La escritura e investigación del guion estuvieron a cargo de Juan Carlos Rincón, Valeria Cortés y Ana María Pedraza. En la presentación está Rincón. Kenny Salamanca editó este video.

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El dólar cerró a la baja. la moneda estadounidense cerró las negociaciones del día en COP 3.700. lo que representa una caída de COP 5 frente al último precio del jueves (COP 3.775).

Por su parte, la Tasa Representativa del Mercado (TRM) para este 6 de marzo es de COP 3.767,94, de acuerdo con la Superintendencia Financiera.

¿Cómo la guerra afecta el precio del dólar?

El panorama en Medio Oriente, tras el ataque de Estados Unidos a Irán, influencia con fuerza las negociaciones de la moneda durante estos días.

El conflicto es clave porque la región resulta estratégica para el comercio, por el tránsito de las mercancías que pasan por el estrecho de Ormuz, especialmente el petróleo.

El crudo ha tenido un alza importante en el último día, superando los USD 85 por barril, lo que implica el precio más alto registrado desde julio de 2024.

Analistas también recuerdan que, ante este tipo de escenarios geopolíticos, se aumenta la aversión al riesgo y, por ende, el apetito por los activos refugio. Esto hace que la demanda de dólares, considerada como moneda estable, se incremente, lo que presiona al alza su valor.

Sin embargo, lo que hace contrapeso en Colombia es el precio del petróleo, porque al ser un país exportador de crudo, una buena parte de las divisas que entran se deben a sus exportaciones.

Desde Credicorp Capital se anticipa una jornada alcista, con los COP 3.760 como pivote, pudiendo cerrar en COP 3.790.

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Para muchos, Linda Ronstadt es la figura femenina más importante del rock y la música pop de su generación. Y no es para menos: la cantante grabó más de treinta álbumes, vendió más de cien millones de discos, fue premiada con diez Grammy y grabó con muchas de las grandes y variadas figuras de la música, entre ellos Neil Young, Frank Zappa, Emmylou Harris, Paul Simon, Rosemary Clooney, Johnny Cash y Nelson Riddle. Su singular voz aparece en más de 120 discos en todos los géneros: folk, country, rock, pop, jazz, mariachi, boleros y hasta en un musical.

El pasado 26 de junio, la artista de ascendencia mexicana, que padece las consecuencias de la enfermedad de Parkinson, fue homenajeada en el centro cultural La Plaza de Cultura y Artes de Los Ángeles, y allí hubo oportunidad de entrevistarla.

¿Qué puede decir sobre el primer show que realizó de “Canciones de mi padre” en San Antonio, Texas? ¿Por qué fue tan especial para usted?

Tres generaciones llegaron al concierto. Compraron boletos en la puerta sin anticipación. Mi promotor casi tuvo un ataque al corazón. Nunca se me ocurrió que el disco tenía que venderse. Simplemente pensé que tenía que grabarlo, me gustaba tanto la música, estaba desesperada por hacerlo y no pensé más. Luego, cuando llegué a ese lugar, dije: “Dios mío, nos va a ir mal: nadie vendrá a verme cantar en español, gritarán: “Que cante Blue Bayou”. Y no fue así: estaban realmente felices de escuchar las canciones en español.

Dijo en una entrevista que intentaba expresar esa profunda emoción de Lola Beltrán en “Blue Bayou”...

Sí, Blue Bayou tenía ese final de falsete; tenía una especie de sentimiento playero, con ritmo tropical, y me hizo pensar en una canción mexicana, especialmente por ese gran coro. Mi principal influencia fueron las cantantes mexicanas; Lola Beltrán fue la más importante, ella es a quien realmente traté de copiar cuando estaba creciendo, y me costó mucho encontrar una resonancia en la música pop estadounidense porque su procedencia es más de iglesia negra.

¿Cuándo escuchó por primera vez a Lola Beltrán?

Cuando tenía unos ocho años. Mi papá hacía un viaje de negocios a México cada año y siempre regresaba con un montón de discos de Los Panchos, el Trío Calaveras, el Trío Tariácuri, Amalia Mendoza, Miguel Aceves Mejía y Lola Beltrán, principalmente. Yo la adoraba, me enamoré de su música. Cuando quise convertirme en cantante profesional quise aprender esas canciones, pero en esos días no se podía buscar en internet y encontrarlas.

Grabó el álbum “Frenesí” y dos discos de rancheras con mariachi. ¿Hay algo más que le hubiera gustado grabar en español?

Quería hacer un disco de trío con las canciones del Trío Calaveras, pero ya no podía cantar, por la enfermedad de Parkinson. Esos discos están ahí y son los mejores, no podría superarlos.

A principios de la década de 1980, cuando grabó el primer álbum con Nelson Riddle, dijo: “La música latina va a ser importante en los Estados Unidos”. ¿Por qué tuvo esa intuición?

Depende a qué te refieres con Latin music. Para mí, Latin music significa música caribeña, música de Cuba, Puerto Rico y la costa este de México. Pero ahora incluye cosas como reguetón. Para mí, la música latina es una forma de música pop. Yo quería cantar algunos de esos grandes standards latinos, equivalentes a los que grabé con Nelson Riddle. Durante la Segunda Guerra Mundial, cuando nuestros hombres (en Estados Unidos) estaban ocupados peleando en la guerra, había grandes compositores mexicanos, puertorriqueños y cubanos que llenaban el vacío con grandes canciones pop como Frenesí. What a Difference a Day Makes fue originalmente Cuando vuelva a tu lado en español. Yo quería cantar todo eso.

En ese disco la banda fue dirigida por Ray Santos, de Puerto Rico, y había músicos destacados: Justo Almario, en el saxofón, de Colombia, y ¿quiénes más?

Armando Peraza en la percusión y Yomo Toro, en el tres.

El álbum “Live in Hollywood” acaba de ser lanzado, ¿cómo fue el proceso de grabación?

Fue grabado en un estudio de televisión, con una audiencia pequeña y hacía más calor que en el infierno; demasiado calor para trabajar. Recuerdo que solo sudaba y trataba de cantar.

Cuando llegó a Los Ángeles, en los años 60, la escena era realmente emocionante, ¿cierto?

Sí. El club The Troubadour era el centro del negocio de la música: todos los que podían tocar realmente bien se reunían allí: se convirtió en una especie de sustituto de la familia, una sociedad de café, supongo que se le llama. Y la gente iba todas las noches, solo para pasar el rato. Joni Mitchell, Carole King, Elton John, James Taylor, Neil Young, Crosby, Stills & Nash, todos tocaban en The Troubadour. Así que podías escucharlos durante varias noches.

¿Estuvo allí cuando Elton John hizo su debut en The Troubadour?

Ahí estuve. Vino a dar un set de invitados. Todos teníamos el álbum que había lanzado hacia pocos días, con el tema Take Me to the Pilot. Todos habíamos escuchado el disco y sabíamos que venía. Escucharlo en el escenario fue igual que una explosión. Pero ahí vi también a Joni Mitchell dos semanas enteras. Fui a todos los shows, dos por noche, tres los fines de semana.

Hay un nuevo documental sobre su carrera que saldrá en septiembre en CNN. ¿Qué opinión tiene de ese trabajo?

Vi un borrador, no tuve nada que ver con él, les di algunas fotografías. Son muy buenos los dos directores, vi un documental que hicieron sobre Harvey Milk; muy buen trabajo, muy respetuoso. Muchas personas quieren hacer un documental, y es extraño ese sentimiento de que lo examinen a uno de cerca. Fue extraño verlo, es como mirar tu vida en retrospectiva ante tus ojos. Pensé, ¿por qué hice eso? ¿Por qué dije eso? ¿Qué ropa llevaba puesta? Creo que es mejor no mirarlo. Es como verse al espejo demasiado tiempo.

Lana Del Rey publicó una nueva canción, "Hope is a dangerous thing for a woman like me to have - but i have it", un adelanto del próximo álbum de estudio de la neoyorkina, titulado "Norman fucking rockwell", que saldrá al mercado este 2019.

Días atrás, la artista revelaba que este nuevo álbum ya está completamente terminado y tiene una portada. Además, avanzaba el estreno de nueva música para estos primeros días de enero.

"Norman fucking rockwell" será el sexto álbum de Lana Del Rey y llegará dos años después de "Lust for live" (2017). Entre medias, ya presentó meses atrás dos sencillos sueltos titulados, "Venice bitch" y "Mariners apartment complex". (Puede leer: Lana del Rey deja a un lado la melancolía).

Lana Del Rey anunció también que ha terminado su primer libro de poesía y que va a tener que cancelar algunos conciertos por problemas de agenda (el del FIB de Benicàssim sigue en pie). 

La Pestilencia estrenó “Les vale huevo”, canción que estará incluida en su próxima producción musical, “País de titulares”. El nuevo sencillo es una “protesta clara ante la época de polarización y de poco compromiso de los políticos hacia buscar el bien común y no el de cada uno de ellos”, dicen los músicos colombianos.

"Abramos los ojos Colombia: más de medio siglo y seguimos en las mismas”, dice Dilson Díaz, vocalista y fundador de la banda, sobre “Les vale huevo”.

"Llenos de promesas, nos regalan más miseria. Y no les duele, son unos ‘chupasangre’. Robar no es fácil hay que primero ser político”, dice la canción lanzada este lunes.

Menos de una década ha necesitado el festival Knotfest para convertirse en uno de los eventos más importantes de la escena del metal en todo el mundo. Desde su fundación, en 2012, sus escenarios han presentado bandas de la talla de Danzig, Kreator, Korn, Megadeth, Black Sabbath, Halloween y Judas Priest. Estas dos últimas, presentes en la primera edición que llegó a la capital colombiana en 2018.

Precisamente la edición del año pasado contó con la asistencia de 15.000 personas.  En 2019, el "gran circo del metal" se llevará a cabo en el Hipódromo de los Andes, al norte de Bogotá.

Esta edición contará con la participación de más de 15 bandas, entre las que se encuentran Testament, Unleashed, Behemoth, Accept, Stratovarius, Wasp y Slipknot. Knotfest 2019 iniciará este viernes 6 de diciembre a la 1:45 p.m. y terminará a la 1:30 a.m. del sábado. 

El evento representa el regreso de Slipknot a Colombia, después de sus presentaciones en 2005 y 2015. La banda originaria de Iowa (Estados Unidos) y cuyo origen consolidó a géneros como el metal alternativo y el nu metal de finales de los 90s, presentó en agosto su sexto álbum de estudio, titulado We Are Not Your Kind (No somos tu tipo, en español).

 

 

 

 

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¡Ya están aquí los horarios oficiales para el carnaval del desenfreno! Prográmense que nos vemos el 6 de diciembre en el #KNOTFESTCOLOMBIA Entradas aún disponibles en www.entradasamarillas.com y puntos @tuboleta

Una publicación compartida de Knotfest Colombia (@knotfestco) el 27 Nov, 2019 a las 7:30 PST

Por su lado, Behemoth (Polonia) regresará a Colombia para exponer su temática oscura con sonidos del black y el death metal. Así mismo, Accept llegará al Knotfest Colombia para entonar algunos de los himnos del heavy metal más reconocidos, con canciones como “Fast as a Shark”, “Metal Heart” y “Balls to the Wall”.

Otro clásico del heavy metal será la banda inglesa Saxon. Liderada por Biff Byford, llevan más de cuarenta años ofreciendo algunos de los riffs más intensos y gloriosos del género. Knotfest Colombia traerá una de las bandas favoritas del público colombiano: Stratovarious. Exponentes del power metal, el grupo finlandés se apropiará del Hipódromo Los Andes junto a las voces de sus miles de fanáticos, tras su última visita en 2013.

A.N.I.M.A.L (Acosados Nuestros Indios Murieron Al Luchar) es el nombre de otra de las bandas que participarán. Se caracteriza por presentar sonidos fuertes del groove y manejar referencias regionales. Andrés Giménez, Titu Lapolla y Marcelo Castro tocarán por primera vez en Knotfest y qué mejor que en su versión sudamericana en la capital metalera del continente: Bogotá.

Dos importantes invitados presentarán las múltiples caras del death metal: la leyenda sueca Unleashed y el exponenete norteamericano Carnifex. La primera traerá la oscuridad total al Hipódromo Los Andes con su death metal reverencial y la banda californiana ofrecerá un repertorio contemporáneo con uno de los sonidos más extremos del metal y dos de sus piezas más consagradas: los “No Light Shall Save Us” y "World War X".

La cuota colombiana incluye a una de las bandas de metal con mayor proyección en el país: Perpetual Warfare. Además del cuarteto bogotano, el público disfrutará de bandas nacionales como: Koyi K Utho, Reencarnación, Arzen, Aire Como Plomo, Random Revenge, Poker y Gutgrinder.

Para más información del evento, ingrese a: https://knotfestcolombia.com. Boletería disponible en https://www.entradasamarillas.com/.

Kany García lanzó el video de la canción "Aunque sea un momento", una balada que refleja un momento de angustia para los personajes que lo representan.

"Aunque sea un momento" es parte de su último material discográfico "Contra el viento", escogido entre los mejores 50 Discos de la Revista Billboard; alcanzó el número 1 en el listado pop y el 3 en el general, informó Sony en un comunicado.

"Contra el viento" contiene ocho temas íntegramente de la autoría de Kany, además de "Quédate" junto a Tommy Torres, "Vivir contigo" co-escrita con el productor del disco Marcos Sánchez, y "Las palabras" escrita por el argentino Fito Páez, que también la interpretó junto a Kany.

En el disco también se resalta la colaboración especial del cantautor español Joaquín Sabina quien ilustró el diseño de portada además de seis dibujos incluidos en el arte del disco.

Cada tema del disco se identifica con una mujer valiente admirada por Kany, entre ellas, Shela, la madre de la artista; la cantante española Rozalén; la desaparecida cantante de protesta argentina Mercedes Sosa; la intérprete urbana Natti Natasha; Natalia Lafourcade; Thalía; la cantante folclórica Soledad Pastorutti; la actriz, cantante y antropóloga Lila Downs; y la actriz colombo-estadounidense Sofía Vergara.

Este año Kany García, que tiene en su haber dos Grammy Latino y dos Billboard Latin Music Awards, llenó en febrero el Coliseo de Puerto Rico, en San Juan, donde contó con artistas invitados como Natti Natasha, Pedro Capó, Residente, y Tommy Torres. (Archivo: Kany García presentó "Soy yo", su nuevo álbum, en Bogotá).

Kany García formó parte del grupo de destacados artistas puertorriqueños que durante julio formaron parte de las protestas para pedir la dimisión del entonces gobernador Ricardo Rosselló. (Le recomendamos: El ADN combativo del reguetón puertorriqueño).

Eran las 3:00 p.m. Salía del hotel rumbo al parque Simón Bolívar para presentarme en la edición 2019 de Rock al Parque, en Bogotá.

Mi corazón latía un poco más acelerado de lo habitual, una mezcla de nervios y adrenalina me acompañaba en ese memorable momento previo. También sentía mucha alegría y la emoción recorría todo mi cuerpo.

Me bajé del carro... con pie derecho, entré al recinto, caminé hacia los camerinos e inmediatamente sentí que todo estaba en su lugar. Me sentí en casa, sentí la buena onda de la gente desde la entrada.

Caminé al encuentro con los periodistas. Hablé con ellos durante diez minutos y sentí también un cariño especial porque me sentí arropado por ellos. Fue muy especial para mí que despidieran ese encuentro con aplausos.

Recibí algunas visitas muy especiales en el camerino. Los amigos de siempre pasaban por ahí para desearme lo mejor en una jornada tan importante en mi carrera.

En un momento estaba en compañía de Cepeda y Fonseca; y me dice Andrés: “ey, tenés que cantar La tierra”. De repente los miré a los ojos y les dije: “¿Chicos, se suben conmigo a cantar La tierra?”. Era la oportunidad perfecta, los vi ahí y pensé, ¿cómo no voy a invitarlos a cantar conmigo esta noche? Practicamos durante quince minutos y hoy recuerdo ese momento con especial cariño.

Durante un mes previo al show entré en una especie de silencio voluntario. Me encerré, me concentré para Rock al Parque 2019. Una mañana me desperté con la idea de tocar Seek and Destroy y se lo comenté a la banda. Les encantó la idea. Yo les decía, muchachos esa canción dura unos siete minutos, y ellos solo dijeron: “Vamos”. Les dije entonces: “Si llegamos a tacar esto es porque sobrevivimos”.

Vuelvo al día del concierto, en el que me vestí de ruana, me di la bendición, como siempre y subí con el latido del corazón más intenso. Cuando me monté al escenario todo cambió. Cambió para siempre. Fue encontrarme con esa Bogotá que siempre me ha tendido un abrazo, una sonrisa y me ha brindado mucho cariño.

Ese día encontrar que más de 120.000 personas cantaron allí mis canciones y que pude hacer un cover de mi banda favorita de todos los tiempos, Metallica, y que, meses más tarde, me conecté directamente con sus integrantes fue muy emocionante. Creo que en el parque Simón Bolívar se cerraron unos ciclos y comenzaron otros y eso fue justo en ese aniversario 25 de Rock al Parque, lo que es bastante significativo para mí.

Para terminar de cerrar con broche de oro la jornada, Fito Páez me invitó a cantar con él, algo que no olvidaré jamás. Me dijo esa noche: “Montate, disfrutá, vení”. “Pues claro”, le dije, “¡qué honor!”.

Siempre estaré agradecido con todo el público y con la gente de la organización de Rock al Parque por haberme abierto las puertas de la manera en la que lo hicieron. Creo que es lo que debería seguir pasando con otros géneros musicales. He vivido en muchos otros países del mundo y he estado en festivales donde he tocado y he podido ver todo tipo de música, todo el mundo conviviendo y disfrutando.

Creo que en un país como Colombia lo que necesitamos es eso: la inclusión, por lo menos a través del arte, en este caso de la música, nos podamos entender. El rock es una actitud realmente, el rock es libertad.

He estado en dos oportunidades en Rock al Parque como público y muchos otros festivales los vi desde la intimidad de mi casa, en Medellín, por televisión. Me quedaba viéndolo y siempre pensaba: ¿será que nunca voy a poder llegar ahí? Me he estado preparando para Rock al Parque desde 1972, cuando nací, y todas estas oportunidades que he tenido de tocar por todo el mundo, todo el fogueo que he tenido y todas esas experiencias de alguna forma me prepararon para ese momento.

Me sentí inmensamente feliz de estar cantando mi propia música en este festival, que en muchas oportunidades lo disfruté como público.

Nunca con Ekhymosis fuimos aprobados para estar ahí y ahí estaba yo con la historia de mi vida toda en Rock al Parque. Ahí estaba yo viéndome ahí, presenciando lo que por años soñé.

El festival es muy importante para esta ciudad, es inspirador. Bogotá es muy especial para mí. Rock al Parque 25 años estará siempre en mi memoria, aunque no logré ni celebrar mucho.

Recuerdo que tampoco sentí esa necesidad. Quería intimidad. Me fui al hotel con mi familia, agradecido con la vida. Me quedé en silencio en la cama casi meditando, dando gracias.

Celebro y agradezco este 2019. Un año muy especial para mí, recorriendo el mundo, Rock al Parque, Persona del Año, mi familia me tiene más cerca y yo a ellos. Estoy en balance. Creo que 2019 fue un año pleno y puedo decir con firmeza: “Esto apenas comienza”.

En marzo pasado Juanes anunció en una entrevista con la revista Billboard que este año lanzaría su primera canción en inglés, algo sorprendente si se tiene en cuenta que durante años lideró la campaña "Se habla español". Pero como todo el mundo tiene derecho a seguir nuevos caminos, 30 años después de haber llegado a Los Ángeles, el paisa decidió renovar su música y lanzar su primera canción cantada en inglés: "Goodbye for now".

"Tras varios años viviendo en este país (Estados Unidos) y mejorando mi dominio de la lengua, me siento mucho más cómodo con ello", dijo Juanes a Billboard, publicación en la que también comentó que su interés por cantar en ese idioma comenzó hace cuatro o cinco años, pero que le resultaba "complicado", por lo que "los primeros experimentos que hice no me salieron demasiado bien".

Por eso decidió buscar la ayuda del compositor y productor PooBear.  

Aunque "Goodbye for now" es la primera canción escrita y cantada en inglés por Juanes, no es el primer acercamiento con el idioma, pues En 2013 en la gala de los Grammy interpretó una versión de "Your Song", de Elton John, en la que incluyó algunas frases en español, algo que había probado con el tema "Hungry Heart" durante el homenaje de la Academia de la Grabación a Bruce Springsteen.

"Goodbye for now" hace parte de "Mis planes son amarte", álbum visual que sale al mercado el próximo 12 de mayo. Días más tarde, el 19 el canal estadounidense HBO Latino emitirá el documental "The Juanes effect: de canciones y transformaciones" en el que Juanes habla sobre su nuevo disco y su vida familiar.

El útlimo disco de estudio estrenado por Juanes en 2014 y se llamó "Loco de Amor", de ahí se conocieron canciones como "La luz" y "Mil pedazos".

Sin embargo, en estos años no se ha quedado quieto, pues lanzó "Este amor", canción con Cedric Gervais; participó en "La Patria Madrina" de Lila Downs; y compuso "Juntos (Together)", banda sonora de la película "McFarland, USA" de Disney y protagonizada por Kevin Costner.

Fue uno de los artistas del tributo que se rindió en Estados Unidos a Frank Sinatra y John Lennon.

En marzo de 2016  tuvo la oportunidad de compartir tarima con los Rolling Stones en el concierto que ofrecieron en Colombia y en julio pasado hizo parte del proyecto "Hands", un homenaje a los fallecidos en el club gay Pulse de Orlando, Estados Unidos.

Juanes estrena este viernes la canción "Más que tu amigo", su versión del tema que Marco Antonio Solís lanzó en 2003.

El nuevo tema está incluido en la producción "Todos somos más", un tributo a Solís en el que participan David Bisbal, Juan Luis Guerra, Mon Laferte, Paty Cantú, Morat, Los Ángeles Negros, Luis Fonsi, Napoleón y Luciano Pereyra, entre otros.

La versión de "Más que tu amigo" interpretada por Juanes, quien continúa con la promoción de su álbum  "Mis planes son amarte",  fue producida por Emmanuel del Real, el tecladista de Café Tacvba conocido como Meme.

El primer sencillo de "Todos somos más" estuvo a cargo de David Bisbal y Juan Luis Guerra, quienes interpretaron "Si no te hubieras ido".

Actualmente Marco Antonio Solís realiza la gira "Y la historia continúa", en la que interpreta éxitos más importantes como "Tu cárcel", "Si no te hubieras ido", "A dónde vamos a parar" y "Mi eterno amor secreto", entre otras muchas.

Cuando abrí los ojos estaba allí, de pie justo donde los Lakers y la National Hockey League habían debutado muchos años atrás, pero esta vez, el escenario de "The Forum" en Inglewood, California, estaba vestido de colores cálidos.

Con una gran presencia latina, las más de doce mil personas que estaban afuera gritando el nombre artístico de Alvaro José Balvin no paraban de aclamarlo, porque todos sabían que su música y sabor colombiano los iba a hacer bailar hasta pasada la media noche.

Afuera había ruido, gritos, adrenalina y emoción, pero adentro, detrás de las bambalinas el ambiente estaba calmado. Mientras J Balvin se alistaba para salir al escenario y transmitir a todos los asistentes su buena vibra, la zona VIP aprovechaba la ocasión para darle a sus invitados todo tipo de comidas, dulces y tragos.

Más abajo del VIP, en un lugar sin tanto ruido ni gente, un regalo esperaba por el artista, que estaba en su camerino afeitándose y haciendo los últimos ajustes para salir. En una sala pequeña donde solo había prensa, Balvin salió a dar un saludo y agradecer por la asistencia de todos los que estábamos presentes, y justo en ese momento recibió una placa por parte de Apple Music, como reconocimiento por haber logrado un billón de reproducciones en la plataforma.

Mientras observaba lo que estaba pasando solo se me pasaba una cosa por la cabeza… “es un duro”, primero, logró ser el artista más escuchado del mundo en Spotify, y justo el día de su debut en Los Ángeles le hacen entrega de una placa conmemorativa de parte de una de las plataformas más grandes del mundo. Eso, en definitiva, es hacer historia.

Afuera, la gente reía mientras brindaba con sus copas de Baileys frío, hablando de las expectativas que generaba el show que estaban próximos a ver, no había tensión, solo ganas de salir y bailar al ritmo de sus más grandes éxitos.

Llegaron las 9 de la noche, y los fanáticos que estaban esperándolo hace más de cinco horas no paraban de hablar entre ellos, preparando las cámaras de sus celulares esperando el momento preciso en el que su ídolo apareciera. “Me vine desde Puerto Rico hasta Los Ángeles solo para ver a mi ‘bro’, es un ídolo para mí, y quiero que salga ya y cante ‘Mi gente’ pa’ ponerme a bailar aquí con mi mujer”, me dijo Carlos, un hombre moreno y alto de cabello negro y camisa extravagante, mientras su mujer miraba ansiosa hacia la tarima.

“Vibras Fun Park”, ese era el letrero que se veía en la tarima, cuando una voz de muñeco animado comenzó a hablar “prepárense, porque esto se va a poner caliente en este parque jurásico”, decía mientras todos gritaban.

Del escenario comenzó a emanar una luz anaranjada, hubo un momento de silencio, comenzó una música fuerte que anunciaba la salida de Balvin. “¡Por fin!, ¡por fin!”, gritaba la gente. En la tarima había un telón gigante de color blanco, y podía verse la sombra de algo grande que estaba justo detrás de él. El telón se cayó y apareció un dinosaurio de unos tres metros de alto, ya todos lo sabían por el ritmo de la canción, era “Machika”.

Entre gritos la gente bailaba y cantaba… “estoy muy borracho y no puedo más, y no puedo más”, mientras Balvin bailaba acompañado de unas mujeres preciosas, que se movían con una coordinación impecable.

“Cuando tú quieras”, fue la siguiente canción que el artista interpretó en la tarima, haciéndole honor a su álbum “Vibras”, y que ya tiene más de dos millones de reproducciones en Youtube. Con su dinosaurio de tres metros, ya el escenario no era anaranjado, sino azul, y Balvin decidió montarse encima del Tiranosaurio Rex para darle vida a “Ambiente”, otra de las canciones más famosas de su último álbum.

Las comparaciones son inevitables, y mientras veía la versatilidad del escenario de The Forum solo podía desear que el Movistar Arena en Bogotá realmente nos permita tener escenografías como la que J Balvin estaba protagonizando ese sábado en la noche, porque la herramienta principal de un buen show es tener cómo hacerlo.

Todo se oscureció de repente, solo se veían las pantallas de los celulares y la confusión en la cara de las personas que no sabían lo que pasaba. Nadie se lo esperaba, nadie supo cómo lo hizo, pero Balvin apareció en la parte de atrás del escenario, en una especie de grúa que lo subía y lo bajaba.

Pero esta vez no estaba solo, la voz de una mujer acompañaba la canción que estaba comenzando a cantar. "Brillo", el tema que grabó junto a la cantante española Rosalía comenzó a sonar, y luego aparecieron juntos, bailando en compañía de todas las personas que se sabían la canción al derecho y al revés. 

"Gracias, te quiero", le dijo la cantante a Balvin justo antes de dejar la tarima. Y después llegó el momento que la mayoría de asistentes estaban esperando: "X". Nuevamente el artista volvió al frente, y decidió subirse esta vez a otra figura, que es la que protagoniza la imagen de "Vibras", una especie de pelota roja con ojos y boca gigantes. "Aquel día te vi, y tu energía sentí, desde eso no te quiero lejos de mí", comenzaba Nicky Jam sin estar presente. Balvin se aferró al micrófono "No te lo voy a negar", cantò, y de inmediato comenzó a bailar la famosa coreografía, que también ha bailado Will Smith y Jimmy Fallon. 

Los múltiples escenarios siempre estuvieron llenos de color y baile, pero sobre todo, del gran talento que acompaña a J Balvin y todo su equipo, junto al que cantó y bailó canciones como "No es justo", "Safari", "Ahí vamos", "Ahora dice" y "Sensualidad". 

J Balvin estrenó este lunes su nueva canción, "Ahora", en la que recurre a los ritmos suaves del reguetón para cantar "Tantas son las horas, cuando estamos a solas que quiero tenerte ahora, me mata si te demoras".

"Ahora" es el segundo sencillo que el colombiano lanza este 2018, tras "Machika".

Recientemente J Balvin participó en el espacio "Artist on Artist", en el que fue entrevistado por su colega Luis Fonsi, quien dijo que "la música está en tan buen lugar ahora mismo porque todos los géneros se están hablando, están interconectados".

"Al final, el reguetón ahora es el nuevo pop", respondió Balvin. "El rap es pop ahora. Si escuchas a Drake, eso es pop y él lo sabe", agregó el colombiano.

A pesar de la lluvia y el intenso frío que en los últimos días hemos soportado en Bogotá, un numeroso público asistió al concierto del ensamble belga Il Gardellino el pasado miércoles 23 de octubre en la Biblioteca Luis Ángel Arango. Durante la primera parte, muchos permanecimos con abrigos, chaquetas y bufandas puestos, pues la temperatura —incluso dentro de la sala— fue bastante baja. Sin embargo, esto no impidió que gozáramos de un excelente espectáculo, a cargo del afamado ensamble fundado por el oboísta Marcel Ponseele y el flautista Jan de Winne. (Lea también: Cuarteto Prism: "La Gran América")

Il Gardellino se ha especializado en la obra de Johann Sebastian Bach, reconocido compositor alemán que debe mucho de su fama actual a que sus obras musicales fueron de las primeras en ser grabadas, hecho que coadyuvó a que la misma terminara de estudiarse y editarse, especialmente después de la Segunda Guerra Mundial. (Le puede interesar: “Colombia se compone”)

En la década de 1980 —época en la que se fundó Il Gardellino—, la interpretación de la obra de Bach, como la de otros compositores barrocos, fue epicentro de una discusión entre los músicos que apoyaban la idea de interpretar con base en información histórica precisa e instrumentos de época, y aquellos que abogaban por hacer versiones modernas de la misma. Esta discusión, terminó favoreciendo finalmente a la obra de Bach, pues el público consumió las producciones discográficas que de ambas partes se produjeron, pese a que hoy día los conjuntos de música antigua prefieren tocar con los instrumentos de época. (Además: Sonidos para sorprenderse en la Sala de Conciertos)

A pesar del pretendido purismo, es inevitable que los intérpretes terminen por escenificar sus propias propuestas musicales, lo cual ha generado que se establezca una competencia entre dichos grupos, que lógicamente buscan desarrollar su propia impronta musical. Así pues, las interpretaciones de Bach que escuchamos de manos del ensamble belga, son resultado de una investigación en fuentes históricas, y fruto de treinta y un años de trabajo en escena. El orden del programa alternó dos conciertos y dos cantatas, habiendo dejado para la segunda parte las obras de mayor duración.

El Concierto para flauta, violín y clavecín en la menor, BWV 1044 tiene una mayor elaboración formal y riqueza en las texturas que el Concierto para violín y oboe en do menor, BWV 1060R; en ambos destaco la interpretación de Zvi Meniker en el clavecín, quien desde su puesto dirigió al ensamble.

Meniker logró avivar el acompañamiento del clavecín con oportunos cambios de timbre, notorio en el segundo movimiento del Concierto para violín y oboe, mientras que lució sus dotes de solista en la cadencia del tercer movimiento del Concierto para flauta, violín y clavecín, siendo ovacionado por el público al final del mismo, algo inesperado para él (habiendo visto de cerca su reacción). También quiero destacar el fino trabajo de acompañamiento logrado por Ira Givol (violonchelo) y Carina Cosgrave (contrabajo), especialmente en el Concierto para flauta, violín y clavecín, por el bien logrado trabajo de dinámicas.

En las cantatas Der Friede sei mit dir, BWV 158 (La paz sea contigo), y Liebster Jesu, mein Verlangen, BWV 32 (Amado Jesús, mi anhelo), pudimos apreciar el canto de la soprano Gudrun Sidonie Otto y del barítono Tiemo Wang. Aunque su papel es bastante pequeño en la primera de las cantatas, Sidonie Otto capturó nuestra atención por el bien logrado timbre que se fundió a la perfección con el del oboe, interpretado por Marcel Ponseele, que contrastó con la esforzada parte del barítono. En la segunda cantata, Sidonie Otto tuvo ya un papel protagónico con arias a solo y en dueto que nos permitieron apreciar mejor las grandes cualidades de su voz. Asimismo, Wang tuvo un papel de mayor responsabilidad en ambas cantatas, al tener un mayor número de recitativos y arias.

Paso a hablar de los solistas Joanna Huszca (violín), Jan de Winne (flauta traversa) y Marcel Ponseele (oboe), quienes con Ira Givol cumplieron papeles protagónicos en los conciertos y de acompañamiento en las cantatas.

Huszca también tuvo un papel de liderazgo en la dirección de los conciertos, atendiendo a las diferentes entradas de su cuerda como a los diálogos con los demás solistas. Aunque noté algunos errores en el Adagio del Concierto para violín y oboe, especialmente en las entradas después de los ritardandi entre el clavecín y el violín, éstos no comprometieron en realidad la interpretación misma, vale más decir que los mismos fueron superados en el acto, a lo que ambos intérpretes asintieron con una discreta sonrisa. De Winne, tuvo a su cargo una parte solista exigente, recargada de ornamentaciones que sorteó con inteligencia, modificando sutilmente el tempo, mientras que Ponseele se destacó por la precisión y sobriedad en cada una de las obras donde intervino.

El secreto de la alta calidad sonora de Il Gardellino está en la atención a los detalles, siendo evidente el esmerado esfuerzo por lograr que los timbres sean emulables entre sí, sin menosprecio de ninguna parte instrumental, pues todos son en realidad indispensables.

* Compositor y musicólogo.

Hace veinte años que la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá ofrece los ya célebres conciertos monográficos denominados Retratos de un compositor dentro de su programación anual. Estos espacios han servido de ventana invaluable para divulgar un fragmento representativo de la obra camerística de compositores colombianos de corte académico, y —en conjunción con la producción discográfica que suele acompañar a estos conciertos— en muchos casos han servido también como merecido homenaje a su vida y obra. Este año el turno fue para el compositor caleño Luis Carlos Figueroa, quien a sus 95 años tuvo la dichosa oportunidad de presenciar el concierto monográfico que en su honor se ofreció en la Sala de Conciertos.

Luego de un leve retraso ocasionado por el habitual caos citadino de la capital, los asistentes al concierto nos embarcamos en poco más de hora y media de una selección de obras para formato de cámara de Figueroa que buscaba retratar de la manera más amplia posible diversos momentos y estilos de su larga y prolífica producción musical. Debido precisamente a la idea central de estos conciertos de abarcar diferentes facetas y sonoridades de la obra de un compositor, esa noche tuvimos la oportunidad de escuchar una variedad de formatos trabajados por Figueroa. Así, la remembranza sonora de su producción se inició con una petite suite para guitarra sola y continuó con una serie de obras para duetos de guitarra y flauta, piano y oboe, piano y violín, y piano y voz, culminando con el infaltable cuarteto de cuerdas.

A pesar de la variedad de formatos, y por tanto de colores, de timbres, y de artistas en escena, y a pesar también de que las obras seleccionadas buscaban ser representativas de diferentes momentos de la prolífica vida artística de Figueroa —su temprana inspiración en su ciudad natal, su aventurera maduración parisina a mediados del siglo pasado, y su posterior regreso a tierras colombianas—, el aura general del concierto pareció ser una sola, la de una delicada celebración con visos permanentes de nostalgia. Es probable que la ocasión misma, con la eminente presencia del compositor entre los asistentes, hubiera podido inspirar esta sensación. Era un homenaje, claro, que de alguna manera servía para poner de presente el legado artístico de Figueroa en la magna palestra de la célebre sala; en el pequeño olimpo del universo sonoro académico colombiano. Pero no era solo aquello.

En el recorrido por los mundos sonoros de Figueroa interpretados aquella noche se advertía también una suerte de cristalización de su obra, la que solo ocurre cuando una obra pasa a entenderse y a sentirse como de un tiempo verdaderamente pasado, aunque vigente. Más que música académica contemporánea, la obra de Figueroa la podía empezar a entender como música académica clásica colombiana. Dentro del lento albor de la que podríamos entender como producción musical académica propiamente colombiana, las primeras manifestaciones célebres fueron todas signadas por la influencia francesa de la primera mitad del siglo XX. La música de Figueroa no es la excepción, y se encumbra como una de las más exquisitas manifestaciones de aquella primera oleada de creación, digamos, franco-colombiana.

Enmarcado en esta tendencia estética y técnica, el de Figueroa es un lenguaje musical prístino, de fluidez y claridad enormes. Más allá de la evolución natural de su actividad creativa y de los periodos estilísticos que se podrían advertir en su producción, en su música se siente siempre una esencia de expresión simple, de fino lirismo, y de recogimiento. El suyo es un lenguaje que en la escucha invita a la introspección, incluso en los momentos más progresistas y expansivos de su sonata para violín y piano, o en excursiones juguetonas como la que escuchamos en Barcarola para flauta y guitarra o Ronda para oboe y piano. El recogimiento y la claridad permean su música: navegan en sus melodías, se materializan en danzantes acompañamientos, y se expresan apacibles en sus colores y armonías postimpresionistas.

Así, dentro de la amplia gama de formatos y estilos escuchados, pareció prevalecer aquella noche esa fina factura de la música de Figueroa, con su espíritu de lirismo y recogimiento, que apuntaló apaciblemente el merecido homenaje a su vida y a su obra que algunos tuvimos la fortuna de presenciar, llenos de emoción, aquella noche en la Luis Ángel.

* Maestro en Música con énfasis en guitarra clásica de la Pontificia Universidad Javeriana. Egresado de la Maestría en teoría y composición de Temple University, Filadelfia, Estados Unidos y de la Maestría y Doctorado en Musicología de la Universidad de Princeton, Princeton, Estados Unidos.

José Silvestre Dangond Avendaño, el hijo de Silvestre Dangond, protagoniza el nuevo video del artista, "Si mi canto fuera tu encanto", el cual fue grabado durante la participación del artista en el Festival de la Leyenda Vallenata. (Le puede interesar: Silvestre Dangond: "Mi responsabilidad ya no es musical, es social").

Allí, el público fue testigo del momento en que, en plena tarima, Silvestre Dangond abrió su corazón y su talento para presentar en vivo esta canción junto a su hijo y el acordeonero invitado Lucas Dangond, quien ha acompañado al cantante durante los últimos 5 años de su carrera.

'Bebé Dangond', el menor de los hijos del artista vallenato, se robó los aplausos y el cariño de los silvestristas asistentes con su baile y su peculiar forma de interpretar la canción.

"Si mi canto fuera tu encanto" es un sencillo incluido en el disco "Esto es vida". El video hace parte de una serie de muestras visuales que Silvestre Dangond compartirá cada semana con sus fans, como si fuera una historia cronológica de lo vivido en el lanzamiento de su reciente producción musical, que luego será lanzada en formato DVD. (Le recomendamos leer: Nos emparrandamos con "Esto es vida": lo nuevo de Silvestre Dangond).

El icónico álbum Highway to Hell, que catapultó al estrellato mundial al grupo australiano AC/DC y se convirtió en un clásico, alcanza los cuarenta años después de su publicación como una de las piezas míticas de la banda y de la historia del rock.

El grupo australiano publicó el 27 de julio de 1979 el disco que le abrió las puertas del mercado de Estados Unidos y le dio fama, hito de una trayectoria triunfal, que lo ha llevado a vender más de 200 millones de álbumes. (Le puede interesar: AC/DC vuelve a los escenarios en 2016)

Cuarenta años después, la disquera Sony Music ha publicado imágenes inéditas de esa época en conmemoración del aniversario de la grabación. (Además: Axl Rose sobre su primer concierto con AC/DC)

Tras la formación del grupo en Sidney, donde se publicaron los discos TNT (1975) y High Voltage (1975), la banda de los guitarristas Angus y Malcolm Young y el vocalista Bon Scott se trasladó en 1976 a Londres, donde al año siguiente apareció Let There be Rock (1977).

Dos años más tarde llegó Highway to Hell, grabado en Londres y que supuso el último trabajo de Scott, quien falleció debido a una intoxicación etílica y fue sustituido por Brian Johnson.

Precisamente al vocalista Bon Scott la banda dedicó su posterior trabajo, el álbum Black in Black.

De los músicos de AC/DC que grabaron Highway to Hell únicamente permanece en activo Angus Young, ya que su hermano Malcolm, cofundador y "fuerza motora" del grupo, falleció en 2017 a los 64 años tras sufrir un largo proceso de demencia.

Aunque Gustavo Gutiérrez Cabello aprendió desde los 13 años a tocar guitarra y acordeón piano -con la convicción de que su vida estaba marcada por la música-, por las muchas vueltas que da la vida terminó estudiando administración de empresas.

Nació y creció en Valledupar, capital del Cesar, en una casa colonial cerca a la emblemática plaza Alfonso López, escenario mismo de la cultura vallenta. Y aunque en su hogar ese ritmo no era bienvenido, con los años se convertiría en la razón de su gloria y sus amores. Gutiérrez es ahora un ícono del vallenato romántico.

En 1969 ganó el premio a la canción inédita del Festival de la Leyenda Vallenata con “Rumores de viejas voces” y 13 años después ganó nuevamente con “Paisaje del sol”.

Se inició como compositor por un desamor. A partir de ahí se dedicó a inmortalizar sus vivencias entre líricas y melodías vallenatas. “Mi canto tiene marcada mi identidad. Yo soy muy lírico y soñador”, confiesa.

¿Cómo inició en el vallenato?

En mi casa no se oía vallenato, se escuchaban boleros y baladas. Mi papá tocaba el piano y el violín, pero yo cuando crecí iba a las parrandas en Valledupar y tocaba el acordeón piano. Al principio solo era tango, luego seguí con el vallenato.

¿A qué edad comenzó a componer?

A los 23. De hecho, ahí me entusiasmé porque mi segunda canción, “La espina”, la grabó Billo’s Caracas Boys en 1966. Pacho Galán, que era la mejor orquesta de Colombia, grabó tres de mis canciones: “Morenita”, “Suspiros del alma” y “Confidencias”. Eso me motivó a continuar componiendo.

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¿Cómo surgió la idea de componer?

Un desengaño amoroso. Empecé con la guitarra y el acordeón piano. Mi primera novia se había ido a Bogotá y yo le escribía a un amigo para que me averiguara por qué no me contestaba las cartas y fue cuando me avisó que ella se casó con otro. Con esa tristeza me volví compositor.

¿Ese desamor fue el que inspiró la canción “Confidencias”?

Sí, las tres primeras canciones mías fueron para esa muchacha: “Confidencias”, “La espina” y “Suspiros del alma”. Luego en las letras comencé a meterle figuras literarias y romance. Era un lector empedernido de poesía y pasa que yo parrandeaba mucho con Jaime Molina y Rafael Escalona, y en esas reuniones se declamaba; por eso en mis presentaciones, antes de cantar, declamo.

No a todos los puristas del vallenato les gustan las letras muy líricas. ¿En algún momento sintió que sus temas no eran bien recibidos?

Al principio sí porque había quienes decían que eran demasiado líricas y en ese entonces eso no era el vallenato. Mis melodías eran largas y tiernas, yo creo que era por el acordeón piano, no esas de botón, sino de teclado. Tocaba guitarra, zamba, música argentina, peruana... Entonces, tenía una influencia musical más allá de lo local, eso me marcó. Pero la gente empezó a conocerme por la acogida que tuvieron en la costa Pacho Galán y los Billo’s Caracas Boys con mis composiciones.

Más sobre música colombiana en: Jorge Velosa: tejiendo historia por medio de la música

Pero ¿en quién o qué se inspira?

En las mujeres, mi tierra y mis vivencias. Siempre le canto a mi entorno, a mis costumbres, a mi Valledupar, pero la principal fuente de inspiración es la mujer.

¿Cuál es el valor diferencial de sus canciones?

Mis canciones tienen un marco lírico. El vallenato más que todo eran crónicas y narraciones. Yo irrumpí con algo totalmente diferente, cantaba nada más mis vivencias, mis tristezas y anhelos. Eso fue mi estilo.

¿Cómo llegaron sus composiciones a esos grandes grupos musicales?

A mí me catapultó Pacho Galán, esa fue mi carta de presentación. A partir de ahí llegaron los cantantes a mi puerta. Diomedes Díaz, por ejemplo. Él llegaba a mi casa, mi papá lo apreciaba mucho y sacábamos una botella de whisky y nos poníamos a escuchar música. “Sin medir distancias”, “Camino largo” y “Si te vas te olvido” son unas de las canciones que le di durante esas visitas. Con Rafael Orozco es una historia bien bonita, porque el Binomio de Oro fue el único conjunto que grabó mis merengues. Un día le canté “No sé pedir perdón”, por teléfono, le gustó y me dijo: “Me la guardas que esa canción es mía”.

¿Qué piensa del vallenato actual?

No es que esté en contra, pero ahora es una plegaria de súplicas, de arrodillamiento. Yo siempre he sostenido que a la mujer se le conquista, no se le ruega. El amor no es de ruegos ni de súplicas, el amor es de merecimiento. No me gusta esa manera suplicante que están haciendo los compositores, lo que pasa es que esa es la música que gusta.

Billie Elish, Lizzo y Lil Nas X se impusieron en la edición 62 de los Grammy, la cita más importante de la música, que se celebró este domingo en el Staples Center de Los Ángeles (EE.UU.).

Billie Eilish, la joven de 18 años, se llevó cinco premios: mejor artista revelación, mejor canción del año por su tema "Bad guy", mejor álbum vocal pop, mejor álbum del año y mejor grabación del año. 

Lizzo, la efervescente rapera de 31 años, ganó tres gramófonos en las categorías de mejor actuación de R&B con "Jerome", mejor álbum urbano contemporáneo con "Cuz I love you" y mejor actuación pop. Mientras que el Lil Nas X se llevó los galardones a mejor video musical y mejor actuación pop dúo/grupo (las dos por “Old Town Road”).

Por otro lado, los Grammy rindieron un homenaje a Kobe Bryant, fallecido hoy en un accidente de helicóptero a los 41 años, con un sentido discurso de Alicia Keys, que por segundo año consecutivo es la maestra de ceremonias de estos premios.

"Estamos aquí juntos, en la noche más grande de la música. Pero para ser honestos, estamos muy tristes ahora mismo. Los Ángeles, Estados Unidos y el mundo entero perdimos hoy a un héroe", aseguró Keys desde el Staples Center de Los Ángeles,  el estadio donde juegan Los Ángeles Lakers, el equipo en el que Bryant se convirtió en una de las más grandes figuras de la historia de la NBA.

La ceremonia también estuvo marcada por las presentaciones musicale. Lil Nas X, Billy Ray Cyrus, el grupo surcoreano BTS, Diplo y Mason Ramsey interpretaron "Old Town Road", uno de los momentos más aclamados de la noche.  (Puede leer: Billie Eilish, Lizzo y Rosalía, las favoritas en la antesala de los Grammy 2020)

Usher lideró un tributo a Prince, y John Legend al rapero Nipsey Hussle -que fue reconocido con dos grammys póstumos--, junto a DJ Khaled, Meek Mill, Roddy Rich, Kirk Franklin y YG.

Tyler The Creator, Ariana Grande, Camila Cabello y Demi Lovato también subieron al escenario, así como Aerosmith, homenajeados por su larga carrera.

Rosalía -ganadora del Grammy al mejor álbum de rock, urbano o alternativo latino - le inyectó sonido flamenco al show con su espectacular voz, interpretando "Juro que" y "Malamente", acompañada de un impresionante ballet.

Aquí la lista completa de ganadores

Bad Guy
Billie Eilish O'Connell & Finneas O'Connell

Mejor artista nuevo

Billie Eilish

Álbum del año

WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?
Billie Eilish
Finneas O'Connell, productor; Rob Kinelski & Finneas O'Connell, ingenieros / mezcladores; Billie Eilish O'Connell & Finneas O'Connell, compositores; John Greenham, ingeniero de masterización

Grabación del año

BAD GUY
Billie Eilish
Finneas O'Connell, productor; Rob Kinelski & Finneas O'Connell, ingenieros / mezcladores; John Greenham, ingeniero de masterización

Mejor interpretación de un dúo o grupo de country

SPEECHLESS
Dan + Shay

Mejor interpretación pop solista

TRUTH HURTS
Lizzo

Mejor álbum de comedia

STICKS & STONES
Dave Chappelle

Mejor álbum de rap

IGOR
Tyler, The Creator

Mejor álbum americano

OKLAHOMA
Keb' Mo'

Mejor interpretación pop de un dúo o grupo

OLD TOWN ROAD
Lil Nas X Featuring Billy Ray Cyrus

Mejor álbum de pop tradicional

LOOK NOW
Elvis Costello & The Imposters

Mejor álbum vocal de pop

WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?
Billie Eilish

Mejor álbum de música mundial

CELIA
Angelique Kidjo

Productor del año, no clásico

FINNEAS - When We Fall Asleep, Where Do We Go? (Billie Eilish) 

Mejor actuación tradicional de R&B

JEROME
Lizzo

Mejor álbum urbano contemporáneo

CUZ I LOVE YOU (DELUXE)
Lizzo

Mejor álbum de R&B

VENTURA
Anderson .Paak

Mejor canción de R&B

SAY SO
PJ Morton, songwriter (PJ Morton Featuring JoJo)

Mejor álbum de música alternativa

FATHER OF THE BRIDE

Vampire Weekend

Mejor grabación de dance

The Chemical Brothers
The Chemical Brothers, producers; Steve Dub Jones & Tom Rowlands, mixers

Mejor álbum de dance/electrónica

NO GEOGRAPHY 
The Chemical Brothers

Mejor interpretación de música de raíces americanas

SAINT HONESTY
Sara Bareilles

Mejor canción de música de raíces americanas

CALL MY NAME
Sarah Jarosz, Aoife O'Donovan & Sara Watkins, songwriters (I'm With Her)

Mejor álbum instrumental contemporáneo

METTAVOLUTION 
Rodrigo y Gabriela

Mejor intepretación de rap

RACKS IN THE MIDDLE 
Nipsey Hussle Featuring Roddy Ricch & Hit-Boy

Mejor intepretación de rap/sung

HIGHER 
DJ Khaled Featuring Nipsey Hussle & John Legend

Mejor canción de rap

A LOT 
Jermaine Cole, Dacoury Natche, 21 Savage & Anthony White, compositores (21 Savage Featuring J. Cole)

Mejor intepretación solista de country

RIDE ME BACK HOME 
Willie Nelson

Mejor canción de country

BRING MY FLOWERS NOW 
Brandi Carlile, Phil Hanseroth, Tim Hanseroth & Tanya Tucker, compositores (Tanya Tucker)

Mejor álbum de country

WHILE I'M LIVIN' 
Tanya Tucker

Mejor álbum de new age

WINGS
Peter Kater

Mejor solo de jazz improvisado

SOZINHO 
Randy Brecker, solista

Mejor álbum vocal de jazz

12 LITTLE SPELLS 
Esperanza Spalding

Mejor álbum instrumental de jazz

FINDING GABRIEL 
Brad Mehldau

Mejor álbum largo de jazz ensamblado

THE OMNI-AMERICAN BOOK CLUB 
Brian Lynch Big Band

Mejor álbum de jazz latino

ANTIDOTE 
Chick Corea & The Spanish Heart Band

Best Gospel Performance/Song

LOVE THEORY
Kirk Franklin; Kirk Franklin, escritor

Mejor interpretación/canción de góspel

GOD ONLY KNOWS 
for KING & COUNTRY & Dolly Parton; Josh Kerr, Jordan Reynolds, Joel Smallbone, Luke Smallbone & Tedd Tjornhom, compositores

Mejor álbum de góspel

LONG LIVE LOVE 
Kirk Franklin

Mejor álbum de música cristiana contemporánea

BURN THE SHIPS 
for KING & COUNTRY

Mejor álbum de música de raíces góspel

TESTIMONY
Gloria Gaynor

Mejor álbum de pop latino

#ELDISCO 
Alejandro Sanz

Mejor álbum de rock, urbano o alternativo latino

El mar querer
Rosalía

Mejor álbum de música regional mexicano (incluyendo tejano)
DE AYER PARA SIEMPRE 
Mariachi Los Camperos

Mejor álbum tropical latino

OPUS 
Marc Anthony

A JOURNEY THROUGH CUBAN MUSIC 
Aymée Nuviola

Mejor álbum de bluegrass

TALL FIDDLER 
Michael Cleveland

Mejor álbum de blues tradicional

TALL, DARK & HANDSOME 
Delbert McClinton & Self-Made Men + Dana

Mejor álbum de blues contemporáneo

THIS LAND 
Gary Clark Jr.

Mejor álbum de folk

PATTY GRIFFIN 
Patty Griffin

Mejor álbum de música de raíces regionales

GOOD TIME 
Ranky Tanky

Mejor álbum de reggae

RAPTURE 
Koffee

Mejor álbum infantil

AGELESS SONGS FOR THE CHILD ARCHETYPE 
Jon Samson

Mejor álbum hablado (incluye poesía, audiolibros y cuentacuentos

Becoming 
Michelle Obama

Mejor banda sonora compilada para medios visuales

A STAR IS BORN
Lady Gaga & Bradley Cooper
Paul “DJWS” Blair, Bradley Cooper, Lady Gaga, Nick Monson, Lukas Nelson, Mark Nilan Jr. & Benjamin Rice, productores de compilación; Julianne Jordan & Julia Michels, music supervisors

Mejor banda sonora compuesta para medios visuales

CHERNOBYL 
Hildur Guðnadóttir, composer

Mejor canción escrita para medios visuales

I'LL NEVER LOVE AGAIN (FILM VERSION) 
Natalie Hemby, Lady Gaga, Hillary Lindsey & Aaron Raitiere, compositores (Lady Gaga & Bradley Cooper)
Track from: A Star Is Born

Mejor composición instrumental

STAR WARS: GALAXY'S EDGE SYMPHONIC SUITE 
John Williams, compositor (John Williams)

Mejor arreglo, instrumental o a capela

MOON RIVER 
Jacob Collier, arreglista (Jacob Collier)

Mejor arreglo, instrumental con acompañamiento vocal

ALL NIGHT LONG 
Jacob Collier, arreglista (Jacob Collier Featuring Jules Buckley, Take 6 & Metropole Orkest)

Mejor empaque de grabación

CHRIS CORNELL 
Barry Ament, Jeff Ament & Joe Spix, directores de arte (Chris Cornell)

Mejor empaque en caja o edición especial limitada

WOODSTOCK: BACK TO THE GARDEN - THE DEFINITIVE 50TH ANNIVERSARY ARCHIVE 
Masaki Koike, director de arte (Various Artists)

Mejores notas de álbum

STAX '68: A MEMPHIS STORY 
Steve Greenberg, escritor de notas del álbum (Various Artists)

Mejor álbum histórico 

PETE SEEGER: THE SMITHSONIAN FOLWAYS COLLECTION
Jeff Place & Robert Santelli, productores ; Pete Reiniger, mastering engineer (Pete Seeger)

Mejor ingeniería de grabación para un álbum, no clásico

WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO? 
Rob Kinelski & Finneas O'Connell, ingenieros; John Greenham, ingeniero de masterización (Billie Eilish)

Mejor grabación remezclada

I RISE (TRACY YOUNG'S PRIDE INTRO RADIO REMIX) - 
Tracy Young, remixer (Madonna)

Mejor álbum de audio inmersivo

LUX - 
Morten Lindberg, ingeniero de audio inmersivo; Morten Lindberg, ingeniero de masterización de audio inmersivo; Morten Lindberg, productor de audio inmersivo (Anita Brevik, Trondheimsolistene & Nidarosdomens Jentekor)

Mejor intepretación de R&B

COME HOME
Anderson .Paak Featuring André 3000

Mejor video musical

OLD TOWN ROAD (OFFICIAL MOVIE) 
Lil Nas X & Billy Ray Cyrus
Calmatic, director de video; Candice Dragonas, Melissa Larsen & Saul Levitz, productores de video

Mejor película musical

HOMECOMING
Beyoncé
Beyoncé Knowles-Carter & Ed Burke, directores de video; Steve Pamon & Erinn Williams,productores de video

Mejor intepretación de rock

THIS LAND
Gary Clark Jr.

Mejor intepretación de metal

7EMPEST
Tool

Mejor álbum de teatro musical

HADESTOWN
Reeve Carney, André De Shields, Amber Gray, Eva Noblezada & Patrick Page, solistas principales; Mara Isaacs, David Lai, Anaïs Mitchell & Todd Sickafoose, prodcutores (Anaïs Mitchell, composer & lyricist) (Original Broadway Cast)

Mejor composición clásica contemporánea

HIGDON: HARP CONCERTO 
Jennifer Higdon, compositor (Yolanda Kondonassis, Ward Stare & The Rochester Philharmonic Orchestra)

Mejor compendio clásico

THE POETRY OF PLACES
Nadia Shpachenko; Marina A. Ledin & Victor Ledin, productores

Mejor álbum solista vocal clásico

SONGPLAY 
Joyce DiDonato; Chuck Israels, Jimmy Madison, Charlie Porter & Craig Terry, acompañantes (Steve Barnett & Lautaro Greco)

Mejor canción de rock

THIS LAND
Gary Clark Jr., compositor de canciones (Gary Clark Jr.)

Mejor solo instrumental clásico

MARSALIS: VIOLIN CONCERTO; FIDDLE DANCE SUITE
Nicola Benedetti; Cristian Măcelaru, conductor (Philadelphia Orchestra)

Mejor interpretación de música de cámara/ensambles pequeños

SHAW: ORANGE 
Attacca Quartet

Mejor álbum de rock

SOCIAL CUES
Cage The Elephant

Mejor interpretación coral

DURUFLÉ: COMPLETE CHORAL WORKS 
Robert Simpson, conductor (Ken Cowan; Houston Chamber Choir)

Mejor grabación de ópera

PICKER: FANTASTIC MR. FOX 
Gil Rose, conductor; John Brancy, Andrew Craig Brown, Gabriel Preisser, Krista River & Edwin Vega; Gil Rose, productor (Boston Modern Orchestra Project; Boston Children's Chorus)

Mejor interpretación orquestal

NORMAN: SUSTAIN 
Gustavo Dudamel, conductor (Los Angeles Philharmonic)

Productor del año, clásico

BLANTON ALSPAUGH

Mejor ingeniería de álbum, clásica

RILEY: SUN RINGS
Leslie Ann Jones, ingeniero; John Kilgore, Judith Sherman & David Harrington, ingenieros / mezcladores; Robert C. Ludwig, ingeniero de masterización (Kronos Quartet)