Carlos Miguel Prieto: “el silencio es algo sagrado”

Para Carlos Miguel Prieto, el cuarteto de cuerda es la esencia de la música de cámara y la orquesta es como un cuarteto multiplicado. / Kike Barona

Va a estar al frente como director invitado de la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB), ¿cuáles fueron las razones que tuvo en cuenta para aceptar esta invitación?

Son muchas. Hace mucho tiempo dirigí a la Filarmónica de Bogotá y me llevé una buena impresión por su calidad, su disciplina y su carácter. He estado aquí cuatro veces y soy un amante de su país, conozco su literatura, su gastronomía, que es muy buena, y la amabilidad de la gente. Además, me propusieron programas que son de lo más interesante y se nota que el maestro Josep Caballé está haciendo un buen trabajo, entonces imposible no unirme a este proceso.

La orquesta tendrá un repertorio exigente y diverso al incluir obras de Mahler y Bernstein, ¿cómo han sido las jornadas de ensayo en Bogotá?

Muy buenas. Yo no comparo programas, no sé cuál es más difícil, porque hasta cierto punto el primero, que fue de Bernstein, tiene más obras. El de esta semana contiene dos piezas más exigentes y conocidas. Diría que es realmente impresionante porque tienen muy buena disciplina y ética de trabajo.

Usted comenzó en la música gracias al violín, ¿cómo fue el encuentro con este instrumento?

No me acuerdo mucho, la verdad, porque tenía cinco años, posiblemente fue traumático. Recuerdo que en la adolescencia no quería estudiar, pero siempre lo consideré, y lo sigo haciendo, como un amigo.

¿El hecho de ser violinista le es útil en el momento de enfrentarse a la dirección de orquesta?

Absolutamente. Entiendo cómo hacer las cosas. Me encantaría poder tocar clarinete o corno, trompeta, percusiones, pero me siento más en casa con el funcionamiento de las cuerdas.

Su padre es muy reconocido en el ámbito musical por la interpretación del chelo, ¿para usted, portar el apellido –y también el nombre– ha implicado una carga en algún momento?

La única carga que ha implicado es que al llamarme Prieto Prieto, que en México quiere decir moreno, provocó que en mi niñez me llamaran güero güero. Pero no, al contrario, no ha sido un peso.

Debutó como director en 1996, ¿qué tanto ha cambiado su sentimiento por la música desde entonces?

Uno aprende todos los días, soy mejor de lo que era ayer gracias, en este caso, a la OFB, entonces no me avergüenzo de lo que he hecho. Pero sí me considero una persona que está aprendiendo y que puede estar haciéndolo toda la vida.

Uno de sus maestros es Enrique Diemecke, quien también estuvo al frente de la OFB durante algunos años, ¿cuál ha sido la principal enseñanza de Diemecke en su vida?

Enrique es un músico muy instintivo, lleno de talento y efusividad, eso es algo que me marcó. Además, fue muy generoso conmigo los primeros años. Lo considero un amigo y un gran maestro.

Usted lidera un formato de cámara, el Cuarteto Prieto, ¿qué le atrae de este tipo de formatos reducidos?

Es la esencia de la música de cámara. La orquesta es como un cuarteto multiplicado, entonces ahí está la esencia. Es imposible no hacer este tipo de música, porque pueden escucharse unos a otros y eso es lo que te queda. Aprender a oírse es muy sano, en especial para una orquesta.

Hay muchos directores de orquesta latinos brillando en la escena musical actual (Barenboim, Dudamel, Orozco-Estrada, entre muchos otros), ¿hay algo que los caracterice como directores nacidos en esta parte del universo?

Son tan diferentes cada uno que siempre he rechazado ponerle adjetivos a alguien porque viene de un país o zona. Conozco mucho más a Dudamel personalmente, a Barenboim por sus grabaciones y a Andrés lo admiro por todo el trabajo que ha hecho. Los directores que nombras hacen un gran trabajo con los jóvenes en su país, ahí están el futuro y el presente. Los que somos de América Latina tenemos una tarea enorme con la educación y con nuestra capacidad de enseñar. Ellos merecen toda mi admiración no solo por su carrera, sino por su generosidad con la juventud.

Usted es el fundador del Festival Mozart-Haydn, ¿cuál fue su objetivo al crear el evento?

Este evento duró seis años, pero en mayo estará de regreso luego de un paréntesis de 15 años. El objetivo fue descubrir y presentar las múltiples obras de Haydn, quien tiene 104 sinfonías, y de Mozart. Por eso este festival busca mostrar esas obras con una excelente orquesta y como con una esencia de música de cámara.

Es el director artístico de la Orquesta Juvenil de las Américas (YOA), ¿qué aprende de los músicos más jóvenes o en proceso de formación?

Lo que aprendo de ellos son las ganas, el entusiasmo, el no cansarse fácilmente, el querer siempre superarse y esa búsqueda juvenil. Ellos tienen un nivel profesional increíble, es una orquesta impresionante

¿Qué significa para usted el silencio?

Cuando le pregunta a un músico sobre el silencio, la respuesta en general va a ser que el silencio es parte integral de la música. Para mí es algo que veo también fuera de ella. Por ejemplo, hay personas que consideran a un restaurante fino por su música y más por la música clásica. No hay como el silencio de la naturaleza o el silencio de estar solo o el silencio que rodea la conversación de alguien, el silencio es algo sagrado.

¿Qué proyectos tiene?

Muchísimos. En el verano voy a hacer las nueve sinfonías de Beethoven, vamos a grabarlas y a hacer un proyecto de educación con ellas. Voy a hacer una gira por Europa con la YOA, que oficialmente se llama Orquesta de las Américas, que incluye el festival más importante de verano de Inglaterra en Edimburgo, entre muchos más.