Steve McQueen: “Si tus filmes generan ganancias, puedes hacer de todo”

El director inglés Steve McQueen obtuvo su primer reconocimiento en Cannes en 2008 por su largometraje "Hunger".

Foto: John Russo - Festival de Cannes

Al caer la noche, a cielo abierto y con el incesante oleaje del mar, se proyectó Lovers Rock en la gigantesca pantalla del Cinéma de la Plage, dirigida por Steve McQueen.

Considerado como uno de los directores más relevantes y estimulantes del Reino Unido, McQueen suele mostrar cierta reserva hacia largas entrevistas y exposiciones públicas, por lo que la clase magistral con él como protagonista durante el Festival de Cannes venía a ser una oportunidad única para conocerle más de cerca.

A propósito de Small Axe, el extraordinario fresco cinematográfico compuesto por cinco películas, estrenado en la plataforma Amazon Prime, diría en este encuentro que eran historias de las que había escuchado durante su vida y que “necesitaban ser rescatadas para ser contadas”. McQueen se sumergió en una investigación de hechos reales en la Inglaterra de finales de los 60 y los 70 a través de los cuales se plasma el racismo que permeaba la sociedad de aquel entonces.

Pero no nos engañemos, pone un alto el director afrodescendiente, “esas historias no son reliquias del pasado, más bien son parte de lo que estamos viviendo hoy en día”, sentencia.

Desde que en 2008 ganara la Cámara de Oro en Cannes por su primer largometraje Hunger, Steve McQueen destaca en el panorama cinematográfico por sus propuestas, su estética y su particular mirada. A lo largo de su carrera cinematográfica, el director inglés ha mantenido una constante en su trabajo, en cuanto a forma e historias. “Como en la vida, todo es un esfuerzo”, trataba de darle un toque de rutina a su trabajo aquella tarde en el Festival de Cannes.

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Steve McQueen empezó a hacer cine a los 38 años. Llevaba consigo una sólida carrera como video artista, era reconocido en el mundo de las artes, sin embargo, llegó un momento en el que sintió la imperiosa necesidad de traspasar las fronteras, esas líneas imaginarias que a veces acobardan, otras constituyen el estímulo definitivo para los rebeldes y osados.

Precisamente McQueen está hecho de rebeldía, fascinación, curiosidad y una salvaje osadía. Sentado en el escenario de la Sala Buñuel del Palais des Festivals, el inglés contaría algunos aspectos de su vida profesional, así como de los obstáculos salvados ante prácticamente cada uno de sus proyectos, los cuales se han convertido en grandes referencias cinematográficas pero también en madera para alimentar el fuego de discusiones de temas polémicos.

“He hecho mi mejor esfuerzo para fracasar”, afirma con un dejo de ironía, “en mis películas he hablado de adicción sexual, de huelga de hambre, de esclavitud, de una banda de mujeres atracadoras, todo eso constituía un camino hacia el fracaso, pero no ha sido así”, hacía un balance que le llevaba a un conclusión, “sin embargo resulta que al público le interesan todos esos temas que he tratado en mis películas”.

Una cosa pone en claro, “yo no hago Disney”, metaforiza con relación a las historias de sus filmes, “porque la realidad es como es, así es el mundo y no como la gente desea que fuera”, sentencia con sabiduría. Y aprovechando la mención de ese gran estudio y marca cinematográfica, en una hipotética versión de Los vengadores en manos de Steve McQueen afirma que “todos los personajes morirían”, aseguraba riéndose.

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“Existe una diferencia entre cineastas y hacedores de películas, así como entre contenido y arte, como espectador tienes que decidir”, con estas palabras McQueen conseguía otra de las tantas ovaciones que tuvo aquella tarde.

Mantenerse en movimiento

Con la sala llena de gente embelesada escuchándole, Steve McQueen sacó del baúl de los recuerdos una anécdota relacionada con 12 años de esclavitud (2013), la cual marcaría su futuro e influenciaría de alguna u otra forma la industria cinematográfica.

McQueen recuerda que varios productores le pusieron a su proyecto la estampa de imposible, vaticinándole un rotundo fracaso. “Me dijeron que una historia con protagonistas negros no vendería a nivel internacional, y que en EE.UU. lo veían muy cuesta arriba, en fin, que no podría generar nada de dinero, pero se equivocaron”, rememora el realizador con media sonrisa. Basta con darle un repaso a las cifras de recaudación que solamente en EE.UU. ascienden a 58 millones de dólares y a nivel mundial se sitúa en 200 millones, además de todos los galardones conseguidos incluidos tres Óscars.

“Hay que arriesgar y ofrecer otras historias para que al menos el público tenga la opción de verlas y no rechazarlas cuando apenas son una idea”, sentencia McQueen recordando que 12 años de esclavitud cambió el orden de las cosas en el sacrosanto mundo del negocio del cine.

La industria cinematográfica con su cara menos romántica y más realista, es la del negocio. “Todo es cuestión de dinero, si tus filmes generan ganancias, puedes hacer de todo”, enfatiza y recuerda que a partir del éxito de 12 años de esclavitud, protagonizada por Chiwetel Ejiofor, otras películas con características similares y consideradas riesgosas pudieron ser realizadas.

Steve McQueen se expresa sin rodeos, va al grano, no ornamenta los hechos y realidades menos amables y hasta desagradables que forman parte del cine y su industria, y menos cuando se trata de realizadores afrodescendientes.

Refiriéndose a estos, afirma que esas voces siempre han estado allí, pero la diferencia entre antes y ahora es que actualmente existe la posibilidad de que sus proyectos cinematográficos puedan hacerse realidad y por supuesto generar un beneficio financiero.

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“Tuvimos que demostrar que las películas con protagonistas negros tienen la capacidad de hacer dinero”, reitera recordando que uno de los factores que influenciaron la realización 12 años de esclavitud (basada en la autobiografía del abolicionista negro Solomon Northup) fue que para aquel entonces el inquilino de la Casa Blanca era Barak Obama.

Steve McQueen cuenta que desde niño se le desarrolló su capacidad de observación, así como la fascinación hacia la imagen, dos características que de por sí debe poseer un artista. “Como director y contador de historias me fascina la cantidad de capas que pueden existir en una sola imagen”, afirma quien descubrió su amor hacia el cine viendo películas en la televisión, pero desde su posición de reputado artista del séptimo arte reitera que “el cine en pantalla grande no tiene parangón, el experimentar la calidad del sonido y la imagen más grande que tú mismo, así como formar parte de la reacción de la audiencia”, describe y compara tal experiencia con la poderosa sensación que se tiene al contemplar una obra de arte en un museo después de haberla visto impresa en un libro o en una revista.

El repaso por sus películas le llevaría una y otra vez a la recurrente lucha por sacar adelante sus proyectos, algo que para él tiene que ver con el ejercicio de la libertad.

“La libertad es conseguir lo que queremos, lo que necesitamos o al menos lograr aquello que podríamos obtener”, se acercaba con ello a un manifiesto casi filosófico, “si te quedas quieto, nada va a suceder, pero si te mueves, algo ocurrirá, por eso para mí se trata de permanecer en constante movimiento, y hacer películas es una de las mejores formas para lograrlo”.

*Reportera en Cannes.