Amigos desde los 12 años, los mendocinos de Usted Señalemelo pasaron de tocar en los recreos del colegio a liderar la renovación del rock argentino con una nominación al Latin Grammy bajo el brazo.
Con una nominación al Latin Grammy a sus espaldas y el estatus de ser una de las bandas más innovadoras del rock argentino actual, Usted Señalemelo ha decidido romper sus propios esquemas.
Luego de su álbum Tripolar, el trío mendocino regresa con una propuesta radicalmente distinta: un álbum oscuro y tecnológico que explora nuestra alarmante sumisión a las pantallas bajo el concepto de “Términos y condiciones”.
En medio de esta evolución hacia un sonido más digital y disruptivo que desafía a los puristas del género, la banda confirma su regreso a Colombia para presentarse el 11 de junio en Bonfire en Bogotá y el 12 de junio en La Pascasia (Medellín). En esta charla, Juan Saieg (vocalista y tecladista), Gabriel “Cocó” Orozco (guitarrista, bajista y coros) y Lucca Beguerie Petrich (baterista y percusionista), desentrañan su reciente alianza con el vocalista Portugal. The Man, el fin de las barreras idiomáticas en el indie global y el arte de provocar a través de los sintetizadores.
Es un gusto volverlos a ver. Tuve la oportunidad de verlos en Chicago durante Lollapalooza 2023 y en el sideshow donde le abrieron a Portugal. The Man. Ha sido muy increíble ver su evolución desde entonces. A propósito de esa conexión, ¿cómo fue trabajar con John Gourley, vocalista de Portugal, en “Dando Vueltas”?
Sos la primera persona que nos dice que estuvo ese día en ese show. ¡Buen show ese! Como bien decís, esa noche fue increíble porque era nuestra primera gira por Estados Unidos. Ya veníamos hablando con los chicos de Portugal. The Man por Instagram cuando nos enteramos del concierto y ya eran super buena onda sin habernos conocido personalmente. Esa noche ellos vieron nuestro show, les encantó la banda, y nosotros los vimos a ellos en vivo por primera vez. Fue impresionante.
Se generó muy buena química y quedamos en hacer música a la distancia. Ellos estaban escuchando mucha música alternativa en español, muy abiertos a colaborar con gente que está fuera de su cotidianidad. John es un increíble ser humano. A la primera que le dijimos que se sumara, ni lo dudó. Cuando hay esa predisposición, sin esperar nada a cambio más que la conexión musical, todo fluye.
Este año también vimos la colaboración de Gorillaz con Trueno. Pareciera que el dilema de las bandas latinas sobre si cantar en español para ser auténticos o en inglés para el mercado comercial se ha roto. ¿El “spanglish” o la mezcla de idiomas se está volviendo el nuevo lenguaje del indie rock global?
Sí, totalmente de acuerdo. La barrera del idioma está cada vez más rota. De parte de los angloparlantes hay un interés especial por la cultura en español desde todo tipo de géneros. Hoy la globalización y el internet han acortado esas distancias para que el encuentro sea puramente musical.
Como argentinos y latinos, siempre escuchamos música en inglés y fue una normalidad desde que nacimos. Ahora se está mezclando. Desde ambos lados se escucha español con naturalidad, impulsado también por el hecho de que el español domina el Top 10 global en este momento. Es muy lindo ser parte de eso, y más con los chicos de Portugal. The Man, de quienes éramos fanáticos.
¿Sienten entonces que los artistas anglo dejaron de ver a los músicos en español como una “experiencia exótica” y ahora los ven como pares creativos en el proceso?
Fue bastante natural y, en el caso con ellos, hasta excepcional. No siempre coinciden los tiempos de los artistas, la logística de las discográficas o la predisposición. Con ellos ni siquiera nos pudimos juntar en persona, fue todo a la distancia. Valoramos un montón su actitud porque no hubo ni un solo pedido o traba. Se portaron muy bien y nos sirve para aprender cómo manejarnos el día de mañana.
La crítica de la revista Rolling Stone decía que su álbum anterior, Tripolar, había sido una respuesta luminosa a una época oscura post-cuarentena. Estéticamente, ¿cómo se comporta este nuevo disco frente al presente actual?
Nos costó encontrar el concepto, pero lo logramos bajo el concepto de “Términos y condiciones”: el uso de datos de la gente, cómo estamos absorbidos por una pantalla y aceptamos cosas sin leer, regalando nuestra privacidad en cualquier segundo, incluso en este Zoom.
Nos parecía una temática oscura y, a la vez, hasta cómica y burlesca para reflejar en vivo. Creativamente, decidimos pasar todo lo que habíamos grabado de forma analógica a lo digital, procesándolo para llevarlo hacia un mundo más tecnológico o inclusive cyborg. En vivo vamos a estar tocando los tres solos como un formato de “hombre orquesta” pero de a tres: Luca toca sintetizadores mientras toca la batería, Cocó toca sintes, piano y guitarra, y yo también me sumé a las teclas.
Me metí a su página web y me encantó el diseño porque representa precisamente esa experiencia inmersiva: si no aceptas los “términos y condiciones”, no puedes entrar y te pierdes de todo. ¿Cómo nació esa propuesta digital?
Qué bueno que entraste a la página, hay pocas personas que llegan hasta ahí y fue un laburazo. Es la primera vez como proyecto que logramos englobar todas las áreas con la misma estética. Queríamos que desde el inicio del disco la temática, el diseño web y el show en vivo hablaran de lo mismo. El concepto engloba esas cosas que están ahí para leerlas pero que generalmente elegimos ignorar, entregando nuestra información a gente que puede hacer lo que sea con ella. El show en vivo lo venimos trabajando hace seis o siete meses para que mantenga esa misma comunicación.
En un disco con un proceso digital tan fuerte, ¿cómo logran que la máquina no le gane a la emoción humana en vivo? A veces a las bandas de rock les da miedo que lo electrónico diluya la expresividad.
Fue difícil de lograr, pero la expresividad hoy en día se puede moldear muchísimo a través de lo digital. Si bien somos una banda de rock, siempre fuimos abiertos a escuchar de todo. Dentro de la música electrónica podés transmitir, inclusive, más sentimientos que con un instrumento orgánico. Lo electrónico te llega mucho más directo al cuerpo. Hace unas semanas tocamos el disco en vivo y sentíamos que la gente reaccionaba con otra energía a los bajos sintetizados. Somos muy amantes de Daft Punk, una banda que transmite una emoción tremenda a pesar del enorme proceso de computadora que tiene. No le teníamos miedo a eso.
Experimentar tanto siendo una banda que viene del formato de guitarras puede ser riesgoso por el purismo de los fans… le ha pasado a The Strokes…
Siento que los rockeros de alguna manera siempre coquetean con los sintetizadores o la música electrónica; es algo sano. Por ejemplo, “Matarme con vos” era una canción que tenía un montón de guitarras y en un momento dijimos: “Saquémoslas todas”. No importa si el fan se enoja, mejor. Buscábamos una provocación. Las guitarras que sí quedaron en el disco tienen un trabajo muy especial que un guitarrista va a apreciar, y en vivo se nota más. Sabíamos que iba a generar polémica, pero los verdaderos fans terminan adaptándose. El oído se acostumbra y la gente lo termina disfrutando.
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