimiento del Concierto para violín y oboe, mientras que lució sus dotes de solista en la cadencia del tercer movimiento del Concierto para flauta, violín y clavecín, siendo ovacionado por el público al final del mismo, algo inesperado para él (habiendo visto de cerca su reacción). También quiero destacar el fino trabajo de acompañamiento logrado por Ira Givol (violonchelo) y Carina Cosgrave (contrabajo), especialmente en el Concierto para flauta, violín y clavecín, por el bien logrado trabajo de dinámicas.

En las cantatas Der Friede sei mit dir, BWV 158 (La paz sea contigo), y Liebster Jesu, mein Verlangen, BWV 32 (Amado Jesús, mi anhelo), pudimos apreciar el canto de la soprano Gudrun Sidonie Otto y del barítono Tiemo Wang. Aunque su papel es bastante pequeño en la primera de las cantatas, Sidonie Otto capturó nuestra atención por el bien logrado timbre que se fundió a la perfección con el del oboe, interpretado por Marcel Ponseele, que contrastó con la esforzada parte del barítono. En la segunda cantata, Sidonie Otto tuvo ya un papel protagónico con arias a solo y en dueto que nos permitieron apreciar mejor las grandes cualidades de su voz. Asimismo, Wang tuvo un papel de mayor responsabilidad en ambas cantatas, al tener un mayor número de recitativos y arias.

Paso a hablar de los solistas Joanna Huszca (violín), Jan de Winne (flauta traversa) y Marcel Ponseele (oboe), quienes con Ira Givol cumplieron papeles protagónicos en los conciertos y de acompañamiento en las cantatas.

Huszca también tuvo un papel de liderazgo en la dirección de los conciertos, atendiendo a las diferentes entradas de su cuerda como a los diálogos con los demás solistas. Aunque noté algunos errores en el Adagio del Concierto para violín y oboe, especialmente en las entradas después de los ritardandi entre el clavecín y el violín, éstos no comprometieron en realidad la interpretación misma, vale más decir que los mismos fueron superados en el acto, a lo que ambos intérpretes asintieron con una discreta sonrisa. De Winne, tuvo a su cargo una parte solista exigente, recargada de ornamentaciones que sorteó con inteligencia, modificando sutilmente el tempo, mientras que Ponseele se destacó por la precisión y sobriedad en cada una de las obras donde intervino.

El secreto de la alta calidad sonora de Il Gardellino está en la atención a los detalles, siendo evidente el esmerado esfuerzo por lograr que los timbres sean emulables entre sí, sin menosprecio de ninguna parte instrumental, pues todos son en realidad indispensables.

* Compositor y musicólogo.