La artista plástica colombiana Beatriz González, una de las figuras más valientes y vanguardistas del arte latinoamericano, murió el viernes 9 de enero a sus 93 años. La carrera de González, que se extiende por más de seis décadas, es un ejemplo de potencia para las artistas de la región y un orgullo para Colombia. González arranca estudiando Arquitectura en Bogotá, pero luego de tomar un curso con Marta Traba sobre el renacimiento en Italia, entra a estudiar Artes Plásticas en Los Andes, en donde también toma clases de Filosofía, y quince años después hace su primera exposición en el Museo de Arte Moderno.
Marta Traba decía que González, como alumna, era “ácida, inteligente, nerviosa y culta”, con una “visión corrosiva de la vida colombiana”. En 1973, cuando González expone de nuevo en el Mambo, junto a Luis Caballero, Traba le pregunta cuál es la función del artista en la sociedad colombiana de ese entonces y González contesta que es “ver a su alrededor y no incorporarse con mansedumbre a lo que llega por todos los medios de comunicación”. Para González, la Colombia de ese entonces, con un gremio artístico aún incipiente, era el espacio ideal para desarrollar su obra porque: “No existe el comercio de la obra de arte, no existen los mecenas y lo que es más importante, no existe la crítica, ni las publicaciones de arte. Y la prensa ignora el arte o lo trastoca todo. Entonces el artista puede, como en ninguna otra parte del mundo, tener libertad. Una libertad tan rara como la del primer día en el paraíso”. El mundo hoy la describe como una pionera del pop latinoamericano o como una exploradora del kitsch, y sí, pero esas son etiquetas que se asignan desde afuera, pues González no estaba afiliada a estos movimientos: estaba siguiendo su propio camino, por el que llegó a conclusiones que podían verse similares pero que tenían una distinta voz latinoamericana.
Cuando González encuentra su voz, quizás con Los suicidas del Sisga, da un giro copernicano hacia lo popular, sus colores eran los mismos que veía en las vitrinas de los comercios de Bucaramanga, y sus materiales también cambian: “El lienzo y óleo resultaron ser demasiado finos, por lo que fue necesario reemplazarlos. Sustituí el exquisito lienzo belga por láminas de metal de vallas comerciales y cambié la refinada pintura al óleo por esmalte sintético”. Luego González experimenta con muebles y objetos cotidianos, y con sus grandes telones se pregunta: “¿Cómo nos llega el arte a nosotros?”, nosotros la Latinoamérica barroca que admira, copia, apropia y remixea, “que se mueve entre la violencia y la decoración”.
Hay una cita famosa de Toni Morrison que, para mí, resume la obra de González: “Este es precisamente el momento en que los artistas trabajamos. No cuando todo va bien, no cuando el panorama se ve soleado, sino cuando es difícil. (...) No hay tiempo para la desesperanza ni para autocompadecerse; nadie necesita silencio; no hay espacio para el miedo. Hablamos, escribimos, hacemos lenguaje. Así es como las civilizaciones sanan”. Si algo caracterizó toda su obra, fue su compromiso con no dejar de ver y señalar. La artista contó muchas veces que la violencia y la política se hicieron ineludibles en su obra después de la tragedia del Palacio de Justicia: “Volví a la pintura, al óleo sobre papel y sobre lienzo. El tema: la violencia que estábamos viviendo y a la que estábamos expuestos todos”. González mantuvo siempre la mirada en esos momentos de tragedia, injusticia y turbulencia, los dejó en el testimonio y en la memoria, y ese es el legado que nos deja para la construcción de nuestra humanidad.
